50 schreckliche Songs auf großartigen Alben
Selbst die größten Künstler haben schlechte Songs auf ansonsten großartige Alben gepackt.
40 Neil Young und Crazy Horse, „Mother Earth“ auf „Ragged Glory“ (1990)
Nach einem soliden Jahrzehnt, in dem ihn fast jeder im Musikgeschäft als abgehalfterten Hippie abschrieb, kehrte Neil Young mit „Rockin‘ in the Free World“ von 1989 mit einem Paukenschlag zurück. Anschließend schloss er sich wieder mit Crazy Horse zusammen, um das erstaunlich vitale Ragged Glory aufzunehmen. „Country Home“, „Over and Over“, „Fuckin‘ Up“ und „Love and Only Love“ gehören zu seinen größten Werken aus den Siebzigern. Es gibt keinen einzigen schwachen Moment, bis Crazy Horse ganz am Ende die Szene verlässt und Young sich hinsetzt, um die rührselige Umweltballade „Mother Earth“ zu singen. „Respektiert Mutter Erde“, stöhnt er. ‚Und ihre Gaben/Oder der Handel/Mit den Tagen unserer Kinder.‘ Es ist schwer, der Botschaft des Liedes zu widersprechen, aber es passt nicht gut auf das Album. Als er Ende 2023 auf einer privaten Geburtstagsparty für den CEO von Canada Goose, Dani Reiss, Ragged Glory in voller Länge spielte, ließ er ‚Mother Earth‘ aus. Das war eine kluge Entscheidung.
39 Harry Styles, „Treat People With Kindness“ auf „Fine Line“ (2019)
Zunächst einmal ist es immer eine gute Idee, Menschen mit Freundlichkeit zu begegnen. Wenn man sein Leben nach einem einzigen Grundsatz ausrichten muss, dann sollte es vielleicht dieser sein. Das bedeutet aber nicht, dass wir eine zuckersüße, gospelgetränkte, Broadway-reife Hymne wollen, in der Harry Styles dieses simple Mantra auf seiner LP „Fine Line“ aus dem Jahr 2019 immer und immer wieder singt. „[„Treat People With Kindness“] ist eine schreckliche Chimäre aus Jesus Christ Superstar und „Free Ride“ von der Edgar Winter Group“, schrieb Jeremy D. Larson von Pitchfork in einer Rezension des Albums, “die Händeklatschen mit Glück verwechselt.“ Styles verwechselte auch „Treat People With Kindness“ mit einem guten Song. Und aus unerklärlichen Gründen ist es zu einem festen Bestandteil seiner Konzerte geworden, das er bereits 174 Mal live gespielt hat.
38 The Beatles, „Little Child“ auf „With the Beatles“ (1964)
Die Beatles hatten Ende 1963 einen so verrückten Zeitplan, dass sie kaum Zeit hatten, Material für With the Beatles aufzunehmen, während die Beatlemania in England ausbrach. Hätten sie nur ein wenig mehr Zeit gehabt, hätten sie erkannt, dass „Little Child“ die Definition von Füllmaterial ist und niemals für das Album hätte ausgewählt werden dürfen. Paul McCartney und John Lennon schrieben den Song für Ringo, gaben ihm aber schließlich „I Wanna Be Your Man“ als sein „Markenzeichen“ auf dem Album. „‚Little Child‘ war ein Arbeitspensum“, sagte McCartney dem Autor Barry Myles. „Bestimmte Songs waren inspirierend, und man folgte einfach dieser Inspiration. Bestimmte andere Songs waren: ‚Okay, komm schon, zwei Stunden, ein Song für Ringo für das Album.‘“ Erst als sie 1966 aufhörten zu touren, konnten sie sich für jedes Album genügend Zeit nehmen und sicherstellen, dass keine „Arbeitslieder“ den Sprung auf das Album schafften.
37 Taylor Swift feat. Gary Lightbody, „The Last Time“ auf „Red“ (2012)
„Red“ hat einen besonderen Platz in den Herzen der Swifties auf der ganzen Welt. „I Knew You Were Trouble“, „22“, „We Are Never Getting Back Together“ und vor allem „All Too Well“ stehen oft ganz oben auf den Listen der besten Songs, die sie je geschrieben hat, und selbst tiefgründige Stücke wie „Stay, Stay, Stay“, „Treacherous“ und „The Lucky One“ werden verehrt. Eine große Ausnahme ist „The Last Time“, ein Duett mit Gary Lightbody von Snow Patrol. Es ist eine Powerballade, die das bittere Ende einer Beziehung beschreibt, wie viele Songs auf „Red“, aber ihre Stimmen passen nicht gut zusammen und der Song fühlt sich einfach wie ein schlechter Snow-Patrol-Song mit Taylor Swift an. Er wurde unerklärlicherweise als letzte Single von Red veröffentlicht, schaffte es aber nicht einmal in die Hot 100. Swift und Lightbody nahmen den Song 2012 für Taylors Version von Red pflichtbewusst neu auf, konnten ihn aber kaum verbessern.
36 Hüsker Dü, „How to Skin a Cat“ auf „New Day Rising“ (1985)
1875 erschien in der Associated Press ein Artikel über eine angebliche Katzen- und Rattenfarm, die Katzenfelle kostenlos produzierte, indem sie Katzen mit Ratten fütterte, die Katzen häutete und ihre Überreste an die Ratten verfütterte. Es handelte sich um eine komplette Fiktion, die seit 150 Jahren als moderne Legende kursiert. Das Trio Hüsker Dü aus Minneapolis hat den Originaltext von 1875 in die Finger bekommen und ihn als Spoken-Word-Track auf ihrem Indie-Rock-Klassiker New Day Rising von 1985 veröffentlicht. Es war als cleverer, neuartiger Song gedacht, aber der Gag nutzt sich nach etwa 30 Sekunden ab. Und vier Jahrzehnte später ist es die Art von Song, die man überspringt, bevor er überhaupt beginnt.
35 The Velvet Underground, „The Murder Mystery“ auf „The Velvet Underground“ (1969)
Die Gründe, aus denen Lou Reed John Cale aus der Band Velvet Underground warf, wurden nie vollständig geklärt, aber einer der Hauptgründe war eindeutig der Wunsch, die Gruppe von ihren avantgardistischen Wurzeln weg und näher an etwas zu bringen, das an Mainstream-Musik erinnerte, insbesondere nach dem kommerziellen Misserfolg von White Light/White Heat. Ihr erstes Album nach Cale war 1969 „The Velvet Underground“, und Songs wie „Pale Blue Eyes“, „Candy Says“ und „Some Kinda Love“ zeigen eine klare neue kommerzielle Richtung. Der einzige Ausreißer ist „The Murder Mystery“, und das ist ein ziemlich auffälliger. Der neunminütige Spoken-Word-Track ist eine grenzwertige, unerträgliche Kakophonie, bei der die vier Bandmitglieder gleichzeitig Gedichtzeilen rezitieren, begleitet von einem Organisten. Wenn Cale noch am Leben wäre, hätte er daraus vielleicht etwas halbwegs Anständiges machen können. In seiner Abwesenheit ist es einfach nur ein peinliches Durcheinander.
34 The Clash, „Red Angel Dragnet“ auf „Combat Rock“ (1982)
The Clash verbrachten viel Zeit in New York, während sie Combat Rock aufnahmen, und saugten die kreativen Schwingungen der Kunstszene in Downtown und der wachsenden Hip-Hop-Bewegung in der ganzen Stadt auf. Dies führte zu Hits wie „Ghetto Defendant“, „Overpowered by Funk“ und „Straight to Hell“. Aber es inspirierte auch den Bassisten Paul Simonon und den langjährigen Bandkollegen Kosmo Vinyl, sich für das zutiefst fehlgeleitete „Red Angel Dragnet“ zusammenzutun. Sie wurden durch den Tod des Schutzengels Frank Melvin durch die Hand eines Polizeibeamten inspiriert, was sie als Beweis dafür ansahen, dass die Stadt im Niedergang begriffen war. Das ist theoretisch eine gute Idee für einen Song, aber die Umsetzung – bei der Vinyl Zeilen aus dem Film „Taxi Driver“ rezitierte („Hier ist ein Mann, der es nicht mehr ertragen konnte/Ein Mann, der sich gegen den Abschaum, den Dreck, auflehnte“) – funktionierte in keiner Hinsicht. Es ist einfach nur ein langweiliger, unmelodischer Song, den jeder nach „Rock the Casbah“ überspringt, um zu „Straight to Hell“ zu gelangen.
33 Kanye West, „Drunk and Hot Girls“ auf „Graduation“ (2007)
Was auch immer Sie dieser Tage von Kanye West als Mensch halten, das Genie seiner frühen Werke ist unbestreitbar. Sein drittes Album „Graduation“ ist dank „Stronger“, „Champion“, „Good Morning“, „Can’t Tell Me Nothing“ und im Grunde jedem einzelnen Song auf dem Album eine seiner größten Errungenschaften. Die einzige Ausnahme ist „Drunk and Hot Girls“, eine erstaunlich unpassende Zusammenarbeit mit Mos Def, in der West über seine Frustration über betrunkene Frauen schimpft, denen er in Clubs in der Stadt begegnet. „Hör auf, mit deiner Freundin zu tanzen und komm, tanz mit mir“, rappt er. „Hör auf, über deinen Freund zu reden, denn ich bin es nicht/Hör auf, meine Rechnung zu belasten, denn diese Drinks sind nicht umsonst/Du betrunkenes und heißes Mädchen.“ Es ist ein lebloser, langweiliger Track, der das gesamte Album herunterzieht.
32 Bob Dylan, „Joey“ auf „Desire“ (1976)
Wenn wir können, lassen wir die Tatsache beiseite, dass Joey Gallo ein bösartiger Mafioso war, der mehrere Menschen ermordet hat und zu Recht für ein Jahrzehnt eingesperrt war. Versuchen wir, die Tatsache zu übersehen, dass Bob Dylan und sein Co-Autor Jacques Levy die verblüffende Entscheidung getroffen haben, ihn auf Desire zu verherrlichen und ihn als eine Art Kombination aus Andy Dufresne, Jean Valjean und Jesus Christus darzustellen. „Und eines Tages, wenn Gott im Himmel über sein Reich wacht“, schrieben Dylan und Levy, ‚werden die Männer, die ihn erschossen haben, bekommen, was sie verdienen.‘ Das alles ist jedoch zweitrangig angesichts der Tatsache, dass ‚Joey‘ ein elfminütiger Song auf dem ansonsten herausragenden Album Desire ist. In einem Interview mit Bill Flannigan im Jahr 2009 versuchte Dylan, Levy die Schuld für die verrückten, ahistorischen Texte zuzuschieben. „Jacques Levy hat die Worte geschrieben“, sagte er. ‚Jacques hatte einen theatralischen Geist und er schrieb viele Theaterstücke. Also könnte der Song Theater im Kopf gewesen sein. Ich habe ihn nur gesungen.‘ Mit anderen Worten: ‚Geben Sie nicht mir die Schuld für diesen verrückten Song, den ich mitgeschrieben, genehmigt, auf meinem Album veröffentlicht und fast 70 Mal live gespielt habe. Geben Sie dem Toten die Schuld.“
31 Yes, „Cans and Brahms“ auf „Fragile“ (1971)
Wir verstehen, warum Yes sich dafür entschieden hat, auf Fragile zwischen Epen wie „Roundabout“, „South Side of the Sky“, „Long Distance Runaround“ und „Heart of the Sunrise“ instrumentale Zwischenspiele einzufügen. Sie sind wie ein Gaumenspülung, die einen auf das nächste Prog-Rock-Fest einstimmen soll. Und viele von ihnen funktionieren ganz hervorragend, darunter Steve Howes Akustikgitarrenstück „Mood for a Day“ und der 37-sekündige Jam „Five Per Cent of Nothing“. Aber Rick Wakemans „Cans and Brahms“ – eine Adaption des dritten Satzes von Johannes Brahms‘ Sinfonie Nr. 4 in e-Moll – ist eine andere Geschichte. Es kommt viel zu früh im Album, nach dem Opener „Roundabout“, und dient nur dazu, die Fähigkeiten von Wakeman, dem neuen Keyboarder, zu demonstrieren. Er ist in der Tat ein riesiges Talent, das der Band enorm geholfen hat, ihr Spiel zu verbessern, aber wir müssen ihn nicht Brahms spielen hören. Yes schien ihre Lektion gelernt zu haben, denn das nächste Album, Close to the Edge, besteht nur aus drei Prog-Epen und sonst nichts.
