10 Country-Alben, die ROLLING STONE in den 1970ern liebte – von denen du aber nie gehört hast
Wir lobten sie vor 50 Jahren – und du solltest sie dir heute anhören!
Der ROLLING STONE berichtete in den Siebzigern nicht umfassend über Nashville. Aber das Magazin liebte Country-Musik genug, um nicht nur über Crossover-Hits auf dem Laufenden zu bleiben, sondern auch, um seine Leser auf unbekannte Favoriten in der Welt von Country, Bluegrass und Country-Rock aufmerksam zu machen. Diese 10 LPs blieben im Grunde genommen für alle außer den Hardcore-Fans unentdeckt. Obwohl einige ihrer Schöpfer, wie Linda Ronstadt und Percy Sledge, zu anderen Zeiten ihrer Karriere berühmt wurden.
Lee Clayton, „Border Affair“
Der Country-Rock-Songwriter Lee Clayton war 1972 mit seinem Song „Ladies Love Outlaws“, einem Hit für Waylon Jennings, wohl mitverantwortlich für den Begriff „Outlaw Country“. Auf seinem zweiten Album erforschte er Obsession, hässliche Romanzen und Sucht. Die Gitarrensoli in Songs wie „Silver Stallion“ gingen leicht runter. Aber sonst nichts. Clayton verließ in den Achtzigern das Musikgeschäft, um Bücher und Theaterstücke zu schreiben. Seitdem haben sowohl die Highwaymen als auch Cat Power „Silver Stallion“ gecovert.
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Was wir damals sagten:
„Ein Album voller Rohheit und Rache. „Border Affair“ klingt mehr nach einer Reihe unwiderruflicher Taten und gewalttätiger Gedanken als nach etwas, das technische Perfektion anstrebt. Emotion, näher am Herzen eingefangen als am Mischpult. Eine Kraft und Schönheit, die man nicht bekommt, wenn man bei der Abmischung an den Dezibel schraubt. Von Kaffee-trinkenden Männern mit albernen Frisuren. Es ist Musik, befreit von dekorativen Nettigkeiten, wie sie Verrückte, Trunkenbolde und Dichter ohnehin nie zu schätzen wissen. Und es ist Musik, wie sie in Nashville noch nie zuvor aufgenommen wurde.“ — Nick Tosches, RS 263 (20. April 1978)
James Talley, „Got No Bread, No Milk, No Money, but We Sure Got a Lot of Love“
Ein brillanter Nashville-Schachzug. James Talley tauschte seine Zimmermannskünste gegen Studiozeit ein. Und gewann einige der besten Studiomusiker der Stadt für sein Projekt. Er ließ eine kleine Auflage des Albums pressen, bevor ein großes Label einstieg. Das Ergebnis war ein Old-School-Klassiker, der eine vier Jahrzehnte lange Karriere einleitete, in der er auch mit B.B. King Gitarre spielte und von Moby gecovert wurde.
Was wir damals sagten:
„Talley ist offensichtlich tief in der ländlichen Tradition verwurzelt. Er verdankt Jimmie Rodgers und den Oklahoma-Texas-Stringbands der Dreißiger und Vierziger Jahre viel. Er schafft es gut, jene Ära heraufzubeschwören, als einzigartige Stringbands wie die Doughboys auf einem Lastwagen spielten, Kekse verteilten und den ganzen Nachmittag in der Sonne musizierten. Es ist eine musikalische und kulturelle Einfachheit, die der Country-Musik gefehlt hat. Und in gewissem Sinne an Musik aus der Depression erinnert.“ — Chet Flippo, RS 196 (25. September 1975)
Linda Ronstadt, „Silk Purse“
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Ronstadt sollte später als Königin der kalifornischen Country-Musik und internationaler Pop-Superstar bekannt werden. „Silk Purse“, ihr zweites Soloalbum, war das einzige, das sie in Nashville aufnahm. Sie wurde dabei so bodenständig, dass sie für das Coverfoto sogar in einem Schweinestall posierte. Wir nannten es 1970 „lediglich exzellent“. Sie bestand auf einem Cover von „Homesick Blues“ (berühmt durch Hank Williams). Heute ist das Album ein vergessenes Juwel. Im Nachhinein ließ sie aber ihr Herz in Los Angeles zurück.
Was wir damals sagten:
„Ein Teil des Materials ist rohe Imitation, ein Teil origineller. Aber nichts liegt weit entfernt von der Seele der Sängerin. Ich würde sagen, dass die meisten Leute nicht sagen könnten, ob es sich hier um eine ‚echte‘ Country-Sängerin handelt. Oder um ein Hippie-Mädchen, das Country singt. „Will You Love Me Tomorrow“, der alte Hit der Shirelles, klingt hier wie Country-Ronettes. Aber Lindas zitternde Stimme verleiht ihm mehr Bedeutung als je zuvor.“ — Alec Dubro, RS 61 (25. Juni 1970)
Mike Auldridge, „Dobro“
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Auldridge wuchs im Vorort von Maryland auf. Nicht in Kentucky. Wurde aber einer der führenden Bluegrass-Spieler auf der Dobro (auch bekannt als Resonator-Gitarre). Er war ein fester Bestandteil der Band The Seldom Scene. Und dieses Solo-Debüt wurde von uns begeistert als „eines der leckersten Bluegrass-Instrumentalalben aller Zeiten“ beschrieben. Weitgehend instrumental, war es zur Hälfte Uptempo-Picking, zur Hälfte Ballade. Und durchweg köstlich. Auldridge gewann später einen Grammy und bekam seine eigene Gitarrenlinie, bevor er 2012 starb.
Was wir damals sagten:
„Der absolute Höhepunkt ist ‚House of the Rising Sun‘, das mit einem spacigen Gespräch zwischen zwei Dobros beginnt und mit einem der seltsamsten, aus-der-purpurnen-Dimension-kommenden Bluesfiddel-Solos endet, die je aufgenommen wurden. Norman Blake schreibt im Booklet, dass das ‚sanfte und elegante‘ Dobro-Spiel von Mike Auldridge unerreicht sei. Man könnte hinzufügen, dass das Ganze so klar ist wie Landwasser.“ — Tom Dupree, RS 122 (23. November 1972)
Percy Sledge, „I’ll Be Your Everything“
Sledge, der Soul-Sänger der Rock and Roll Hall of Fame, verließ Atlantic Records für Capricorn Records. Und verlagerte – basierend auf seinen ländlichen Wurzeln in Alabama – seinen musikalischen Schwerpunkt von R&B auf Country & Western. Dieses Album wurde sowohl von Soul- als auch von Country-Fans weitgehend ignoriert, hatte aber die gleichen Tugenden wie seine übrige Musik. Eine langsam brennende Leidenschaft, durch das Wunder seiner hohen Stimmlage vermittelt.
Was wir damals sagten:
„Percy Sledge bringt auf diesem fein gearbeiteten Album dasselbe solide Country-Gefühl zurück, das schon unter der Oberfläche seines erstaunlichen Hits ‚When a Man Loves a Woman‘ lauerte. Die meisten Stücke sind langsam angelegt. Klassischer Country-Soul der alten Schule. Sledges hemmungsloser Vortrag und die einfache, aber ausreichende Produktion des Albums treffen einen Nerv. Das Album ist altmodisch – im besten Sinne.“ — Mark Vining, RS 185 (24. April 1975)
Bobby Bare, „Cowboys and Daddys“
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Bare nahm schon seit den Fünfzigern Platten auf. War aber in eine Sackgasse aus Novelty-Songs geraten, bei denen die meisten Texte von Shel Silverstein stammten. Ein guter Songwriter, aber besser in kleinen Dosen. Auf diesem Album jedoch beanspruchte er seinen Platz als einer der natürlichsten Sänger der Country-Musik. Er schöpfte aus vielfältigen Quellen und machte ein überzeugendes Konzeptalbum (gewidmet den „Ropers und Dopers“) über das Leben, den Tod und die sexuelle Dysfunktion des modernen Cowboys. 2013 wurde Bare in die Country Music Hall of Fame aufgenommen.
Was wir damals sagten:
„Cowboys and Daddys ist ein literarisches Album. Seine Werte sind fast völlig unmusikalisch. Mit seinen schlendernden Basslinien, gezupften Akustikgitarren und herumspielenden Instrumentalpassagen. Doch die gelungene Präsentation von Songs, die so kraftvoll sind wie Dave Hickeys ‚Speckled Pony‘ oder so drollig wie ‚He’s a Cowboy‘, lässt keine Ablenkung zu. Wenn sie deine Aufmerksamkeit haben, vermisst du die Musik nicht. Bares schleppender, intimer Gesang ist perfekt für das Material.“ — Ed Ward, RS 207 (26. Februar 1976)
Steve Young, „No Place to Fall“
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1978 hatte Steve Young, psychedelischer Cowboy und Mitarbeiter von Van Dyke Parks, bereits vier Alben veröffentlicht und das Lied „Seven Bridges Road“ geschrieben. Noch kein Hit für die Eagles. Auf seinem „lieblichen und schäbigen“ fünften Album jedoch fand er seine Stimme, sang mit Leidenschaft und Kraft über Country-Themen wie Heimkehr, Barromanzen und Trennungen. Obwohl Young über ein Dutzend Alben veröffentlichte, wurde er vor allem als Songwriter bekannt – „Lonesome, On’ry and Mean“ wurde ein definierender Hit für Waylon Jennings.
Was wir damals sagten:
„Von all den aufstrebenden Sängern, die durch die Straßen von Nashville wandeln wie Figuren aus dem letzten Entwurf eines schlechten Beatnik-Romans, sind nur wenige zu mehr fähig, als ‚feelin’ free‘ auf ‚Tennessee‘ zu reimen oder im Gold Rush Linien von dreifach gestrecktem Kokain an Vanderbilt-Girls zu verteilen. Nur bei wenigen würde ich Eintritt zahlen – und Steve Young gehört dazu … Wie Hank Williams und William Faulkner kann Young Pathos mit einem majestätischen, betrunkenen Grinsen überwinden.“ — Nick Tosches, RS 261 (23. März 1978)
Johnny Rodriguez, All I Ever Meant to Do Was Sing
Rodriguez war der erste bedeutende lateinamerikanische Country-Sänger: geboren in Texas, 90 Meilen von der mexikanischen Grenze entfernt, wurde er durch Tom T. Halls Band bekannt – und überflügelte seinen Mentor mit einer Reihe großer Country-Hits in den Siebzigern und Achtzigern (auch wenn er nie in die Popcharts vordrang). Sein zweites Album, All I Ever Meant to Do Was Sing, nahm den traditionellen Nashville-Sound und belebte ihn mit Tex-Mex-Akzenten.
Was wir damals sagten:
„Außerdem wird er in den C&W-Fanzines als der ‚neue Schwarm‘ gehandelt – was nicht schwer zu verstehen ist, wenn man sieht, wie eine Gruppe Frauen ihm auf der Bühne die Hose vom Leib reißt. Rodriguez ist bereits ein hervorragender C&W-Stylist und einer der vielversprechendsten Country-Autoren. Seine ersten beiden Alben zeigen, dass er George Jones, Merle Haggard und Charlie Pride studiert hat – aber er ist auch über diese Einflüsse hinausgegangen und hat sich sein eigenes C&W-Territorium geschaffen.“ — Chet Flippo, RS 154 (14. Februar 1974)
Katy Moffatt, Katy Moffatt
Die Texanerin Katy Moffatt, jüngere Schwester des Songwriters Hugh Moffatt, schaffte den Einstieg ins Musikgeschäft über einen Job bei einem Radiosender in Denver – und bewies auf ihrem Debütalbum, dass sie eine klassische Country-Stimme hat, die an Patsy Cline oder Tammy Wynette erinnert. Als das Album kein Hit wurde, wurde sie viele Jahre Backgroundsängerin, bevor sie 1985 erneut solo durchstartete – sie wurde als weibliche Sängerin des Jahres von der Academy of Country Music nominiert.
Was wir damals sagten:
„Das linke Feld der Country-Musik scheint immer größer zu werden. Katy Moffatt hat eine große, kraftvolle Stimme, über die sie bemerkenswerte Kontrolle ausübt … Ihre Stimme hat einen natürlichen Country-Singsang, aber wenn die Zeile es verlangt, kann sie auch glatt und geschmeidig singen; und wenn sie einen hohen Ton anpeilt, erreicht sie ihn – und hält ihn fest.“ — John Morthland, RS 222 (23. September 1976)
Redwing, Redwing
Sacramento, Kalifornien, war kein Zentrum der Country-Musik: über 200 Meilen entfernt von Bakersfield und über 2.000 Meilen von Nashville. Trotzdem war es die Heimat von Redwing, einer Country-Rock-Band, die aus der Band Glad hervorging, nachdem Timothy B. Schmit zu Poco gewechselt war. Dieses Debütalbum enthielt zehn Originale sowie Cover von Country-Pionier Jimmie Rodgers und Nashvilles „Hippie-Cowboy“ Mickey Newbury. Nach dem Debüt nahmen Redwing bis 1975 vier weitere Alben auf – ohne den Durchbruch.
Was wir damals sagten:
„[Die] beste Hard-Rock/Country-Band der heutigen Zeit, die beste seit Moby Grape 1967 zum ersten Mal die Fillmore-Bühne übernahm … Licks, die nicht aufhören. Lange, träge. Kurze, harte. Alle perfekt in Geschmack und Ausführung, und Gesang, der alle Beklemmung in deinem Hals löst nach zu viel Schockrock … Redwing … scheint sowohl das Gemütliche des Landlebens zu verstehen und zu verkörpern, als auch den überwältigenden Sound der harten Urbanität, die jetzt den Bauern und seine Felder bedrängt.“ — J. R. Young, RS 85 (24. Juni 1971)
