14 legendäre unveröffentlichte Alben
Springsteens „Nebraska” mit voller Bandbesetzung, Neil Youngs „Homegrown” und andere eingestellte Projekte großer Künstler.
Unveröffentlichte Alben bieten einen verlockenden Einblick in ein alternatives Rockuniversum, das gerade außerhalb unserer Reichweite liegt. Letztendlich ziehen uns diese Geschichten nicht nur wegen der Musik an. Die nicht immer den hohen Erwartungen gerecht wird. Sondern wegen der Menschen, die sie geschaffen haben. Hinter diesen Projekten stehen Geschichten von einigen der größten Künstler aller Zeiten, die für ihre kreative Vision gegen eine kommerzialisierte Industrie oder sogar gegen ihre eigenen Bandmitglieder gekämpft haben. Manchmal ist Drama nicht der Grund. Andere Projekte werden einfach beiseite gelegt und vergessen. Aber Gerüchte über unveröffentlichte Sessions von Neil Young, den Beatles, Bob Dylan und Johnny Cash, Marvin Gaye und anderen leben in den Köpfen treuer Fans weiter, die entschlossen sind, jede einzelne Note ihrer Idole aufzuspüren.
Legendäre „verlorene Alben“ wie „Smile“ von den Beach Boys und „Lifehouse“ von The Who wurden ausführlich dokumentiert. Aber eine überraschend große Anzahl anderer bemerkenswerter Projekte bleibt in den Archiven verborgen. Einige Alben hätten vielleicht die Geschichte verändert. Andere hätten vielleicht einfach nur gut geklungen. Beides sind gute Gründe, sie sich anzuhören.
The Beatles, „Get Back“ (1969)
Get Back war als Rockalbum zurück zu den Wurzeln gedacht. Frei von aufwendiger Produktion. Live aufgenommen in einem hangarähnlichen Filmstudio für eine begleitende Beatles-Dokumentation. Die Idee war interessant. Aber die Bedingungen waren nicht ideal, um Musik zu machen. Und die Kameras erwiesen sich als störend. Die qualvollen Sessions endeten kurz nach dem legendären Auftritt auf dem Dach von Apple Records. Aber niemand konnte sich dazu durchringen, die 85 Stunden Material zu sichten, die die Band angehäuft hatte.
Produzent Glyn Johns erhielt die undankbare Aufgabe, aus den Trümmern eine brauchbare Trackliste zusammenzustellen. „Ich habe ursprünglich ein Album mit Proben zusammengestellt“, erzählte Johns der BBC. „Mit Plaudereien und Witzen und allgemeinen Gesprächen zwischen den Tracks, Pannen und Fehlstarts.“ Die Band mochte seinen Fly-on-the-Wall-Ansatz offenbar „sehr“. Aber der neue Manager der Beatles, Allen Klein, lehnte es ab, ein so ungeschliffenes Produkt zu veröffentlichen. Im März 1970 überredete er Lennon, die „Get Back“-Bänder an den Produzenten Phil Spector zu übergeben, der sich mit orchestralen Overdubs austobte.
Nicht alle Bandmitglieder waren mit diesem neuen kreativen Ansatz einverstanden. „Das wurde alles über meinen Kopf hinweg entschieden“, seufzte Paul McCartney gegenüber dem Biografen Barry Miles. „Mir wurde eine remixte Version geschickt. Niemand hat mich gefragt, was ich davon halte.“ Er war wütend, als er die Änderungen an seinem Werk hörte. Insbesondere an „The Long and Winding Road“, das mit rührseligen Streichern, Harfen und einem melodramatischen Chor überladen worden war. Die Bitte, die Instrumente zu entfernen, wurde abgelehnt. Und das Album wurde im Mai unter dem Titel „Let It Be“ veröffentlicht.
Bob Dylan und Johnny Cash, „The Dylan/Cash Sessions“ (1969)
Dylan und Cash hatten sich fast ein Jahrzehnt lang umkreist, bevor sie schließlich im Studio zusammenarbeiteten. Der „Man in Black“ hatte den ersten Schritt gemacht und dem jungen Troubadour kurz nach dessen Debüt 1962 einen Fanbrief geschrieben. Als sie sich zwei Jahre später beim Newport Folk Festival persönlich trafen, schenkte er Dylan eine seiner Gitarren als Zeichen seiner Wertschätzung.
Im Februar 1969 war Dylan in Cashs Heimatstadt, um sein neuntes Album, das countrylastige „Nashville Skyline“, aufzunehmen. Zufällig arbeitete Cash gerade im Studio nebenan. Dylan besuchte ihn, und am 17. und 18. Februar nahmen die beiden mehr als ein Dutzend Duette zusammen auf. Von diesen schaffte es nur einer – eine Neuauflage des Freewheelin‘ Bob Dylan-Titels „Girl From the North Country“ – auf das fertige Album. Der Rest schlummerte in den Tonbandarchiven. Bis er von findigen Bootlegern befreit wurde.
Die Sammlung ist eine faszinierende Studie zweier musikalischer Schwergewichte, die sich mit ihrem jeweiligen Vermächtnis auseinandersetzen. Dylans „One Too Many Mornings” wird ebenso aufgegriffen wie Cashs Hits „I Walk the Line”, „Ring of Fire” und „Big River”. Auch frühe Sun-Records-Titel wie „That’s All Right“ und „Matchbox“ wurden entstaubt. Wobei Carl Perkins selbst die beiden Männer an der Gitarre begleitete.
Jeff Beck, „The Motown Album“ (1970)
Jeff Beck war einer der wenigen britischen Rockmusiker, die im legendären Hitsville U.S.A. Studio in Detroit aufgenommen haben. „Es war eine der letzten Sessions dort“, erzählte Beck 2010 Rolling-Stone-Redakteur David Fricke. „Wir waren eher wie Touristen. Wie Kinder in einem Süßwarenladen.“
Die Kombination aus Becks Gitarre und den Funk Brothers, den Session-Musikern von Motown, klingt brillant. Doch die Zusammenarbeit hatte einen holprigen Start, als Beck seinen eigenen Schlagzeuger Cozy Powell mitbrachte. „Was zum Teufel habe ich mir dabei gedacht, einen Rock-Schlagzeuger mit zu Motown zu nehmen?“, fragte er sich später. „Die haben uns sofort gehasst. Die wollten nichts von uns wissen.“
Letztendlich hat diese Verbindung zwischen Funk und Rock nie funktioniert. „Ich wollte eine Band gründen, die das Motown-Feeling verstand. Und ihr dann mehr Pep geben. Aber bei Motown entfernten wir uns immer weiter vom Rock, weil sie das nicht verstanden haben.“ Die Kosten stiegen. Schließlich kehrten die Briten geschlagen nach Hause zurück. „Es war eine völlig verpasste Chance. Eine Aneinanderreihung von Katastrophen.“
Beck behauptet, dass zehn Tracks aufgenommen wurden. Einige davon aus der Feder von Holland-Dozier-Holland, dem Songwriting-Team hinter den größten Hits von Motown. Ist darunter ein verlorener Hit? Das weiß nur Beck. „Ich habe eine Kopie auf Kassette gemacht. Das ist alles, was es gibt.“
In einem glücklicheren Nachspiel kehrte Beck 1972 zu Motown zurück, um auf Stevie Wonders Talking Book als Gastmusiker mitzuwirken. Die beiden jammten zwischen den Takes. Und schufen schließlich die Grundlage für den Song „Superstition“.
Jimi Hendrix, „Black Gold“ (1970)
Anfang 1970 wollte Hendrix Musik schreiben, die über konventionelle Rock-‚n‘-Roll-Songs hinausging. „Stücke. Ich glaube, so nennt man das“, beschrieb er es gegenüber Rolling Stone. „Wie Sätze. Ich habe schon einige davon geschrieben.“ Eines Tages schnappte er sich seine Martin-Akustikgitarre. Und nahm eine Suite mit 16 Songs auf Kassetten auf. Er schrieb „Black Gold“ auf das Etikett. Und gab die Kassetten dem Schlagzeuger Mitch Mitchell, damit dieser die Parts für eine Studioaufnahme ausarbeiten sollte. Hendrix starb jedoch, bevor dies geschehen konnte. Und die Kassetten blieben in Mitchells Besitz und gerieten für zwei Jahrzehnte in Vergessenheit.
Während dieser Zeit galten die Kassetten als gestohlen und für immer verloren. Was zu endlosen Spekulationen darüber führte, was sie enthielten. Wenn es sie überhaupt gab. Hendrix sprach in der Presse selten über „Black Gold“ und machte nur vage Andeutungen über seine neue kreative Richtung. „Es ist hauptsächlich Cartoon-Material“, sagte er. „Ich habe mir diese lustige Katze ausgedacht. Sie erlebt all diese seltsamen Szenen. Man könnte das wohl zu Musik machen.“
Das Rätsel um „Black Gold“ wurde 1992 teilweise gelöst, als Mitch Mitchell die verschwundenen Bänder in seinem Haus in England wiederfand. Sechs Songs waren im Studio fertiggestellt und auf posthumen Alben veröffentlicht worden. Aber die anderen neun Titel waren nur auf dem Band zu finden. Nach jahrelangen Rechtsstreitigkeiten hat Hendrix‘ Nachlass versprochen, Black Gold irgendwann „in diesem Jahrzehnt“ zu veröffentlichen. Bislang ist nur ein Song, der Eröffnungstitel „Suddenly November Morning“, erschienen.
Gene Simmons und Paul Stanley, „Wicked Lester“ (1972)
Bevor sie sich als Gene Simmons und Paul Stanley von Kiss schminkten, sammelten Gene Klein und Stanley Eisen erste Erfahrungen als Mitglieder von Wicked Lester. Obwohl sie nur wenige Auftritte hatten, erklärte sich Epic Records bereit, ihr Debütalbum zu finanzieren. Der chaotische Aufnahmeplan zog sich über sechs Monate hin, in denen sie eine eklektische Mischung aus Pop-Covers und selbst geschriebenen Songs aufnahmen.
Die Session ist zwar historisch. Aber auch ein zielloses Sammelsurium verschiedener Musikstile, die auf einer einzigen Schallplatte um ihr Überleben kämpfen. Das Album mit elf Titeln wurde von Epic umgehend abgelehnt. Selbst Simmons ist der Meinung, dass dies das Beste war. „Wicked Lester ist vielleicht eine interessante Sammlung von Songs. Aber ich finde darin keine Substanz und keine Identität“, reflektierte er.
Simmons und Stanley beschlossen, neu anzufangen. Sie schlossen sich mit Peter Criss und Ace Frehley zusammen und gründeten die Band, die sie berühmt machte. Die Wicked-Lester-Bänder lagen bis 1976 brach, als das Label eine Gelegenheit sah, aus der weltweiten Popularität von Kiss Kapital zu schlagen. Aus Verlegenheit über das seichte Material und aus Angst, ihr Publikum zu verwirren, kaufte die Band die Bänder für 137.500 Dollar zurück. Und schloss sie weg.
Die Songs „She“ und „Love Her All I Can“ aus der Wicked-Lester-Ära wurden überarbeitet und 1975 auf dem Album „Dressed To Kill“ veröffentlicht, „Keep Me Waiting“ erschien 2001 auf der Kiss-Box. Der Rest blieb jedoch in den Archiven.
The Who, „Rock Is Dead – Long Live Rock!“ (1972)
Lifehouse, Pete Townshends multimediale dystopische Fabel, die als Nachfolger der Rockoper Tommy von 1969 gedacht war, erwies sich als zu schwer, um jemals richtig in Gang zu kommen. Nach einem Jahr voller Blut, Schweiß und Zusammenbrüchen wurde das Projekt aufgegeben. Und die Songs flossen 1971 in Who’s Next ein. Für sein nächstes Konzept wählte Townshend ein Thema, das ihm näher lag.
Rock Is Dead – Long Live Rock sollte ein autobiografisches Album über die Geschichte der Band werden. Zu einer Zeit, als Glam Rock in Großbritannien boomte, waren The Who genau im richtigen Moment, um ihre Synthesizer auszuschalten und wieder altmodischen Four-on-the-Floor-Rock zu spielen. Der Titelsong, ein herrlich retro Boogie-Woogie-Nummer, gibt mit einem filmischen Blick auf einen frühen Auftritt der Who den Ton an.
Die Aufnahmen fanden zwischen Mai und Juni 1972 statt. Glyn Johns fungierte als Co-Produzent. Townshend behauptete, dass die Aufnahmen fast abgeschlossen waren und es sogar Pläne für eine Fernsehsendung zum Album gab. Aber im Laufe des Sommers kam die Band zu dem Schluss, dass das Album zu sehr nach „Who’s Next“ klang. Und die Begeisterung schwand. „Die Leute wollen nicht wirklich dasitzen und sich unsere ganze Vergangenheit anhören“, murrte Townshend im Herbst gegenüber Melody Maker. Doch die Auseinandersetzung mit ihrer Vergangenheit hatte ihn sehr inspiriert, und Rock Is Dead – Long Live Rock verwandelte sich in die nächste Rockoper der Who. Das Mod-zentrierte Quadrophenia.
Crosby, Stills, Nash & Young, „Human Highway“ (1973)
Die Unstimmigkeiten während der CSNY-Tournee 1970 waren so explosiv, dass die Band jahrelang auseinanderbrach, aber 1973 waren sie bereit, sich zu versöhnen. Das Quartett flog nach Maui, um in der Ruhe und Behaglichkeit von Youngs palmengesäumtem Strandhaus ein neues Album zu schreiben und zu proben. Sie nannten das Projekt „Human Highway“. Neil Young schrieb den Titelsong und „Pardon My Heart“, Nash steuerte „And So It Goes“ und „Prison Song“ bei, Stephen Stills lieferte „See the Changes“ und Crosby „Homeward Through the Haze“.
CSNY traf sich mit den neuen Songs im Aufnahmestudio, aber die Spannungen überwogen schnell und die Arbeit kam zum Erliegen. Sie ließen einen Jahr lang die Wogen glätten, bevor sie im Sommer 1974 eine große zweimonatige Tournee starteten. Die Fans waren begeistert, aber Drogenmissbrauch, giftige Gruppendynamik und eine allgemein schlechte Stimmung veranlassten Crosby, die Tournee „The Doom Tour“ zu nennen.
Im November desselben Jahres kam die Band in einem Studio in Kalifornien wieder zusammen, um einen weiteren Versuch mit „Human Highway“ zu starten. „Es war ein hoffnungsloses Unterfangen“, sagte Crosby. „Stills war ausgebrannt. Ich war ausgebrannt. Selbst Nash war nicht so nett wie sonst.“ Im Januar 1975 versuchten sie es ein letztes Mal und holten Bill Kreutzmann, den Schlagzeuger von Grateful Dead, mit ins Boot. Als Young Nash und Stills beim Streiten über eine Harmonie-Note zuhörte, wurde es ihm zu viel. Er verließ den Raum, und das Album wurde endgültig aufgegeben.
Pink Floyd, „Household Objects“ (1974)
Pink Floyd hatte 1973 mit „Dark Side of the Moon“ weltweiten Erfolg und wurde praktisch über Nacht zu einer der größten Rockbands aller Zeiten. Da sie sich nicht sicher waren, wie sie an ihren Erfolg anknüpfen sollten, entschieden sie sich für ein ebenso respektloses wie avantgardistisches Konzept. Sie wollten ein Album ohne jegliche Musikinstrumente aufnehmen.
Das Projekt mit dem Titel „Household Objects“ bestand darin, dass Pink Floyd Songs auf Handmixern, Glühbirnen, Holzsägen, Hämmern, Besen und anderen Haushaltsgeräten spielten. Die Aufnahmen waren qualvoll. „Wir verbrachten Tage damit, einen Bleistift und ein Gummiband so lange zu bearbeiten, bis es wie ein Bass klang“, erinnerte sich Wright 2007 in einer BBC-Dokumentation.
„Ich erinnere mich, wie ich mit Roger zusammensaß und sagte: ‚Roger, das ist Wahnsinn!‘“, pflichtete Gitarrist David Gilmour bei. „Meistens kam dabei nur ein klimperndes Geräusch heraus. … Letztendlich war es für mich persönlich ziemlich unbefriedigend.“ Unbefriedigend und sinnlos. Anstatt sich abzumühen, ein Gummiband wie einen Bass klingen zu lassen, beschloss die Band schließlich, einfach einen Bass zu verwenden.
Die Instrumente wurden wieder hervorgeholt, und Household Objects wurde endgültig eingestellt. Ein Monat Arbeit brachte nur zwei halbfertige Tracks hervor: „The Hard Way“ und „Wine Glasses“. Ersterer sollte erst 2011 als Bonustrack veröffentlicht werden, aber „Wine Glasses“ wurde in „Shine On You Crazy Diamond“ integriert, dem Herzstück ihres nächsten Albums, Wish You Were Here.
David Bowie, „The Gouster” (1974)
Bowies Album „Diamond Dogs” aus dem Jahr 1974 ließ seine wachsende Begeisterung für R&B erahnen, die sich im Sommer desselben Jahres während einer Tournee durch Amerika zu einer regelrechten Obsession entwickelte. Während er mit dem Bus kreuz und quer durch das Land fuhr, war er fasziniert von dem Philly Soul, der aus den Radios dröhnte.
Bowie beschloss, direkt an die Quelle zu gehen und buchte im August desselben Jahres Zeit im berühmten Sigma Sound Studio in Philadelphia. Dort stellte er ein Dreamteam aus Studiomusikern zusammen, darunter auch der junge Luther Vandross. Nach mehreren Wochen voller Kokainrausch entstanden genug Songs für ein Album. „It’s Gonna Be Me”, „After Today”, „Who Can I Be Now” und „Shilling the Rubes” sind allesamt starke Songs im Stil des „Plastic Soul”. „Young Americans” ist der bekannteste Song aus diesen Sessions, dessen Text nur zwei Tage nach Richard Nixons Rücktritt im August aufgenommen wurde und eine Anspielung auf den ehemaligen Präsidenten enthält.
Die Trackliste wurde mehrmals geändert, um diese Stücke unterzubringen
Produzent Tony Visconti stellte die Titel unter dem obskuren schwarzen Slangbegriff „The Gouster“ zusammen, den er wie folgt definiert: „Ein hipper Typ, der die Straße entlanggeht und mit den Fingern schnippt.“ Das war ein Label, das perfekt zu Bowie passte. „Ich glaube, das ist das, was ich auf Platte aufgenommen habe, was mir selbst am nächsten kommt“, sagte er bei der Vorabpräsentation des Albums für Melody Maker.
Die Platte stand kurz vor der Veröffentlichung, als ein Beatle dazwischenkam. „Etwa zwei Wochen nachdem ich das Album abgemischt hatte, rief David an und sagte, dass er und John Lennon diesen Song namens ‚Fame‘ aufgenommen hätten“, erinnert sich Visconti. Die beiden nahmen auch eine Version von Lennons „Across the Universe“ auf. Die Trackliste wurde mehrmals geändert, um diese Stücke unterzubringen, bevor das Album schließlich im März 1975 unter dem Titel „Young Americans“ veröffentlicht wurde. 2018 erschienen Teile von „The Gouster“ schließlich: auf der „Who Can I Be Now?“-Box, die die Bowie-Alben jener Ära versammelt.
Paul McCartney, „Cold Cuts“ (1974–80)
Paul McCartney und Wings erzielten 1973 mit „Band on the Run“ Verkaufszahlen in Beatles-Größe, und das Label war gespannt auf einen Nachfolger. Da ein neues Album nicht rechtzeitig zur lukrativen Weihnachtssaison fertig werden würde, planten sie die Veröffentlichung einer Sammlung mit dem Titel „Hot Hitz and Kold Kutz“ (auch „Cold Cuts“ geschrieben). Das Doppelalbum sollte eine CD mit Chart-Hits und eine zweite CD mit unveröffentlichten Titeln aus McCartneys Zeit nach den Beatles enthalten.
Wings begann im Juli 1974 mit der Arbeit an dem Projekt, überarbeitete alte Titel und nahm mehrere neue Songs auf. Da jedoch „Band on the Run“ weiterhin in den Charts stark vertreten war, wurde die Veröffentlichung des Albums als unnötig erachtet und das Projekt auf Eis gelegt.
McCartney griff das Projekt im Laufe des nächsten Jahrzehnts mehrmals wieder auf. 1978 wäre es beinahe als abgespeckte Single-CD erschienen, doch die Plattenbosse bevorzugten „Hot Hitz“ gegenüber „Cold Cuts“, sodass es schließlich als Greatest-Hits-Sammlung in die Läden kam. Im Oktober 1980 kehrte McCartney erneut zu dem unveröffentlichten Material zurück und stellte ein 12-Track-Album zusammen, das seine musikalische Vielseitigkeit unter Beweis stellte. Der rustikale Hoedown „Hey Diddle” steht neben „Best Friend”, einem mitreißenden Live-Mitschnitt von der Europa-Tournee der Wings im Jahr 1972. „Waterspout” ist verspielter, sommerlicher Synthie-Pop, und eine Coverversion der Ballade „Tragedy” aus den 50er Jahren ist ein eindringlicher Höhepunkt.
In vielerlei Hinsicht waren die Titel stärker als seine zeitgenössischen Veröffentlichungen. Doch die Gleichgültigkeit des Labels, die Auflösung von Wings und die emotionale Zerstörung durch die Ermordung von John Lennon führten dazu, dass das Album in der Versenkung verschwand.
The Beach Boys, „Adult/Child“ (1977)
Nachdem Brian Wilson in der ersten Hälfte der 70er Jahre aufgrund einer psychischen Erkrankung und Drogenabhängigkeit pausieren musste, wurde er 1976 aus seinem Winterschlaf geweckt, um seine Rolle als Produzent und Genie der Beach Boys wieder aufzunehmen. Die daraus resultierenden Alben „15 Big Ones“ (1976) und „Love You“ (1977) waren zwar keine Glanzstücke, aber die Sessions gaben ihm sein Selbstvertrauen zurück. Wilson stürzte sich mit einer kreativen Leidenschaft in sein nächstes Projekt, wie man sie seit seinen unvollendeten „Smile“-Sessions ein Jahrzehnt zuvor kaum gesehen hatte.
Adult/Child war Brian Wilsons Versuch, ein Big-Band-Album zu produzieren, mit swingenden, bläserlastigen Arrangements, die von Frank Sinatras eigenem Arrangeur komponiert wurden. Wilsons neu gewonnener Elan zeigt sich deutlich im Eröffnungstitel des Albums, „Life Is for the Living“, mit der unvergesslichen Ermahnung: „Life is for the living/Don’t sit around on your ass/Smoking grass/That stuff went out a long time ago.“
Trotz ihrer pompösen Instrumentierung bieten die Songs auf „Adult/Child“ einen überraschend intimen Einblick in Wilsons Leben. Uptempo-Nummern wie „H.E.L.P. Is on the Way” beklagen seine „pummelige” Figur, und „Lines” dokumentiert einen banalen Kinobesuch. Die beiden Balladen „Still I Dream of It” und „It’s Over Now” sind emotional so erschütternd wie alles, was auf der zweiten Seite von Pet Sounds zu finden ist.
Die Musik kam bei der Band nicht gut an. Als Mike Love die stark orchestrierten Demos hörte, wandte er sich offenbar völlig fassungslos an Wilson und stieß hervor: „Was zum Teufel machst du da?“ Sie lehnten die Musik ab und veröffentlichten stattdessen das vielgeschmähte „M.I.U. Album“.
Marvin Gaye, „Love Man“ (1979)
Der Motown-Star war 1979 süchtig nach zwei Dingen – Kokain und seiner entfremdeten Frau Janis Hunter. Beide Süchte richteten großen Schaden in seiner Musikkarriere an, und die Zuhörer strömten zu jüngeren Stars wie Rick James und Prince. „All diese Jungs umwerben meine Fans, und das gefällt mir nicht“, beklagte er sich. „Ich hole mir meine Fans zurück. Ich mache ein Album, das eine einzige Make-out-Party ist.“
Die Songs mit dem ironischen Titel Love Man waren unverhohlene Versuche, sowohl seine Frau als auch seine Fans zurückzugewinnen. „A Lover’s Plea“ enthielt die traurigen Zeilen „If God up above can forgive me then why can’t you?“ (Wenn Gott oben mir vergeben kann, warum kannst du es dann nicht?). Selbst die Lead-Single, ein unglücklicher Disco-Dance-Song namens „Ego Tripping Out“, ist eine selbstzerfleischende Parodie auf seinen Ruf als Frauenheld.
Der Song war kein Erfolg, und eine Steuerrechnung in Höhe von 4,5 Millionen Dollar verschlimmerte die Lage noch. Verzweifelt auf der Suche nach Geld ging Gaye auf Tour, um Geld zu verdienen. Er schaffte jedoch nur einige halbherzige Auftritte, bevor er abbrach und sich damit Klagen von Konzertveranstaltern einhandelte. Erdrückende Schulden zwangen ihn, Insolvenz anzumelden, und er versuchte, sich mit einer Unze Kokain das Leben zu nehmen.
Gaye überlebte und versuchte, sein Leben wieder in den Griff zu bekommen. Um sich von dieser unglücklichen Zeit zu distanzieren, begann er mit der Arbeit an einem neuen Projekt, „In Our Lifetime“. „Egal, wie viel Geld Motown mir für die Veröffentlichung von „Love Man“ geboten hätte, ich hätte es nicht tun können“, sagte er zu Ritz. Es gab Gerüchte, dass er das Album noch einmal überarbeiten wollte, aber diese Hoffnungen starben 1984 mit ihm.
The Clash, „Rat Patrol From Fort Bragg“ (1981)
The Last Gang in Town begann im Herbst 1981 auseinanderzubrechen, als Frontmann Joe Strummer und Gitarrist Mick Jones sich über die musikalische Ausrichtung der Band uneinig waren. Strummer bevorzugte dreckigen Rock ’n‘ Roll, während Jones die Weltmusik-Trends ihrer letzten Alben weiter ausloten wollte. Jones übernahm die Rolle des Produzenten und schlug ein ambitioniertes Doppelalbum mit dem Arbeitstitel „The Rat Patrol From Fort Bragg“ vor.
Das Album wurde hauptsächlich in New York City aufgenommen und hatte eine Gesamtlänge von 80 Minuten. Heute sind die Aufnahmen eine faszinierende Mischung aus den vielfältigen Einflüssen der Band: Anklänge von Hip-Hop, Surf-Rock, Calypso, Funk, New Wave und Afrobeat schimmern durch, umhüllt vom elektronischen Dunst von Jones‘ echoartiger Produktion. Es war vielleicht nicht ihr bestes Album, aber sicherlich eines ihrer interessantesten künstlerischen Statements.
Die Reaktion von Jones‘ Bandkollegen war jedoch überwältigend negativ. „Muss alles ein verdammter Raga sein?“, schimpfte ihr Manager, als er die ausufernden Tracks hörte. Strummer bezeichnete das Album als selbstverliebt und weitschweifig und engagierte den Superproduzenten Glyn Johns, um Rat Patrol zu einer kommerzielleren Single-CD zu machen. Johns strich fünf Songs komplett, kürzte fünf weitere um jeweils zwei Minuten und entfernte einen Großteil der aufwendigen Produktion. Mit einer Spielzeit von 46 Minuten hatten The Clash ihr Rockalbum auf einer einzigen CD. Es wurde im Mai 1982 unter dem passenden Titel Combat Rock veröffentlicht.
Bruce Springsteen, „Electric Nebraska“ (1982)
Das Album, das zu Nebraska wurde, begann als akustischer Entwurf, der in der ersten Januarwoche 1982 in Springsteens Haus in New Jersey aufgenommen wurde. Mit einem „Portastudio”-Kassettenrekorder nahm er Gitarren- und Gesangsdemos (mit minimalen Overdubs) für 15 Tracks auf, die mit der E Street Band ausgearbeitet werden sollten. Diese Songs waren düsterer und makabrer als seine früheren Werke und spiegelten Springsteens Unbehagen wider, als er mit familiären Schwierigkeiten und der Isolation des Superstar-Daseins zu kämpfen hatte.
Im folgenden Monat trafen sich Springsteen und die Band in einem Studio in New York City, um diesen intimen Songs den vollen E Street-Sound zu verleihen. Im Laufe der Arbeit wurde der Boss jedoch unzufrieden mit den stark orchestrierten Takes. „Sie haben die Texte übertönt“, sagte er gegenüber Uncut. „Es hat nicht funktioniert. Die beiden Formen passten nicht zusammen. Die Band kommt rein und macht im Allgemeinen Lärm, aber die Texte wollten Stille.“ Er entschied, dass die zarten Demobänder viel besser zur Musik passten als die bombastische Bar-Musik. Die Studioaufnahmen wurden verworfen, und Springsteen veröffentlichte 10 Tracks aus seinen Heimaufnahmen als „Nebraska“.
Jahrzehntelang war unklar, wie viel Arbeit tatsächlich an dem sogenannten „Electric Nebraska“ geleistet worden war, aber Schlagzeuger Max Weinberg bestätigte als Erster, dass das Album tatsächlich existiert. „Die E Street Band hat tatsächlich das gesamte Album Nebraska aufgenommen, und es war umwerfend“, verriet er dem Rolling Stone. „Es war alles sehr hart. So großartig es auch war, es war nicht das, was Bruce veröffentlichen wollte. Es gibt ein komplettes Nebraska-Album mit der gesamten Band – alle Songs sind irgendwo in den Archiven.“ Und zuletzt teilte auch der Boss mit: „Electric Nebraska“ gefunden!
