40 Alben, die Babyboomer liebten – die Millennials aber nicht kennen
Von Tina Turner bis Eric Clapton – diese LPs wurden von Millionen geliebt, aber finden sie auch bei jüngeren Generationen Anklang?
Einige Alben überdauern ihre Zeit, finden ihren Weg in den kulturellen Kanon und werden von nachfolgenden Generationen immer wieder neu entdeckt. Andere tun dies nicht. Aus welchen Gründen auch immer. Sei es eine veraltete Produktion. Ein nicht mehr nachvollziehbarer sozialer Kontext. Oder eine Vielzahl weitaus schwerer fassbarer Ursachen. Die folgenden Alben wurden von Millionen von Babyboomern geliebt, schienen jedoch im Gegensatz zu den unbestrittenen Klassikern wie „Dark Side of the Moon“ und „London Calling“ über ihre ursprüngliche Zielgruppe hinaus keine besonders starke Resonanz zu finden. Schauen Sie in ein paar Jahren noch einmal vorbei, dann wird diese Liste hoffentlich ganz anders aussehen.
40 Alben, die Babyboomer liebten, die Millennials aber nicht kennen
Bonnie Raitt, „Nick of Time” (1989)
Wie John Hiatt mit „Bring the Family“ war auch „Nick of Time“ von Bonnie Raitt ihr erstes Album nach ihrer Entziehungskur. Und ihr bislang größter Erfolg. Neben ihrer Coverversion von Hiatt’s „Thing Called Love“ enthielt das Album ihre charakteristische Mischung aus Blues, Country, Soft Rock, Pop-Balladen und sogar ein bisschen Reggae in „Have a Heart“.„Nick of Time“ war ausgefeilt, behielt aber seine authentische Wurzel und löste einen späten Karriereboom für Raitt aus. Das Album erreichte 1990 Platz 1 und brachte der Veteranin drei Grammys ein – für das beste Album, die beste Rock-Sängerin und die beste Pop-Gesangsdarbietung.
40 Alben, die Babyboomer liebten, die Millennials aber nicht kennen
Tracy Chapman, „Tracy Chapman“ (1988)
In einer Zeit, in der Rick Astley und Guns N‘ Roses die MTV-Charts beherrschten, wurden die sanft bewegenden Songs „Fast Car“, in dem die Cleveland-Singer-Songwriterin Tracy Chapman die Schwierigkeiten eines obdachlosen Paares schilderte, und „Talkin‘ Bout a Revolution“, in dem sie verkündete, dass „die Armen sich erheben und sich nehmen werden, was ihnen zusteht“, zu unerwarteten Pop-Hits. Mit einer leisen musikalischen Revolution löste Tracy Chapman einen Verkaufserfolg von sechs Millionen Exemplaren aus. Und produzierte bis in die 90er Jahre hinein weitere Platin-Alben.
Trotz des Erfolgs von Künstlerinnen, die in Chapmans stilistischen Fußstapfen traten – wie India.Arie und in gewisser Weise auch Ani DiFranco –, klingt die ultra-polierte 80er-Jahre-Produktion von Tracy Chapman für heutige Ohren vielleicht etwas veraltet. Obwohl das Album nach wie vor fantastische und herzzerreißende Songs enthält.
40 Alben, die Babyboomer liebten, die Millennials aber nicht kennen
John Hiatt, „Bring the Family“ (1987)
Hiatts achtes Album war möglicherweise seine letzte Chance in der Musikindustrie. Er war unter anderem aufgrund seiner Alkoholprobleme von verschiedenen Plattenlabels fallen gelassen worden. Und musste mit dem tragischen Selbstmord seines älteren Bruders, als er noch ein Kind war, und seiner zweiten Frau im Jahr 1985 fertig werden. Glücklicherweise bekam er ein kleines Budget von der englischen Plattenfirma Demon Records. Und konnte einige talentierte Freunde – den Gitarrenvirtuosen Ry Cooder, den Singer-Songwriter Nick Lowe und den Schlagzeuger Jim Keltner – für ein Album gewinnen.
Das Album „Bring the Family“ entstand innerhalb von acht Tagen. Es vereinte Hiatts wunderschöne Balladen wie „Have a Little Faith in Me“ und „Lipstick Sunset“ mit seiner Liebe zur Roots-Musik und seiner frechen Lyrik in „Your Dad Did“ und „Thing Called Love. Das später ein Hit für Bonnie Raitt wurde. Mit bescheidenem Erfolg markierte „Bring the Family“ Hiatts ersten Auftritt in den Charts in einem Jahr, das eher für Songs wie „Livin‘ on a Prayer“ und „I Wanna Dance With Somebody“ in Erinnerung geblieben ist.
40 Alben, die Babyboomer liebten, die Millennials aber nicht kennen
Dire Straits, „Brothers in Arms“ (1986)
Musikvideos waren für Dire Straits Segen und Fluch zugleich. Die ätherische Roots-Rock-Band um Sänger und Gitarrist Mark Knopfler mied das aufkommende Medium in ihrer frühen Karriere weitgehend. Abgesehen von den obligatorischen Live-Clips. Als Knopfler jedoch den späteren Hit „Money for Nothing“ aus dem Album „Brothers in Arms“ schrieb, der die abfällige Haltung eines Arbeiters gegenüber Musikfernsehen und den Exzessen der Achtziger zum Ausdruck brachte, verwandelte der dazugehörige CGI-Minifilm (mit einem kurzen, aber unvergesslichen Gastauftritt von Sting) den Song – trotz seiner ironischen Sichtweise – in eine MTV-Hymne.
Aber seine Allgegenwart überwältigte ein überwiegend zurückhaltendes, gefühlvolles Album. Das von traurigen Hymnen und sanften Reflexionen geprägt war. Schade, dass sich so viele Hörer nur an diesen epochalen Refrain erinnern.
Robert Cray, „Strong Persuader“ (1986)
Robert Cray wuchs mit Blues auf. Er begann seine Karriere im Nordwesten der USA, wo er eine Zeit lang mit Albert Collins spielte und sogar als Bassist für die Animal House-Band Otis Day and the Knights auftrat. Anstatt sich auf die starren Strukturen des Blues-Purismus zu beschränken, legte er sich R&B und Soul zu und hob sich mit seinem glänzenden Gitarrensound von seinen verzerrungsliebenden Kollegen ab. Er opferte jedoch nicht sein Können für den poppigeren Sound, was ihm den Mainstream-Erfolg seines fünften Albums Strong Persuader einbrachte.
Es ist voller Geschichten über Herzschmerz wie „I Wonder“, New-School-Juke-Joint-Songs wie „Smoking Gun“ und dem sinnlichen „Right Next Door (Because of Me)”. Das davon handelt, wie er ein Paar auseinanderbringt, nachdem die Frau nur eine weitere „Kerbe” auf seiner Gitarre geworden ist. Die Keyboards und der ausgefeilte Sound sind typisch für die Reagan-Ära, während Crays Storytelling und Gitarrenspiel zeitlos sind. Auch wenn der Blues-Boom der Achtziger Jahre heute viel weiter weg scheint, als er tatsächlich ist.
Phil Collins, „No Jacket Required“ (1985)
Heutzutage hört man wahrscheinlich eher Leute (vielleicht zu Recht), die sich über „Sussudio“ lustig machen, als dass jemand den Song tatsächlich spielt, sodass es schwer vorstellbar ist, dass er 1985 die amerikanischen Charts anführte. Tatsächlich ist es vielleicht schwer vorstellbar, dass ein glatzköpfiger Engländer Mitte 30 mit Vokuhila-Frisur einer der größten Popstars der Welt sein konnte. Aber genau das war Phil Collins. Insbesondere nach der Veröffentlichung seines dritten Soloalbums.
Dank seiner eingängigen Synthie-Hits wie „One More Night” und „Don’t Lose My Number” erreichte die LP in mehreren Ländern Platz 1. Und wurde mit über 25 Millionen verkauften Exemplaren zum erfolgreichsten Album in Collins‘ langer Karriere. Collins folgte „No Jacket Required“ mit einem Oscar-nominierten Duett mit Marilyn Martin, „Separate Lives“, aus dem Soundtrack zu „White Nights“ und berühmten Auftritten bei den englischen und amerikanischen Live-Aid-Konzerten, die beide am 13. Juli 1985 stattfanden.
Tina Turner, „Private Dancer“ (1984)
Tina Turner war bereits durch ihre Partnerschaft mit Ike Turner, von dem sie sich 1976 nach Jahren der Misshandlung scheiden ließ, ein Star. Anschließend veröffentlichte sie zwei Soloalben, 1978 „Rough“ und 1979 „Love Explosion“, die jedoch nur mäßigen Erfolg hatten, sodass sie schließlich von ihrem Plattenlabel fallen gelassen wurde.
Nachdem sie jahrelang aufgetreten war und ihre Solo-Live-Auftritte perfektioniert hatte, erhielt sie einen Vertrag bei Capitol. Und landete mit einer Coverversion von Al Greens „Let’s Stay Together“ einen kleinen Hit, woraufhin das Label 1983 ein Album bei ihr in Auftrag gab. Mit der Hilfe einer Reihe von Produzenten und Songwritern enthält „Private Dancer“ Elemente aus Soul, Pop, R&B, Reggae und New Wave Rock, die alle von ihrem kraftvollen Gesang getragen werden.
Das mitreißende „Better Be Good to Me“ war die erste Singleauskopplung und erreichte Platz 5 der Hot 100, bevor sie mit „What’s Love Got to Do with It?“ die Spitze der Charts eroberte. Beide Songs brachten ihr insgesamt vier Grammys ein. Mit dem Titelsong, der von Mark Knopfler von Dire Straits geschrieben wurde und ein Gitarrensolo von Jeff Beck enthält, schaffte sie es fast zurück auf Platz 1.
Abgerundet durch Coverversionen von „Help” von den Beatles und „1984” von David Bowie, bleibt „Private Dancer” eines der größten Comeback-Alben der Geschichte. Auch wenn sein geglätteter Sound nicht das beste Beispiel für Turners legendäres rohes Talent ist.
Richard und Linda Thompson, „Shoot Out the Lights“ (1982)
Das Thompson-Album „Shoot Out the Lights“ aus dem Jahr 1982 ist eine bissige – und treffende – Darstellung einer zerbrechenden Ehe und eine spannungsgeladene Verbindung aus Lindas reiner Sopranstimme, Richards wilder Gitarre und einigen sehr schlechten Vibes, die in exquisiten Metaphern zum Ausdruck kommen.
Man höre sich nur einige der Songtitel an. „Did She Jump or Was She Pushed?“„Don’t Renege On Our Love“ und „Walking on a Wire“. Richard Thompson war schon immer ein Kultfavorit.
Er und Linda trennten sich 1981. Aufgrund seiner entschlossen erwachsenen Herangehensweise ist es unwahrscheinlich, dass seine besten Werke wie „SOTL“ von Teenagern dieser oder einer anderen Generation entdeckt werden. Es braucht Zeit, um diese besondere Art von Schmerz zu verstehen.
ZZ Top, „Deguello” (1979)
Kurz bevor Billy Gibbons (Gesang/Gitarre), Dusty Hill (Bass/Gesang) und Frank Beard (Schlagzeug) Synthesizer erfolgreich in ihre Musik integrierten, verhalf das 1979 erschienene Album „Deguello” der stolzesten Boogie-Blues-Band Texas’ zum endgültigen Durchbruch. Gibbons‘ grundlegendes Riff und die hinterhältige Gesangsmelodie auf der legendären Single „Cheap Sunglasses” prägen noch immer die moderne FM-Soundlandschaft, die zum Teil von Bands wie den Black Keys geprägt wurde. Während das verzerrte „Manic Mechanic” ihre Bedeutung für zukünftige genreübergreifende Außenseiter (und bekennende Anhänger von ZZ Top) wie Al Jourgensen von Ministry verantwortete.
Doch die bewusst effekthascherischen Videos wie zu „Eliminator“ aus dem Jahr 1983 prägten das Image der Band nachhaltig. Und hinterließen bei manchen den falschen Eindruck, dass Gibbons, Hill und Beard nur Trottel seien, wodurch das essentielle „Deguello“ und die vorherigen LPs leider relativ unterschätzt blieben.
Supertramp, „Breakfast in America” (1979)
Abgesehen von „The Dark Side of the Moon” ist „Breakfast in America” von Supertramp wohl das beliebteste Art-Rock-Album aller Zeiten. Es verkaufte sich weltweit 20 Millionen Mal und wurde von den Hitsingles „The Logical Song”, „Goodbye Stranger” und „Take the Long Way Home” beflügelt.
Seit Radiohead jeglichen Anspruch auf Massenattraktivität aufgegeben hat, gibt es Art-Rock in keiner Form mehr, die für den Popmarkt relevant wäre. So mitreißend sie auch sein mögen, Bands wie Muse versuchen nicht, mit dem halb ironischen Interesse an Popmelodien von Rick Davies (dem rauen Sänger) oder Roger Hodgson (dem hohen Sänger, der wie Geddy Lee klingt), den beiden Frontmännern von Supertramp, mitzuhalten. Obwohl Kevin Parker von Tame Impala die englische Band als Einfluss genannt hat.
Graham Parker, „Squeezing Out Sparks” (1979)
Graham Parker war 1979 fast 30 Jahre alt, als er „Squeezing Out Sparks” veröffentlichte. Ein furioser Ausbruch von New-Wave-Energie. Er konnte sich daher nicht ganz die für diese Ära typische Haltung der „Angry Young Men“ wie Elvis Costello und The Clash aneignen. Aber „Sparks“ stand den beiden Letzteren in puncto Charisma und Songwriting-Künsten in nichts nach. Parker war 2012 in Judd Apatows lehrreichem Film „This Is 40“ zu sehen.
Rickie Lee Jones, „Rickie Lee Jones“ (1979)
Angeführt von Tom Waits gab es Ende der 70er Jahre in Südkalifornien eine kuriose kleine Neo-Beat-Szene. Aber es war Rickie Lee Jones, die mit ihrem selbstbetitelten Debütalbum von 1979, einer rauen, charmanten Sammlung nostalgischer Singer-Songwriter-Pop-Songs, deren größter Star wurde. Das Album stieg auf Platz 3 der Billboard Top 200, und die schwungvolle Single „Chuck E.’s In Love“ erreichte Platz 4 der Hot 100. Sowohl Jones als auch Waits haben sich klugerweise längst von der Coolness-Retromanie distanziert, die auf diesem immer noch charmanten Album zu spüren ist.
Southside Johnny and the Asbury Jukes, „Hearts of Stone“ (1978)
Man hört den Namen „Southside” Johnny Lyon selten ohne einen Hinweis auf Bruce Springsteen, da die Karrieren der beiden Jersey-Acts untrennbar miteinander verbunden sind. Lyons beiden vorherigen Alben enthielten Songs, die von Springsteen und seinem E-Street-Consigliere Steven Van Zandt geschrieben wurden, sowie Coverversionen und eine deutlich weniger ernste Haltung.
Auf „Hearts of Stone“ scheint Lyon bereit gewesen zu sein, zu beweisen, dass er das gleiche musikalische Talent wie seine Freunde hatte, die erneut zum Songwriting und zur Produktion beitrugen. „Hearts of Stone“ ist etwas expliziter dem klassischen Soul verpflichtet als ein typisches Springsteen-Album. Und schaffte es 1987 auf die Liste der besten Alben der letzten 20 Jahre des ROLLING STONE. Es ist ein Muss für jeden jungen und alten E-Street-Fan.
The Cars, „The Cars“ (1978)
Das Quintett aus Boston mischte klassische Rockgitarren mit New Wave und Pop-Synthesizern. Und feierte 1977 mit einer Demoaufnahme von „Just What I Needed“ Erfolge in den Radiosendern ihrer Heimatstadt, bevor sie schließlich bei Elektra unter Vertrag genommen wurden. Im folgenden Jahr veröffentlichten Ric Ocasek und Co. ihr selbstbetiteltes Debütalbum. Eine Hitparade von Anfang bis Ende.
Die LP hielt sich 139 Wochen in den Charts, erreichte Platz 18 und verkaufte sich schließlich millionenfach, dank der Singles „My Best Friend’s Girl” und „Good Times Roll” sowie „You’re All I’ve Got Tonight”, „Bye Bye Love“, „All Mixed Up“ und „Moving in Stereo“, die den Soundtrack zur Poolszene in „Fast Times at Ridgemont High“ bildeten. Obwohl ihr Debütalbum das herausragendste der Band ist, gehören The Cars zu den einflussreichsten New-Wave-Acts des Genres. Ocasek produzierte später Alben für Acts wie Weezer, Guided by Voices, Hole, Nada Surf, No Doubt und Bad Brains.
Commodores, „Commodores“ (1977)
Als Lionel Richie und die Commodores immer beliebter wurden, entfernten sie sich von ihren souligen, funkigen Motown-Wurzeln. Sie integrierten mehr Easy-Listening-Anklänge, die Lionel Richies Stimme neben der seines Co-Sängers Clyde Orange hervorhoben. Der Durchbruch gelang ihnen mit ihrem selbstbetitelten fünften Album, auf dem Orange den Funk-Klassiker „Brick House“ und Richies Ballade „Easy“ sang. Neben Partyhits wie „Squeeze the Fruit” und „Won’t You Come Dance With Me”.
Richies sanfter, weicher Stil ebnete ihm den Weg für seinen späteren Erfolg in den Achtzigern. Und sogar für ein Comeback dank eines Duettalbums, Tuskegee, mit einigen der größten Country-Stars der Gegenwart. Angesichts der großen Aufmerksamkeit, die Disco-Funk-Revivals wie Daft Punks Random Access Memories zuteil wird, ist es verwunderlich, dass die Commodores keine weitere Welle der Popularität erlebt haben.
Eric Clapton, „Slowhand“ (1977)
Für ein Album, das einige der größten Hits von Eric Clapton hervorgebracht hat – „Cocaine“, „Wonderful Tonight“ und „Cocaine“ bilden das Eröffnungstrio – genießt „Slowhand“ einen Ruf, der so zurückhaltend ist wie sein Sound. Ohne die instrumentale Leidenschaft seiner früheren Bands oder sogar die Gaststars (Bob Dylan, Ron Wood, ein Großteil der Band) aus seinem 76er Album „No Reason to Cry“ profitiert Claptons fünftes Soloalbum von der vertrauten Leichtigkeit seiner Live-Band und der sanften Produktion von Glyn Johns.
Der Fokus liegt auf dem Songwriting und nicht auf Virtuosität. Es ist, als hätte Clapton einfach aufhören müssen, sich Gedanken darüber zu machen, einen Hit zu landen, um erfolgreich zu sein. Angesichts der Tatsache, dass seine Unsterblichkeit jedoch größtenteils auf seinen Gitarrenkünsten beruht, ist es verständlich, dass seine eher songorientierten Werke wie „Slowhand“ unter dem Radar bleiben.
Bob Seger & the Silver Bullet Band, „Night Moves“ (1976)
Nach acht Alben gelang Bob Seger mit der Veröffentlichung von „Live Bullet“, einem Konzertalbum, das der aus Michigan stammende Musiker in der Cobo Hall in Detroit aufgenommen hatte, endlich der große Durchbruch. Der erfahrene Roadmusiker und seine Silver Bullet Band arbeiteten zu dieser Zeit an ihrem nächsten Studioalbum, „Night Moves“. Das sowohl ihr ausgefeiltes Können als auch Segers Mischung aus songwriterischer Reife und Anspielungen auf den klassischen Rock ’n‘ Roll seiner Teenagerjahre zeigte.
Mit Unterstützung der berühmten Muscle Shoals Rhythm Section erhielt Seger dank Bar-Hymnen wie dem Titelsong und dem retrospektiven „Mainstreet“ nationale Anerkennung. Das sind die Hits, die noch immer im Classic-Rock-Radio gespielt werden. Aber „Rock and Roll Never Forgets”, „The Fire Down Below” und „Mary Lou” sind Gute-Laune-Songs, die Segers oft übersehenen Gesang zur Geltung bringen. Eine einzigartige Stimme, die sich zwischen John Fogerty und Brian Johnson einordnet. Die Tatsache, dass dieses Album, wie so viele von Segers Werken, lange Zeit nicht auf iTunes oder Spotify erhältlich war, hat ihm nicht gerade geholfen, jüngere Hörer zu erreichen.
Steve Miller Band, „Fly Like an Eagle“ (1976)
Die größten Hits der Steve Miller Band sind auf jedem Classic-Rock-Sender und in unzähligen Jukeboxen zu hören. (Und das Album „Greatest Hits 1974-1978“ der SMB ist ein Dauerbrenner in den Verkaufscharts.) Aber wer sich mit einer Compilation begnügt, verpasst viele der tiefgründigen Space-Blues-Songs des Sängers und Gitarristen.
„Fly Like an Eagle“ ist ein perfekter Kompromiss, der fünf Songs aus dem oben genannten Best-of-Album und einige Klassiker wie „Serenade“, „Mercury Blues“ und „The Window“ enthält. Dann gibt es noch die Tracks, die Millers Tiefe zeigen. Wie seine harmoniereiche Coverversion von Sam Cookes „You Send Me“. Die interstellaren Klanglandschaften von „Space Intro“. „Blue Odyssey“. Und der geradlinige Blues „Sweet Maree“, der durch James Cotton mit einer großartigen Mundharmonika-Einlage bereichert wird. Natürlich gibt es einige gute Gründe, warum dieses Album in den USA viermal Platin erreicht hat.Nämlich „Fly Like an Eagle“, „Take the Money and Run“ und „Rock’n Me“.
Blue Oyster Cult, „Agents of Fortune“ (1976)
Lange bevor sich Metal in unzählige Genres aufspaltete, wurde BÖC berühmt für seine Fähigkeit, sowohl Headbanger als auch Chin-Stroker anzusprechen. Mit der unsterblichen Hit-Single „(Don’t Fear) The Reaper“, sowie Beiträgen der Punk-Priesterin Patti Smith war das eingängige, finstere „Agents of Fortune“ der Höhepunkt des kommerziellen Erfolgs des Quintetts. Es erreichte die Top 30 der Billboard Top 200 und festigte den Status der Band als große Konzertattraktion. Heutzutage verweist Metal selten auf die glänzende Pop-Zugänglichkeit. Die intellektuelleren Strömungen tendieren zu künstlerischer Verschleierung, sodass diese Band in einem Niemandsland zwischen potenziellen neuen Fangemeinden gestrandet ist. Zu glatt für Ästheten, zu seltsam für alle anderen.
War, „Why Can’t We Be Friends?“ (1975)
Die genreübergreifenden multikulturellen Funk-Pioniere War machten sich mit zwei Alben einen Namen, auf denen der ehemalige Animals-Sänger Eric Burdon zu hören war. Vor allem auf der Single „Spill the Wine“. Auch nach seinem Ausstieg entwickelte die Gruppe ihren Sound weiter und erreichte mit ihrem fünften Album „The World Is a Ghetto“ aus dem Jahr 1972 sogar die Spitze der Charts.
Ihr siebtes Album „Why Can’t We Be Friends“ ist vor allem für den mitreißenden Titelsong und die Hot-Rod-Hymne „Low Rider“ bekannt. Aber auch die anderen neun Songs haben viel zu bieten. Da gibt es den Disco-Funk von „Smile Happy“. Den sanften Psych-Jazz von „In Mazatlan“. Und das ausufernde „Leroy’s Latin Lament Medley“. Das soll natürlich nicht heißen, dass der Titelsong nicht den größten Teil des Lobes verdient. Der soulige Reggae-Song zum Mitsingen, der zwischen inspirierenden Couplets hauptsächlich die Frage „Why Can’t We Be Friends?“ wiederholt, trug sicherlich dazu bei, dass das Album an die Spitze der R&B-Charts kletterte. Das letzte Mal, dass War diese Ehre zuteilwurde.
The Isley Brothers, „The Heat is On“ (1975)
Die R&B-Band The Isley Brothers ist eine dieser seltsamen Bands mit einer so langen und abwechslungsreichen Karriere, dass sie keiner bestimmten Ära zuzuordnen sind. Gelegenheitsmusikfans kennen wahrscheinlich den Hit der Gruppe aus dem Jahr 1959. „Shout“, oder vielleicht „This Old Heart of Mine (Is Weak for You)“ aus dem Jahr 1966, der auf dem Motown-Label veröffentlicht wurde.
Seit Ende der 1990er Jahre ist Leadsänger Ronald Isley ein gefragter Hook-Mann gewesen, der seine raue Stimme für Tracks von Nas, Wu-Tang Clan und R. Kelly zur Verfügung stellt. Diese Langlebigkeit bedeutet, dass einige großartige Songs zwangsläufig in den kulturellen Spalten untergehen. Nehmen wir zum Beispiel den 1975er Nummer-1-Hit „The Heat is On“. Ein brodelnder Kracher, der sich in eine funkige A-Seite und eine langsamere, sinnliche B-Seite unterteilt.
Janis Ian, „Between the Lines“ (1975)
Janis Ian war bereits seit fast einem Jahrzehnt aktiv. Sie schrieb psychologisch einfühlsame Folksongs, bevor sie 1975 „Between the Lines“ veröffentlichte. Vor allem dank der Hit-Single „At Seventeen“, einer Klage einer Teenagerin, wurde das Album ein Riesenerfolg. Erreichte Platin-Status und landete auf Platz eins. „At Seventeen“ gewann einen Grammy für die beste Pop-Darbietung. Sie schlug damit unter anderem Linda Ronstadt und Olivia Newton John. Was darauf hindeutet, dass der Erfolg der zurückhaltenden Ian zum Teil auf Gegenprogrammierung zurückzuführen war. Natürlich war Ian 25 Jahre alt, als der oben genannte Song herauskam. Und heutzutage schauen einfühlsame Teenager zu einfühlsamen Teenagern (z. B. Lorde), um Songs über, ja, einfühlsame Teenager zu schreiben.
Earth, Wind & Fire, „That’s the Way of the World” (1975)
Hip-Hop regiert die Welt. Eine Tatsache, die rückwirkend Musik, die dieses Genre nicht beeinflusst hat, im Vergleich dazu geradezu uralt erscheinen lässt. Earth, Wind & Fires fröhlicher That’s The Way of the World war zu seiner Zeit ein Riesenerfolg. Das drittbestverkaufte Pop-Album des Jahres 1975. „Shining Star” war eine Nummer-1-Single. Ein Hit. Aber die luftigen Harmonien und beschwingten Rhythmen sind weiter vom Hip-Hop entfernt als beispielsweise die härteren, frenetischeren Sounds von James Brown oder P-Funk. Was vielleicht der Grund dafür ist, dass EW&F von jüngeren Generationen nicht ganz so liebevoll oder oft in Erinnerung behalten werden wie die oben genannten R&B-Größen.
Rick Wakeman, „Journey to the Center of the Earth“ (1974)
Bombastisch. Überladen. Im wahrsten Sinne des Wortes episch. Das dritte Soloalbum des ehemaligen Yes-Keyboarders Rick Wakeman verkörperte alles, was Prog-Rock-Fans lieben. Eine fantastische Handlung, die einem Roman von Jules Verne entstammt. Jazz-Akzente. Klassische Elemente. Und Soli über Soli über Soli. Es erreichte Platz eins der britischen Charts und in den USA Platz drei. Es wurde mit Gold ausgezeichnet.
Wakeman spielte „Journey“ auf seiner Tournee in voller Länge. Komplett mit Erzählung, Symphonie und Chor. Er trug sogar mystische Gewänder. Doch während all die Pompösität und Anmaßung die Prog-Fans begeisterte, schränkte Wakemans unverhohlene Vorliebe für Mythos und Magie seine Popularität ein. Während seine etwas härter geschnittenen Prog-Kollegen von King Crimson in den letzten Jahren bei Fans von Tool und Opeth Anklang fanden, sind die heutigen Noodler nicht mehr so begeistert von sporadischen Xylophon-Soli und fantasievollen Geschichten.
Little Feat, „Feats Don’t Fail Me Now” (1974)
Lange Zeit eine Band für Bands – Phish coverte 2010 bei einem Konzert das gesamte Album „Waiting for Columbus“ von Little Feat, und die Trucker-Hymne „Willin’“ ist ein oft gecoverter Klassiker –, waren Lowell Georges lässig-virtuose Crew echte Rock-Tweenies. Auf ihrem herausragenden Album „Feats Don’t Fail Me Now” aus dem Jahr 1974 boogieden sie verspielt.
Sie schrieben witzige Texte und jammten sparsam. Das Album hatte auch ein großartiges Cover, das von Neon Parks entworfen wurde. Eines der markantesten seiner Zeit. George starb 1979 im Alter von 34 Jahren, lange bevor die heute florierende Jam-Band-Szene ihre Reife erreichte. Eine Version von „Little Feat” tourt noch gelegentlich. Aber weit entfernt vom Headliner-Status von Bands wie Moe. und Widespread Panic.
Billy Cobham, „Spectrum” (1973)
Was für eine seltsame kulturelle Erscheinung die Fusion doch war. Ob man es nun dem reichlichen Konsum von Freizeitdrogen oder dem freien Radioprogramm zuschreibt, die frühen bis mittleren 70er Jahre waren eine Blütezeit für elektrische Jazz-Improvisationen. Mit donnernden Polyrhythmen und gewundenen Soli.
Das 1973 veröffentlichte, trippige und aggressive Album „Spectrum“ des Schlagzeugers Billy Cobham ist ein Favorit aus dieser Zeit. Hören Sie sich die verschnörkelten Komplexitäten von „Taurian Matador” und „Quadrant 4”. Staunen Sie darüber, wie unwahrscheinlich es war, dass diese Musik wirklich populär war. Spectrum schaffte es in die Billboard Top 30.
Jackson Browne, „For Everyman” (1973)
Jackson Brownes zweites Album war kommerziell und bei den Kritikern nicht so erfolgreich wie sein erstes. Obwohl es mit einer All-Star-Besetzung und zwei seiner bekanntesten Songs aufwartete. Zu den Gästen auf „For Everyman“ zählen David Crosby, Bonnie Raitt, Joni Mitchell, die Eagles-Bandkollegen Don Henley und Glenn Frey. Sowie Elton John, der unter dem Pseudonym Rockaday Johnnie auf „Red Neck Friend“ Klavier spielte.
Trotz all dieser Talente bleibt der Fokus auf Brownes klagendem Gesang und der introspektiven Laurel-Canyon-Atmosphäre. Brownes frühreifes „These Days“, das er als Teenager schrieb, wurde ursprünglich von Warhol und Velvet Underground-Mitglied Nico für ihr Debütalbum „Chelsea Girl“ aus dem Jahr 1967 aufgenommen. Während der Titelsong von „For Everyman“, „Take It Easy“, den er gemeinsam mit Frey schrieb, 1972 ein Hit für die Eagles wurde.
Humble Pie, „Smokin” (1972)
Mit ihrem harten Boogie und bluesigen Bombast sind Humble Pie eine Band, die als Vorbild für Stillwater aus „Almost Famous“ hätte dienen können. Aufbauend auf dem Erfolg des Livealbums „Performance: Rockin‘ the Fillmore“ war „Smokin’“ (1972) eindeutig ein wichtiger Einfluss für spätere Musiker wie Paul Weller und die Black Crowes. Aber selbst diese sind mittlerweile Legenden.
Der Sound einer Rockband, die einfach nur losrockt. Wie Steve Marriott – vielleicht der am meisten unterschätzte Leadsänger aller Zeiten – und die Jungs in „30 Days in the Hole” und „Hot ‚n‘ Nasty“ spielen, wird immer seltener. Und wenn jüngere Leute nach diesem Sound suchen, greifen sie viel eher zu den Rolling Stones und den Faces, bevor sie eine großartige Band der zweiten Reihe wie Humble Pie entdecken.
Various Artists, „The Concert For Bangladesh“ (1971)
Das Concert for Bangladesh war eine bahnbrechende Benefizveranstaltung, die 1971 von George Harrison und Ravi Shankar organisiert wurde, um Geld für Flüchtlinge aus dem heute unabhängigen Land zu sammeln, das damals als Ostpakistan bekannt war. Harrison und Shankar gewannen Bob Dylan, Eric Clapton, Ringo Starr, Leon Russell, Badfinger und viele mehr, die eine Vielzahl ihrer Hits, Coverversionen und traditionelle indische Musik spielten.
Trotz hoher Erwartungen, minimaler Proben, Dylans Zurückhaltung, aufzutreten, und Schwierigkeiten bei der Einrichtung der Film- und Aufnahmegeräte waren die Konzerte ein großer Erfolg. Sie führten zu einem Dreifach-LP-Album und einer Dokumentation mit bemerkenswerten Interpretationen von „While My Guitar Gently Weeps“, „Something“, „My Sweet Lord“, „Here Comes the Sun“, „A Hard Rain’s A-Gonna Fall“ und „Blowin‘ in the Wind“.
Trotz einiger steuerlicher und rechtlicher Probleme brachte die Veranstaltung bis zu 12 Millionen Dollar für die Flüchtlingshilfe der UNICEF ein. Und beeinflusste (und wurde von ihr überschattet) spätere Benefizkonzerte mit Starbesetzung wie Live Aid, Farm Aid, das Concert for New York City und das 12-12-12 Concert for Sandy Relief.
Johnny Winter, „Live Johnny Winter And” (1971)
Nach der Veröffentlichung des vierten Albums des texanischen Sängers und Gitarristen Johnny Winter And im Jahr 1970, auf dem eine frühere Version von Rick Derringers „Rock and Roll, Hoochie Koo” zu hören war, kehrte der „Sechs-Saiten-Gott” mit diesem Konzertalbum zurück.
Seltsamerweise enthielt es nur einen einzigen Winter-Original. Den auf And enthaltenen „Mean Town Blues”, zugunsten von Coverversionen wie „Jumpin‘ Jack Flash”, „Great Balls of Fire”, „Long Tall Sally” und „Johnny B. Goode”. Dennoch überzeugt das 40-minütige „Live” mit rasanten Blues- und Rock-Jams. Viele davon mit Gitarrenduellen zwischen Winter, der zu dieser Zeit ein großer Konzertmagnet war, und Derringer, die alle während einer Handvoll Shows in New York und Florida aufgenommen wurden. Alle Fans von „At Fillmore East” von den Allman Brothers, die „Live” noch nicht gehört haben, verpassen etwas.
The Moody Blues, „A Question of Balance“ (1970)
Heutzutage ist es fast schwer vorstellbar, für wen genau die Moody Blues gedacht waren. Für Leute, die Procol Harum zu seltsam fanden? Oder die Donovan nicht seltsam genug fanden? So oder so, die Band hatte von Ende der sechziger bis Anfang der siebziger Jahre eine Reihe äußerst populärer, vage mystischer, reich orchestrierter Alben. Und ist bis heute aktiv.
Das Album „Days of Future Passed” aus dem Jahr 1967 und der gleichnamige Song „Nights in White Satin” gelten als Klassiker. Aber der Rest des Repertoires der Band, darunter auch „A Question of Balance” aus dem Jahr 1970, das es bis auf Platz 3 der Billboard Top 200 schaffte, hat nie wirklich den magischen Status erreicht, der Alben für immer ein neues Publikum beschert. Es ist etwas schwer zu verstehen, warum, denn die fünf Engländer waren konsequente Vertreter eines Pink-Floyd-Light-Stils. Und die majestätische Stimme von Sänger und Gitarrist Justin Hayward ist zweifellos beeindruckend.
The Guess Who, „American Woman” (1970)
Nixon war im Weißen Haus. Der Vietnamkrieg war noch Jahre von seinem Ende entfernt. Und die kanadischen Rocker The Guess Who waren von ihren Nachbarn südlich der Grenze nicht sonderlich beeindruckt. Der Titelsong ihres siebten Albums brachte ihre Unzufriedenheit mit einem schweren Riff und der rauen Stimme von Frontmann Burton Cummings zum Ausdruck. Und wurde zur Nummer eins der Single-Charts.
Die bemerkenswert eingängige Platte enthielt zwei weitere wütende Hits – „No Time“ (im Sinne von „keine Zeit mehr für dich”) und „No Sugar Tonight” (im Sinne von „kein Zucker heute Nacht”) –, aber sie waren eingängig genug, um im AM-Radio gespielt zu werden und American Woman 1970 in die Top 10 der Charts zu bringen. Fast fünf Jahrzehnte und eine allgegenwärtige (und fade) Coverversion von Lenny Kravitz später klingt die Platte wie ein kurioses Relikt aus einer Zeit, als das Verhalten von Uncle Sam sogar die Kanadier zur Verzweiflung trieb.
Laura Nyro, „Eli and the Thirteenth Confession” (1968)
Ein Optimist könnte behaupten, dass „Eli and the Thirteenth Confession” aus dem Jahr 1968 als Märtyrer weiterlebt und seinen Einfluss auf alle von Kate Bush und Tori Amos bis hin zu St. Vincent und Joanna Newsom deutlich zeigt. Aber Laura Nyros spritziges zweites Album verdient eine deutlichere Kanonisierung. Auch wenn sie nicht mehr unter uns ist, um sich dafür einzusetzen. Sie starb 1997 an Eierstockkrebs.
Das jazzige, balladenhafte, doo-woppige „Eli“ (dessen herausragende Single „Eli’s Comin’“ später von Three Dog Night zu einem Top-10-Hit gemacht wurde) präsentierte Nyro als Komponistin, Performerin, Texterin und Co-Produzentin. Und markierte auch ihr Debüt in den Billboard-Albumcharts. Sechsundvierzig Jahre nach Thirteenth Confession und vor allem dank diesem Album haben wir gelernt, lautstarke, talentierte und etwas eigenwillige Künstlerinnen zu akzeptieren und zu fördern. Dennoch passt Eli selbst nicht ganz in unser folk- und rocklastiges Bild der späten 1960er Jahre.
Jefferson Airplane, „Crown of Creation“ (1968)
Crown of Creation enthält zwar keine so populären Hits wie „Somebody to Love“, „White Rabbit“ oder „Volunteers“. Aber das vierte Album von Jefferson Airplane beweist, dass sich die explosive Gruppe wirklich weiterentwickelt hat. Auch wenn sich die Band allmählich auflöste. Die LP mit elf Songs beginnt mit Grace Slick, die in „Lather” über die Verhaftung des Schlagzeugers Spencer Dryden wegen Nacktheit singt. Gefolgt von Marty Balins psychedelischer Romanze „In Time” und „Triad”, einem von David Crosby geschriebenen Song über eine Dreiecksbeziehung, der von The Byrds abgelehnt wurde.
Später zeigt sie ihr Markenzeichen, das Heulen, im Titelsong, während Gitarrist Jorma Kaukonen und Bassist Jack Casady ein noch intensiveres Zusammenspiel als bei den vorherigen Alben der Gruppe zeigen. Obwohl das Album Platz 6 der Pop-Album-Charts erreichte, kam die Titelsingle nur auf Platz 64. Was angesichts der früheren Erfolge eine Enttäuschung war. Dennoch sollte Crown of Creation von keinem Psychedelic-Fan übersehen werden. Bay-Area-Kollegen wie The Grateful Dead und Santana scheinen zwar bekannter zu sein. Aber dieses Album enthält einige der faszinierendsten Stücke der Airplane.
Roberta Flack, „First Take“ (1968)
Die Geschichte von Take Ones Aufstieg an die Spitze der Billboard-Albumcharts beginnt mit Clint Eastwood. Roberta Flacks atemberaubende, ausgedehnte Interpretation des Folk-Songs „The First Time I Ever Saw Your Face” von Ewan MacColl und Peggy Seeger aus dem Jahr 1957 (der erstmals 1962 durch das Kingston Trio populär wurde) fand erst Anklang, als er 1971 in Eastwoods Regiedebüt Play Misty for Me in einer Sexszene zu hören war.
Aber Flack war schon immer eher eine Sängerin für Soul-Sänger (ungeachtet Lauryn Hill und den Fugees‘ „Killing Me Softly” ist Flacks Verletzlichkeit die DNA, die in Mary J. Bliges zarter Seite kodiert ist) als ein Pop-Produkt. Take One, veröffentlicht 1968, ist bis heute ihr einziges Album, das es in die Billboard-Charts schaffte. Ähnlich wie die legendäre Nina Simone hat Flacks produktive Tätigkeit als Cover-Künstlerin ihre Anerkennung als reines Talent und Vorreiterin zu Unrecht geschmälert.
Michael Bloomfield, Al Kooper, Stephen Stills, „Super Session“ (1968)
Drei Jahre nach ihrer Zusammenarbeit mit Bob Dylan beschlossen Al Kooper und Michael Bloomfield, sich zu einer etwas freieren Aufnahmesession zusammenzuschließen, bei der sie in zwei Tagen ein komplettes Album aufnehmen wollten. Kooper war nach seinem Ausstieg bei Blood, Sweat & Tears auf der Suche nach einem neuen Projekt. Und hatte gehofft, Bloomfield so aufnehmen zu können, dass die überragenden Live-Improvisationen des Gitarristen zur Geltung kamen.
Unterstützt von zwei Bandkollegen Bloomfields aus Electric Flag, dem Keyboarder Barry Goldberg und dem Bassisten Harvey Brooks, sowie dem Schlagzeuger Eddie Hoh und Session-Bläsern nahmen sie sechs Songs auf. Darunter das von Coltrane inspirierte Keyboard-Stück „His Holy Modal Majesty“. Am nächsten Tag erschien Bloomfield jedoch nicht im Studio. Kooper holte Stephen Stills, der kurz zuvor Buffalo Springfield verlassen hatte, um bei einer Handvoll Coverversionen, darunter Bob Dylans „It Takes A Lot to Laugh, It Takes A Train to Cry“ und eine funkige Extended Version von Donovans „Season of the Witch“, Gitarre zu spielen.
Das daraus resultierende Meisterwerk enthielt Bloomfields Beiträge auf der ersten Seite der LP. Stills‘ Arbeit auf der anderen. Und erreichte Platz 12 der LP-Charts. Es ist ein Vorläufer der heutigen Jam-Band-Bewegung.
Blood, Sweat & Tears, „Blood, Sweat & Tears“ (1968)
Al Kooper, bekannt für sein Orgelspiel auf Dylans „Like a Rolling Stone“, gründete 1967 die jazzige, hornlastige Band Blood, Sweat & Tears. Er verließ sie jedoch nach ihrem ersten Album, dem psychedelischen „Child Is the Father to the Man“. Es kam der stimmgewaltige Sänger David Clayton-Thomas, und die Gruppe legte nach ihrem Debüt dieses eklektische, selbstbetitelte Album vor, das Coverversionen von Traffic’s „Smiling Phases“, Laura Nyro’s „And When I Die“ und Billie Holiday’s „God Bless the Child“ sowie den Hit „Spinning Wheel“ enthält.
Das Chart-Album „Blood, Sweat and Tears“ ist bis heute ein wegweisender Klassiker des Fusion-Genres, der jazzige Bläser, Pop-Melodien und klassische Kontrapunkte zu einem stimmigen Album verbindet.
Phil Ochs, „Pleasures of the Harbor“ (1967)
In den frühen bis mittleren Sechzigern stand Ochs in der Rangliste der Protestsänger nur knapp hinter Bob Dylan. Aber Dylans historische Präsenz ist so überwältigend, dass er zum Synonym für die gesamte Folk-Bewegung geworden ist und Leute wie Ochs in der öffentlichen Wahrnehmung an den Rand gedrängt hat. Man sollte ihn nicht unterschätzen. Als die Folk-Bewegung abebbte, wandte sich Ochs selbst von einfachen Akustikgitarrenarrangements ab und wandte sich dem ambitionierteren und stark orchestrierten „Pleasures of the Harbor“ (1967) zu. Nach sieben musikalisch und textlich detailreichen Song-Epen beschloss „The Crucifixion“ das Album melancholisch mit einer achtminütigen Allegorie, in der JFK mit Jesus verglichen wird.
Arlo Guthrie, „Alice’s Restaurant” (1967)
Können Sie sich einen verspielten, 18 Minuten und 34 Sekunden langen Song vorstellen, der wie ein Witz klingt. Aber in Wirklichkeit ein Kriegsprotest ist und 2014 zum Radiohit wird? Arlo Guthrie (Woodys Sohn) schaffte dies 1967 mit „Alice’s Restaurant Massacree“. Einem von Ragtime beeinflussten Liedchen mit einer mäandernden Geschichte, die auf einem realen Vorfall mit Guthrie basiert.
Kurz gesagt: Der Protagonist arbeitet am Thanksgiving Day in dem titelgebenden Restaurant, als er den Müll zur Müllhalde bringen muss. Die jedoch geschlossen ist. Sodass er den Müll dort liegen lässt. Er wird von der örtlichen Polizei verhaftet. Vor Gericht zu einer Geldstrafe verurteilt. Und später aufgrund seiner Vergehen für untauglich für den Vietnamkrieg eingestuft. Der Folkstar spielte den Song ursprünglich live im Radio. Und die Darbietung wurde zu einem unerwarteten Hit.
Da er zu lang war, um als Single veröffentlicht zu werden, wurde er zusammen mit sechs weiteren Titeln, die von Protestsongs („Ring-Around-a-Rosy Rag“) über liebeskummergeplagte Balladen („Chilling of the Evening“) bis hin zu rein albernen Songs („The Motorcycle Song“) reichen, die gesamte erste Seite der LP „Alice’s Restaurant“ füllte. Das Album erreichte Platz 17 der Charts. Und führte 1969 zu einem gleichnamigen Film mit Guthrie in der Hauptrolle. Ein großartiger Beweis dafür, wie wirkungsvoll ein bisschen Absurdität sein kann. Wenn es darum geht, ernste Probleme anzugehen.
The Paul Butterfield Blues Band, „The Paul Butterfield Blues Band“ (1965)
Während Acts wie die Rolling Stones und die Yardbirds jenseits des Atlantiks traditionellen Blues zu Rock umarbeiteten, kam die multiethnische Paul Butterfield Blues Band als eine der besten jungen Bands des Genres in den USA auf.
Die Band aus Chicago bestand aus Butterfield (Gesang und Mundharmonika) sowie den legendären Zwillingsgitarristen Elvin Bishop und Mike Bloomfield, die auf den Klängen von Elmore James und Muddy Waters aufbauten, deren Songs sie auf ihrem aufregenden selbstbetitelten Debütalbum von 1965 coverten. Das Album und ihre beeindruckenden Live-Auftritte veranlassten Bob Dylan, Bloomfield für „Like a Rolling Stone“ sowie seine Bandkollegen Jerome Arnold (Bass) und Sam Lay (Schlagzeug) für seinen umstrittenen elektrischen Auftritt beim Newport Folk Festival 1965 zu engagieren.
Später erweiterte die Band ihr Repertoire um Jazz und Fusion. Ein damals noch junges Genre. Er blieb dabei jedoch hinter ihren englischen Kollegen zurück. Dennoch hat der Blues längst seine eigene stilistische Nische gefunden.
