Die 50 besten Live-Alben aller Zeiten
ROLLING STONE kürt die 50 besten Live-Alben aller Zeiten – von Hendrix in Monterey bis Cash in Folsom. Rangliste.
20. Bruce Springsteen & the E Street Band, „Live/1975-85“ (1986)
Bruce Springsteen, der einmal sagte: „Ich kann mir nichts Geringeres erlauben, als die beste Live-LP aller Zeiten zu produzieren“, hatte bei seinem ersten Live-Album viel zu beweisen. Er hatte sich mit seinen Live-Shows einen Namen gemacht, und als es darum ging, dies auf einer Platte zu demonstrieren, dachte er groß.
Er stellte 40 Songs zusammen, die von Hollywood-Gin-Bars bis zu Arenen in Jersey, von Boardwalk Hood Rat bis zu Rambo Bruce reichten und fünf LPs (oder drei CDs). Den Kern dieser epischen Box bilden vier aufeinanderfolgende Songs: „Born in the U.S.A.“, „Seeds“, „The River“ (mit einer tiefgründigen Geschichte über Springsteen, seinen Vater und die Wehrpflicht) und Edwin Starrs „War“.
„Diese vier Songs zusammen erzählten verschiedene Dinge, Dinge, die man noch nie zuvor auf einem unserer Alben gehört hatte“, sagte Manager/Produzent Jon Landau. RJ Smith
19. Grateful Dead, „Europe ’72“ (1972)
Steppin‘ Out war der ursprüngliche Titel dieser dreifachen Vinyl-Zusammenfassung der ersten ausgedehnten Europatournee der Dead. Mit Bill Kreutzmann, der nach dem Ausscheiden von Mickey Hart meisterhaft alleine trommelte, und ergänzt durch Keith Godchauxs elegantes Klavier, tendierten die Dead zu dem reduzierten Sound, den sie auf ihren vorherigen Studioalben „Workingman’s Dead“ und „American Beauty“ perfektioniert hatten.
Tatsächlich vervollständigt „Europe ’72“ wohl eine Acid-Americana-Trilogie, da es eine Handvoll sepiafarbener neuer Stücke enthält: „He’s Gone”, „Jack Straw”, „Brown-Eyed Women”, „Ramble on Rose” und „Tennessee Jed”. Außerdem wurden fast alle Geräusche des Publikums entfernt und es enthält genügend Overdubs nach der Tour (hauptsächlich im Gesangsbereich), um einen Live-Studio-Hybrid zu suggerieren, mit Jerry Garcias fröhlich-apokalyptischem „Morning Dew“ als atemberaubender Abschluss.
Das meistverkaufte Live-Album der Dead war auch die letzte Aufnahme der Gruppe mit dem Sänger und Keyboarder Ron „Pigpen“ McKernan, der im folgenden Jahr verstarb. Richard Gehr
18. Jimi Hendrix, „Jimi Plays Monterey“ (1986)
Diese neun Songs aus der legendären, Gitarren-zerstörenden Show von 1967 sind in vielen Ausgaben erschienen, zuerst als unvollständiges Historic Performances Recorded at the Monterey International Pop Festival, ein wunderbar seltsames Split-Album, das etwa die Hälfte des Sets der Jimi Hendrix Experience und das gesamte Set von Otis Redding enthielt.
Die vollständige Ausgabe von 1986 war die erste vollständige Aufführung, in der Hendrix den Blues aktualisiert („Killing Floor”), seinen Helden Bob Dylan lobt („Like a Rolling Stone”), einen Garagenrock-Standard in elektrische Trauer verwandelt („Hey Joe”) und einen anderen in Feedback tränkt, bevor er ihn in Feuerzeugbenzin tränkt und die wichtigste freie Noise-Coda schafft, die jemals auf Band aufgenommen wurde („Wild Thing”). Joe Gross
17. The Rolling Stones, „Get Yer Ya-Ya’s Out!” The Rolling Stones in Concert (1970)
Der Bluesgitarrist Mick Taylor war 1969 zu den Rolling Stones gestoßen, und sie fanden zu einem neuen, tiefen Groove, der von Gitarren angeheizt wurde, die sich wie Vielfraße in einem Fass gegenseitig bekämpften. Das Konzept von Ya-Ya’s bestand lediglich darin, ihren brillanten Sound zu dokumentieren: „Es ist so unverfälscht wie möglich“, sagte Keith Richards.
Live war jeder Teil der Band lauter und aggressiver; noch nie zuvor hatte Schlagzeuger Charlie Watts so selbstbewusst geklungen. Bassist Bill Wyman zu Goldmine: „Die Stones waren damals die beste Live-Band überhaupt … Charlie und ich waren immer voll dabei, immer auf dem Punkt, immer zusammen und hatten alles im Griff. Wenn wir uns einig waren, haben wir es richtig gemacht.“
Aufgenommen nur eine Woche vor Altamont, spielen die Rolling Stones zwei Chuck-Berry-Songs, „Sympathy for the Devil“, „Stray Cat Blues“ und das vielleicht definitive „Midnight Rambler“. RJ Smith
16. Jerry Lee Lewis, „Live at the Star Club, Hamburg“ (1964)
Aufgenommen in einem der Hamburger Clubs, in denen die Beatles zwei Jahre zuvor ihre ersten Erfahrungen gesammelt hatten, bleibt „Live at the Star Club“ eine der mitreißendsten Darbietungen der ersten Klasse der Rock & Roll Hall of Fame. Das Konzert fand sechs Jahre nach dem Karriereeinbruch der Rockikone statt, nachdem die Öffentlichkeit erfahren hatte, dass er seine 13-jährige , aber mit 28 Jahren war Lewis musikalisch auf dem Höhepunkt seiner Karriere.
Er rast in weniger als zwei Minuten durch „Great Balls of Fire“ und klingt, als würde er sein Klavier in „Whole Lotta Shakin‘ Goin‘ On“ auseinandernehmen. Und mit seinen wilden Coverversionen von „Money“ und „Hound Dog“ begeistert er das Publikum, das ihn durchgehend bejubelt. „Oh Mann, das war eine Wahnsinnsplatte“, sagte er in seiner 2014 erschienenen Halbautobiografie. Kory Grow
15. John Coltrane, „Live! At the Village Vanguard“ (1962)
Die vier Nächte im November 1961, in denen John Coltrane und verschiedene Besetzungen seiner Gruppe in einem Club in Manhattan aufgenommen wurden, brachten viel mehr Musik hervor als die drei Titel hier – auch der größte Teil seines nachfolgenden Albums „Impressions“ stammt aus diesen Auftritten.
Aber „Live! At the Village Vanguard“ ist ebenso sehr ein Plädoyer wie ein Album. Zu dieser Zeit war die Jazzwelt bitter gespalten darüber, ob John Coltranes ausgedehnte, diskursive Soli brillante Innovationen waren oder, wie eine Rezension das Album nannte, „musikalischer Unsinn … der im Namen des Jazz verkauft wird“. Als das Magazin „DownBeat“ Coltrane nach der Veröffentlichung des Albums aufforderte, sich zu verteidigen, erklärte er geduldig, dass „das Wichtigste, was ein Musiker tun möchte, darin besteht, dem Zuhörer ein Bild von den vielen wunderbaren Dingen zu vermitteln, die er im Universum kennt und spürt“.
Die Musik auf „Live! At the Village Vanguard“ bringt es noch deutlicher auf den Punkt: Wir sind der Zug in die Zukunft, und Sie sollten uns besser folgen. Douglas Wolk
14. Sam Cooke, „Live At the Harlem Square Club, 1963“ (1985)
Der elegante Sam Cooke war einer der erfolgreichsten Crossover-R&B-Stars der Sechzigerjahre. An diesem Januarabend 1963, als er vor einem schwarzen Publikum in einem überfüllten Club in Miami auftrat, ließ er seine raue, gefühlvolle Seite zum Vorschein kommen („kämpft nicht dagegen an“, sagte er zum Publikum, „wir werden es fühlen“).
. Cookes Verbindung zum begeisterten Publikum ist elektrisierend, die Band swingt wie verrückt und seine Versionen von Klassikern wie „Having A Party” und „ Bring It On Home To Me“ rocken so hart wie alles andere, was zu dieser Zeit angesagt war.
RCA Records fand das Ergebnis zu intensiv für sein Pop-Image und legte die Aufnahme auf Eis – als sie schließlich ein Live-Album veröffentlichten, war es das vergleichsweise zurückhaltende At the Copa aus dem Jahr 1964. Das Album wurde schließlich 20 Jahre später veröffentlicht und von der Kritik gefeiert. Jon Dolan
13. Cheap Trick, „At Budokan“ (1979)
Ende 1978 hatten Cheap Trick drei Alben veröffentlicht und einen großartigen Katalog mit Songs wie „Surrender” und „I Want You to Want Me”, aber sie hatten noch kein großes Publikum in Amerika erreicht. In Japan hatten sie jedoch eine riesige Fangemeinde und wurden bei ihrer Ankunft im April desselben Jahres wie die Beatles gefeiert, was zu einer wilden Musiknacht im Nippon Budokan in Tokio führte.
Ursprünglich nur in Japan veröffentlicht, brachte das Label das Album klugerweise auch in Amerika heraus, nachdem Radiosender begonnen hatten, die Live-Version von „I Want You to Want Me” zu spielen, und Importkopien zu enorm überhöhten Preisen verkauft wurden. Das Album erschien im Februar 1979 in den USA, und „I Want You To Want Me“ erreichte Platz sieben der Hot 100.
Auch ihre Coverversion von „Ain’t That A Shame“ von Fats Domino wurde rauf und runter gespielt. „Wir beherrschten dieses Material“, sagte Gitarrist Rick Nielsen 2013. „Wir spielten überall, wo wir konnten, tourten ununterbrochen und wussten, was wir taten.“ Andy Greene
12. Muddy Waters, „At Newport 1960“ (1960)
Bob Dylan, der beim Schwesterfestival von Newport zur E-Gitarre griff, ist in aller Munde, aber Muddy Waters war ihm mit seiner elektrischen Gitarre um fünf Jahre voraus. Auf dem Höhepunkt des Folk-Revivals brachte die Chicagoer Electric-Blues-Ikone eine verstärkte, erschreckend kraftvolle Combo zum Newport Jazz Festival.
Zwischen Waters‘ bulliger Stimme, seiner schneidenden Gitarre und seiner swingenden Band konnte niemand stillstehen, nicht einmal Muddy selbst – während „I’ve Got My Mojo Working“ verließ er das Mikrofon lange genug, um mit dem Mundharmonikaspieler James Cotton eine Drehung zu machen, während das Publikum jubelte. Zum Finale schrieb der Dichter Langston Hughes spontan „Goodbye Newport Blues”, und der Pianist Otis Spann sang es, weil Waters nach „Mojo” zu erschöpft war, um noch etwas zu singen.
At Newport wurde schnell zu einem Leitfaden für junge Blues-Rock-Enthusiasten: Keith Richards und Mick Jagger gehörten zu denen, die genau hinschauten. David Menconi
11. Talking Heads, „Stop Making Sense” (1984)
Im Laufe von „Stop Making Sense“ wachsen die Talking Heads allmählich von David Byrne mit einer Akustikgitarre und einer Boombox zu einer hochkarätigen neunköpfigen Funk-Maschine heran – die Band wird unter anderem durch den Keyboarder Bernie Worrell von Parliament-Funkadelic und den Gitarristen Alex Weir von Brothers Johnson ergänzt.
„Wenn sich der Vorhang öffnete und alles schon da wäre, gäbe es keinen Platz mehr, wohin man gehen könnte“, sagte Byrne einmal in einem Pseudo-Interview mit sich selbst. „[Der Film] erzählt die Geschichte der Band und wird im Laufe der Handlung immer dramatischer und körperlicher. Es ist wie 60 Minutes auf Acid.“ Unter der Regie des späteren Oscar-Preisträgers Jonathan Demme kombinierte der von der Band finanzierte Konzertfilm Aufnahmen von drei Shows im Hollywood Pantages Theater, die 1983 zur Unterstützung von Speaking in Tongues stattfanden.
„Es war auch die Entscheidung der Band, den Film in sehr kleinen College-Kinos und Programmkinos im ganzen Land zu zeigen, anstatt zu versuchen, ihn groß herauszubringen“, erzählte Schlagzeuger Chris Frantz später Rolling Stone. „Das ist einer der Gründe, warum es so erfolgreich war: Es konnte lange in Kunstkinos laufen. Das Publikum kam immer wieder.“ Auch ohne das Bild von Byrnes kühlschrankgroßem Anzug zeigt dieses Album den manischen kreativen Höhepunkt der Band. Reed Fischer
