Die 100 besten Schlagzeuger aller Zeiten: Die komplette Liste

80. Steve Jordan

Aufgewachsen in einer starken Tradition von R&B und Soul, begann Steve Jordan als Teenager mit Stevie Wonder zu spielen. Er entwickelte sich bald zu einem vielseitigen Musiker, der sich gleichermaßen in improvisiertem Jazz-Fusion und sparsamem, geradlinigem, gefühlvollem Rock auskannte. Ein Jahrzehnt jünger als die meisten Rockgrößen der Sechzigerjahre, war er der Mann, der für neuen Schwung sorgte.

Er ist Mitglied von Keith Richards and the X-Pensive Winos. Spielte für Neil Young in den Achtzigern. Tourte ausgiebig mit Eric Clapton. Und war sogar Teil der fiktiven Reunion-Band The Blues Brothers. (Er hat auch enge Beziehungen zur jüngeren Generation geknüpft und ist das Rückgrat von John Mayers charakteristischem Trio. )

Locker und selbstbewusst wurde Jordan zu einem Meister aller Disziplinen. Der alles, was er spielte, mit seinem unverwechselbaren Swing erfüllte. „Wenn man ein starrer Mensch ist, kann man meiner Meinung nach weder selbst swingen noch andere zum Swingen bringen“, sagte er über seine Technik. „Ich würde jederzeit einen Schlagzeuger ohne Technik einem effizienteren Schlagzeuger vorziehen, wenn er besser swingt.“

79. Mick Avory

„Wenn es nie über die harten Sachen hinausgegangen wäre, wäre ich nicht sehr geeignet gewesen“, sagte Kinks-Schlagzeuger Mick Avory. Das könnte ein Grund dafür sein, dass die Kinks für ihren Proto-Metal-Hit „You Really Got Me“ einen Session-Schlagzeuger engagierten (obwohl Avory Tamburin spielte). Aber als Kinks-Frontmann Ray Davies als Songwriter reifer wurde, entwickelte sich Avory zu einem der stilleren innovativen Schlagzeuger der Sechzigerjahre.

„Ich weiß nicht, ob sich Rays Songwriting meinem Spielstil anpasste oder ob ich mich seinem Songwriting anpasste.“ Mit seiner durch Jazz geprägten Vielseitigkeit und seinen witzigen Drum-Kadenzierungen war Avory, der 1962 von den Rolling Stones umworben worden war, in der Tat der ideale rhythmische Gegenpart zu Ray Davies‘ sarkastischem, ausgereiftem Stil.

Während Avorys Spiel raffiniert und zurückhaltend war, waren seine Bühnenstreitereien mit dem Gitarristen Dave Davies legendär. Als Dave 1965 am Ende eines Konzerts in Cardiff Avorys Schlagzeug zerstörte, bekam er dafür ein Drum-Pedal an den Kopf geworfen. Dennoch gelang es Avory irgendwie, bis 1984 nicht aus der Band geworfen zu werden.

78. Micky Waller

Waller, ein jazzgeschulter Fixpunkt der Londoner Blues-Szene, kam 1967 zu seinem Durchbruch, als er sich der Jeff Beck Group anschloss. Sein unverwechselbarer „Waller Wallop” prägte einen Großteil von Becks Truth, dem fehlenden Bindeglied zwischen Hard Blues und Heavy Metal. Waller spielte auch auf Rod Stewarts frühesten Soloalben Schlagzeug. Wobei sein größter Moment aus einer Session im Jahr 1971 stammt, zu der er ohne Becken erschien.

Rod konnte es sich nicht leisten, die Studiozeit zu verschwenden. Also nahm er „Maggie May” trotzdem auf, mit Wallers so heftigen und gleichmäßigen Schlägen, dass Kritiker Greil Marcus witzelte, er verdiene den Nobelpreis für Physik. „Wir haben die Becken später überlagert, sodass man sie nur noch leise hört”, erinnert sich Stewart. „Dass Micky vergessen hatte, seine Becken mitzubringen, gab ‚Maggie May’ tatsächlich einen schärferen Beat.”

77. Moe Tucker

Ihr ungewöhnlicher Schlagzeugstil inspirierte Millionen von Bands. So einflussreich war der scheinbar primitive, aber kunstvoll raffinierte Stil von Maureen „Moe“ Tucker in der klassischen Besetzung von Velvet Underground. Sie beeinflusste Künstler von Patti Smith über R.E.M. bis hin zu Nirvana. Tatsächlich konnte Tucker sich neben den Velvet-Frontmännern Lou Reed und John Cale behaupten, wenn es um den avantgardistischen Klang-Ikonoklasmus der Sechzigerjahre ging.

Sie stand statt zu sitzen hinter ihrem Schlagzeug. Spielte mit Schlägeln statt mit Sticks. Und vermied Becken, sofern sie nicht unbedingt notwendig oder unerwartet waren.

Bei VU-Klassikern wie „Heroin“ “ scheint Tucker ganz auf das Halten des Taktes zu verzichten und schwillt und stottert mit den emotionalen Höhen und Tiefen des Songs. „Ich halte Maureen Tucker für eine geniale Schlagzeugerin“, sagte Lou Reed 2003. „Ihr Schlagzeugstil, den sie selbst erfunden hat, ist unglaublich.“

76. Earl Young

1973 erfand Earl Young für Harold Melvin and the Blue Notes‘ Nummer-1-R&B-Hit „The Love I Lost“ den Disco-Beat. Alle vier Schläge eines Takts werden auf der Kick-Drum gespielt. Dieses unendlich anpassungsfähige rhythmische Muster war der Puls eines Jahrzehnts und ist auch heute noch allgegenwärtig, wo immer Tänzer sich austoben.

Als Teil der Session-Crew MFSB legte Young auch den musikalischen Grundstein für Philly Soul. Er wirkte an Platten der O’Jays, der Spinners und seiner eigenen Band The Trammps mit. Aber sein einzigartiger Beitrag lebt am lautesten weiter und nahm mehr als 30 Jahre House-Musik vorweg, die noch immer Festivals füllt. „Ich habe keine Drum Machine“, sagte er. „Damals war ich die Drum Machine.“

75. Earl Hudson

Die wilde D.C.-Hardcore-Band Bad Brains begann als Jazz-Fusion-Crew, und Earl Hudson behielt seine hervorragenden Fähigkeiten, als das Tempo auf Lichtgeschwindigkeit erhöht und gegen eine Wand geschleudert wurde. Dave Grohl von Nirvana gibt zu, dass er seine Moves für das Intro zu „Smells Like Teen Spirit“ geklaut hat. Er sagte gegenüber Modern Drummer: „Ich habe alle [seine] Licks wortwörtlich gelernt.“

Als der Hardrock-Schlagzeuger Chad Smith zu den punkigen Red Hot Chili Peppers kam, sagte ihm Frontmann Anthony Kiedis, er solle sich damit vertraut machen. Schließlich wurden Bad Brains langsamer, weiteten sich auf Metal, Reggae und Funk aus und gaben Hudson mehr Raum, seine geschmeidige Vielseitigkeit zu zeigen. Aber er wird immer als der Hauptarchitekt des amerikanischen Hardcore bekannt bleiben.

74. Michael Shrieve

Als Santana am zweiten Tag des Woodstock-Festivals zwischen Country Joe McDonald und John Sebastian auf die Bühne kam, standen sie vor einem Meer von Zuhörern, die noch nie einen Ton ihrer Musik gehört hatten, da das Debütalbum der Gruppe noch nicht in den Läden erhältlich war. Aber schon ab den ersten Tönen von „Waiting“ war das Publikum von der einzigartigen Fusion aus mitreißenden Latin-Rhythmen und explosivem Psychedelic Rock der Band fasziniert.

Zusammengehalten wurde das Ganze vom 20-jährigen Schlagzeuger Michael Shrieve, dem jüngsten Performer des gesamten Festivals. Mit dem Conga-Spieler Michael Carabello auf der einen Seite und dem Timbales-Spieler Jose „Chepito“ Areas auf der anderen Seite legte Shrieve in der Mitte von „Soul Sacrifice“ ein rasantes, jazziges Solo hin, das auch nach fast 50 Jahren noch absolut atemberaubend ist. Santana trennte sich nur zwei Jahre später von fast allen seinen ursprünglichen Bandkollegen, als er sich der Fusion und anderen nicht-kommerziellen Stilen zuwandte. Aber Shrieve blieb an seiner Seite. Er war sogar Co-Produzent der Alben Welcome (1973) und Borboletta (1974).

Der Schlagzeuger arbeitete anschließend mit allen von der Pat Travers Band bis zu den Rolling Stones zusammen. Und stellte dabei sein beeindruckendes Spektrum unter Beweis. „Michael Shrieve hat mich auf Miles Davis und John Coltrane gebracht“, sagte Carlos Santana 2013. „Er hat meinem Herzen eine ganz neue Dimension eröffnet.“

73. Pete Thomas

In weniger als einem Jahr entwickelte sich Elvis Costello vom drahtigen Pub-Rock von My Aim Is True zum galligen Punk-Rausch von This Year’s Model. Ohne Mitch Mitchell-Fan Pete Thomas am Schlagzeug hätte er diesen großen Sprung nach vorne nicht geschafft. Auf den frühesten Alben von The Attractions spielte Thomas so, wie Elvis sang. Mit aufgestauter, dann hervorbrechender Wut, einem zögerlichen Stottern von Kick oder Snare, das an einen gescheiterten Versuch erinnerte, eine unvermeidliche Explosion zurückzuhalten. (Man denke nur an das mitreißende Intro zu „(I Don’t Want to Go to) Chelsea”.)

Als Costellos Songwriting immer mehr Nuancen erforderte, blieb Thomas sein idealer rhythmischer Komplize. Er spielte mit einem intuitiven Gespür, das aus der langjährigen Zusammenarbeit resultierte. „Pete Thomas ist mit Abstand der Rock-’n‘-Roll-Schlagzeuger seiner Generation“, twitterte Costello letztes Jahr. „Und dass man das in Umfragen nie liest, sagt alles, was man über ‚Umfragen‘ wissen muss, und nichts über Schlagzeuger.“

72. James „Diamond“ Williams

James Williams, der eine Jazzausbildung genossen hatte und beidhändig war, spielte bereits als Teenager in Barbands in Dayton. Als er 1974 zu den Ohio Players kam, gab es die Gruppe bereits seit anderthalb Jahrzehnten. Aber ihre Serie von Dance-Hits für Mercury Records stand erst am Anfang. Williams‘ schnörkelloses, aber zeitweise explosives Schlagzeugspiel trieb diese Tracks voran – sein stetiger Funk-Beat konnte selbst in Balladen wie „I Want to Be Free“ unerwartet in ausgelassene Fills ausbrechen. Obwohl er seinen Anteil an kniffligen Rhythmen beisteuerte, landete Williams beim Refrain eines Songs mit einem tanzbaren Rhythmus auf der Snare, der selten subtil oder verhandelbar war.

71. Butch Trucks und Jaimoe

Die Schlagzeuger Butch Trucks und Jai Johanny „Jaimoe” Johanson der Allman Brothers Band sind seit der Gründung der Gruppe unzertrennlich. Sie treiben alles voran, von den komplexen Rhythmen des legendären „Whipping Post” bis hin zu subtilen Stücken wie ihrer Interpretation von Muddy Waters‘ „Trouble No More”.

Jaimoes Stammbaum als Soul-Schlagzeuger der Sechzigerjahre mit Otis Redding und anderen verschmilzt mit Trucks‘ bluesigem, rockigem Puls zu einer ganz eigenen synkopischen Beat-Logik. Wie Jaimoe gegenüber Relix erzählte, versuchten er und Trucks 1974, Schlagzeugunterricht bei Elvin Jones zu nehmen, doch die Jazzlegende sagte ihnen nur: „Was wollt ihr denn? Ich weiß, wer ihr seid. Was soll ich euch denn beibringen?“