Emerson, Lake and Palmer: Die 10 besten Songs
Die besten Songs unter den kühnen, virtuosen Ikonen des Progressive Rock – Emerson, Lake and Palmer.
„Ich hatte eine Scheißangst“, sagte Keith Emerson 2001 in einem Interview mit Mojo. Er erinnerte sich an den Beginn der Amerika-Tournee von Emerson, Lake and Palmer im Jahr 1977. Damals die extravaganteste Rock-Tournee, die es je gab. Zur legendären Besetzung gehörten der Karatelehrer von Schlagzeuger Carl Palmer. Eine Armee von Roadies. Und, am wenigsten praktisch, ein ganzes Orchester. Trotz der Kosten und Schwierigkeiten „mussten wir ehrlich zu unseren Fans sein“, sagte Emerson. „Mein Klavierkonzert auf unserem Doppelalbum Works, das die Tour begleitete, wurde von einem Orchester begleitet. Und was man auf der Platte hört, ist das, was man erwartet, wenn man eine Eintrittskarte für die Show kauft!“
Das ist die Größe von ELP. Veteranen verschiedener britischer Rockbands der 60er Jahre – Emerson spielte bei Nice, Palmer kam von Atomic Rooster und Greg Lake wechselte von King Crimson – wurden zu ELP. Und ELP wurde nach seiner Gründung im Jahr 1970 zu einer der ersten Supergroups des Rock. Tatsächlich hat ELP den Begriff praktisch definiert. Bevor der Punk aufkam und den Progressive Rock in die Schranken wies, genoss das Trio einen Erfolg, wie er nur in den Siebzigern möglich war. Als Musiker sich an den Grenzen von Zwei-Minuten-Singles und tanzbaren Beats abmühten.
Das Ergebnis waren eine Reihe von Alben – sowie einige zufällige Radiohits wie das melancholische „Lucky Man“ aus den 1970er Jahren –, die Prog von einem Hörerlebnis im Keller unter Schwarzlicht zu einem stadionfüllenden Phänomen machten. Im Mittelpunkt stand Emerson, dessen ewige Suche nach einem größeren, großartigeren Klang (dank einer Orgel- und Synthesizerwand, die auf der Bühne einer Festung glich) dazu beitrug, dass ELP zu einer der versiertesten und fesselndsten Rockbands wurde, die je geboren wurden. Hier sind einige ihrer Glanzmomente.
„Lucky Man“ (1970)
Aus Greg Lakes Gedächtnis ausgegraben, der es im Alter von 12 Jahren schrieb, nachdem er seine erste Gitarre erhalten hatte. „Lucky Man“ ist eine „einfache kleine mittelalterliche Fantasie“ (so der Komponist), die das erste Album des Trios abrunden sollte. Es sollte der Durchbruch des Moog-Synthesizers in der Popmusik werden. Dank Keith Emersons unvergesslichem Solo, das er im ersten Anlauf – auf einem neu gelieferten Instrument – am Ende spielte.
Emerson hätte lieber einen zweiten Durchgang gemacht, aber es gab keine Spuren mehr, auf denen er aufnehmen konnte. Also „musste ich mit diesem Solo leben!“ Das Lied entwickelte seine eigene Mythologie, als die Zuhörer begannen, den Text mit Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens wie Präsident John F. Kennedy in Verbindung zu bringen. R.G.
„The Barbarian“ (1970)
Wie die meisten Prog-Ensembles dieser Zeit war ELP nie eine Band, die sich auf Singles konzentrierte. Abgesehen vom frühen Hit „Lucky Man“ war „The Barbarian“ die eigentliche Einführung in die atemberaubende Bandbreite von ELP für die breite Öffentlichkeit. In nur viereinhalb Minuten geht der Song von der Schwere des Proto-Metal über in eine unbeschwerte Jazzigkeit. Und mündet in eine frenetische, vom Klavier getragene Passage von Emerson, die wie eine Hommage an Khachaturians „Säbeltanz“ wirkt.
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In einem Interview mit Sounds im Jahr 1970 bemerkte Emerson: „Auf dem neuen Album ist die erste Seite Emerson, Lake und Palmer als Gruppe. Drei Ideen, die aus drei verschiedenen Hintergründen entstanden sind, um einen Klang zu erzeugen. Das Schöne an ELP ist, dass wir uns alle aufeinander einstellen.“ J.H.
„Tarkus“ (1971)
Niemand hat ELP jemals vorgeworfen, bescheiden zu sein. Und nirgendwo wird das deutlicher als bei „Tarkus“. Die erste Seite des zweiten Albums der Gruppe ist in sieben Sätze unterteilt – insgesamt mehr als 20 Minuten Musik –, die Fusion und klassische Elemente zu einem mythischen Prog-Auswuchs verschmelzen lassen, der sich um ein fantastisches Wesen dreht. Emerson selbst hatte die zündende Idee.
„Für Tarkus habe ich alle möglichen Bücher über griechische Mythologie durchforstet, um einen Namen für dieses Tier zu finden“, sagte er 1972 in einem Interview mit Disc. „Und mir ist nichts eingefallen. Dann fuhren wir eines Nachts von einem Auftritt nach Hause, und ich sagte: ‚Tarkus.‘ Und die anderen sagten: ‚Tarkus?‘ Und das war’s.“ Der gesamte Lebenszyklus des Seins – dargestellt auf dem ikonischen Kunstwerk des Albumcovers von William Neal – wird in dem Lied detailliert beschrieben. Das einige von Emersons üppigsten und geschicktesten Keyboard-Arbeiten enthält. J.H.
„From the Beginning“ (1972)
Obwohl es zweifellos ein Paradestück für Greg Lakes stimmungsvolle Akustikgitarre und seinen Gesang ist, bot „From the Beginning“ aus ELPs Trilogy den Raum für eines von Emersons bemerkenswertesten Keyboardsoli. Die letzte Minute des ansonsten spärlichen, einfachen Liedes wird durch Emersons kosmische Synthesizer-Jamsession in eine andere Dimension katapultiert. Es ist eine wirbelnde, klingende Symphonie aus Weltraumrauschen. Komplett mit Overdub-Effekten, die zufällig von seinem Synthesizer erzeugt werden – die die Skala des Liedes von der Intimität eines Liebesliedes zu etwas erweitert, das mit dem Urknall zu tun haben könnte. Die Single der Band, die in den USA am höchsten in den Charts platziert war, trug auch dazu bei, die Aufmerksamkeit auf Emersons geliebtes Arsenal an Moogs zu lenken, die Synthesizer, die ELP zu Legenden machten. J.H.
„Hoedown“ (1972)
„Hoedown“ war ein echter Publikumsmagnet und der Startschuss für zwei Tourneen. Es war die erste ELP-Adaption des Komponisten Aaron Copland, der (auf seine Art) genauso protzig war wie das Trio selbst. Keith Emerson begann mit der Arbeit an dem Stück, nachdem er von einem Klassikfestival in Rumänien zurückgekehrt war. So finden osteuropäische Elemente neben amerikanischen Volksliedern wie ‚Shortnin‘ Bread“ und „Turkey in the Straw“ Eingang in sein ausgelassenes Orgel- und Moog-Arrangement. Emerson stieß zufällig auf den charakteristischen Synthesizer-Sound des Stücks. „Wir hatten mit der Arbeit an diesem Arrangement begonnen. Und dann drückte ich, ich weiß nicht mehr, was, ich habe einen blauen Knopf umgeschaltet und ein Patchkabel eingesteckt. Aber egal, ‚whoooeee‘.“
„Trilogy“ (1972)
Emersons beschwingtes, melodisches Klavierspiel eröffnet „Trilogy“, den längsten und ambitioniertesten Titel aus dem dritten Album von ELP. Das von Emerson und Greg Lake gemeinsam geschriebene Stück beginnt mit einer untypischen Zurückhaltung. Der Song ist fast eine konventionelle, geradlinige, sogar Zombies-artige Liebesballade. Bis zu den monströsen Riffs und barocken Synthesizer-Einlagen, die Schicht um Schicht an Komplexität enthalten. Wie Emerson dem Magazin Disc im Jahr der Veröffentlichung des Songs sagte: „Ich versuche, in meiner Musik alle möglichen Dinge abzudecken, sodass es darin viele Dinge zu entdecken gibt. Vielleicht etwas später. Das ist einer der wichtigsten Punkte in der Musik. Dass der Zuhörer jedes Mal, wenn er ein Musikstück hört, neue Dinge entdeckt.“
„Toccata“ (1973)
Keith Emersons freches und verspieltes Arrangement des 4. Satzes von Alberto Ginasteras Konzert für Klavier Nr. 1 verband die Leidenschaft von ELP für klassische Musik mit ihrer Faszination für modernste Musiktechnologie. Der Titel war möglicherweise die erste kommerzielle Aufnahme mit vorprogrammierter elektronischer Percussion. Die Band stieß zunächst auf Widerstand bei Ginasteras Verlegern, als sie um die Erlaubnis baten, „Toccata“ auf das Album Brain Salad Surgery von 1973 zu nehmen.
Daraufhin flog Emerson zum Haus des Komponisten in die Schweiz, um seinen Fall persönlich zu vertreten. „Ich aß mit Alberto und seiner Frau zu Mittag. Und spielte ihm dann das Band vor“, erinnerte sich Emerson 2014. „Als es vorbei war, hatte er diesen seltsamen Gesichtsausdruck. Er sah aus, als hätte er Schmerzen! Und er sagte etwas wie, ich kann mich nicht mehr an die genauen Worte erinnern. Aber so etwas wie: „Das ist schrecklich!“ Ich dachte, oh Gott, er hasst es! Und ich war bereit, nach Hause zu gehen. Aber seine Frau sagte zu uns: „Nein, nein, nein, er sagt ‚diabolisch‘ auf eine gute Art und Weise, wie „unglaublich!“ Ginasteras persönliche Empfehlung des Titels – „Keith Emerson hat die Stimmung meines Stücks wunderbar eingefangen“ – wurde in die Liner Notes von Brain Salad Surgery aufgenommen. D.E.
„Still … You Turn Me On“ (1973)
„Die Rock-Technologie ist einfach noch nicht weit genug fortgeschritten“, beklagte Emerson 1973 in einem Interview mit der New York Times. Wie der Rest der Band war er immer auf der Suche nach der nächsten Innovation, die die Entwicklung von ELP vorantreiben könnte. Obwohl die notorisch technikbegeisterte Band in „Still … You Turn Me On“ aus dem vierten Album der Gruppe, Brain Salad Surgery, die Dinge etwas heruntergeschraubt hat.
Relativ gesehen jedenfalls. Das von Lake geschriebene Stück kommt ohne viel Schnickschnack aus und setzt stattdessen auf eine üppige Melodie und Emersons geschmackvolle Synthie-Figuren. Ganz zu schweigen von einer überraschenden Dosis einer anderen Art von Innovation. Zumindest für ELP: Funk. Vor allem die Balance zwischen Lakes Songwriting und Emersons Atmosphäre macht „Still … You Turn Me On“ so zeitlos. Auch wenn sie von den Klängen der Zukunft besessen waren, wussten ELP, dass ein guter Song immer das Herzstück ihrer Kunst war. J.H.
„Karn Evil 9“ (1973)
„Karn Evil 9“ ist eines der ikonischsten Progressive-Rock-Epen, das je aufgenommen wurde. Er verkörpert alles, wofür Prog geliebt und geschmäht wurde. Das Herzstück von Brain Salad Surgery aus dem Jahr 1973 ist ein erstaunlich komplexes und ehrgeiziges Werk in drei „Impressionen“, das das gewichtige Thema Mensch gegen Technik erforscht. Und den Bandmitgliedern gleichzeitig reichlich Raum bietet, um ihre instrumentale Virtuosität zu demonstrieren.
Für die Kritiker der Band war es „die Show, die niemals endet“. Doch die halbstündigen dystopischen Fantasielieder klingen heute vorausschauend. „Es war der Beginn der Computertechnologie. Schon wurden wir beschuldigt, Computertechnologie in unseren Instrumenten zu verwenden. Und zwar so sehr, dass einige Leute tatsächlich glaubten, dass wir nicht wir selbst waren, wenn wir auf der Bühne spielten!“, erinnerte sich Keith Emerson im Jahr 2000. „Wenn wir live spielten, drehte ich den Moog um. Ich wandte mich dem Publikum zu. Und blies, während wir die Bühne verließen. Es war, als würde man sagen: ‚Das ist Computertechnologie und sie übernimmt die Kontrolle.‘ D.E.
„Fanfare for the Common Man“ (1977)
Der erste Titel auf der Seite des auf Soli ausgerichteten Doppelalbums Works Volume 1 von ELP, „Fanfare for the Common Man“, wurde aus einer Komposition von Aaron Copland aus dem Jahr 1942 adaptiert, den Keith Emerson als „die Seele der amerikanischen Musik“ betrachtete. Emerson transponierte Coplands Partitur in die Tonart E. Die Band nahm den Titel als inspirierten ersten Take auf, der einen fiesen Blues-Shuffle zwischen geradlinigen Interpretationen von Coplands Thema einfügt.
Was den Komponisten zu der Bemerkung veranlasste: „Ich weiß nicht genau, wie sie das in der Mitte mit meiner Musik verbinden. Aber [lacht] sie schaffen es irgendwie, nehme ich an.“ Die 10-minütige Adaption des Trios wurde mit dem Segen des Komponisten veröffentlicht. Und wurde zu einem allgegenwärtigen Fäusteklatscher bei vielen Sportveranstaltungen im Fernsehen. R.G.
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