50 Rock-Alben, die jeder Country-Fan besitzen sollte
50 Rock-Alben für Country-Fans – von „Sweetheart of the Rodeo“ bis Kings of Leon: LPs fürs Handschuhfach, die jede Jukebox rocken.
Molly Hatchet, „Flirtin’ With Disaster” (1979)
Mit drei Gitarren, Danny Joe Browns bikerhaftem Stiefvater-Knurren und Frank Frazzettas marodierendem Wikinger-Albumcover verkaufte Molly Hatchet dreckigen Southern Rock mit einem Hauch von Heavy Metal. Auf dem 1979 erschienenen Dreifach-Platin-Album „Flirtin‘ with Disaster”, produziert vom Rock-Veteranen Tom Werman (Ted Nugent, Cheap Trick), bedeutete das schneller, härter und knorriger. Eric Church und Randy Houser würden sich voller Ehrfurcht in einer Ecke ducken.
Der Riff-Lash von „Whiskey Man“ brachte den Motor auf Touren und „One Man’s Pleasure“ wurde so furios funky, wie es sich Florida-Georgia Line nur wünschen konnte; aber der Titel-Track mit seinem wilden Jailbreak machte den Sack zu, wobei Browns existenzielle Texte mit ihrem FTW-Touch den Switchblade-Choogle der Band noch verstärkten.
Außerdem könnte Brown sich auf die Kleinstadt-Schlägereien des Bro-Country bezogen haben, als er „Come on, heeeah!“ während des fröhlichen Stampfen von „Boogie No More“. Diese Jungs wussten, wie man ein Stadion so gemütlich wie eine Honky-Tonk-Bar macht. C.A.
John Cougar, „American Fool“ (1982)
Der spätere Mr. Mellencamp öffnete Nashville einige Jahre später mit seiner „Scarecrow”/„Farm Aid”-Phase die Ohren – „Jackie Brown” stieg 1989 in die Country-Charts ein, und eine Zusammenarbeit mit Travis Tritt im Jahr 2004 war sogar noch erfolgreicher. Aber sein Einfluss war vor allem retrospektiv: Vor allem „Jack & Diane”, die Hymne des Brotkorbs des Mittleren Westens, dessen Kinder hinter dem Tastee-Freez Chili Dogs schlürfen, und die von Mick Ronson unterstützten Riffs, Babyrasseln und Handklatschen dienten als Vorlage für Country-Hits von Sawyer Browns „Some Girls Do” aus dem Jahr 1992 bis zu Randy Housers „Runnin‘ Out of Moonlight” aus dem Jahr 2013.
Kein Wunder, wenn man bedenkt, dass Südindiana im Grunde genommen Kentucky ist. Mit drei Pop-Hits und dem Big-Beat-AOR-Bulldozer „Thundering Hearts“, der es 1982 auf fünf Wochen Platz eins brachte, ist „American Fool“ immer noch das Coug-Album, an das sich die meisten Leute erinnern – auch wenn sein Schöpfer unter einem späteren Nachnamen respektabler wurde. C.E.X, „Under the Big Black Sun“
X, „Under the Big Black Sun” (1982)
Dies war das Major-Label-Debüt der Punkband aus der Westküste, und es knistert vor ebenso viel rasender Hingabe wie seine Vorgänger, „Los Angeles” aus dem Jahr 1980 und „Wild Gift” aus dem Jahr 1981.
Aber die Country-Einflüsse (die in ihrem Nebenprojekt The Knitters Mitte der 80er Jahre noch deutlicher werden sollten) kommen in den klagenden Stimmen von John Doe und Exene Cervenka zum Ausdruck, die die Appalachen-Gesangsharmonien der Carter Family mit Billy Zooms Chuck-Berry-artigen Gitarrenriffs kombinieren. „The Hungry Wolf“ klingt wie eine unheilige Mischung aus Murder Ballad und Death Metal. D.M.
Bruce Springsteen, „Nebraska“ (1982)
Springsteens Instinkt als Geschichtenerzähler, der die stille Verzweiflung der Arbeiterklasse widerspiegelt, ist eindeutig countrylastig; und natürlich haben unzählige Country-Stars seine Werke gecovert – Eric Church hat sogar einen Hit nach ihm benannt! Aber „Nebraska”, aufgenommen ohne die fieberhafte, saxophonreiche Prahlerei der E Street Band, zeichnete sich durch seine karge Zurückhaltung aus.
Tatsächlich veröffentlichte Springsteen einfach seine ursprünglichen Vier-Spur-Demos. Mit nichts weiter als einer Akustikgitarre und seiner müden Stimme vermittelte er die erschreckende Schönheit von „Atlantic City“ („Everything dies, baby, that’s a fact“), das schlurfende Dröhnen eines paranoiden Kriminellen („State Trooper“) und das tragische Schicksal eines entlassenen Autowerkers („Johnny 99“). Letzteres wurde von Johnny Cash auf seinem gleichnamigen Album von 1983 gecovert. R.F.
Meat Puppets, „II” (1984)
Lange bevor Uncle Tupelo einen neuen Country-Punk-Hybrid definierte, experimentierten Curt und Cris Kirkwood von Meat Puppets in ihrem Labor in Arizona mit seltsamer Backroads-Musik (und Acid). Das zweite Album der Puppets hatte ebenfalls einen Hauch von Psych-Rock – Kurt Loder bezeichnete es in seiner Rezension im Rolling Stone treffend als „kulturelle Müllpresse“ –, aber es gab auch jede Menge humorvollen Twang.
„Climbing” strotzte nur so vor Slacker-Sarkasmus, als Curt sich über Nashvilles Bedürfnis lustig machte, faule Ausreden mit den blumigen Worten eines Teams von Songwritern aufzuhübschen. Seine Erkenntnisse, unterlegt mit einem fröhlichen akustischen Shuffle, klangen tatsächlich so, als kämen sie von jemandem, der völlig orientierungslos war: „And I know this doesn’t rhyme/But the clutter on the table is getting out of hand.” Wie wäre es mit einer Hymne für 18-Rad-Lkw, die wirklich nach zu vielen Amphetaminen und zu wenig Schlaf klang?
„Lost“ war genau das. Und ja, ein ansonsten angenehmes Instrumentalstück mit kompliziertem Fingerpicking wurde „I’m a Mindless Idiot“ getauft. R.F.
Bryan Adams, „Reckless“ (1984)
„Jemand, den ich bewundere, jemand, zu dem ich musikalisch aufschaue“, sagte Jason Aldean über Bryan Adams, als sie vor ein paar Jahren gemeinsam bei einer CMT Crossroads-Sondersendung auf der Bühne standen. In den frühen Achtzigern schrieb Adams Songs für alle, von Kiss bis Juice Newton, und brachte die Kompetenz und Prägnanz eines Nashville-Profis in sein Blockbuster-Album von 1984 ein. Auf Reckless
Adams eine der beliebtesten Kleinstadt-Vignetten Amerikas, „Summer of ’69“, die unter anderem von Taylor Swift gecovert wurde, und seine Fähigkeit, Pop-Rock im Stil von Foreigner und Loverboy mit einem Springsteen-artigen Heartland-Touch zu versehen, traf den Nerv einer Generation von Künstlern und Produzenten, die mit MTV im Wohnzimmer und Country-Radio im Autoradio ihrer Eltern aufgewachsen waren. J.D.
Los Lobos, „How Will the Wolf Survive?“ (1984)
Das von T-Bone Burnett produzierte Major-Label-Debüt der Combo aus East Los Angeles aus dem Jahr 1984 ist ein besonders inklusiver Meilenstein der Americana-Musik. Grenzüberschreitungen gibt es zuhauf: Los Lobos verleihen bluesigem Northern Rock („Don’t Worry Baby”), Western Swing („Our Last Night”), Cajun Swing („The Breakdown”) und einem walzerartigen Country-Instrumental („Lil‘ King of Everything”) mühelos ihren eigenen Stempel.
Noch gewagter ist jedoch, dass die Band – zumindest für eine Gruppe, die inmitten der pulsierenden Punk-Szene von L.A. groß geworden ist – ihr mexikanisches Country-Erbe mit den mitreißenden Akkordeonklängen von „Corrido No. 1” und dem eleganten spanischsprachigen „Serenata Norteña” würdigt – etwas, das sie auch drei Jahrzehnte später noch tun. R.G.
The Mekons, „Fear and Whiskey” (1985)
Die Mekons wurden 1977 von einer losen Gruppe britischer Kunststudenten gegründet, fanden aber erst 1985 mit dem düsteren, aber temperamentvollen Album „Fear and Whiskey” zu ihrer Form. Laut Sänger und Gitarrist Jon Langford war dies der Zeitpunkt, an dem „der Unterschied zwischen den drei Akkorden des Country und den drei Akkorden des Punk verschwamm”.
Inspiriert von einem unglückseligen Streik britischer Bergarbeiter, der an unzählige Klagen aus den Appalachen erinnerte, rockten die Mekons eine neue Art des Widerstands. Susie Honeyman fügte mit ihrer Fiddle-Musik ein frisches Element zur chaotischen Essenz der Gruppe hinzu. Last Waltzes, Two-Steps und eine verzerrte Coverversion von Hank Williams‘ „Lost Highway“ trösten diejenigen, die von „Dunkelheit und Zweifel“ geplagt sind.
Die stets idealistischen Mekons hoffen auf das Beste, während sie das Schlimmste erwarten, und feiern Scheitern und Verlust. Es ist der Sound der Country-Musik und des zerfallenden Landes England. R.G.
Bon Jovi, „Slippery When Wet“ (1986)
New Jerseys zweit- oder drittbester Musiker wurde erst 2007 mit „Lost Highway” offiziell zum Country-Musiker, aber dieses großartige Werk aus mehr als zwei Jahrzehnten zuvor enthielt drei Klassiker aus der Reagan-Ära mit viel Nashville-DNA. „ Wanted Dead or Alive” war so outlaw country, wie man nur sein konnte, ohne tatsächlich einen bewaffneten Raubüberfall zu begehen.
Die zuckersüße Angst von „You Give Love a Bad Name” lag sentimentale und ästhetische gesehen genau zwischen Hank Sr. und Hank III. „Livin‘ on a Prayer” war ein epochaler Blue-Collar-Fist-Pumper, für den Luke Bryan alles geben würde. Aber die Geheimwaffe hier könnte der langsame Tanzball-Schmachtfilm „Never Say Goodbye“ sein, der die Trunkenheit in Kleinstädten und die Verliebtheit auf dem Rücksitz wie eine Frage von Leben und Tod erscheinen ließ. Auf dieser Grundlage könnte man ein ganzes Genre aufbauen. R.H.
John Hiatt, „Bring the Family“ (1987)
„Bis die Hölle zufriert/Vielleicht kannst du so lange warten/Aber ich glaube nicht, dass Ronnie Milsap diesen Song jemals aufnehmen wird”, singt John Hiatt in „Memphis In the Meantime”, einer lustigen, herzlichen Hymne für jeden mürrischen, sich abmühenden Büroangestellten in Nashville. Hiatt wusste, wovon er sang; er hatte sich in verschiedenen Karrieren versucht (als sensibler Typ der Siebziger, als rootsiger, post-Elvis-Costello-Haudegen).
Aber Mitte der Achtziger hatten sein exzessiver Alkoholkonsum und sein Verhalten, das ihn bei den Plattenlabels unbeliebt machte, zu einer beruflichen Sackgasse geführt, aus der er sich 1987 mit „Bring The Family“ auf wundersame Weise befreien konnte. Mit Nick Lowe am Bass, Ry Cooder an der Gitarre und Jim Keltner am Schlagzeug fand Hiatt einen Mittelweg zwischen dem Neotraditionalismus Nashvilles, Adult-Oriented Rock und Southern Blues und Soul und schuf ein erstklassiges Singer-Songwriter-Album, das an die frühen Tage von VH1 erinnert.
Bonnie Raitt landete einen Hit mit ihrer Interpretation des geschmackvoll-schleifenden „Thing Called Love”, und die Klavierballade „Have A Little Faith In Me” wurde zu einem kleinen Standard, der von Joe Cocker, Mandy Moore und Jon Bon Jovi gecovert wurde, der 2011 eine herzergreifende Country-Rock-Version davon aufnahm. J.D.
