Ranking: Die 10 besten Songs von B.B. King
Zu Ehren der Blues-Ikone B.B. King: die besten Songs aus einer Karriere, die 75 R&B-Hits hervorgebracht hat
Ranking: Die 10 besten Songs von B.B. King
B.B. King war viel mehr als nur eine Gibson-Gitarre und ein paar Killer-Licks. Jahrzehntelang war er einer der größten Stars des schwarzen Radios. Dutzende Songs, die Klassiker wurden. Er veröffentlichte zwischen 1951 und 1992 75 R&B-Hitsingles. King trug die Flagge des Memphis-Blues während seiner gesamten Karriere. Aber er achtete auch auf die Popmusik, die sich um ihn herum entwickelte.
Seine besten Platten erweiterten die Möglichkeiten des Blues und nahmen die Klänge von R&B, Soul und Funk auf. Kings Stimme und die schneidenden Soli, die er auf der Gitarre spielte, die er „Lucille“ nannte, waren Konstanten. Aber alles um sie herum veränderte sich. Diese 10 Songs, die alle zu ihrer Zeit Hits waren, geben einen Eindruck von der Bandbreite seiner Kunst. Sehen Sie sich auch Kings fünf größte Live-Auftritte und unser definitives Profil von 1998, On the Bus With B.B. King, an.
Ranking: Die 10 besten Songs von B.B. King
„Three O’Clock Blues“ (1951)
Es war nicht B.B. Kings erste Single – eher seine neunte. Aber diese Coverversion von Lowell Fulsons „Three O’Clock Blues“, die King 1951 veröffentlichte, wurde sein erster und größter Hit. Er führte fünf Wochen lang die R&B-Charts an. So schlecht aufgenommen, wie es ist (Kings Gesang und Gitarre sind viel lauter als alles andere), legte „Three O’Clock Blues“ den Grundstein für seine Karriere. Mit dem reichen, weltmännischen Klang seiner Stimme, die nach fast jeder Phrase von einem grausam spitzen Kommentar seiner Gitarre beantwortet wird. Und einem Arrangement, das etwas ausgefeilter ist als der Hinterwäldler-Shack-Country-Blues, den es suggeriert. Es gibt sogar eine Bläsersektion.
Ranking: Die 10 besten Songs von B.B. King
„You Upset Me Baby“ (1954)
Kings vierter R&B-Hit Nummer eins kommt mit einer sechs Noten langen Hornfanfare in Fahrt. Die dann aussetzt, um einer unverwechselbaren, schleifenförmigen Gitarreneinleitung Platz zu machen.
Nachfolgende Live-Versionen würden dieses King-Original zu einem flotten Workout machen. Aber der gemächliche Schwung der Studioversion passt zu Kings ehrfürchtigem Bekenntnis zu gutmütiger Lust, die mit lässigem Charme daherkommt. Und seine beiläufige Prahlerei mit den Maßen des Objekts seiner Begierde – 91,5-71-112 – zeugt vom zeitlosen Pop-Appeal großer Hintern.
Ranking: Die 10 besten Songs von B.B. King
„Every Day I Have the Blues“ (1955)
könnte zwar in der Version des Rivalen, die im selben Jahr von Joe Williams und dem Count Basie Orchestra aufgenommen wurde, mehr Exemplare verkauft haben. Aber dadurch, dass er seine Live-Shows bis weit in die Siebzigerjahre hinein mit „Every Day I Have the Blues“ eröffnete, wurde King zum Bluesmusiker, mit dem der formbare Bluesstandard bis heute am meisten identifiziert wird.
Seinen Erfolg mit dem Lied, das in den 1930er Jahren von den Sparks-Brüdern geschrieben wurde und 1949 mit „Nobody Loves Me“ von Memphis Slim seine moderne Form (wenn auch nicht seinen Titel) erhielt, schrieb er den „knackigen und entspannten“ Bläserarrangements des Arrangeurs Maxwell Davis zu.
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Ranking: Die 10 besten Songs von B.B. King
„Sweet Sixteen“ (1960)
Nachdem er Ende der 50er Jahre damit begonnen hatte, sanftere Pop-Balladen zu bevorzugen, um sein Publikum zu erweitern, geriet Kings Karriere als R&B-Hitmacher ins Stocken. 1959 schaffte es keine seiner Singles in die Charts.
Aber mit „Sweet Sixteen“, einer Big-Joe-Turner-Nummer, die King von ihren druckvollen Bläsern befreite, kehrte er zu dem zurück, was er am besten konnte. King untermalt jede klagende Gesangsstimme hier mit einem knappen Gitarrenkommentar. Vers für Vers baut sich langsam zu einem heftigen Brodeln auf. Das umso kraftvoller ist, weil es nie in eine Katharsis übergeht.
„Don’t Answer the Door“ (1966)
Mitte der 60er Jahre hatte King seinen ausgereiften Gitarrenstil gefunden, der sich durch scharfe, präzise Phrasen auszeichnet, die subtil mit dem Vibrato der linken Hand unterlegt sind, wie man es in diesem besonders stimmungsvollen Hit hören kann.
Während im Hintergrund eine Orgel grübelt und sich wie tektonische Platten von einem Akkord zum nächsten bewegt, heult King eindringlich, dass seine Frau den ganzen Tag über in ihrem Haus eingesperrt bleiben soll. Fern von ihrer Familie. Er verrät nie, woher die besitzergreifende Wut in seinen Texten kommt.
„Why I Sing the Blues“ (1969)
Der Höhepunkt von B.B. Kings Album Live & Well aus dem Jahr 1969 – aufgenommen mit einer Studioband, zu der auch Al Kooper am Klavier gehörte – ist eine zurückhaltende, aber wütende Aufzählung der Demütigungen in der Geschichte der Afroamerikaner. Von der Middle Passage bis zur städtischen Armut. Mit einer zusätzlichen Strophe, in der King (damals Anfang vierzig) beklagt, wie alt er wird.
Es hat auch einen moderneren Groove als viele seiner damaligen Singles. Sein altes Label, Kent Records, das er 1962 verlassen hatte, landete mit seinem Vorrat an seinen Aufnahmen noch bis 1971 Hits.
„The Thrill Is Gone“ (1970)
B.B. Kings größter Pop-Hit überarbeitete die Originalaufnahme von Roy Hawkins aus dem Jahr 1951 drastisch. Und verwandelte die Klage eines ungerecht behandelten Mannes von herzzerreißender Wut in eisige Rachsucht. Produziert von Bill Szymczyk, der bald mit den Eagles an ihren größten Siebziger-Platten arbeiten sollte, ist der Groove geschmeidig und kontrolliert. Die Streicher sind zurückhaltend genug, um Dramatik und Spannung sowie einen melodischen Kontrapunkt im unteren Bereich hinzuzufügen.
Kings Gitarrenarbeit ist am vielseitigsten. Er zupft die Noten mit eisiger, abweisender Präzision und erweitert sie dann lyrisch zu subtilen Variationen der Gesangsmelodie.
„Chains and Things“ (1970)
Nach dem Erfolg von „The Thrill Is Gone“ begann B.B. King häufiger mit von Pop und Rock inspirierten Arrangements zu experimentieren. Die erfolgreichste der sechs Singles, die in den 1970er Jahren von dem Crossover-Hit Indianola Mississipi Seeds veröffentlicht wurden, ist ein langsames, reumütiges Lied, dessen unverwechselbare, blaue Phrase aus einem Fehler entstand.
King erklärte später: „Ich habe den falschen Ton getroffen und mich da herausgearbeitet. Wir haben den Arrangeur gebeten, die Streicher dem Ton folgen zu lassen.“ Das eindringliche E-Piano-Riff, das den Song untermalt, wird von niemand anderem als Carole King gespielt.
„To Know You Is to Love You“ (1973)
Stevie Wonder und Syreeta Wright waren Co-Autoren des sich langsam aufbauenden, achteinhalbminütigen Titeltracks von Kings Album aus dem Jahr 1973, bei dem er von Studiomusikern aus Philadelphia unterstützt wurde. Darunter der Schlagzeuger Earl Young und der Gitarrist Norman Harris. Sie waren gerade dabei, den Disco-Sound zu prägen.
Der daraus resultierende brodelnde Funk war weit entfernt von dem geradlinigen Blues, den B.B. King (meistens) noch auf der Bühne spielte. Aber er erweiterte seine Kunst viel weiter in die Richtung, die „The Thrill Is Gone“ eröffnet hatte. Und brachte ihn sogar in die Sendung Soul Train.
„Never Make a Move Too Soon“ (1978)
Die Jazz-Fusion-Band The Crusaders begleitete B.B. King bei seinem Album Midnight Believer aus dem Jahr 1978. In Anlehnung an ein Instrumentalstück, das die Crusaders Jahre zuvor als „Greasy Spoon“ aufgenommen hatten, wurde „Never Make a Move Too Soon“ modernisiert. Und zwar mit einem raffinierten, präzisen Text über Beziehungsstrategien und einem aufgemotzten Party-Arrangement, das an Marvin Gayes „Got to Give It Up“ erinnert.
Es wurde ein Top-20-R&B-Hit. Und zu einer Art Standard, der von allen, von Bonnie Raitt bis Toni Tennille, gecovert wurde. King nahm es später als Duett mit Roger Daltrey neu auf.
