Die 20 besten Filme des Jahres 2025
Die 20 besten Filme 2025 – von PTA-Epos „One Battle After Another“ bis „Hamnet“, „Frankenstein“ und weiteren Festival-Highlights
2025 war ein Jahr, das Filmfans viele Fragen stellte: Hat der Erfolg von „Sinners“ bewiesen, dass es immer noch ein Massenpublikum gibt, das hungrig nach originellen (sprich: nicht auf IP basierenden) Geschichten auf Blockbuster-Niveau ist? Verändert Ryan Cooglers historischer Deal, die Filmrechte in 25 Jahren an ihn zurückzugeben, die Art und Weise, wie Hollywood mit kreativen Talenten umgeht? Wie würde James Gunns Neustart von „Superman“ das Schicksal und die Zukunft des DC-Filmuniversums verändern? Was war das ideale Format, um „One Battle After Another“ zu sehen?
Was wäre die größere existenzielle Bedrohung für das Medium – der anhaltende Niedergang des traditionellen Kinoerlebnisses oder die Einführung des ersten KI-„Stars“? Würde „Hamnet“ Sie zwei oder drei Liter Tränen vergießen lassen? Fuhr Brad Pitt in „F1“ wirklich diese Formel-1-Autos? Was zum Teufel ist eigentlich ein KPop Demon Hunter?
Es war auch ein wirklich großartiges Jahr für großartige Filme, Punkt. Wir mussten eine Reihe von Lieblingen opfern, um die folgenden Best-of-2025 auf 20 Filme zu reduzieren. Und zwischen den verschiedenen Filmfestival-Premieren, kurzen Oscar-qualifizierenden Läufen, Streaming-only-Highlights und einer Reihe von Überraschungen hätten wir diese Liste leicht verdoppeln können. (Besondere Erwähnung verdienen: Blue Moon, F1, Is This Thing On?, One to One: John & Yoko, My Undesirable Friends, The President’s Cake, The Secret Agent, Sinners, Sirat und The Voice of Hind Rajab.)
Willkommen zu den besten Filmen des Jahres 2025
Eine Reihe namhafter Autorenfilmer erinnerte uns daran, warum sie sich diesen Titel verdient haben. Mehrere Newcomer veröffentlichten Debütfilme, die so überzeugend waren, dass sie die Zukunft des Films in ein besseres Licht rückten. Wir erhielten nicht nur eine, sondern zwei Hintergrundgeschichten zur Entstehung von nicht nur einem, sondern zwei sehr unterschiedlichen Meisterwerken, die Jahrhunderte auseinander liegen. Für jede große Enttäuschung gab es zwei oder drei große Schwünge, die das Publikum inspirierten, Gespräche anregten und Hoffnung weckten, wie es außerhalb des Kinos nicht möglich gewesen wäre.
Diese 20 Titel sind nicht nur die Höhepunkte der letzten 12 Monate. Es sind diejenigen, zu denen wir wahrscheinlich Jahr für Jahr zurückkehren werden. Von einer epischen Geschichte des Widerstands bis hin zu einer persönlichen Neuinterpretation eines gotischen Horror-Klassikers. Willkommen zu den besten Filmen des Jahres 2025.
Hier geht’s los:
20. „Weapons“
Zu diesem Zeitpunkt kennen Sie wahrscheinlich schon das zentrale Geheimnis hinter Autor und Regisseur Zach Creggers ambitioniertem Nachfolger seines Airbnb-Horrorfilms Barbarian (2022) und verstehen, warum die erfahrene Schauspielerin Amy Madigan derzeit für ihre Darstellung einer mysteriösen, unwillkommenen Hausgastin viel Aufmerksamkeit in der Preisverleihungssaison erregt.
Doch selbst nachdem alle Karten dieses Psychothrillers aufgedeckt sind, schafft es Creggers Geschichte über das ungeklärte Verschwinden von 17 Kindern mitten in der Nacht immer noch, einen Schauer über den Rücken laufen zu lassen. Der Film jongliert mit mehreren verschiedenen Erzählsträngen und betrachtet die Ereignisse aus der Perspektive einer Lehrerin (Julia Garner), eines ihrer jungen Schüler (Cary Christopher, großartig), des Vaters (Josh Brolin) eines vermissten Kindes und mehrerer anderer Personen.
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Dabei spielt er mit den Zuschauern auf die gleiche Weise, wie eine Raubkatze mit einer verwundeten Maus spielt. Der alles entscheidende Höhepunkt ist verdient. Doch es ist die geschickte Art und Weise, wie Cregger zwischen den Handlungssträngen wechselt und alles für den finalen Schlag vorbereitet, die einem mehr im Gedächtnis bleibt als die Auflösung selbst. Es ist ein Horrorfilm, der weiß, wie er sein Ziel erreicht. (Lesen Sie die Rezension hier.)
19. „Frankenstein”
Guillermo del Toro hat sich endlich an den Film gewagt, für den er geboren wurde. Deine Interpretation von Mary Shelleys missverstandenem Monster und dem Mann, der es erschaffen hat, ist genau das, was man sich erhofft. Elegant und doch pulpig. Zärtlich und doch pervers. Dem Original treu und gleichzeitig eine Hommage an alle möglichen anderen gotischen und genrebezogenen Einflüsse.
Vor allem aber ist es eine leidenschaftlich persönliche Geschichte über das Dasein als Ausgestoßener und den Versuch, den Kreislauf schlechter Elternschaft zu durchbrechen – nein, im Ernst –, die nicht mit Klang und Wut geizt. Oscar Isaacs Victor Frankenstein ist teils ein Dandy aus dem 18. Jahrhundert, teils ein prahlerischer Rockstar der Swinging Sixties. Als wäre Lord Byron genetisch mit Brian Jones verschmolzen worden.
Und für diejenigen, die Jacob Elordi nur aus Euphoria kennen, ist seine sympathische Interpretation der Kreatur als Unschuldiger und Engel der Rache gleichermaßen eine Offenbarung. (Lesen Sie die Rezension hier.)
18. „Caught by the Tides”
Während der Pandemie durchforstete der chinesische Filmemacher Jia Zhangke (Unknown Pleasures, Still Life) altes Filmmaterial. Und kam auf die Idee, Outtakes und Szenen aus seinen früheren Filmen – in denen alle seine langjährigen Schauspieler Tao Zhao und Zhubin Li mitwirkten – zu verwenden, um etwas Neues zu schaffen.
Eine Zeit lang begibt man sich auf eine Bewusstseinsreise durch die Städte und ländlichen Provinzen des Landes, komplett mit von Unternehmen gesponserten Prunkveranstaltungen und persönlichen Konflikten. Erst im letzten Drittel des Films lässt Jia die Bombe platzen. Man merkt plötzlich, dass das, was sich wie eine freie Diashow über den Wohlstand Chinas im frühen 21. Jahrhundert anfühlte, sorgfältig darauf ausgelegt war, einem das Herz zu brechen. (Lesen Sie die Rezension hier.)
17. „The Phoenician Scheme“
Wes Anderson landet einen großen Erfolg mit dieser Kombination aus Unternehmensspionage-Thriller, Slapstick-Komödie und Vater-Tochter-Familiendrama, in dessen Mittelpunkt Anatole „Zsa Zsa“ Korda (Benicio Del Toro) steht, ein mysteriöser internationaler Wirtschaftsmagnat. Er versucht, sein Traumprojekt, ein multinationales Transportsystem, zu verwirklichen, bevor er von seinen Rivalen ermordet wird.
Wenn er es dabei auch schafft, sich mit seiner entfremdeten Tochter (Mia Threapleton) zu versöhnen, die nichts mit ihrem Vater zu tun haben will und Nonne werden möchte, ist das nur ein Bonus. Der Film hat alle Merkmale eines Anderson-Projekts. Von der Starbesetzung bis hin zu den sorgfältig komponierten Bildern, die ihn zu einem Idol der Filmfreaks gemacht haben.
Aber dieser neue Film fügt sich auf eine wirklich befriedigende Weise zusammen, wie es einige seiner jüngsten Werke nicht geschafft haben. Und er beschert uns eine echte Entdeckung in Threapleton, deren trockene Reaktionen, komödiantisches Timing und Chemie mit Del Toro diesem fein gearbeiteten Film das Gefühl geben, dass unter all dem ein Herz schlägt. (Lesen Sie die Rezension hier.)
16. „On Becoming a Guinea Fowl”
Rungano Nyonis Nachfolger zu „I Am Not a Witch“ aus dem Jahr 2017 beginnt mit einer Frau namens Shula (Susan Chardy), die auf der Straße eine Leiche findet. Die Tatsache, dass sie genau wie Missy Elliott aus dem Video „The Rain (Supa Dupa Fly)“ gekleidet ist, bis hin zum silbernen Helm und dem bauschigen schwarzen Overall, zeigt, dass Nyoni einen ausgeprägten Sinn für Humor hat.
Die Enthüllung, dass es sich bei der Leiche um „Onkel Fred“ handelt, einen bekannten Pädophilen, der jahrelang junge Frauen aus dem Dorf missbraucht hat, ohne dafür zur Rechenschaft gezogen zu werden, macht deutlich, dass der Film es ernst meint. Eine pointierte Auseinandersetzung mit dem sozialen Schutz, den wir Tätern gewähren, um „Unbehagen“ zu vermeiden, der unnötigen Scham, die Überlebende teilen. Und der Notwendigkeit, Komplizenschaft anzuprangern und sich ungeachtet solcher Stigmata zu äußern. (Lesen Sie die Rezension hier.)
15. „Orwell: 2+2=5“
Der Dokumentarfilmer Raoul Peck kehrt mit einem Blick auf George Orwells Wandlung vom Rädchen im Getriebe der britischen Kolonialmacht (er diente in den 1920er Jahren bei der Polizei in Burma) zum politischen Kritiker, Essayisten und weltberühmten Autor von Animal Farm und 1984 zurück. Hätte der Filmemacher lediglich einen Dokumentarfilm über die Radikalisierung des Schriftstellers und seine Warnungen vor Macht, Korruption und Lügen geliefert, wäre dies immer noch ein Muss für jeden Zuschauer.
Aber er geht noch mehrere große Schritte weiter, indem er sich das expansive Design seines Meisterwerks Exterminate „All the Brutes“ (2021) zunutze macht und Verbindungen zwischen diesen beiden dystopischen Romanen, den totalitären Regimes des 20. Jahrhunderts und der Tendenz der Geschichte, sich zu wiederholen – wie beispielsweise im heutigen Amerika –, herstellt.
Es ist eine wahre Flut von doppelt schlechten Informationen darüber, wie sich der Faschismus heimtückisch ausbreitet. Und überbrückt die Kluft zwischen damals und heute auf eine Weise, die fast überwältigend ist. Man würde die Aussichten nicht als „gut“ bezeichnen. Diese düstere Einführung ist in diesem besonderen Moment absolut unverzichtbar. (Lesen Sie die Rezension hier.)
14. „Best Wishes for All”
In einem malerischen Haus auf dem Land, wo eine Krankenpflegeschülerin aus Tokio (Kotone Furukawa) ihre Großeltern besucht, geschehen seltsame Dinge. Manchmal wirken sie etwas zu fröhlich, manchmal völlig abwesend. Die Großmutter fragt immer wieder, ob ihre Lieblingstochter „glücklich“ ist. Nach Einbruch der Dunkelheit hallen seltsame Geräusche durch das Haus. Die junge Frau fühlt sich hier nicht sicher. Und das noch bevor sie einen dicken Mann mittleren Alters in schmuddeligen weißen Unterhosen entdeckt, der an der Küchentür vorbeikriecht, mit zugenähten Augen und Mund.
Der Debütfilm von Regisseur Yûta Shimotsu war schon auf verschiedenen Festivals zu sehen, bevor er schließlich hierher kam. Und es ist keine Übertreibung zu sagen, dass dies zweifellos der beste japanische Horrorfilm ist, der seit Jahrzehnten hierzulande zu sehen war.
Von Furukawas Darstellung über die indirekte Art und Weise, wie die Geschichte ihre Geheimnisse preisgibt, bis hin zu den surrealen, Lynch-artigen Zwischenspielen. Alles trifft genau den richtigen Ton. Manchmal braucht es einen kleinen Anstoß, um die Menschen daran zu erinnern, dass Privilegien, Luxus und persönliche Erfüllung in der Regel ihren Preis haben. Dieser Film konfrontiert uns direkt mit dieser Erkenntnis. (Lesen Sie die Rezension hier.)
13. „Universal Language”
Vertrauen Sie dem kanadischen Absurdist Matthew Rankin (The Twentieth Century), der uns ein klassisches iranisches Kinderdrama präsentiert, komplett mit untertitelten Farsi-Dialogen und einem visuellen Vokabular, das an Abbas Kiarostami aus den 1970er Jahren erinnert. Und das Ganze in den verschneiten, superbanalen Vororten seiner Heimatstadt Winnipeg ansiedelt.
Zunächst wirkt das Ganze wie ein Trollversuch eines Hipster-Filmnerds. Bis hin zur Nachbildung des Logos des Kanoon-Instituts in Teheran (mit einem Truthahn anstelle des für die Organisation typischen Singvogels). Aber je länger man Rankins trockene Gegenüberstellung von Stilen betrachtet, desto mehr wird einem klar, dass es sich nicht um einen Scherz handelt. Sondern um eine Liebeserklärung.
Es gibt keine universelle Sprache außer der Lingua franca, sich selbst in einem Film wiederzufinden, der am anderen Ende der Welt gedreht wurde. Und dann entsprechend zu reagieren. (Lesen Sie die Rezension hier.)
12. „Eddington”
Ari Asters Fiebertraum einer Kolumne über das amerikanische Gemetzel in der heutigen Zeit war zweifellos einer der umstrittensten Filme des Jahres 2025. Was, offen gesagt, perfekt zu der verrückten Vision des Regisseurs von „Hereditary” passt, in der eine Nation fatal mit sich selbst im Konflikt steht.
Es ist ein paranoides Android-Märchen, getarnt als moderner Western aus den Anfängen der Pandemie, in dessen Mittelpunkt ein Showdown zwischen einem Sheriff (Joaquin Phoenix) und einem Bürgermeister (Pedro Pascal) in einer kleinen, fiktiven Stadt in New Mexico steht. Hier ist jeder Progressivismus nur Show, jeder rechtsgerichtete Red-Pilled-Anhänger ist nur eine rote Mütze davon entfernt, voll und ganz auf MAGA zu setzen. Jede schmerzhafte persönliche Erfahrung ist reif für politische Ausbeutung. Jede Misanthropie auf beiden Seiten wird auf die Spitze getrieben.
Was als breite Parodie beginnt, entpuppt sich bald als paranoider Verschwörungsthriller, der unheimlich gut zu den schlechten Vibes unseres Landes passt, dessen Mitte nicht mehr zu halten ist. Aster hat uns einen weiteren Film geschenkt, der erschreckt, nervt und einen aus der Haut fahren lässt. Man wünscht sich nur, dass dieser Film sich nicht so sehr wie eine Dokumentation anfühlt. (Lesen Sie die Rezension hier.)
11. „Peter Hujars Tag“
Ira Sachs (Keep the Lights On, Passages) konzentriert sich auf ein einziges, langes, reales Interview zwischen der Schriftstellerin Linda Rosenkrantz (Rebecca Hall) und ihrem Freund, dem Fotografen Peter Hujar (Ben Whishaw), in der Innenstadt von New York City im Jahr 1974. Das ist alles. Aber mein Gott, es ist mehr als genug, um eine verlorene Welt der Downtown-Szenegänger, der Klatschgeschichten aus der Kunstwelt, der funky Mode, der Post-Stonewall-Schwulenkultur und der sich daneben benehmenden Beat-Legenden heraufzubeschwören.
Allein die Anekdote über Allen Ginsberg ist den Eintrittspreis wert. Ein Gespräch zwischen zwei gesprächigen Hipster-Größen aus der Lower East Side. Wieder zum Leben erweckt von zwei übernatürlich begabten Schauspielern in Höchstform. Es braucht ehrlich gesagt nicht viel mehr als eine Kamera, die scharf stellt. Doch die Art und Weise, wie Sachs ihr Gespräch in eine Art Zeitmaschine verwandelt, macht diesen bescheidenen Indie-Film zu einem herausragenden Erlebnis. (Lesen Sie die Rezension hier.)
10. „Sentimental Value“
Joachim Triers Familiendrama setzt seine Erfolgsserie fort, nachdem der hochgelobte Film „The Worst Person in the World“ (2021) seinen kreativen Neustart eingeläutet hatte. Es hat vielen von uns auch wieder ins Gedächtnis gerufen, warum wir uns ursprünglich in die Werke des norwegischen Filmemachers verliebt haben. Erneut arbeitet Trier mit seinem langjährigen Co-Autor Eskil Vogt und seiner „TWPITW“-Darstellerin Renate Reinsve zusammen. Er konstruiert sorgfältig eine Moralgeschichte um einen einst prominenten Filmregisseur (Stellan Skarsgård), der mit einem neuen Projekt ein Comeback anstrebt.
Er bietet die Rolle, die auf seiner Tochter basiert, seiner tatsächlichen Tochter an, einer zu Angstzuständen neigenden Theaterdarstellerin (Reinsve), die einen Groll gegen ihren Vater hegt. Dann beschließt er jedoch, stattdessen einen amerikanischen Filmstar (Elle Fanning) zu casten und den gesamten Film in ihrem tatsächlichen Familienhaus zu drehen. Bald herrscht ein mildes emotionales Chaos.
Es ist eine bittersüße Fabel, die jedem bekannt vorkommt, der schon einmal mit väterlichen Altlasten zu kämpfen hatte. Also eigentlich jedem. Und doch geht die Art und Weise, wie der Film ihre schwierige Dynamik nutzt, um zu untersuchen, wie Geschichtenerzählen sowohl Verletzungen verschleiern als auch Heilung fördern kann, weit über Helden und Schurken hinaus. Wirklich bemerkenswert. (Lesen Sie die Rezension hier.)
9. „Marty Supreme”
Josh Safdie gibt dem Tischtennis endlich seine eigene Version von „Rocky”. Wenn dieser Meilenstein des Sportfilms sich wie eine zweistündige Panikattacke anfühlt und sein Held weniger ein liebenswerter Underdog als vielmehr ein egoistischer Mistkerl ist. Timothée Chalamet rückt mit seiner Darstellung von Marty Mauser, einem Weltklasse-Tischtennis-Champion aus dem Jahr 1952, der sowohl sein eigener Hype-Mann als auch sein schlimmster Feind ist, ein Stück näher an die Großen heran.
Er ist entschlossen, mit allen Mitteln eine Revanche gegen seinen japanischen Rivalen zu erreichen. Was macht es schon, wenn dabei ein paar Dutzend Brücken abgebrochen werden? Es ist die bissigste amerikanische Erfolgsgeschichte, die man sich vorstellen kann. Mit der vielseitigsten Besetzung aller Filme dieses Jahres. Nennen Sie mir einen anderen Film, in dem Gwyneth Paltrow, Fran Drescher, Tyler, the Creator, Abel Ferrara, NBA-Hall-of-Famer George Gervin und Kevin O’Leary aus „Shark Tank“ mitspielen?
Der Film pendelt so sehr zwischen düsterer Realitätsnähe und altmodischer Aufmunterung, dass man sich langsam wie einer dieser kleinen weißen Bälle fühlt. (Lesen Sie die Rezension hier.)
8. „Sorry, Baby“
Aus der Abteilung „A Star Is Born“. Die Drehbuchautorin, Regisseurin und Schauspielerin Eva Victor etabliert sich mit dieser halb zerbrochenen, manchmal erschütternden und oft urkomischen Geschichte über einen College-Professor, der mit einem langjährigen Trauma zu kämpfen hat, sofort als vielseitige Künstlerin, mit der man rechnen muss.
Es hätte Victor gereicht, ihre bereits pointierte komödiantische Stimme, die sie durch Improvisationsshows und virale Tweets verfeinert hat, auf die Leinwand zu übertragen. Doch ihr Debüt weiß, wann es um trockenen Humor geht. Und wann es mit emotionalen Schlägen um sich schlägt. Gelegentlich, wie bei einem Besuch bei einem Arzt, dessen Umgang mit Patienten zu wünschen übrig lässt, liefert der Film beides gleichzeitig. Die Versuchung ist groß, Victor mit Phoebe Waller-Bridge zu vergleichen, zumal der Film starke Anklänge an „Fleabag“ hat (abgesehen vom Durchbrechen der vierten Wand).
Aber auch wenn sie vielleicht Seelenverwandte sind, schöpft diese Künstlerin aus Brooklyn, die über San Francisco kam, aus einem ganz eigenen Fundus an Witz und Pathos. Dazu kommen solide Nebenrollen von Naomi Ackie, Lucas Hedges und Louis Cancelmi. Und schon hat man einen Film, den man sich merken sollte. (Lesen Sie die Rezension hier.)
7. „No Other Choice“
Park Chan-wook (Sympathy for Mr. Vengeance, Decision to Leave) verwandelt Donald E. Westlakes Roman aus dem Jahr 1997 über einen arbeitslosen Geschäftsmann, der potenzielle Konkurrenten um Arbeitsplätze umbringt, in eine rabenschwarze Komödie, die sowohl erschreckend als auch zum Schreien komisch ist (siehe eine Szene mit einer lauten Stereoanlage, einem Einbruch und einer Waffe).
Squid Game-Superstar Lee Byung-hun spielt einen mittleren Manager einer Papierfirma in Seoul, dessen bürgerliches Leben sich nach seiner Entlassung plötzlich verschlechtert. Verzweifelte Zeiten erfordern verzweifelte Maßnahmen. Was bedeutet, dass Mord als Option in Betracht kommt. Vergiss es, Jake, das ist Spätkapitalismus.
Slapstick-Einlagen reihen sich an satirische Seitenhiebe auf die geldgierigen Aspekte der Selbstvermarktung als Bewerber und die ungleichen Wettbewerbsbedingungen, mit denen man sich auseinandersetzen muss, um sich ein angenehmes Leben und Selbstwertgefühl zu sichern. Es ist düster. Spannend. Und ein Riesenspaß.
6. „It Was Just an Accident“
Die Grundprämisse der preisgekrönten Parabel des iranischen Filmemachers Jafar Panahi ist einfach. Ein Mann (Ebrahim Azizi) muss seine Familienreise unterbrechen, weil sein Auto eine Panne hat. Ein Mechaniker (Vahid Mobasseri) glaubt, in ihm den Mann zu erkennen, der ihn jahrelang im Gefängnis gefoltert hat. Er entführt den Reisenden und trommelt mehrere andere ehemalige Mitgefangene zusammen, um sich zu vergewissern, dass er tatsächlich der Täter ist.
Der Film spielt sich manchmal wie ein spannender Thriller, ein elliptischer Roadmovie und eine Art Backstage-Farce ab, die sich um einen möglichen Rachemord statt um eine Theaterproduktion dreht. Doch jeder Moment davon zeugt von der Arbeit eines Meisters. Bis hin zu einem erhabenen, erschütternden letzten Bild. Es ist ein Werk, das bewusst die Notwendigkeit von Vergeltung in Frage stellt. Daran ist nichts Zufälliges. (Lesen Sie die Rezension hier.)
5. „Nouvelle Vague”
Technisch gesehen könnte jeder eine Nachstellung der Entstehung von Jean-Luc Godards bahnbrechendem Debütfilm „Breathless” hinter den Kulissen erstellen. Nur Richard Linklater konnte daraus einen glorreichen Hangout-Film machen, in dem man mit dem Kritiker, der zum Cineasten mit Sonnenbrille wurde, auf dem Beifahrersitz mitfahren kann, während er und seine Gruppe filmbegeisterter Außenseiter Geschichte schreiben. 24 Bilder pro Sekunde.
Die Art und Weise, wie Linklater alle identifiziert, von den Legenden der Cahiers du Cinéma der 1960er Jahre (Chabrol, Rivette, Truffaut, Rohmer) bis hin zu den weniger bekannten Szenegängern, und dann alle Akteure zusammenbringt, fühlt sich ein wenig so an, als würde er „The Avengers“ für die Hardcore-Letterboxd-Fans drehen. Hier sind all Ihre Lieblingssuperhelden der französischen Nouvelle Vague versammelt, um ein großes gemeinsames Abenteuer zu erleben.
Guillaume Marbecks Darstellung von Godard als zitierfreudiges „enfant terrible“ ist unbezahlbar. Zoey Deutchs Chronik von Jean Sebergs Wandlung von einer Skeptikerin zu einer wahren Gläubigen ist großartig. Aubry Dullins Jean-Paul Belmondo ist eine Hommage mit einem breiten, albernen Grinsen. Das Ganze ist ein reines Bonbon für Cineasten. (Lesen Sie die Rezension hier.)
4. „Train Dreams“
Sie haben wahrscheinlich schon von der Adaption der Novelle von Denis Johnson durch den immer bekannter werdenden Drehbuchautor und Regisseur Clint Bentley gehört, die vom Leben und Wirken eines Holzfällers namens Robert Granier (Joel Edgerton), der seinen Beruf in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ausübt. Glauben Sie dem Hype. Es ist ein meditativer Film, der an den frühen Terrence Malick erinnert, mit seinen trägen Naturaufnahmen und philosophischen Erzählungen, während Granier das Beste und Schlechteste der Wachstumsschmerzen dieser Nation miterlebt, sich in eine einfallsreiche Frau namens Gladys (Felicity Jones) verliebt. Und sowohl Seelenfrieden als auch große Tragödien erlebt.
Bonus: Sie sehen auch Kerry Condon als sympathische Naturliebhaberin und William H. Macy, der als verrückter alter Kauz voll und ganz in die Rolle des Walter Brennan schlüpft! Aber der Film dreht sich wirklich um Edgerton, der die beste Leistung seiner Karriere zeigt, indem er einen stoischen, hartherzigen Mann spielt, der dabei half, das moderne Amerika von Grund auf aufzubauen. Es gab viele Menschen wie Granier, die auf der Erde lebten und keine nennenswerten Spuren hinterließen. Doch wie diese fesselnde, wunderschöne Charakterstudie beweist, hatten auch sie Geschichten zu erzählen. Sie lebten und liebten und empfanden Freude und Trauer. Sie waren wichtig. (Lesen Sie die Rezension hier.)
3. „Black Bag”
Steven Soderberghs Interpretation von Liebe, Ehe und Spionage spielt sich wie „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?“ von John le Carré, in dem die Eheleute und Spionagekollegen Michael Fassbender und Cate Blanchett eine prekäre Situation meistern müssen, in die ein Doppelagent ihrer Organisation verwickelt ist. Er hat die Aufgabe, herauszufinden, wer hinter dem Verkauf geheimer Informationen steckt. Sie ist die Hauptverdächtige.
Von da an wird es kompliziert. Doch die pure Freude, die der Filmemacher, seine Hauptdarsteller und ihre Co-Stars – Pierce Brosnan, Tom Burke, Naomie Harris, Regé-Jean Page und Marisa Abela aus „Industry“ – dabei haben, wenn sie sich einem Spion-gegen-Spion-Thriller der alten Schule hingeben und diesen als Metapher für Glauben, Vertrauen und Machtkämpfe in Beziehungen nutzen, ist ansteckend. Sie wollen den Glamour von Filmstars und eine intelligente Dekonstruktion eines Genres? Hier finden Sie alles, was Sie suchen. (Lesen Sie die Rezension hier.)
2. „Hamnet“
Lernen Sie die Shakespeares kennen. Chloé Zhaos strenge, bewegende und insgesamt transzendente Interpretation von Maggie O’Farrells Roman – über den frühen Tod von William und Anne „Agnes“ Shakespeares Sohn Hamnet und die Art und Weise, wie diese Tragödie das Stück Hamlet des Dichters inspirierte – etablierte sich sofort als der Film des Jahres 2025, der Sie garantiert zu Tränen rühren wird.
Und doch ist es eine Chronik der Auseinandersetzung mit dem Tod, die dennoch vor Leben, Erneuerung und Wiedergeburt nur so strotzt. Der Tod des jungen Hamnet legte einst den Grundstein für ein Meisterwerk. Nun hat er dies zum zweiten Mal getan. Paul Mescal gibt einen rauen Shakespeare. Und der junge Schauspieler Jacobi Jupe liefert eine überraschend erhabene Darstellung der Titelfigur.
Doch es ist Jessie Buckleys Leistung, die diese traurige Geschichte wirklich vorantreibt, und die Art und Weise, wie sie schließlich durch die Kunst Trost und Katharsis findet, wirkt wie eine Offenbarung. Der Rest ist Schweigen. (Lesen Sie die Rezension hier.)
1. „One Battle After Another”
Paul Thomas Andersons donnerndes, schwindelerregendes Epos ist vieles. Eine Parabel über Väter und Töchter. Ein Verschwörungsthriller für das ICE-Zeitalter. Eine Ensemble-Komödie, die Allstars dazu ermutigt, ihre exzentrischsten Seiten zu zeigen. Und eine Adaption von Thomas Pynchons Roman „Vineland” aus dem Jahr 1990, die weniger eine direkte VistaVision-Adaption ist, sondern eher eine beiläufige Verbeugung vor dem Autor auf dem Weg zu seinen eigenen tiefgründigen Einsichten.
Vor allem aber ist es ein Film, der unseren extrem verkorksten Moment einfängt und ihn irgendwie überwindet, indem er eine zeitlose Geschichte über Revolutionäre erzählt, die sich um ihre eigenen Leute kümmern und gleichzeitig die nächste Generation dazu bringen, die Fahne zu übernehmen.
Alle, von alten Hasen wie Leonardo DiCaprio und Sean Penn bis hin zum Newcomer Chase Infiniti, agieren hier auf den Punkt genau, obwohl Teyana Taylor als Königin der Guerillakriegsführung fast den MVP-Titel holt. Jede seltsame Umleitung, von Dojos der Untergrundbahn bis hin zu den Treffen des geheimen Christmas Adventurers Club (Hail Saint Nick!), trägt zu dem Gesamtbild bei, das PTA von einer Welt skizziert, die aus ihrer Achse geraten ist. In seinem weitläufigen Versuch, die Ära des großen Rückschritts, in der wir uns befinden, zu umarmen, stellt One Battle After Another die Frage: Wie wehrt man sich, wenn alles verloren scheint?
Nach mehreren stoner-komödiantischen Versatzstücken, ein paar kanonwürdigen Verfolgungsjagden und einer Stimmung, die die ganze Qual und Absurdität der letzten 10 Jahre zu einer frei schwebenden Angst destilliert, liefert der Film eine Antwort. Man wehrt sich mit Liebe. Das ist der einzige Weg, um die Zukunft zu schützen und zu verändern. So lebt man, um an einem anderen Tag weiterzukämpfen. (Lesen Sie die Rezension hier.)
