Wussten Sie’s? Diese 10 Songs hat Carole King komponiert
„The Loco-Motion“, „Head“ von den Monkees und andere herausragende Stücke aus dem umfangreichen Repertoire der legendären Songwriterin Carole King
Wenn man Carole Kings Chart-Einträge hintereinander abspielen würde, würde das etwa fünf Stunden dauern. Und das sind nur ihre Hits. Ganz zu schweigen von Albumtiteln, B-Seiten und dem einen oder anderen Flop.
Kings Karriere als Songwriterin ist so umfangreich, dass sie selbst die Monsterverkaufszahlen ihres klassischen Solo-Juggernauts Tapestry von 1971 in den Schatten stellt, der derzeit bei über 25 Millionen liegt und weiter steigt.
Carole King war ein musikalisches Wunderkind, das bereits während der Highschool Melodien an New Yorker Verlage verkaufte. Auf dem College lernte sie Gerry Goffin kennen, der für das nächste Jahrzehnt ihr Geliebter und Texter werden sollte. Obwohl die Ehe nicht hielt, überstand ihre musikalische Partnerschaft die wechselnden Stile der 60er Jahre. Und brachte Hits für Teenie-Idole und Rockbands, Girlgroups mit toupierten Haaren und R&B-Legenden mit großer Stimme hervor.
Kings Hits machten sie zur erfolgreichsten Songwriterin – und sicherlich zu einer der einflussreichsten Songwriterinnen – überhaupt. Wir stellen 10 Titel vor, von denen Sie vielleicht nicht wussten, dass sie an ihrer Entstehung beteiligt war.
„Take Good Care of My Baby“, Bobby Vee (1961)
Goffin und Kings schwärmerisches „Will You Love Me Tomorrow“ katapultierte die Shirelles Ende 1960 auf Platz 1. Und machte sie damit zur ersten reinen Frauengruppe, die die Spitze der Charts erreichte. Das frisch verheiratete Songwriterpaar wurde praktisch über Nacht zu einem begehrten Gut.
![Singles Collection [Vinyl LP]](https://m.media-amazon.com/images/I/41rap93n5GL._SL500_.jpg)
Aber Erfolg bedeutete nicht gleich Glamour. Und das Paar schuftete in einem kleinen Raum tief in der berühmten Songfabrik Aldon Music am Broadway 1650 in New York City. King beschrieb das winzige Büro später als „kleines Kabuff, gerade groß genug für ein Klavier, eine Bank und mit etwas Glück einen Stuhl. Man saß da. Und schrieb. Und konnte hören, wie jemand im nächsten Kabuff einen Song komponierte, der genau wie der eigene klang.“
Eine beschwingte Melodie blieb in ihren Köpfen. Aber Goffin hatte Mühe, einen passenden Text zu finden. Verblüfft zeigte King das unvollständige Lied ihrer Kabinennachbarin Cynthia Weil, deren Songwriting-Partnerschaft mit ihrem zukünftigen Ehemann Barry Mann mit der von Goffin und King um das Pop-Gold der Sechziger konkurrieren sollte. Goffins Wettbewerbsgeist übernahm die Führung, als er von dem Treffen erfuhr, und schließlich kam ihm die entscheidende Zeile in den Sinn: „Take Good Care of My Baby“.
„Ich wollte schnell einen Hit haben. Sofort, bumm!“
Eine von King selbst gesungene Demoaufnahme des Liedes gelangte schließlich zu dem Produzenten Snuff Garrett, der auf der Suche nach einem passenden Song für Bobby Vee war. Ein Sänger, der durch seine Vertretung für Buddy Holly auf dessen Tour nach dessen Tod bekannt geworden war. Garrett gefiel das Lied. Er bestand jedoch darauf, dass es eine langsame Einleitungsstrophe benötigte. King wurde aufgefordert, umgehend eine zu komponieren. „Ich bin sicher, dass ich geschrien und gejammert habe“, erzählte Garrett dem Autor Ken Emerson in seinem Buch Always Magic in the Air: The Bomp and Brilliance of the Brill Building Era. „Und ich erinnere mich, dass Carole geweint hat. Ich wollte schnell einen Hit haben. Sofort, bumm!“
Er bekam seinen Hit schnell. „Take Good Care of My Baby“ erreichte im September 1961 Platz 1 und blieb drei Wochen lang auf diesem Platz.
„Chains“; The Cookies (1962), The Beatles (1963)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
The Cookies waren eigentlich zwei verschiedene Gruppen, die sich einen Namen und ein einziges Mitglied, Dorothy Jones, teilten. Nachdem die ursprüngliche Besetzung 1956 einen Hit namens „In Paradise“ landete, wurden Jones‘ Bandkolleginnen Darlene McCrea und Margie Hendricks von Ray Charles abgeworben, um die Basis seiner Begleitgruppe, der Raelettes, zu bilden. Unbeeindruckt davon behielt Jones den Namen Cookies bei. Und baute eine neue Gruppe um ihre Cousine Margaret Ross und Darlenes jüngere Schwester Earl-Jean „Jeanie“ McCrea auf. Gemeinsam spielten sie lokale Gigs in ihrer Heimatstadt Brooklyn. Und gewannen schließlich die renommierte Amateur Night im Harlemer Apollo Theater.
Das Trio wurde bald darauf von Neil Sedaka, einem Nachbarn von Aldon Music, entdeckt. Sedaka nahm mit ihnen Demos auf. Und sie sangen bei einigen seiner eigenen Hits. Darunter „Breaking Up Is Hard to Do“, „The Dreamer“ und „Bad Girl“. Nachdem sie einen eigenen Plattenvertrag erhalten hatten, feierten die Cookies Mark II mit einem Lied von Goffin und King über einen kontrollsüchtigen Freund – oder, nach liberaler Auslegung, über Sadomaso – ihren Durchbruch im Mainstream.
Der unregelmäßige, stampfende, klatschende Rhythmus von „Chains“ machte den Song zu einem Midtempo-Dancefloor-Füller. Der ihn in den US-R&B-Charts ganz nach oben brachte und auch über den großen Teich nach Liverpool schickte. Er wurde zu einem Liebling der Beatles, die ihn kurzzeitig mit George Harrison als Leadsänger in ihre frühen Club-Date-Setlisten aufnahmen. Als sich die Band am 11. Februar 1963 in den EMI-Studios niederließ, um den Großteil ihres Debütalbums aufzunehmen, war „Chains“ einer von sechs Coversongs, die es in die engere Auswahl schafften.
„The Loco-Motion“; Little Eva (1962), Grand Funk Railroad (1974), Kylie Minogue (1988)
Goffin und King bescherten den Cookies einen Hit. Aber die Cookies bescherten ihnen einen Babysitter. Und in den frühen Sechzigern war das für das überarbeitete Paar mit zwei kleinen Mädchen wahrscheinlich genauso wertvoll. Eva Narcissus Boyd war aus ihrer Heimat North Carolina nach New York gezogen. Mit dem Traum, als Sängerin Karriere zu machen. Sie freundete sich mit den Cookies an. Und sang für sie vor, indem sie Goffin und Kings „Will You Love Me Tomorrow“ schmetterte. Durch diese Darbietung ergatterte sie einen Platz als „Ersatz-Cookie“. Und sang gelegentlich bei ihren Aufnahmeterminen im Background.
Um Boyd zu einem zusätzlichen Einkommen zu verhelfen, stellten die Cookies sie Goffin und King vor, die sie für 35 Dollar pro Woche als Babysitterin für ihre Töchter Louise und Sherry anstellten. „Als wir sie zum ersten Mal fragten, ob sie babysitten wolle, erwähnte sie vielleicht, dass sie im Kirchenchor sang. Oder so etwas in der Art“, erinnerte sich King 2003 in einem Interview mit NPR. „Und wir sagten: ‚Oh, du singst – cool! Sing etwas!‘ Und sie sang ein kleines Liedchen. Und wir dachten: ‚Oh, das ist cool. Sie hat eine wirklich tolle Stimme. Notiere ich mir.“
Bis 1962 waren die Pop-Charts mit einer immer absurder werdenden Liste von Tanzliedern überschwemmt worden. Allen voran Chubby Checkers Monsterhit „The Twist“ aus dem Jahr 1960, der die Nachahmerlieder, die er hervorbrachte, in den Schatten stellte. Und im Januar einen beispiellosen zweiten Ausflug an die Spitze der Charts antrat. Diese bis heute unerreichte Leistung veranlasste die Bewohner des Brill Building, zu ihren Klavieren zu eilen, um die neueste Tanzplatte zu komponieren.
„Wir hatten diesen Trommelwirbel, der wie ein Motor klang“
Goffin und King waren da keine Ausnahme. Mit Dee Dee Sharps aktuellem Hit, einem „Twist“-Klon namens „Mashed Potato Time“, als Vorlage schrieben die beiden einen unerbittlichen Song namens „The Loco-Motion“. Der ursprüngliche Plan war, den Song Sharp selbst zu geben. Also wurde Boyd gebeten, die Demoversion zu singen. Begleitet von niemand Geringerem als den Cookies. Es ist zwar unklar, ob das Lied jemals tatsächlich den Weg zu Sharp fand. Aber Don Kirshner, Gründer von Dimension Records (und Titan des Musikverlagswesens), gefiel Boyds Version so gut, dass er sie unter dem Namen Little Eva als Single veröffentlichte.
Die Komponisten verfeinerten die Demo mit einigen instrumentalen Verzierungen. Darunter ein markantes Saxofonriff, das bei Bobby Darins Auftritt im Copacabana Club zu hören war. „Es passte perfekt“, sagte Goffin dem Autor Ken Emerson. „Wir hatten diesen Trommelwirbel, der wie ein Motor klang. Und dann die Hörner, die wie eine Eisenbahn klangen.“ Das Einzige, was ihnen fehlte, war ein Tanz. Stattdessen überließen sie es der neu getauften Sängerin, zu improvisieren. ‚Wir erfanden das Lied und das Konzept, dass es eine Bewegung wie ein Zug sein sollte. Aber sie erfand den Tanz‘, erklärt King. „Sie machte einfach, was sie für die richtige Bewegung hielt. Und daraus wurde Loco-Motion.“
Der Song wurde Goffins und Kings dritter Nummer-eins-Hit. Er sollte 1974 für Grand Funk Railroad erneut die Charts anführen. Und 14 Jahre später für Kylie Minogue Platz drei erreichen.
„He Hit Me (and It Felt Like a Kiss)“, The Crystals (1962)
Angesichts ihres späteren Rufs als Leuchtfeuer der weiblichen Emanzipation ist es erschütternd zu erkennen, dass King an der Schaffung dieses berüchtigten Loblieds auf Missbrauch beteiligt war, das „Chains“ im Vergleich dazu wie eine feministische Hymne wirken lässt. Noch beunruhigender ist, dass der Song seine Wurzeln in der Realität hat. Eva Boyd kam eines Nachts mit blauen Flecken übersät nach einem Besuch bei ihrem Freund bei Goffin und King zu Hause an. Das besorgte Paar befragte sie. Aber, wie King sich in ihren Memoiren von 2012 erinnerte, „lächelte sie irgendwie, bevor sie in ihr Zimmer ging. Und sagte: ‚Er liebt mich wirklich.‘“ Boyd und ihr Freund sollten Berichten zufolge bis Ende des Jahres heiraten.
Goffin war bestürzt und sprachlos über Boyds Antwort. Und versuchte, einen Liedtext zu schreiben, der einem Problem eine Stimme verlieh, das noch keinen Namen hatte.
Vielleicht hatte er ein wenig Ironie im Sinn
„Er meinte: ‚Wirklich?’“, erklärte King 2012 in einem Interview mit NPR. „Es sprach nicht für mich. Aber es war etwas, das Gerry schreiben wollte. Weil er dasselbe fühlte und [dies] seine Art war, es nach außen zu tragen. Vielleicht hatte er ein wenig Ironie im Sinn, weil er wirklich intelligent war. Vielleicht wurde es deshalb geschrieben.“
Welche Ironie auch immer beabsichtigt gewesen sein mag. Sie ging in der gruseligen Bearbeitung des Liedes verloren. In einer makabren Wendung wurde „He Hit Me (and It Felt Like a Kiss)“ von dem später verurteilten Mörder Phil Spector produziert, der darauf bestand, dass die Crystals das Lied mit äußerster Ernsthaftigkeit sangen. Den Frauen fiel es schwer, die Emotionen aufzubringen.
„Das war seltsam für uns“, bestätigt La La Brooks von den Crystals in einer Ausgabe von Mojo aus dem Jahr 2011. „Das Lied hat uns aus der Bahn geworfen. Ich war damals ein Teenager. [Crystals-Sängerin] Barbara [Alston] war etwas unbehaglich dabei. Und ich versuchte, das Lied zu verstehen. Und herauszufinden, warum Phil so etwas aufnehmen würde. Barbara war so abgeschreckt, weil sie den Text sang. Und nichts dabei empfand. Also sagte Phil im Studio zu ihr: „Sei nicht so entspannt dabei.“
„Und wissen Sie, das ist alles falsch“
„He Hit Me (and It Felt Like a Kiss)“ löste bei seiner Veröffentlichung im Juli einen sofortigen Aufschrei aus. Nur wenige kauften es. Viele Radiosender weigerten sich, es zu spielen, nachdem sie wütende Anrufe von Hörern erhalten hatten. Spector, der selten klein beigab, zog die Single schließlich zurück. Selbst als Albumtitel auf der LP He’s a Rebel von 1963 blieb der Song berüchtigt.
Ein halbes Jahrhundert später hat King ein gespaltenes Verhältnis zu dem Titel. „Ich habe die Musik zu ‚He Hit Me (and It Felt Like A Kiss)‘ geschrieben. Natürlich bin ich mitschuldig. Weil ich diesen Song geschrieben habe. Ich wünschte, ich hätte keinen Teil dieses Songs geschrieben. Aber Gerry hat diesen Text geschrieben. Und ich denke, in gewisser Weise – ich spekuliere nur – mag das für einige Frauen die einzige Manifestation dessen sein, was sie als Liebe empfinden. Das trifft sicherlich auf die Frau in diesem Lied zu. Und wissen Sie, das ist alles falsch. Also, noch einmal. Das ist ein Lied, von dem ich mir irgendwie wünschte, ich hätte keinen Teil dazu geschrieben.“
„Go Away Little Girl“; Steve Lawrence (1962), Donny Osmond (1971)
Leicht? Vielleicht. Fragwürdig, sogar? Möglicherweise. Aber „Go Away Little Girl“ war der erste Song, der zweimal von zwei verschiedenen Künstlern die Nummer eins erreichte. Bisher haben nur neun Songs dieses Kunststück geschafft. Also macht er eindeutig etwas richtig. Ursprünglich als Single für Bobby Vee vorgesehen, entschied Don Kirshner, dass es besser als Solo-Single für Steve Lawrence funktionieren würde. Der dafür bekannt war, zusammen mit seiner Frau Eydie Gormé als das leicht zuhörende Power-Duo Steve und Eydie aufzutreten.
Ein erwachsener Mann, der „Go Away Little Girl“ singt, mag vielleicht einige Augenbrauen hochziehen. Ein Kolumnist der New York Times glaubte, das titelgebende Mädchen sei minderjährig und prangerte das Lied als „krank“ an. Aber Kirshners Instinkt lag genau richtig. Und der Song war ein Hit. Letztendlich passte der Text wahrscheinlich besser zu Donny Osmond, dem 13-jährigen Frontmann der Osmonds. Seine Solo-Version von „Go Away Little Girl“ brachte einer Generation echter kleiner Mädchen Bubblegum-Süße, die den Song ein zweites Mal an die Spitze der Charts katapultierte.
„Up on the Roof“, The Drifters (1962)
Nur wenige Songs im Goffin-King-Kanon erreichen die mitreißende filmische Pracht dieser Ode an den malerischsten aller städtischen Zufluchtsorte, der auf einem Hochhaus thront. Der beschwingte Latin-Rhythmus erinnert an den früheren Hit der Drifters, „Save the Last Dance for Me“. Aber Rudy Lewis‘ Gesang steigt noch höher, während er die elegante Melodie zu seinem abgeschiedenen Zufluchtsort erklimmt.
Passenderweise entstand das Lied inmitten des Lärms einer überfüllten Stadtstraße. „Carole kam die Melodie im Auto in den Sinn. Eine a cappella-Melodie“, erzählte Goffin Ken Emerson. „Ich sagte: ‚Wie wäre es mit einem Ort, an dem man allein sein kann?‘ Sie sagte: ‚Mein geheimer Ort.‘ Also hieß das Lied ursprünglich „My Secret Place“. Ich sagte: „Nein, das ist nicht gut. Wie wäre es mit ‚Up on the Roof‘? Es war erfunden. Vielleicht etwas, das ich aus West Side Story geklaut habe.“ Der Film hatte Anfang 1962 den Oscar für den besten Film gewonnen. Die Kinofassung wurde nur eine Straße weiter von Aldon Music im Winter Garden gezeigt. „Ich erinnere mich, dass es immer da war und auf dem Plakat blinkte“, sagt Barry Mann.
„Sie war keine harte Frau. Ein Mädchen in ihrem Alter“
Ein friedlicher Moment abseits des Trubels wäre für King – eine junge Frau mit zwei Kindern und einem anspruchsvollen Vollzeitjob in einer Hitfabrik – wie im Himmel gewesen. Die ausgeklügelte Komposition wurde im Studio von King selbst überwacht. Die zu diesem Zeitpunkt kaum 20 Jahre alt war. „Carole hielt mit uns harten Jungs durch“, erzählte Drifters-Mitglied Charlie Thomas Emerson. „Sie hat sich richtig ins Zeug gelegt. Sie war keine harte Frau. Ein Mädchen in ihrem Alter. Aber sie spielte Klavier. Und es war erstaunlich, welche Songs sie uns gab.“
Das Lied blieb ein Favorit von Gerry Goffin, der es später zu den besten zählte, die er je geschrieben hatte. King empfand offenbar ähnlich. Und nahm es als Abschlussstück auf ihr Debüt-Soloalbum Writer aus den 1970er Jahren auf. James Taylor, der in Kings Version Gitarre spielte, nahm 1979 seine eigene Top-40-Coverversion auf.
„I’m Into Something Good“, Herman’s Hermits (1964)
Dieses Ohrwurm-Lied aus der Mitte der 60er Jahre wurde ursprünglich 1964 als Solo für die Cookies-Sängerin Earl-Jean „Jeanie“ McCrea geschrieben. Eine überraschende Demonstration von Teamarbeit, wenn man bedenkt, dass Jeanie zu diesem Zeitpunkt mit Goffins Kind schwanger war. Die Affäre hatte ernsthaft begonnen, als der 25-jährige Texter die Cookies auf Tournee begleitete, um die Live-Produktionsaufgaben zu überwachen. „Sie waren Kinder. Praktisch noch Teenager“, sagte der Songwriter Jack Keller der Autorin von Girls Like Us, Sheila Weller. „Gerry war ein Kind im Musikgeschäft. Und ein Mann kann auf Tour gehen und produzieren, während seine Frau zu Hause ist. Verstehen Sie, was ich meine? Das ist normal, jeder macht das. Das ist keine große Sache.“
Angeführt von einem 16-jährigen JFK-Doppelgänger
Zu einer Zeit, als gemischt-ethnische Paare noch tabu und in manchen Landesteilen sogar illegal waren, genoss Goffin seine Rolle als gesellschaftlicher Grenzgänger. Er stellte die illegale Beziehung zur Schau. Und beanspruchte sofort die Vaterschaft für das Kind, was McCreas eigene Ehe belastete. King war sich der Situation nach vielen Berichten schmerzlich bewusst und von Goffins dreister Untreue am Boden zerstört. Angesichts der Umstände ist es nicht überraschend, dass Kings Melodie für „I’m Into Something Good“ eine vergleichsweise schnörkellose Variation einer Standard-12-Takt-Blues-Progression ist. Man kann sich nicht helfen. Man fragt sich, ob sie insgeheim froh war, dass der Song nicht die Charts in Brand setzte: Er erreichte Platz 38.
Das Lied erlebte später im selben Jahr ein zweites Leben, als der britische Produzent und Pop-Impresario Mickie Most Kings Demo hörte. Und das Lied als Debüt für die Gruppe Herman’s Hermits lizenzierte, angeführt von einem 16-jährigen JFK-Doppelgänger und ehemaligen Seifenopern-Schauspieler namens Peter Noone. „Auf der Platte kann man die Begeisterung dieser Band hören, die daran glaubte, dass sie im Radio zu hören sein würde“, sagte Noone 2016 in einem Interview mit Songfacts. ‚Als die Platte im Radio lief, dachten wir, wir hätten es geschafft.‘ Sie hatten es geschafft. Der Song erreichte Platz 1 in ihrem Heimatland Großbritannien. Und schaffte es in die Top 20 der USA.
„Don’t Bring Me Down“, The Animals (1966)
Die Beatles und ihre elektrisierten Brüder der British Invasion läuteten den Anfang vom Ende für Songschreiber wie Goffin und King ein, da immer mehr Bands versuchten, ihre eigenen Songs zu komponieren. Nicht so die Animals. Deren Hit „House of the Rising Sun“ aus dem Jahr 1964 war eine erfinderische Neuinterpretation eines alten Bergarbeiterliedes, das in der Folkszene von Greenwich Village durch den einflussreichen Dave Van Ronk und den noch einflussreicheren Bob Dylan populär wurde.
Nachdem ihr selbstgeschriebener Nachfolger „I’m Crying“ und eine Coverversion von Nina Simones aktuellem „Don’t Let Me Be Misunderstood“ nicht an ihren vorherigen Erfolg anknüpfen konnten, wandte sich ihr damaliger Produzent Mickie Most an dieselben New Yorker Songwriting-Profis, die auch Herman’s Hermits so sehr geholfen hatten. Mit einem einzigen Telefonanruf im Jahr 1965 sicherte er sich drei zukünftige Klassiker. „We’ve Gotta Get out of This Place“, „It’s My Life“ und eine flehende Goffin-King-Nummer namens „Don’t Bring Me Down“.
„Nun, tut mir leid“
Die Band war verärgert darüber, dass man ihnen Popsongs anstelle ihrer bevorzugten R&B-Nummern aufdrängte. Burdon ist während einer Live-Aufnahme von „The Story of Bo Diddley“ zu hören, wie er sich leise über „Take Good Care of My Baby“ lustig macht. Und machte sich daran, dem Song eine herrlich fiese Note zu verpassen. Dave Rowberrys pochende Orgel, Chas Chandlers bedrohlicher Bass und Hilton Valentines verzerrte Gitarre verwandeln den Song in etwas, das sich stark von Kings übrigem Werk unterscheidet.
Burdon behauptete, er habe jahrelang keine Ahnung gehabt, wer für das Schreiben von „Don’t Bring Me Down“ verantwortlich war, das im Frühjahr 1966 in die Top 20 kam. „Ich wusste nicht, dass es ein Goffin-King-Song war. Bis ich in einer Arztpraxis in Beverly Hills war. Und Ms. King hereinkam und sich neben mich setzte“, erzählte Burdon 2010 Songfacts. ‚Ich wusste nicht, dass sie es war. Ich las gerade in einer Zeitschrift, als sie sich zu mir umdrehte und sagte: ‘Weißt du, ich hasste es, was du mit meinem Song gemacht hast.“ Ich wusste nicht, was ich sagen sollte. Also sagte ich nur: „Nun, tut mir leid.“ Und dann, als sie aufstand, um in die Arztpraxis zu gehen, drehte sie sich um und sagte: „Aber ich habe mich daran gewöhnt.“
„Porpoise Song (Theme From ‚Head‘)“, The Monkees (1968)
Während das Duo fast ein Dutzend Songs für das revolutionäre TV-Musik-Performance-Projekt The Monkees schrieb – insbesondere die Single „Pleasant Valley Sunday“ aus dem Jahr 1967 – betrachtete Goffin diese Produkte im Allgemeinen als minderwertige „Wegwerfartikel“. Doch als die Fernsehshow 1968 auslief, trat der Produzent Bob Rafelson mit einem interessanteren Vorschlag an die Songwriter heran. Dem Soundtrack zum Spielfilm Head der Monkees.
Der Film war zusammenhangslos. Und unsinnig. Er sollte die ernsthafte Akzeptanz der Gegenkultur durch die außergewöhnlich bekifften Köpfe von Rafelson und einem jungen Jack Nicholson erreichen, der das Drehbuch schrieb, indem er an einem drogengeschwängerten Wochenende, das er mit der Band in Ojai, Kalifornien, verbrachte, in ein Tonbandgerät sprach. „Es ging nicht so sehr um die Dekonstruktion der Monkees. Sondern darum, die Dekonstruktion der Monkees als Metapher für die Dekonstruktion der Hollywood-Filmindustrie zu verwenden“, versuchte Dolenz Jahre später zu erklären.
„Dieses Lied war für mich von entscheidender Bedeutung“
Während die Handlung fast zweitrangig gewesen sein mag, waren Hit-Songs dennoch eine Notwendigkeit. Rafelson beauftragte Goffin und King, den Titelsong des Films zu schreiben. Zu diesem Zeitpunkt war die Ehe des Musikteams bereits gescheitert. Sie lebten getrennt in Los Angeles. „Carole King lebte in einem Apartmentgebäude am Sunset Boulevard und ich ging jeden Tag in ihre Wohnung. Und wir saßen da und unterhielten uns“, schrieb Rafelson in den Liner Notes zur Neuauflage des Soundtracks von Head im Jahr 1994. „Dieses Lied war für mich von entscheidender Bedeutung.“
Über sanft wogenden Akkorden komponierte King eine mäandernde Melodie, die gleichermaßen von östlichen Modi und Tin Pan Alley inspiriert war. Das Demo beginnt mit ihrer Rezitation der lateinischen Totenmesse. Eine Anspielung auf die Eröffnungsszene des Films, in der Dolenz von der riesigen Gerald Desmond Bridge in den vermutlichen Tod springt. Von dort aus singt sie Goffins Worte. Ein rätselhaftes psychedelisches Sammelsurium.
Goffin produzierte den Song Anfang 1968 in sechs Sessions selbst und zog dabei 20 Musiker hinzu. Darunter einen Schweinswal, der eigens für diesen Anlass aufgenommen wurde. Der Triller des Meerestiers vermischte sich mit schwungvollen Streichern, schimmernden Orgelklängen, Holzbläsern, Hörnern und Dolenz‘ verzerrtem Gesang. Das Lied ist so weit von Bobby Vee entfernt, wie es nur geht. Aber es hat seinen Zweck erfüllt. „Es ist mit Abstand mein Lieblingslied von den Monkees“, schwärmte Rafelson.
„If It’s Over“, Mariah Carey (1991)
Kings Interesse an Carey wurde geweckt, als er die junge Sängerin 1990 in der Arsenio Hall Show ihre Debütsingle „Vision of Love“ singen sah. Während der Aufnahmen zu ihrem zweiten Album Emotions im darauffolgenden Jahr erhielt Carey völlig überraschend einen Anruf von King. Der fragte sie, ob sie Interesse daran hätte, seine Komposition „(You Make Me Feel Like) a Natural Woman“ aufzunehmen. Aretha Franklins Original aus dem Jahr 1967 wurde zu einer der ikonischsten Aufnahmen in der Geschichte des R&B. Und machte es für jeden Sänger, der es versuchen wollte, zu einem schwierigen Unterfangen. Carey lehnte schließlich ab, weil, wie sie später gegenüber New York erklärte, „Aretha eines meiner Vorbilder ist. Und ich das Gefühl hatte, dass das, was sie mit dem Song gemacht hat, eine unantastbare Darbietung war.“
„Ich liebe ihre Stimme. Sie ist sehr ausdrucksstark. Sie verleiht dem, was sie singt, viel Bedeutung“
King war entschlossen, mit dem aufsteigenden Stern zusammenzuarbeiten. Sie flog von ihrem Zuhause in Idaho nach New York City, um mit Carey eine eintägige Schreibsitzung abzuhalten. „Es war eine echte Zusammenarbeit“, sagte King USA Today über das Treffen. „Ich hatte eine Idee. Sie kam mit etwas anderem zurück. Am Ende hatten wir einen Song, den wir beide für wunderbar halten. Ich liebe ihre Stimme. Sie ist sehr ausdrucksstark. Sie verleiht dem, was sie singt, viel Bedeutung.“
Das Ergebnis war „If It’s Over“, eine epische, langsam brennende Gospelballade für die Ewigkeit. In der schlichten Melodie und dem entspannten Rhythmus sind deutliche Spuren von „Natural Woman“ zu erkennen, die Carey reichlich Raum bieten, ihre fünf Oktaven umfassende Stimme zu präsentieren. Sie sang den Song bei den Grammys 1992 und auch während ihres MTV Unplugged-Auftritts in diesem Jahr.
