Die 25 besten LGBTQ+-Songs
Von Sylvester über Perfume Genius bis hin zu allen dazwischen – die bewegendsten und transformativsten LGBTQ+-Songs
Gibt es eine LGBTQ-Sensibilität? Wie sah das vor 40 Jahren aus, als viele der heutigen Begriffe für Geschlecht und sexuelle Identität noch gar nicht existierten? Oder, viel einfacher: Welche Songs bringen das Sex, Drama, Herzschmerz, den Kampf, die Befreiung und die Verwirrung des queeren Lebens damals und heute am besten zum Ausdruck? Was folgt, ist keine umfassende (oder rangierte) Liste. Sondern eine, die die Lücke zwischen den Disco-Partys nach Stonewall und dem genderqueeren Rock der Millennials von heute schließt.
Während einige Klassiker auf unserer Liste stehen, fehlen andere – sorry, Gloria Gaynor, Kylie Minogue, RuPaul, Britney und Cher, wir lieben euch trotzdem. Hier sind 25 unverzichtbare Pride-Songs von den 1970er Jahren bis heute.
Donna Summer, „I Feel Love“ (1977)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Dieser Moog-getriebene Song hat im Alleingang die moderne EDM ins Leben gerufen. Als er 1977 inmitten orchestraler, vokalbetonter Disco-Klänge debütierte, klang er wie eine Übertragung von einem fernen, sexy Planeten. Mehr noch. Die bahnbrechende Zusammenarbeit zwischen Donna Summer, Giorgio Moroder und Pete Bellotte übersetzte die seltsame, beängstigende Ekstase erotischer Begierde und Erfüllung in eine völlig neue Klangsprache. Und verband die moderne Tanzfläche mit dem Erhabenen. Was könnte queerer sein? Disco-Göttin Summer musste zunächst überzeugt werden. „Giorgio brachte mir diesen Popcorn-Track, den er aufgenommen hatte“, erinnerte sie sich später, „und ich sagte: ‚Was zum Teufel ist das, Giorgio?‘“ –JR
Village People, „YMCA“ (1978)
Die Village People waren nie eine bloße Neuheit oder eine Eintagsfliege. Die Gruppe wurde von Franzosen Jacques Morali, der in Greenwich Village „sehr starke, positive männliche amerikanische Stereotypen“ beobachtete, wie Glenn Hughes (der ‚Biker‘) im April 1979 in einer Titelstory des Rolling Stone erklärte. „Es gibt eine ganze Mystik, die mit einem ‚Amerikaner‘ verbunden ist.“
Das Sextett begann seine Karriere in Schwulenclubs, expandierte aber mit einer Reihe von Hits zu nationalen Tourneen und TV-Auftritten, wodurch sie dem Disco ein unverwechselbares Gesicht gaben. Der Song, der sie endgültig in den Pantheon katapultierte, verkaufte sich weltweit über 10 Millionen Malund ist bis heute ein Klassiker auf Hochzeiten und Bar Mitzwas, obwohl er auf männliche Aktivitäten in öffentlichen Fitnessstudios anspielt.
In demselben Rolling Stone-Artikel äußerten sich einige Mitglieder der Band zurückhaltend über ihre Sexualität und ihre Fangemeinde. Es war schließlich 1979. David Hodo (Bauarbeiter) von „Y.M.C.A.“ wich aus: „Wir stecken der Gesellschaft die Zunge heraus.“ –JR
Sylvester, „You Make Me Feel Mighty Real“ (1978)
Bei allem Respekt für Prince hatte Sylvester vielleicht die reinste und ausdrucksstärkste Falsettstimme der modernen Popmusik. Der virtuose, offen schwule Sänger, der etwas vereinfachend als „Queen of Disco“ bezeichnet wurde, betrachtete Geschlecht (in seinem öffentlichen und privaten Leben) als ein fließendes, nicht binäres Konzept. Noch bevor Judith Butler dies tat.
Es sind wohl seine Gospel-Wurzeln, die seinen selbst geschriebenen Disco-Klassiker zu einer transzendenten Ode an die Freude machen. Der AIDS-Aktivist und Spendensammler starb 1988 im Alter von 41 Jahren an den Folgen der Krankheit. Fast 30 Jahre später bringt uns sein bekanntester Song immer noch zum Tanzen. Wenn auch unter Tränen. –JR
Queen, „Don’t Stop Me Now“ (1978)
Obwohl die meisten Queen-Fans offenbar keine Ahnung hatten, wie offen schwul und subversiv Frontmann Freddie Mercury war – trotz seiner ungenierten Prahlerei auf der Bühne –, hat er auch nie wirklich versucht, dies zu verbergen. Queen waren zu der Zeit, als ihr Album „Jazz“ 1978 erschien, auf einer ziemlich erstaunlichen Erfolgswelle. Sie hatten sich von kleinen Clubs zu Stadien hochgearbeitet. Und jeder einzelne Song, den sie veröffentlichten, schien die Charts zu stürmen.
„Don’t Stop Me Now“, die Lead-Single aus dem Album, die sich durch die für die Band typischen mehrstimmigen Harmonien auszeichnete, blieb mit Platz 86 in den amerikanischen Charts hinter den Erwartungen zurück. In England war er jedoch ein Top-10-Hit. Und mit Texten wie „That’s why they call me Mister Fahrenheit/I’m trav’ling at the speed of light/I wanna make a supersonic man out of you“ klingt es, als wären die Jungs bereit, sich voll und ganz zu entfalten. –JP
Diana Ross, „I’m Coming Out“ (1980)
Wie so viele großartige Dance-Platten begann auch „I’m Coming Out“ aus dem Jahr 1980 mit Nile Rodgers und seinem Le-Chic-Mitbegründer Bernard Edwards, die von Diana Ross persönlich gebeten wurden, neue Songs zu produzieren. Rodgers erzählte später der Zeitung „Mail on Sunday“, dass sie den Song „wegen ihrer schwulen Fans“ geschrieben hätten. Aber der schüchternen Ross gegenüber ein wenig geflunkert hätten.
„Ein DJ sagte ihr, dass [der Song] ihre Karriere ruinieren würde. Die Leute würden denken, sie sei lesbisch“, so Rodgers. „Das war das einzige Mal, dass ich jemals einen Künstler angelogen habe. Ich sagte: ‚Was redest du da? Das ist das Verrückteste, was ich je in meinem Leben gehört habe!‘“ Die ehemalige Supreme-Sängerin eröffnet ihre Shows heute meist mit diesem fröhlichen, kraftvollen Song, der dank eines Samples in Diddy und Biggies „Mo‘ Money Mo‘ Problems“ ein weiteres Leben im Hip-Hop-Pantheon gefunden hat. –JR
Elton John, „Elton’s Song“ (1981)
Ein übersehener Einzeltitel aus dem Album „The Fox“ von 1981, als Elton noch durch die dunkelste und verwirrendste Phase seiner Karriere tastete. Es ist eine ruhige Klavierballade über das Aufwachsen als Schwuler. Der Text stammt von dem offen schwulen britischen Punkrocker Tom Robinson, der selbst mit „Glad to be Gay“ einen Hit hatte.
Der Höhepunkt ist der zärtliche Moment am Ende, wenn Elton singt: „I would give my life/For a single night beside you“ (Ich würde mein Leben geben für eine einzige Nacht an deiner Seite). Vielleicht erschreckte er sich selbst mit seiner Emotionalität. Es sollte Jahre dauern, bis er wieder etwas so Offenes wagte. –RS
The Weather Girls, „It’s Raining Men“ (1983)
Zwei erstaunliche Fakten über diesen nassen, schaumigen, muskelbepackten Traum von einem Dance-Jam. David Lettermans Sidekick Paul Shaffer hat ihn (zusammen mit Paul Jabara) mitgeschrieben. Und niemand Geringeres als Donna Summer lehnte es ab, ihn aufzunehmen. „Sie hasste den Text, weil sie wiedergeborene Christin geworden war. Sie hielt ihn für blasphemisch“, erzählte Shaffer der Vanity Fair.
Egal. Two Tons o‘ Fun, umbenannt in Weather Girls (mit der seit Jahrzehnten erfolgreichen Studiosängerin Martha Wash), nahmen den Song stattdessen auf. Und landeten einen Riesenerfolg, der jeden Mann ansprach, der sich nach einer Durststrecke nach weiblicher Gesellschaft sehnte. Halleluja. –JR
Erasure, „A Little Respect“ (1988)
Ein Großteil der Diskografie von Erasure verkörpert nicht gerade feierlichen Gay Pride. Sondern die romantische Realität von Schwulen. Eine Offenheit über das emotionale, wenn auch nicht offen sexuelle Leben schwuler Männer gegen Ende des 20. Jahrhunderts. Als also die melancholische, aber dennoch beschwingte Single des offen schwulen britischen Duos Andy Bell und Vince Clarke 1988, einem für Schwule wenig freundlichen Jahr, zu einem weltweiten Hit wurde, fühlte sich das für alle, die Bescheid wussten, wie eine stille Revolution an.
Waren sich heterosexuelle Teenager in Iowa bewusst, dass sie auf dem Abschlussball zu einem „Borderline“-ähnlichen Appell eines verletzlichen, verliebten Mannes an seinen kalten, zurückhaltenden Freund tanzten? Die schwulen Teenager und Tweens, von denen die meisten noch nicht geoutet waren, taten dies auf jeden Fall. „Wenn man Musik macht, sollte man sie für etwas nutzen und Substanz haben“, sagte Bell einmal gegenüber Seventeen. „Schwul zu sein und offen dazu zu stehen, ist meine Substanz.“ –JR
Madonna, „Vogue“ (1990)
Mit einem kleinen Budget von 5.000 Dollar schufen Madonna und ihr damaliger Stamm-Remixer Shep Pettibone diesen Track, ursprünglich als B-Seite für eine andere Single gedacht. Sie und improvisierten den Filmstar-Rap in letzter Minute in einem Kellerstudio in Midtown Manhattan. „Sie war immer eine Künstlerin, die alles im ersten Take hinbekam“, erzählte Pettibone 2015 dem Magazin „Billboard“.
Das Ergebnis war nicht nur einer der größten Hits der Queen of Pop. Sondern auch eine unwahrscheinliche Verbindung zwischen dem alten Hollywood, der Clubszene der späten Achtziger und den Drag-Balls in Harlem, die Glamour, Subversion, Inspiration und Selbstbewahrung auf dem Höhepunkt der AIDS-Epidemie verkörperten.
Und dann noch dieses Video! Diese Männer! Der Tanz! Mit diesem Sprungbrett stürzte sich Madonna später über ihr Video „Justify My Love“ und noch umfassender in ihrem Buch „Sex“ und ihrem Album ‚Erotica‘ kopfüber in die LGBT-Subkulturen. JR
George Michael, „Freedom! ’90“ (1990)
Es sollte noch acht Jahre dauern, bis George Michael sich öffentlich outete. Aber der begabte, gefühlvolle und charismatische ehemalige Wham!-Frontmann war schon lange ein heißbegehrtes Sexsymbol, Vorbild und Trendsetter für schwule Männer und andere LGBTQ-Personen auf der ganzen Welt.
„Was meine Arbeit angeht, war ich nie zurückhaltend, wenn es darum ging, meine Sexualität zu definieren. Ich schreibe über mein Leben“, sagte er 1998 in seinem Coming-out-Interview mit CNN. Und während er später in seiner Musik direkt auf seine Sexualität und seine Beziehungen (einschließlich des Verlusts eines Partners durch AIDS) einging, zeigte seine zeitlose Single aus dem Jahr 1990 eine radikale, transformative Ehrlichkeit. Die noch nicht bereit war, laut ausgesprochen zu werden. „Ich glaube, es gibt etwas, das du wissen solltest/Ich glaube, es ist Zeit, dass ich es dir sage/Es gibt etwas tief in mir/Es gibt jemand anderen, der ich sein muss.“ Das dazugehörige Video – in dem der gutaussehende Superstar M.I.A. ist, um Supermodels den Lippensynchronisation zu überlassen, und seine kitschige Lederjacke aus der „Faith“-Ära in Flammen aufgeht – bleibt unerreicht. –JR
Deee-Lite, „Groove Is in the Heart“ (1990)
Das psychedelische, pansexuelle Trio Deee-Lite – angeführt von der Drag-inspirierten Lady Miss Kier – legte gekonnt einen funky Sample nach dem anderen hin. Und brachte mit diesem orgiastischen Track und dem dazugehörigen Video eine lebendige queere Club-Kid-Energie und Ästhetik in die Massen. Es bleibt ein magnetischer Zugang für alle, die ihre Freak-Flagge hissen wollen. –JR
Pansy Division, „Anthem“ (1993)
Diese schwulen Punk-Pioniere aus der Bay Area erlangten einen Hauch von Mainstream-Ruhm, als sie 1994 mit Green Day auf ihrer „Dookie“-Tournee unterwegs waren. Aber es waren ihre sexy Texte und ihre „Who-gives-a-fuck“-Attitüde, die sie einer ganzen Generation queerer Kids ans Herz wuchsen. Noch bevor dieser Begriff überhaupt in Mode kam.
Es ist schwer, einen Song auszuwählen, der sie definiert – mit Songs wie „Dick of Death“, „Groovy Underwear“ oder ihrer klassischen Coverversion von Princes „Jack You Off“ –, aber wir haben uns für einen entschieden, der der Idee einer schwulen ‚Hymne‘ zu widersprechen scheint. Egal wie man ihn betrachtet. „Eine Sache, die uns auszeichnet, ist, dass wir immer über das Schwulsein gesungen haben. Wir sind nicht nur schwul und Musiker“, Jon Ginoli sagte Rolling Stone letztes Jahr vor der Veröffentlichung ihres aktuellen Albums „Quite Contrary“.
„Wir haben das Schwulsein als Teil des Themas in unseren Songs besungen. Ich denke, mit der Zeit sind einige davon weniger spezifisch schwul als am Anfang. Weil es so schien, als wäre das wirklich das, worüber wir singen wollten, als wir die Chance dazu hatten. Und das war wirklich einzigartig.“ –JP
Melissa Etheridge, „Come to My Window“ (1993)
Etheridge fühlte sich auf Tour einsam. Und sehnte sich nach einer Liebhaberin, die ihr entglitt, als sie diesen Hit schrieb, der schließlich auf ihrem Debütalbum „Yes I Am“ landete. Sie ahnte nicht, dass ihr Cowgirl-Blues ihr nicht nur den Grammy für die beste weibliche Rock-Gesangsdarbietung einbringen würde. Sondern auch zu einem kraftvollen Thema für die Schwulengemeinschaft werden würde.
„Zur gleichen Zeit, als das Album ein Hit wurde, outete ich mich öffentlich“, erzählte sie Entertainment Weekly im Jahr 2009. „Die Schwulengemeinschaft hat mich aufgebaut und unterstützt. Die Bridge in dem Song wurde zu einer Hymne. (“I don’t care what they think/I don’t care what they say/What do they know about this love anyway?“) Sie ging über jede Bedeutung hinaus, die ich jemals in den Song gelegt hatte. Und wurde Teil eines Massenbewusstseins. Es ist immer noch ein großer Moment, wenn ich ihn live spiele.“ –SE
Peaches, „Fuck the Pain Away“ (2000)
Guter Rat von Kanadas vulgärster Sex-Weisheit. Mit Hilfe eines Roland MC-505 löste die bisexuelle Theaterlehrerin, die zur Rapperin wurde, mit ihrem 2000 erschienenen Album „Teaches of Peaches“ eine aufregende neue Welle des Sleazebag-Disco aus. Obwohl „Fuck the Pain Away“ zu gewagt war, um in die Charts zu kommen, durchdrangen die unvergesslichen, prahlerischen Zeilen alles von „South Park“ über „30 Rock“ bis hin zum Film „Lost In Translation“ aus dem Jahr 2003.
„Suckin‘ on my titties like you wanted me/Calling me all the time like Blondie/Check out my Chrissy behind/It’s fine all of the time.“ Es war angeblich Madonnas Lieblingssong zum Trainieren. Und sie spielte ihn auch in ihrem Londoner Theaterstück „Up For Grabs“. In einem Interview mit The Guardian aus dem Jahr 2003 verrät Peaches, dass sie Madonna und Guy Ritchie als Dankeschön ein paar signierte Unterhosen geschickt hat. „Ich habe ein paar Unterhosen signiert“, sagte sie. „Darauf habe ich geschrieben: ‚Lieber Guy, fick dich später, liebe Peaches‘, und für Madonna habe ich geschrieben: ‚Liebe Madonna, fick dich jetzt, liebe Peaches‘. Das ist cool.“ –SE
Hedwig and the Angry Inch, „Wig in a Box“ (2001)
Wenn ein Show-Song in diese Liste aufgenommen wird, dann muss es ein Original von Hedwig sein. Das legendäre Broadway-Musical und der Film, in deren Mittelpunkt eine Transgender-Rocksängerin aus Berlin steht, entstanden im New Yorker Drag-Club SqueezeBox!, wo Mitchell erstmals die Figur Hedwig erfand. Mit Hilfe des Hausband-Leaders und Hedwig-Komponisten Stephen Trask fasste Mitchell schließlich den Mut, Hedwig 1994 live im SqueezeBox! zu präsentieren.
Seine erste Perücke wurde mit Papierhandtuchrollen, Heißkleber und Heftklammern befestigt. „Ich hatte noch nie Drag gemacht. Ich hatte noch nie mit einer Rockband gesungen“, sagte Mitchell gegenüber Rolling Stone. „Es war wie eine Taufe. Alles, was ich tat, war ganz auf Hedwig ausgerichtet. Ich spielte in einer Sitcom mit und kaufte von dem Geld Perücken und meine eigenen Kostüme.“ – JP
Limp Wrist, „I Love Hardcore Boys/I Love Boys Hardcore“ (2001)
In Leder gekleidet und schweißgebadet standen die Mitglieder der amerikanischen Hardcore-Band Limp Wrist Ende der 90er Jahre an der Spitze der Queercore-Bewegung. Als überzeugte Straight-Edge-Anhänger und stolze Homosexuelle stachen sie mit ihrer abstinenten Haltung in einer Zeit hervor, in der Bars, Clubs und andere Orte, an denen man sich betrinken konnte, die wenigen sicheren Zufluchtsorte für LGBTQ-Menschen waren.
Ihr Song „I Love Hardcore Boys/I Love Boys Hardcore“ aus dem Jahr 2001 war ein besonders frecher, kathartischer Song für Frontmann Martin Sorrondeguy, der sich in den späteren Jahren seiner Zeit bei der Latinx-Punkband Los Crudos outete. „In den Achtzigern hätte ich mich niemals geoutet“, gestand Sorrondeguy einmal gegenüber The Portland Mercury. „Ich erinnere mich, dass ich damals ein paar queere Leute gesehen habe. Und ich hatte Angst um sie. Es gab damals viele gewalttätige Leute, daher war es ein bisschen beängstigend. Als ich an den Punkt kam, an dem ich mich aktiv zu meiner Homosexualität bekannte, brauchte ich etwas Zeit, um mich wohlzufühlen und mich zu outen. Aber ich fühlte mich bereit für alles, was auf mich zukommen würde.“ –SE
Scissor Sisters, „Take Your Mama“ (2004)
Die Queens of Camp aus New York City, Scissor Sisters, stellten das Dilemma, sich vor der Familie zu outen, als reine Komödie dar. In „Take Your Mama“ schlägt Frontmann Jake Shears vor, die Mutter mit Alkohol abzufüllen, bevor man ihr die Neuigkeit mitteilt. Der Song erschien auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum und wurde neunmal mit Platin ausgezeichnet. Bono lobte sie als „die beste Popgruppe der Welt“ in diesem Jahr. Elton John arbeitete 2006 mit der Band an ihrem Smash-Hit „I Don’t Feel Like Dancin’“ zusammen. Obwohl nur ein Bruchteil des Erfolgs der Band in Europa in die Vereinigten Staaten übertragen werden konnte, ist „Take Your Mama“ nach wie vor ein Klassiker in Schwulenbars im ganzen Land. –SE
Hercules and Love Affair, „Blind“ (2008)
„Blind“, die Zusammenarbeit zwischen DJ Andy Butler und der Transgender-Sängerin Anohni aus dem Jahr 2008, wurde sofort zu einem Dancefloor-Klassiker der Nullerjahre. Anohni veredelte den düsteren Nu-Disco-Track mit ihrer sirupartigen, von Nina Simone inspirierten Melodie.
Butler erzählte später der New York Times, dass „Blind“ ihn daran erinnere, „als schwules Kind aufgewachsen zu sein. Von meiner unmittelbaren Familie und meinem sozialen Umfeld abgelehnt worden zu sein. Und mich gefragt zu haben, warum ich in diese Situation hineingeboren wurde. Aber ich wusste, dass ich fliehen würde, sobald ich konnte. Und dass ich Freiheit und Trost finden würde. Als Erwachsener fand ich jedoch ein Leben voller Exzesse, anderer verletzter Menschen und Verwirrung. Deshalb fühlte ich mich blind.“ –SE
Robyn, „Dancing on My Own“ (2010)
Ja, dieser historische Hit gehört auch Lena Dunham und brillanten schwedischen Frauen aller Couleur. Aber das Bild, das Robyn in ihrem nicht ganz so kleinen Pop-Meisterwerk zeichnet, hat etwas, das queere, marginalisierte Menschen tief berührt: Die Protagonistin ist am meisten abgelehnt, einsam und isoliert, während sie versucht, sich nicht wie eine Freak zu fühlen, die ihren Ex mit seiner (oder ihrer) neuen Flamme in einem Club beobachtet. Anstatt nach Hause zu gehen oder eine Szene zu machen, tut diese gebrochene Heldin jedoch das, was wir alle tun sollten: Sie tanzt allein und für sich selbst. –JR
Lady Gaga, „Born This Way“ (2011)
Vergessen Sie die (zugegebenermaßen köstliche) Fehde mit Madonna, die dieser Song ausgelöst hat. Und konzentrieren Sie sich stattdessen auf den bombastischen Disco-Metal-Sound dieser Hymne und ihre Botschaft der Selbstliebe und Selbstakzeptanz. Gepredigt von Mother Monster, einer der standhaftesten und mächtigsten Verbündeten der LGBTQ-Community weltweit.
„Ich hatte diesen Aha-Moment, in dem mir klar wurde, dass diese drei Worte ‚Born This Way‘ die Antwort auf so viele Fragen waren, die mir über die Jahre gestellt worden waren. ‚Wer bist du, wer bist du wirklich?‘ Ich bin so geboren“, sagte Gaga 2011 gegenüber Rolling Stone. „Die Bedeutung dieser Worte wird jeden Tag größer. Jeden Tag erkennen meine Fans die Tragweite dieser Worte.“ –JR
Mary Lambert, „She Keeps Me Warm“ (2013)
Die offen lesbische und christliche Singer-Songwriterin Mary Lambert aus Seattle legt in „She Keeps Me Warm“ ihre Scham ab und lässt sich von der ultimativen Traumfrau mitreißen. Lambert entwarf den Song aus ihrem Refrain in „Same Love“, der 2012 erschienenen Hit-Single von Macklemore und Ryan Lewis. Das Trio sorgte später nach den Grammy Awards 2014 für Schlagzeilen, als ihre bahnbrechende Performance des Songs den Soundtrack zu einer Massenhochzeit von 33 homosexuellen und heterosexuellen Paaren bildete. (Ganz zu schweigen davon, dass sie von Queen Latifah vollzogen wurde.) „I’m not crying on Sundays“, singt sie leidenschaftlich. Und es fühlt sich wie ein Gebet an. –SE
Tegan and Sara, „Closer“ (2013)
Das kanadische Schwesternduo Tegan and Sara fängt in „Closer“, einem Track aus ihrem Platin-Album „Heartthrob“ aus dem Jahr 2013, die Aufregung hinter flüchtigen Momenten der Intimität ein. Das Video zeigt Freunde und Liebende aller Geschlechter, die in Deckenburgen kuscheln und sich gegenseitig schminken.
Es ist ein atemberaubendes Porträt queerer Freundschaft, das Liebe nicht nur im sexuellen oder romantischen Sinne beschreibt, sondern als ein breiteres Spektrum guter Gefühle. Tegan Quin sagt: „Ich habe über meine Jugend geschrieben. Eine Zeit, in der wir uns näher kamen, indem wir Arm in Arm durch die Schulflure gingen. Oder die ganze Nacht am Telefon über alle unsere Gedanken und Erfahrungen sprachen. Damals ging es nicht unbedingt darum, miteinander zu schlafen oder seine Gefühle zu gestehen. Es war die Vorfreude auf etwas, das vielleicht passieren würde, das wirklich aufregend und befriedigend war.“ Sie fügt hinzu: „Diese Beziehungen existierten in einem Zustand sexueller und körperlicher Unklarheit. Gibt es etwas Romantischeres als das?“ –SE
Perfume Genius, „Queen“ (2014)
Der aus Seattle stammende Michael Hadreas verwandelt sich in dem funkelnden Video zu „Queen“ von einem jungen Mann in eine queere Bedrohung. Er singt „No family is safe when I sashay“ („Keine Familie ist sicher, wenn ich mich wie eine Tussi benehme“). Und schleicht sich in einen Konferenzraum, wo er vor einem Raum voller Anzugträger mit den Hüften wackelt. Eine listige Antwort auf die Heerscharen von Homophoben, die ihre Ängste gegen LGBTQ-Menschen als Waffe einsetzen. Sei es in Vorstandsetagen, im Kongress oder auf der Straße.
In einem Interview mit The Guardian aus dem Jahr 2014 sagt Hadreas: „Ich habe es immer sehr gehasst, dass etwas, worüber ich keine Kontrolle habe, anderen Menschen Unbehagen bereitet. Mit diesem Song wollte ich eher sagen: ‚Fickt euch!‘ Ich hoffte, dass sich andere Menschen einmal unwohl fühlen würden. Nicht ich.“ -SE
Against Me!, „True Trans Soul Rebel“ (2014)
In ihren 2016 erschienenen Memoiren „Tranny: Confessions of Punk Rock’s Most Infamous Anarchist Sellout“ erinnert sich Laura Jane Grace, Frontfrau von Against Me!, an die Zeit vor ihrer Transition, als sie sich in Motelzimmer zurückzog, um das Tragen von Kleidern zu üben.
„Man wird mutiger, sich feminin zu präsentieren. Aber man lebt immer noch im Verborgenen und kann nirgendwo hingehen“, erklärte sie Rolling Stone im Jahr 2014. „Man landet in einem seltsamen Motel mitten im Nirgendwo. Irrt durch die Flure. Und hofft, dass dich niemand sieht.“ Diese Tage inspirierten sie zu ihrem Song „True Trans Soul Rebel“, einem punkigen Western-Kampfruf für Transfrauen, die um ihr Leben kämpfen. –SE
Shamir, „On the Regular“ (2015)
In der Tradition seiner Pop-Kontratenor-Kollegen Prince und Klaus Nomi verblüffte der 22-jährige Shamir Bailey die Zuhörer mit seinem 2015 erschienenen Debütalbum Ratchet mit seinen geschmeidigen, androgynen Wortspielen. Im selben Jahr twitterte Bailey, dass er sich als genderqueer identifiziert. „Ich habe kein Geschlecht, keine Sexualität und mir ist alles egal.“
Später präzisierte er in The Advocate: „Seit meiner Kindheit habe ich sowohl männliche als auch weibliche Eigenschaften gezeigt. Androgynität war nie etwas, worüber ich nachgedacht oder das ich angestrebt habe.“ So süß er auch klingen mag, er wagt es nicht, seine Selbstsicherheit zu verbergen. Vor allem nicht in dem von Kuhglocken untermalten Disco-Track „On the Regular“. „Don’t try me“, singt er, „I’m not a free sample.“ –JP
Sia, „Alive“ (2016)
Im August 2013 twitterte Sia: „Ich bin queer. Ich identifiziere mich nicht wirklich als lesbisch, weil ich überwiegend mit Männern zusammen war. Aber ich war definitiv schon mit Frauen zusammen“, stellte sie die Gerüchte klar.
Sie sonnt sich in der Bewunderung der Fans aus der LGBTQ-Community, die die Songs der Hitmacherin – sie schrieb unter anderem Rihannas ‚Diamonds‘ und Beyoncés „Pretty Hurts“ – wegen ihrer aufbauenden und empowernden Botschaften lieben. Die meisten Singles aus Sias Album „This Is Acting“ sind universell einsetzbare Hymnen. Und ‚Alive‘ besticht durch die kraftvolle Stimme der Singer-Songwriterin, die den Song gemeinsam mit Adele und Tobias Jesso Jr. geschrieben hat. „Du hast mir alles genommen“, singt sie. „Aber ich atme noch / ich lebe noch.“ –JP
