Die 100 besten Schlagzeuger aller Zeiten: Die komplette Liste

40. Jack DeJohnette

Jack DeJohnette, der seit seinem vierten Lebensjahr Klavier spielt, begann erst mit 18 Jahren mit dem Schlagzeugspielen. Dieser relativ späte Einstieg hielt ihn jedoch nicht zurück. Eine frühe Zusammenarbeit mit der Chicagoer Avantgarde-Institution „Association for Advancement of Creative Musicians” führte zu Live-Auftritten mit John Coltrane, einer Position in Charles Lloyds Chart-Quartett und schließlich zu einem Gig mit Miles Davis, als der Trompeter sich auf sein bahnbrechendes Fusion-Album „Bitches Brew” von 1970 vorbereitete.

„Es war großartig, mit Miles zu spielen. Denn Miles liebte das Schlagzeug”, erklärte DeJohnette 2009 gegenüber Jazz.com. „Alles kam vom Schlagzeug. Er mochte Boxen, er war ein großer Boxfan. Und er sah im Jazz-Schlagzeug ähnliche Aspekte.“ Als Bandleader und Komponist verbindet DeJohnette alles, was er gelernt hat – die bei der A.A.C.M. verfeinerte Experimentierfreudigkeit, Coltranes Integrität, Davis‘ kämpferischen Groove – mit seinem eigenen angeborenen Talent, unvergessliche Melodien zu komponieren.

39. Ramon „Tiki“ Fullwood

„Mann, das war der härteste Fuß-Schlagzeuger, den ich je gehört habe“, sagte Grady Thomas, Sänger in George Clintons Doo-Wop-Crew The Parliaments, über Ramon „Tiki“ Fulwood. Der Legende nach musste sich Fulwood im zarten Alter von 17 Jahren in Clubs einschleichen, um aufzutreten. Clinton musste schließlich seine Mutter anflehen, ihn mit auf Tour zu nehmen. Sein kraftvoller Stil – zusammen mit Eddie Hazels freizügiger Gitarre – läutete das Ende der Band in Anzügen ein. Und leitete eine Wende hin zu einem psychedelischen Potpourri ein, das die Welt verändern sollte.

Was man in drogenberauschten Hymnen wie „Maggot Brain“ hört, sind seine einzigartigen, kraftvollen Takes – eine ekstatische, extrovertierte Darbietung, die später zum Sample-Futter für Hip-Hop-Produzenten werden sollte. „ Tiki war der Inbegriff dieser Showtime-Scheiße, mit Power”, sagte Hazels Mutter Grace. „Ich meine, er spielte diese Scheiße, als würden dort hinten alle möglichen Bomben explodieren.”

38. Jim Keltner

Jim Keltner ist einer der angesehensten Session-Schlagzeuger aller Zeiten. Er hat Tausende von Platten mitgestaltet. Darunter John Lennons „Imagine“, „Photograph“ von Ringo Starr, einen Großteil der Soloalben von George Harrison, beide LPs der Traveling Wilburys, „Full Moon Fever“ von Tom Petty, „Knockin‘ on Heaven’s Door“ von Bob Dylan und „Josie“ von Steely Dan. Ganz zu schweigen von seiner Zusammenarbeit mit Harry Nilsson, den Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, den Pretenders, Fiona Apple und Oasis.

Geboren in Oklahoma, wuchs er in Pasadena, Kalifornien, auf. Er begann in den Sechzigern als Studiomusiker zu arbeiten, womit er eine Karriere startete, die so ziemlich jedes Pop- und Rockgenre berührt hat. Keltner ist bekannt für sein solides Backing. Sein lockeres Feeling. Seine jazzgeschulte Subtilität und seine Vielseitigkeit.

„Er reagiert auf alles, was in der Musik vor sich geht“, sagt Leon Russell, der seit Jahrzehnten regelmäßig mit Keltner zusammenarbeitet. Ein Markenzeichen von Keltners Stil ist seine unaufdringliche Lässigkeit. „Im Laufe der Jahre haben mir viele Leute gesagt: ‚Du siehst nicht so aus, als würdest du spielen, wenn du spielst‘“, sagte er einmal und fügte hinzu: „Es gibt so viele verschiedene Arten, Schlagzeug zu spielen, genau wie bei der Gitarre.“

37. Jeff Porcaro

Toto-Schlagzeuger Jeff Porcaro war in den Siebzigern, Achtzigern und Neunzigern eine feste Größe in der Popmusik. Sein flinkes Spiel verlieh Michael Jacksons „Beat It“ einen Großteil seiner Kraft. Es trug dazu bei, dass Michael McDonalds „I Keep Forgettin’“ melancholisch vor sich hin schwelte, und prägte den „Rosanna Shuffle“ im gleichnamigen Megahit seiner eigenen Band. „Jeff spielte immer eine große Rolle dabei, einen Song zu einer Platte zu machen”, erzählte Porcaros Bruder und Bandkollege Steve Rhythm im Jahr 2013.

„Man hatte das Gefühl, im Studio einen Blitz einzufangen. Es war nie langweilig. … Er fand immer sofort die besten Parts. Als hätte er den Song schon seit Jahren gespielt.” Porcaro verstarb 1992, kurz nachdem Totos achtes Album „Kingdom of Desire” fertiggestellt war. Er hatte auch auf Bruce Springsteens „Human Touch” gespielt und angeblich ein Millionen-Dollar-Tourangebot des Boss abgelehnt, um mit seiner Flaggschiff-Band zu arbeiten.

36. Steve Smith

Obwohl er die letzten 30 Jahre größtenteils damit verbracht hat, auf Jazz-Fusion-Tourneen zu spielen und Drum-Workshops zu leiten, hat Steve Smith von 1978 bis 1985 mit seinen übermenschlichen Fähigkeiten die Arena-Rocker Journey in ihren besten Jahren unterstützt. Arcade-Spiele und alles. Sein Part für den inspirierenden Klassiker „Don’t Stop Believin’“ ist ein kompliziertes offenes Handmuster, bei dem er die Hi-Hat mit der linken Hand spielt, während seine rechte Hand sich um das Schlagzeug bewegt.

Es ist genauso außergewöhnlich wie Perrys himmelhohe Stimme. „Ich erinnere mich an die letzte Folge von ‚The Sopranos‘, als sie ‚Don’t Stop Believin’‘ von Journey spielten“, sagte Schlagzeuger Peter Erskine gegenüber „Drum!“ „Smith ist Teil dieses wichtigen Wendepunkts in den amerikanischen Medien … Und dann ist da Smith in einer anderen Umgebung, wo er Jo Jones auf der Hi-Hat spielt! Wie viele andere könnten eine Band so antreiben und gleichzeitig die Hi-Hat spielen?”

35. Fred Below

Vor den Funk Brothers von Motown oder den M.G.’s von Stax prägten lockerere Zusammenschlüsse von Session-Musikern, die von Plattenlabels zusammengestellt wurden, den Sound des R&B in der Mitte des 20. Jahrhunderts. Darunter Musiker wie Fred Below von den Aces, dessen geschmackvolle, feinfühlig kraftvolle Arbeit für Chess Records in Chicago entscheidend dazu beitrug, die Musik von Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry und Howlin‘ Wolf zu neuen Höhen zu verhelfen.

Below begann als Jazz-Schlagzeuger und musste seinen eigenen Weg zum Blues finden. „Was mich am Blues faszinierte, war, dass es eine Musikrichtung war, mit der ich nicht vertraut war. Und die man in der Schule nicht unterrichtete!“, erinnert er sich. „Also musste ich ihn so spielen, dass er für mich Sinn ergab.“ Wenn man Muddy Waters‘ „I’m Ready“ oder Chuck Berrys „School Days“ hört, werden Belows Bandbreite und sein virtuoses Spiel deutlich. Ohne viel Aufhebens oder Schnörkel trieb er den Electric-Blues-Motor von Chess an.

34. Mickey Hart und Bill Kreutzmann

Mickey Hart schloss sich 1967 dem Gründungsmitglied von Grateful Dead, Bill Kreutzmann, an und machte die Dead zu einer der ersten Rockbands mit zwei Schlagzeugern. Keine andere Rockband trieb die perkussive Symbiose weiter voran. „Die Sprache, die Bill und ich sprechen, ist keine gesprochene Sprache“, sagte Hart. „Es ist Körpersprache, Augenzwinkern und Bewegung. Eine Geheimsprache, die wir nicht beschreiben können.“ Oder wie Kreutzmann sagte: „Mickey hört eher einen geraden Sechzehntel-Stakkato, und ich füge noch ein paar punktierte Noten hinzu.“

Hart verwendet auch RAMU, sein digitales „Random Access Musical Universe“, und den berüchtigten „Beam“, ein 2,40 Meter langes, 13-saitiges „pythagoreisches Monochord“. 1979 ersetzten die Dead ihren interstellaren Hauptsong „Dark Star“ durch das, was Taper als „Drums>Space“ bezeichneten. Ein Schlagzeugduett, das sich zu einer frei improvisierten Reise in unerforschte musikalische Regionen entwickelte. Und die Avantgarde zu Rockfans auf der ganzen Welt brachte.

33. Tony Allen

„Es ist unglaublich“, zitiert Tony Allen den Mitbegründer des Afrobeat, Fela Kuti. „So wie du spielst, braucht man gar keinen Percussionisten mehr.“ Als radikal polyrhythmische Groove-Maschine fügte dieser nigerianisch-ghanaische Innovator Jazz und Funk zu lokalen westafrikanischen Genres wie Highlife, Apala und Nigerian Mambo hinzu.

Allen spielte Jazz in Lagos, als er Fela traf, der ihn als Schlagzeuger und Bandleader engagierte – zuerst bei Koola Lobitos und dann bei Africa 70 – von 1965 bis 1979, als Allen aufgrund von Felas „Diktatorideologie“ und ablenkender Politik ausstieg. Fela hat zugegeben, dass es ohne Allen keinen Afrobeat geben würde, dessen Einfluss sich bis zu Talking Heads, Gorillaz und unzähligen Afro-Fusion-Bands erstreckte. Nachdem er Fela verlassen hatte, setzte Allen seine innovativen Kooperationen und hybriden Solo-Synthesen fort, die er Afrofunk nennt.

„Ich bin ein cooler Typ”, gibt er zu. „Ich spiele Schlagzeug so, wie ich mich im Leben verhalte.”

32. James Gadson

Obwohl er ursprünglich aus Kansas City stammt, ist es schwer, sich einen wichtigeren Schlagzeuger in der Musikgeschichte von Los Angeles vorzustellen als James Gadson. Er wurde erstmals Ende der 1960er Jahre als Kernmitglied der Watts 103rd St. Rhythm Band (bekannt durch „Express Yourself”) und dann in Bill Withers’ Band, während er gleichzeitig als einer der produktivsten Session-Musiker der Stadt tätig war.

Seine ruhige Hand prägte alles von „Dancing Machine” der Jackson 5 über „Happy People” der Temptations bis hin zu „I Want You” von Marvin Gaye. „Ich meine, er hat bei ‚Let’s Get It On’ mitgespielt. … Gadson ist dieser Sound”, sagte Jamie Lidell zu „Pitchfork“. „Immer wenn ich mit ihm spiele, entsteht eine verrückte Verbindung, die ich mit keinem anderen Musiker je erlebt habe. Er schaut einfach rüber. Lächelt und trifft diesen verdammten Beat. Und wenn er den Track fertig hat, sagt er: ‚Das habe ich von dir!’ Er hat verdammt noch mal kein Ego.”

31. Roger Hawkins

Jerry Wexler, der Produzent, der den Begriff „Rhythm & Blues“ geprägt hat, bezeichnete Roger Hawkins als „den besten Schlagzeuger der Welt“. Wie alle Swampers, wie er und seine Kollegen in der Muscle Shoals Rhythm Section liebevoll genannt wurden, war Hawkins ein Meister darin, seinen persönlichen Stil an die Anforderungen einer Session anzupassen.

Wilson Pickett klopfte den gewünschten Beat für „Land of 1000 Dances“ auf sein Bein. Hawkins übernahm ihn von dort. Paul Simon suchte nach einem bestimmten Rhythmus für „Kodachrome“ und der Schlagzeuger fand ihn, indem er auf eine Kassettenbox klopfte. Das komplexe Beckenmuster, das Hawkins in Arethas „Chain of Fools“ aufbaut, die ironischen Funk-Patterns, die er in „I’ll Take You There“ von den Staple Singers spielt, das subtile Drama, das er in Percy Sledges „When a Man Loves a Woman“ entfaltet – all das macht es schwer, Wexler zu widersprechen.

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