Warum australische Musiker Nashville für sich entdecken
„Nashville fühlte sich an wie ein magischer Ort“, sagt ein Transplant aus Down Under. „Ich konnte nicht glauben, dass Songschreiben ein richtiger Job sein kann.“
Jahrzehnte nachdem Keith Urban Queensland in Richtung Nashville verlassen hat, macht sich eine neue Generation von Australiern in Music City breit.
Was als eine Handvoll Erfolgsgeschichten begann – Urbans Grammy-prämierte Karriere, Tommy Emmanuels Mentor-Schüler-Verhältnis mit Chet Atkins, Morgan Evans‘ Platin-Hit „Kiss Somebody“ – hat sich zu einer transpazifischen Pipeline entwickelt. Australien ist Nashvilles zweitgrößter Überseemarkt und schickt mehr Touristen und Zeitbewohner in die Stadt als jedes andere Land außer Großbritannien. Jedes Jahr wächst die Stadtbevölkerung weiter durch Australier, die mit O-1-Visa und Akustikgitarren auftauchen und in einer Stadt Fuß fassen wollen, in der Songs noch immer zählen.
Jedd Hughes zog 2002 in die Stadt. Er war am Rand des australischen Outbacks aufgewachsen, in einer Gegend, wo die Zivilisation dünner wurde und raue, karge Landschaften das Bild bestimmten. Das war die Art von Terrain, über die Marty Robbins hätte singen können – eine westliche Welt aus trockenem Boden und Bahngleisen –, doch was Hughes nach Amerika zog, war keine Ähnlichkeit der Landschaften. Es war das Versprechen von Möglichkeiten.
Weite Wege, große Träume
„Als Musiker in Australien seinen Lebensunterhalt zu verdienen ist schwer“, sagt der Nashville-Transplant, der jahrelang für Künstler wie Emmylou Harris und Rodney Crowell gespielt hat und dabei eine Solokarriere jonglierte. „Die Möglichkeiten zu touren sind begrenzt. Zwischen den Städten liegen riesige Entfernungen, und die großen Märkte kann man nur ein- oder zweimal im Jahr bespielen.“
Emma Swift sieht das genauso. Die ehemalige DJ der Australian Broadcasting Corporation verließ 2013 ihren Radiosender in Sydney, um eine Indie-Folk-Karriere in Tennessee zu verfolgen. Sie tritt nach wie vor regelmäßig auf, solo wie auch gemeinsam mit ihrem Mann, dem britischen Songwriter Robyn Hitchcock, und betrachtet Nashville als idealen Knotenpunkt für Tourmusiker. „In Australien leben 28 Millionen Menschen“, sagt sie. „In Amerika kann man 100 Shows im Jahr spielen, aber das ist in Australien schlicht nicht machbar. Und dann ist da noch die Nähe zu Europa: Von Nashville nach London sind es sieben Flugstunden, von Sydney aus dauert es 24.“
Abseits der Logistik genießt Swift die Möglichkeit, in Nashville ein „besessener Musikfan“ zu sein – einer Stadt, in der buchstäblich Hunderte von Shows pro Woche stattfinden. „Dienstagabend war ich im Brown’s Diner und habe Lilly Winwood zugehört“, erzählt sie. „Donnerstag war ich in der American Legion und habe Neelys Band gesehen. Und am Samstag bin ich in die Brooklyn Bowl gegangen, um Gillian Welch und Dave Rawlings zu erleben. Ein Teil von mir weiß, dass ich auch in Australien als Berufsmusikerin existieren könnte – aber ich bleibe in Nashville, weil es nichts Vergleichbares gibt. Die Musikszene ist als Fan unglaublich zugänglich.“
Nashvilles australische Szene
Sie ist nicht die Einzige, die fleißig Flugmeilen sammelt. Katie Bates, in ihrer Heimatstadt Melbourne bereits eine etablierte Solokünstlerin, verbrachte den Großteil des Jahres 2025 auf Tour als Sidewoman und spielte eine Vielzahl internationaler Shows – darunter UK-Auftritte mit Americana-Größe Sam Outlaw und eine Skandinavientour mit der ebenfalls australischen Band The Pleasures –, bevor sie nach Nashville reiste, um ihre neueste Single „Tunnel Vision“ aufzunehmen. Trotz des Globetrottings sieht sie Nashville weiterhin als erste Anlaufstelle für Roots-Musiker, die sich ernsthaft ins Zeug legen wollen.
„Melbourne ist unser Music City“, sagt Bates. „Wie Nashville kann man dort jeden Abend der Woche Live-Musik erleben. Wenn man aber auf Americana und Country zielt, hat man es mit einem kleineren Publikum und einem kleineren Maßstab zu tun. Es gibt weniger Arbeit, und die Möglichkeiten für künstlerisches Wachstum sind begrenzt. Warum sollte man da nicht lieber nach Nashville gehen?“
Bex Chilcott, die unter dem Namen Ruby Boots auftritt, hat genau das getan: Sie tauschte die Abgeschiedenheit von Perth – der isoliertesten Großstadt der Welt, mehr als 21.000 Kilometer vom nächsten Ballungszentrum entfernt – gegen die offenen Arme einer Gemeinschaft, die für alle Platz hat. „Ich suchte einen Ort, wo ich hineinpasse“, sagt Chilcott. „Ich hatte in Australien einen Plattenvertrag, aber ich fand keine wirklich verwurzelte Szene für Alternative Country. Diese Szene war in Amerika gesünder, mit Acts wie den Deslondes, Nikki Lane und Emily Nenni. Ich wollte die Menschen finden, die sich dazwischen bewegen.“
Music Row und der Mainstream
Genau das zog auch Jeremy Dylan nach Tennessee. Der in Sydney aufgewachsene Dylan hat jahrelang einige der größten Namen Nashvilles – darunter Taylor Swift, Luke Combs und Kacey Musgraves – nach Queensland geholt, um beim CMC Rocks QLD zu spielen, dem größten Country-Musikfestival der südlichen Hemisphäre. Der Umzug nach Nashville in den 2010er-Jahren gab ihm die Chance, die Underdogs der Branche zu unterstützen. „Eine künstlerische Existenz der Mittelklasse ist hier tatsächlich erreichbar“, sagt Dylan. „Nashville unterstützt Menschen, die in Nischen-Subgenres arbeiten, wie esoterische Folkmusik oder Americana-Variationen. Man kann diese Art von Musik hier machen. So jemanden wie Steve Poltz oder John Craigie in Australien zu finden ist sehr schwer.“
Als der Sydneyer Phil Barton in die Stadt kam, hatte er nicht vor, sich am Rand zu etablieren. Stattdessen steuerte er direkt auf das Herzstück der Country-Maschinerie zu – Music Row, wo viele der Hits des Genres geschrieben werden – und startete seine Karriere mit Lee Brices Nummer-eins-Single „A Woman Like You“. „Ich bekam meinen ersten Publishing-Deal und konnte nicht fassen, dass etwas, das ich zu Hause in Australien getan hatte – Songschreiben –, in Amerika ein richtiger Job sein konnte“, sagt er. „Nashville fühlte sich an wie ein magischer Ort, wo ich schreiben und tatsächlich ein Gehalt beziehen konnte.“
Als seine Verlagsgesellschaft den Charterfolg von „A Woman Like You“ mit einer Party feierte, freute sich Barton, Dutzende Australier in der Menge zu sehen. „Genauso war es bei Morgan Evans‘ Nummer-eins-Party“, sagt er. „Und bei Lindsay Rimes‘ erster Nummer eins. Es gibt hier eine tolle australische Gemeinschaft, und wir halten alle zusammen.“
Tall Poppy Syndrome
Diese Art von gegenseitiger Unterstützung gedeiht in Australien nicht unbedingt, wo das „Tall Poppy Syndrome“ – eine Kulturmentalität, die offenen Ehrgeiz zugunsten von Bescheidenheit entmutigt, verwurzelt in der egalitären Vorstellung, dass die größten Mohnblumen auf einem Feld als erste geköpft werden – das unausgesprochene Gesetz des Landes ist. „Das Tall Poppy Syndrome ist Teil unserer nationalen Identität“, sagt Jordie Lane, der im Melbourner Vorort Thornbury aufgewachsen ist. „Man wird dazu gebracht, mit dem zufrieden zu sein, was man hat, das zu nehmen, was einem gegeben wird, und nicht mehr zu verlangen. Wir sehen das als edle Haltung, und wir benutzen Humor, um uns gegenseitig kleinzumachen, weil Lachen die beste Medizin ist. Mit der Zeit untergräbt das aber das eigene Selbstvertrauen. Es bestraft einen dafür, große Träume zu haben. Und um Musiker zu sein, braucht man diese großen Träume – vielleicht sogar eine gewisse Selbstüberschätzung –, um weiterzumachen.“
Australier wie Swift und Josh Rennie-Hynes haben bei „Breaking Bread“ Songs ausgetauscht, Lanes Konzertreihe im Urban Cowboy Hotel in East Nashville. Noch mehr haben beim Aussie BBQ gespielt, einem Showcase, der zu einem festen Bestandteil des jährlichen AmericanaFest-Programms geworden ist. Wenn man die australischen Akzente hört, die durch denselben Veranstaltungsort schwirren, liegt die Vermutung nahe, dass eine aus der Distanz geborene Kameradschaft – aus dem gemeinsamen Verständnis, was es bedeutet, nicht nur eine Kultur, sondern einen ganzen Kontinent zu verlassen – diese Musiker zusammengeschweißt hat. Lane räumt ein, dass seine Landsleute durch ihre Herkunft verbunden sind, betont aber schnell, dass sie sich davon nicht definieren lassen.
„Wir verlassen unsere Heimat, um die Welt zu sehen und uns in andere Kulturen zu integrieren“, sagt er. „Ich will mich nicht darauf konzentrieren, Teil der australischen Szene in Nashville zu sein. Das ist nicht das Ziel. Ich will einfach Teil von Nashville sein.“
Teil von Nashville sein
„Als Australier, die nach Nashville gezogen sind, gibt es etwas, das wir alle voneinander verstehen“, ergänzt Imogen Clark, eine ARIA-nominierte Solokünstlerin, die nebenbei als Mitglied von Jim Lauderdales Tourband auftritt. „Aber ich bin nicht nach Nashville gekommen, um nur australische Dinge zu tun. Ich bin nach Nashville gezogen, um Teil von dem zu sein, was hier passiert.“
Während Nashvilles Sound sich weiterentwickelt, werden es jene sein, die bereit sind, etwas ein bisschen anders zu machen – wie zum Beispiel einen halben Erdball zu überwinden –, die das Steuer in der Hand halten. Ein O-1-Visa zu bekommen ist kein Kinderspiel. Es erfordert Zeit, Geld und in der Regel einen Einwanderungsanwalt, und dieser Aufwand siebt all jene Musiker aus, denen es genauso gut zu Hause wäre. Für australische Künstler, die es tatsächlich nach Nashville schaffen, kristallisiert sich der eigene Antrieb heraus – eine Erinnerung daran, dass es kein Dahintreiben gibt, wenn man so viel auf seine Musik gesetzt hat.
„Wir leben in einer Stadt der Einwanderer“, sagt Dylan. „So viele Menschen in Nashville kommen nicht von hier, deshalb ist es ein Ort, den wir uns alle selbst ausgesucht haben. Die Menschen leben in Nashville, weil sie irgendeinen kreativen Traum verfolgen oder eine bestimmte Art zu leben anstreben. Diese Stadt ist ein Ort, an dem das möglich ist – und das gilt für Australier genauso wie für alle anderen.“
