50 schreckliche Songs auf großartigen Alben
Selbst die größten Künstler haben schlechte Songs auf ansonsten großartige Alben gepackt.
30 Genesis, „The Battle of Epping Forest“ auf „Selling England By the Pound“ (1973)
Seit „The Battle of Epping Forest“, ein 12-minütiger Song auf ihrem bahnbrechenden Album „Selling England by the Pound“ von 1973, sind die Fans von Genesis hin- und hergerissen. Die einen lieben die Komplexität des Prog-Rock-Songs über zwei Gangs aus Ost-London, die in einem Wald nördlich der Stadt gegeneinander antreten, und all die verrückten Charakterstimmen, die Peter Gabriel einsetzt, während er die Geschichte ausbreitet. Andere finden es klobig, unnötig lang und extrem irritierend, wenn Gabriel in halsbrecherischem Tempo von einer Figur zur nächsten springt. Wir gehören eindeutig zur letzteren Gruppe und befinden uns in guter Gesellschaft. „Das sind ungefähr 300 Wörter pro Zeile“, sagte Phil Collins Jahrzehnte später. „Es gab keinen Platz. Die Luft war komplett raus. Wenn wir das gewusst hätten, hätten wir es ausdünnen können. … Damals hat man Sachen nicht noch einmal neu aufgenommen.“ Gabriel stimmte zu: “Ich habe viel Zeit damit verbracht, die Charaktere aufzubauen. Ich habe mich ziemlich dagegen gesträubt, so stark zu schneiden, wie ich es hätte tun sollen. Es ist am Ende zu wortreich geworden.“ Es gibt Elemente des Liedes, die funktionieren, aber es kann einfach nicht mit der Erhabenheit von „Firth of Fifth“, „The Cinema Show“ und „Dancing With the Moonlight Knight“ mithalten.
29 Neil Young, „Such a Woman“auf „Harvest Moon“ (1992)
Nachdem er einen Großteil der 80er Jahre damit verbracht hatte, gegen sein Plattenlabel zu kämpfen und langjährige Fans mit Genre-Experimenten wie Trans, Old Ways und Everybody’s Rockin‘ zu verprellen, meldete sich Neil Young 1989 mit Freedom und 1990 mit Ragged Glory eindrucksvoll zurück. Er hielt den Schwung 1992 mit „Harvest Moon“ aufrecht, wo er sich 20 Jahre später mit seiner Begleitband „Harvest“, den „Stray Gators“, wiedervereinigte. Es ist ein atemberaubendes Album, auf dem er seiner Frau Pegi Young Tribut zollt und über das Leben in seinen späten Vierzigern nachdenkt, wobei er sich sogar für seine Fehltritte in „One of These Days“ entschuldigt. Aber einen kolossalen Fehltritt begeht er in der gruseligen Klavierballade „Such a Woman“, in der er mit Unterstützung eines Streichorchesters von seiner ewigen Liebe zu Pegi singt. „Niemand sonst kann mich so umhauen wie du“, singt er. „Niemand sonst kann mich so ausfüllen wie du.“ Nichts an dem Song funktioniert, und er hat ihn seit 1992 kein einziges Mal live gespielt.
28 Pink Floyd, „Take Up Thy Stethoscope and Walk“ auf „The Piper At the Gates of Dawn“ (1967)
In den Anfangstagen von Pink Floyd war der Gitarrist Syd Barrett das Genie der Band und ihr wichtigster Songschreiber. Und trotz allem, was später kam, war Roger Waters lediglich der Bassist. Ihre Debüt-LP von 1967, „The Piper at the Gates of Dawn“, ist vollgepackt mit von Barrett geschriebenen Klassikern wie „Astronomy Dominé“, „Bike“, „The Gnome“ und „Lucifer Sam“. Aber Barrett gab Waters die Chance, einen einzigen Song beizusteuern, „Take Up Thy Stethoscope and Walk“, und das Ergebnis war einfach grauenhaft. Das schrille Lied wiederholt immer wieder „Doctor, doctor!“, während es in halsbrecherischem, psychedelischem Tempo Nonsens-Zeilen wie „Gold is lead/Choke on bread“ von sich gibt. Es ist nur drei Minuten lang, fühlt sich aber etwa zehnmal länger an. Allein nach diesem Lied zu urteilen, hätte niemand jemals vermutet, dass sein Autor in den Siebzigern die Band übernehmen und sie zu einem der größten Acts der Rockgeschichte machen würde. Wahrscheinlicher war, dass man davon ausging, er stehe kurz vor einem völligen Nervenzusammenbruch.
27 Bob Dylan, „Rainy Day Women # 12 & 35“ auf „Blonde On Blonde“ (1966)
Dies ist wahrscheinlich eine umstrittene Wahl, da „Rainy Day Women #12 & 35“ nicht nur die erfolgreichste Single aus „Blonde on Blonde“ war, sondern auch einer der größten Hits in der gesamten Karriere von Bob Dylan. Aber es ist ein grenzwertiges, neuartiges Lied, das um ein lahmes Drogenwortspiel (stoned im biblischen Sinne versus stoned im High-Sense-Sinne) herum aufgebaut ist und den Auftakt zu einer der größten Sammlungen von Songs bildet, die je aufgenommen wurden. Es gibt unterschiedliche Berichte darüber, ob die Musiker im Studio in Nashville betrunken und/oder high waren, als sie den Song in den frühen Morgenstunden des 10. März 1966 in einem einzigen Durchgang aufnahmen, aber sie klingen definitiv mehr als nur ein bisschen benommen, besonders als Dylan in der ersten Strophe in Gelächter ausbricht. Das hätte vielleicht eine interessante B-Seite abgegeben, aber nicht den Beginn einer Reise, die zu „Visions of Johanna“, „Just Like a Woman“ und „Sad Eyed Lady of the Lowlands“ führt.
26 Madonna, „Dear Jessie“ auf „Like A Prayer“ (1989)
Ein großer Teil der eingefleischten Madonna-Fans ist der Meinung, dass sie mit „Like a Prayer“ aus dem Jahr 1989 ihren kreativen Höhepunkt erreicht hat. Der Titelsong ist eindeutig einer der größten Erfolge ihrer langen Karriere, aber auf dem Album folgen noch „Express Yourself“, „Cherish“, „Love Song“ und weniger bekannte Perlen wie „Spanish Eyes“ und „Promise to Try“. Aber dann gibt es noch „Dear Jessie“, ein Wiegenlied, das der Songwriter und Produzent Patrick Leonard für seine Tochter geschrieben hat. „Wenn das Land der Fantasie in deinem Herzen ist, wird es nie verschwinden“, singt Madonna. „Es gibt ein goldenes Tor, wo die Feen alle warten/Und tanzende Monde, für dich.“ Diese Worte werden auf zutiefst beunruhigende Weise mit Streichern und Synthesizern kombiniert. Es ist einfach ein schrecklicher Song auf allen Ebenen, der irgendwie als Single veröffentlicht wurde. Unnötig zu sagen, dass es ein kolossaler Reinfall war.
25 The Who, „Squeeze Box“ auf „The Who by Numbers“ (1975)
„The Who by Numbers“ ist eine düstere Reise durch die Gedankenwelt von Pete Townshend, der mit Schreibblockade, Alkoholismus, Einsamkeit, Konflikten innerhalb der Band und dem nagenden Gefühl, dass seine besten Tage hinter ihm liegen, zu kämpfen hat. Doch nach drei Songs legt die Band all dies beiseite und widmet sich einem aggressiv albernen Liedchen, das das weibliche Geschlechtsorgan mit einem Akkordeon vergleicht. ‚Sie geht rein und raus und rein und raus‘, singt Roger Daltrey. „Und rein und raus und rein und raus/Sie spielt die ganze Nacht/Und die Musik ist in Ordnung/Mama hat eine Quetschkommode/Papa schläft nachts nie.“ Uns ist klar, dass dies eine umstrittene Wahl sein wird, da ‚Squeeze Box‘ ein Hit auf der ganzen Welt war und der einzige Song auf ‚The Who by Numbers‘, den nichtfanatische Fans überhaupt kennen. Aber wir stehen fest dazu. „The Who by Numbers“ ist ein sträflich unterschätztes Album, das auf der Liste der besten Werke von The Who ganz oben steht. Es wird nur durch diesen dummen, dummen Song getrübt. (Er ist so dumm, dass Poison ihn regelmäßig spielt. Wir schließen damit unser Plädoyer ab.)
24 Britney Spears, „E-Mail My Heart“ auf „… Baby One More Time“ (2000)
Britney Spears‘ Debütalbum von 1998, … Baby One More Time, ist eine Reise durch die Gedanken einer Teenagerin mit gebrochenem Herzen, wie sie sich ein kleines Team von männlichen Songwritern und Produzenten, die größtenteils aus Schweden stammen, vorgestellt hat. Es machte Spears praktisch über Nacht zu einem globalen Superstar, dank Hits wie „… Baby One More Time“, „(You Drive Me) Crazy“ und „From the Bottom of a Broken Heart“. Letzteres wurde von Eric Foster White geschrieben, der auch „E-Mail My Heart“ geschrieben hat. Es ist eine weitere schnulzige Ballade über eine junge Frau, die an ihrem Computer und mit einem Einwahlmodem darauf wartet, dass ihr Freund auf eine E-Mail antwortet. „Und alles, was ich tue, ist, auf den Bildschirm zu schauen, um zu sehen, ob es dir gut geht“, singt Spears. „Sie antworten nicht, wenn ich anrufe/Ich schätze, Sie wollen in Ruhe gelassen werden/Also sende ich Ihnen mein Herz, meine Seele/Und das ist es, was ich sagen werde.“ Wir ignorieren die Tatsache, dass die meisten Teenager-Mädchen 1999 über AOL chatteten und keine E-Mails schrieben, und konzentrieren uns nur auf die Tatsache, dass dies ein schmerzhaft rührseliges Lied ist.
23
Als Jerry Garcia 1991 in einem Interview mit Blair Jackson auf „What’s Become of the Baby“ zurückblickte, hatte er eine Frage: „Warum zum Teufel haben mich alle das machen lassen?“ Die Antwort ist, dass es 1968 war, alle stoned waren und ein spärlicher, psychedelischer Track, in dem Garcia acht Minuten lang unzusammenhängend singt, wie eine gute Idee schien. „Es war ursprünglich barock“, sagte Garcia. „Ich hatte diese Melodie ausgearbeitet, die diesen Kontrapunkt und einen schönen kleinen Rhythmus hatte. Die ursprüngliche Vertonung, die ich ausgearbeitet hatte, war wirklich wie eine dieser Liedformen aus der New Yorker Pro Musica. Ich hatte einfach den Wunsch, es viel seltsamer zu machen, und ich wusste nicht, wie ich das anstellen sollte. … Es ist schade, denn es ist ein unglaublicher Text und ich habe das Gefühl, dass ich das Lied irgendwie weggeworfen habe.“
22 Creedence Clearwater Revival, „Rude Awakening #2“ auf „Pendulum“ (1970)
Die besten Creedence-Songs sind zweieinhalbminütige Ausbrüche von Brillanz, ohne ein Gramm Fett. Sie kamen auf dem Höhepunkt der Psychedelik, aber ihre Musik war in fast jeder Hinsicht das Gegenteil dieser schwelgerischen Bewegung. Aber Creedence entfernten sich Ende 1970 mit „Rude Awakening #2“, dem letzten Titel ihres vorletzten Albums, auf dem bereits Anzeichen von Burnout zu erkennen sind, weit von dieser Formel. (Die Anwesenheit von „Have You Ever Seen the Rain“ und „Hey Tonight“ macht dieses Album in unseren Augen immer noch zu einem großartigen Album.) „Rude Awakening #2“ ist ein Instrumentalstück, das in Psychedelia getränkt ist und sich über endlose sechs Minuten und 22 Sekunden erstreckt. Wenn dies ihr Versuch war, von den coolen Kids akzeptiert zu werden, ist er kläglich gescheitert. Leider markierte es auch das Ende der Zeit des Gitarristen Tom Fogerty in der Band.
21 Neil Young, “There‘s a World“ auf „Neil Young“ (1972)
Anfang 1971 reiste Neil Young nach England, um bei der BBC aufzutreten und ein Konzert in der Londoner Royal Festival Hall zu spielen. Am Ende der Reise traf er die äußerst unglückliche Entscheidung, mit dem London Symphony Orchestra in ein Studio zu gehen und zwei neue Songs für Harvest aufzunehmen: „A Man Needs a Maid“ und „There’s a World“. Es waren beides schlichte Melodien, die auf dem Klavier recht gut funktionierten, aber unter überladenen, völlig unnötigen symphonischen Arrangements litten. Am meisten litt der Titel „There’s a World“ darunter. Es ist ein Schandfleck auf dem ansonsten makellosen Album „Harvest“, und die Tatsache, dass Young es bis 2017 nicht wieder im Konzert gespielt hat, deutet darauf hin, dass er wahrscheinlich weiß, dass er es vermasselt hat.
