Die 50 besten Live-Alben aller Zeiten
ROLLING STONE kürt die 50 besten Live-Alben aller Zeiten – von Hendrix in Monterey bis Cash in Folsom. Rangliste.
10. Nirvana, „MTV Unplugged in New York“ (1994)
Ohne den Fuzz und die Prahlerei waren Nirvana nichts als rohe Emotionen. Für eine Aufzeichnung der MTV-Serie „Unplugged“ gaben sie die legendärste Performance ihrer kurzen Karriere und reduzierten Deep Cuts und ausgewählte Coverversionen auf Akustikgitarren, sanft gespielte Drums und Kurt Cobains raue, herzzerreißende Stimme.
Als Special Guests und Underground-Helden begleiteten die Meat Puppets die Band auf der Bühne bei drei Songs („ [Die MTV-Verantwortlichen] dachten, ein Bus aus Seattle würde kommen und Alice in Chains, Pearl Jam und Soundgarden würden alle herauskommen und mit Nirvana jammen”, sagte Regisseurin Beth McCarthy-Miller lachend), aber es ist die eindringlich verstörende Darbietung des Leadbelly-Arrangements von „Where Did You Sleep Last Night”, die die Show stiehlt und die ikonischste Folge der Serie mit einer beunruhigenden Note abschließt.
Wie Charles Cross in seiner Biografie über Cobain, Heavier Than Heaven, enthüllte, war die melancholische Natur der Show ästhetisch beabsichtigt: Der Sänger bestätigte den Produzenten der Show, dass das Set „wie eine Beerdigung“ dekoriert werden sollte. Brittany Spanos
9. Bob Dylan, „The Bootleg Series, Vol. 4: Bob Dylan Live 1966: The ‚Royal Albert Hall Concert‘“ (1998)
In den drei Jahrzehnten vor seiner offiziellen Veröffentlichung im Jahr 1998 war dies das berühmteste Live-Bootleg, das sowohl Mythen (ein Zwischenrufer nennt Dylan „Judas”; Dylan schreit zurück: „Ich glaube dir nicht! Du bist ein Lügner!“) und Mythen (es wurde in Manchester aufgenommen, nicht in der Londoner Royal Albert Hall).
Der Legende nach fühlten sich Dylans alte Fans durch seinen Wechsel vom akustischen Folk-Revival zum elektrischen Rock ’n’ Roll betrogen, und er und seine neue Band (die sich hauptsächlich aus Mitgliedern der Gruppe von Ronnie Hawkins zusammensetzte) ein feindseliges Publikum mit Gewalt für sich gewinnen mussten. Tatsächlich eröffnete er die Show, wie jede Show auf dieser Tournee, mit einem Akustik-Set.
In der elektrischen Hälfte des Konzerts wird er jedoch manisch und fesselnd und spuckt jedes Wort wie einen Fluch aus. „Es könnte Arsen-Musik sein, oder vielleicht Phaedra-Musik“, sagte er in diesem Jahr gegenüber Playboy. „Folkmusik ist ein Haufen fetter Leute.“ Douglas Wolk
8. MC5, „Kick Out the Jams“ (1969)
Vergessen Sie Flower Power, der krachende Start der ersten 10 Minuten des Debüts der MC5 ließ die Garagenrocker dieser Zeit im Vergleich dazu schwach und zaghaft erscheinen. „Ich will eine Revolution hören“, schreit der kompromisslos militante Sänger Rob Tyner und zitiert dabei Eldridge Cleaver. Und obwohl nicht jeder bereit für eine Revolution war – Lester Bangs schrieb 1969 in Rolling Stone, dass die Motor City 5 Lärm und Aggression nutzten, um „einen Mangel an Ideen zu verbergen“.
– zeigt die Geschichte, dass das Album den Underground-Rock an den Rand der Aggression trieb. Heute mag das kurios erscheinen, aber der Befehl zu Beginn – „Kick out the jams, motherfuckers!“ – verärgerte das Label der Band, Elektra, so sehr, dass das Unternehmen sowohl eine bearbeitete als auch eine unbearbeitete Version vorbereitete. Peter Doggett berichtet in seinem Buch There’s a Riot Going On: Revolutionaries, Rock Stars and the Rise and Fall of ’60s Counter-Culture, dass eine unbearbeitete Charge an die Einzelhandelskette Hudson’s.
Als diese die Ware zurückschickte und sich weigerte, eine der beiden Versionen zu verkaufen, hatte die Band eine noch deutlichere Botschaft für sie in einer Reihe von landesweiten Anzeigen: „Fuck Hudson’s!“ Arielle Castillo
7. Grateful Dead, „Live/Dead“ (1969)
Live/Dead war vielleicht nicht das erste Beispiel dafür, dass eine Band ihre Studio-Rechnungen mit einer relativ kostengünstigen Live-Veröffentlichung refinanzierte, aber es war möglicherweise das erfolgreichste. Die Grateful Dead – mit 180.000 Dollar Schulden bei Warner Bros. – nutzten Anfang 1969 die erste mobile 16-Spur-Anlage.
„Wir wollten eine ernsthafte, lange Komposition, musikalisch gesehen, und dann eine Aufnahme davon“, sagte Jerry Garcia. Das Doppelalbum „Live/Dead“ beginnt mit dem seitenlangen „Dark Star“, erkundet den Kosmos weiter in „St. Stephen“ und „The Eleven“, fährt fort mit Ron „Pigpen“ McKernans lasziver, seitenlanger Interpretation von Bobby „Blue“ Blands „Turn on Your Love Light“ und bringt alles mit einem Blues von Rev. Gary Davis, gefolgt von „Feedback“ und einem A-cappella-Stück „And We Bid You Goodnight“ zurück.
Auf der bis dato besten Werbung für die Live-Fähigkeiten einer Band bewiesen die Dead, dass sie sowohl ernsthafte Avantgardisten als auch makellose Roots-Revisionisten waren – und verbrachten den Rest ihrer Karriere damit, dies auf der Bühne zu bekräftigen. Richard Gehr
6. Kiss, „Alive!“ (1975)
„Ihr wolltet das Beste, und ihr habt es bekommen – die heißeste Band des Landes!“ Von diesem prahlerischen Intro bis hin zu Gitarrist Paul Stanleys Scherzen über die Lieblingsgetränke der Zuschauer fasst Alive! Kiss‘ raues Repertoire der frühen 70er Jahre und ihren überdimensionalen Charme gekonnt zusammen – und so wurde die Doppel-LP von 1975 zum ersten Top-10-Album der Band.
Kraftvolle Interpretationen von Glam-Klassikern wie „Strutter“ und „Cold Gin“ zeigen, wie viel Schweiß jeden Abend in das Make-up der Bandmitglieder floss. Bis heute wird darüber diskutiert, wie sehr das Album im Studio nachbearbeitet wurde, aber das hat seinem Vermächtnis keinen Abbruch getan.
„Alive!“ hat nicht nur mehrere Fortsetzungen hervorgebracht, sondern wird auch von der Kiss-Besetzung von 2015 auf der Kiss Kruise in diesem Herbst komplett nachgespielt werden. Maura Johnston
5. B.B. King, „Live at the Regal” (1965)
Als er im November 1964 die Bühne des legendären Regal Theater im Süden Chicagos betrat, hatte B.B. King bereits 30 R&B-Hits vorzuweisen, war aber in den Pop-Charts kaum vertreten. Kings erstes Live-Album, das an diesem Abend aufgenommen wurde, wurde für viele weiße Hörer zum Einstieg in die Welt des Blues, und Blues-Liebhaber sprechen noch heute mit Ehrfurcht davon.
Eric Clapton soll angeblich „Live at the Regal“ gehört haben, um sich auf seine Shows vorzubereiten. Neulinge trafen auf einen weltgewandten, aber niemals aalglatten Profi, der von einer grandiosen Bläsersektion begleitet wurde und jeden Song mit Klasse und Biss sang, um die jazzigen, prägnanten und dennoch ökonomischen Soli, die er seiner geliebten schwarzen Gibson „Lucille” entlockte, noch besser zur Geltung zu bringen.
Sein Set beginnt hier, wie damals, mit „Everyday I Have the Blues“. Keine Klage, sondern das Prahlen eines Tournee-Arbeitstiers, das jedes Jahr mehr als 300 Shows spielte. Keith Harris
4. The Who, „Live at Leeds” (1970)
The Who verbrachten den größten Teil der Jahre 1969 und 1970 auf Tournee und spielten ihre Rockoper „Tommy” als Mittelpunkt epischer Konzerte. Sie waren zu einer beeindruckend kraftvollen Live-Band geworden, ebenso flüssig wie brutal: vier Zauberer an verschiedenen Ecken der Bühne, die gemeinsam einen goldenen Dämon heraufbeschwören.
Die Originalversion von „Live at Leeds“, aufgenommen bei einem College-Gig am Valentinstag 1970, bestand aus drei Cover-Songs und drei verwandelten Who-Standards, verpackt in einem Cover, das wie eine ungeschminkte Bootleg-LP aussah -all Bootleg-LP (was das Knistern aufgrund eines defekten Kabels erklärte). Wie Sänger Roger Daltrey später sagte, ist es „das Ende einer zweieindreißigstündigen Show … es ist nur der Jam am Ende.“
Tommy selbst wurde weggelassen, obwohl einige seiner Riffs im Laufe eines 15-minütigen Jams auftauchen, der sich aus dem Proto-Punk-Headbanger „My Generation“ entwickelt. Spätere Ausgaben haben nach und nach die anderen 27 Songs hinzugefügt, die an diesem Abend gespielt wurden. Douglas Wolk
3. Johnny Cash, „At Folsom Prison“ (1968)
Cashs Live-Album von 1968 kam genau zum richtigen Zeitpunkt für die Country-Legende, die sich in einer Abwärtsspirale aus Alkohol- und Drogenabhängigkeit befand – ganz zu schweigen von einer Durststrecke, in der er vier Jahre lang keinen Top-40-Hit mehr hatte. Obwohl er zu dem Zeitpunkt, als er nach Folsom kam, bereits seit fast einem Jahrzehnt in Gefängnissen auftrat, erwies sich Cashs erste Live-Aufnahme an dem Ort, der ihn 1955 zu seinem legendären Hit „Folsom Prison Blues“ inspiriert hatte, als genau das, was seine Karriere brauchte.
„Dort habe ich Glenn Sherley kennengelernt“, sagte der Sänger 1973 in einem Interview mit Rolling Stone und bezog sich dabei auf den Häftling aus Folsom, dessen Song „Greystone Chapel“ Cash während des Sets zum ersten Mal spielte. „Dort hat für mich alles wieder von vorne begonnen.“ Brittany Spanos
2. The Allman Brothers Band, „At Fillmore East“ (1971)
Mit den Pabst-trinkenden Roadies auf dem Cover könnte „At Fillmore East“ von den Allman Brothers eine Doppel-LP aus dem Blues -Rock-Zentralcasting stammen könnte, wären da nicht die mitreißenden Jams auf den Seiten B, C und D. Aufgenommen im März 1971 in Bill Grahams East Village-Veranstaltungsort und vier Monate später veröffentlicht, ist es das letzte Album der Allman Brothers unter der Leitung von Bruder Duane, dessen gesprächige, von Coltrane beeinflusste Gitarre dem 23-minütigen „Whipping Post“ eine transformative Anmut verleiht und den Weg über langhaarige Blues-Improvisationen hinaus weist.
„Es ist wie das, was B.B. King auf Live at the Regal gemacht hat, das ist wie ein einziger langer Song, ein riesiger Medley”, sagte Gregg Allman dem Bandbiografen Alan Paul. „Er hat nie aufgehört. Er hat einfach drauf losgelegt.” Auf der Kehrseite steht das Porträt des abwesenden Roadmanagers Twiggs Lyndon Jr., der damals wegen Messerstecherei auf einen Clubbesitzer in Buffalo wegen unbezahlter Einnahmen inhaftiert war. Jesse Jarnow
1. James Brown, „Live at the Apollo“ (1963)
Syd Nathan, Gründer von King Records, lehnte James Browns Idee eines Live-Albums ab – diese hatten sich noch nicht als profitables Unterfangen etabliert, und er interessierte sich zu dieser Zeit nur für Singles. „Niemand glaubte uns – keiner der Führungskräfte des Unternehmens glaubte uns“, erinnert sich Hypeman Bobby Byrd.
„Aber sehen Sie, wir waren da draußen. Wir sahen die Reaktionen, als wir unsere Show aufführten.” Brown finanzierte die Show schließlich selbst und war sogar bereit, sie selbst zu veröffentlichen. Obwohl mittwochs im historischen Apollo Theater in Harlem normalerweise Amateur Night war, befand sich der „Hardest Working Man in Show Business” auf dem Höhepunkt seiner Karriere. Trotz der Laufzeit von 27 Minuten neckte er das Publikum.
Zunächst versucht er, zwischen den mitreißenden Rhythmen seiner Revue, den Famous Flames, und cooler Coolness in formellen Balladen wie „Try Me“ zu wechseln. Je länger er jedoch versucht, sich zurückzuhalten, desto mehr zittert seine Stimme, bis er schließlich nachgibt und schreiend und kreischend bittet und fleht. Christina Lee
