Die 100 besten Songs des Bob Dylan
Die 100 besten Bob-Dylan-Songs: Von „Like a Rolling Stone“ bis „Tangled Up in Blue“ – Meisterwerke einer einzigartigen Ikone
Die 100 besten Songs des Bob Dylan
10. „Every Grain of Sand“ (1981)
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„Es ist wie einer der großen Psalmen Davids”, sagt Bono über „Every Grain of Sand”. Die bezaubernde Ballade aus „Shot of Love“, die Dylans offen christliche Songwriting-Phase abschließt. Zu gleichen Teilen von Blake’scher Mystik und biblischen Anklängen geprägt, verzichtet der Song auf die Selbstgerechtigkeit, die Dylans religiöse Werke plagte. Und bietet stattdessen ein verzweifeltes Gebet um Erlösung.
Dylan wird gesanglich von der Gospel-Größe (und Dylan-Flamme) Clydie King begleitet. „Ich bekomme Gänsehaut, wenn ich sie nur atmen höre“, sagte Dylan. „Every Grain of Sand“ zeugt von einer bewegenden Demut („Manchmal drehe ich mich um, und da ist jemand, manchmal bin ich ganz allein“, singt er). Wie Bono es ausdrückt: „Dylan hört auf, gegen die Welt zu klagen, wendet sich sich selbst zu. Und sinkt auf die Knie.“
Dylan beschrieb „Every Grain of Sand“ später als „ein inspiriertes Lied, das mir einfach so eingefallen ist … Ich hatte das Gefühl, dass ich nur Worte niederschrieb, die von woanders kamen.“
9. „Visions of Johanna“ (1966)
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„Visions of Johanna“ ist eine Meisterleistung. Ein Durchbruch nicht nur für den Songwriter. Sondern für die Möglichkeiten des Songwritings an sich. Es ist eine ausführliche, impressionistische Schilderung einer benommenen Nacht in New York City. Reich an bildhaften Details und erotischer Sehnsucht. Die fünf langen Strophen wechseln zwischen Dylans scharfsinniger Analyse einer Frau, der greifbaren und verfügbaren Louise, und seiner Sehnsucht nach einem abwesenden Ideal. Johanna ist vielleicht gar nicht real. Aber sie ist eine Sucht. „Es ist außergewöhnlich“, sagte Bono einmal. „Er schreibt diesen ganzen Song scheinbar über dieses eine Mädchen. Mit diesen bemerkenswerten Beschreibungen von ihr. Aber das ist nicht das Mädchen, an das er denkt! Es ist jemand anderes!“
Dylans Meisterwerk der Besessenheit – ironischerweise kurz nach seiner Heirat 1965 geschrieben – war eine Leidenschaft für sich. Er stellte den Song im Dezember 1965 bei einem Konzert vor. Vor einem Publikum, zu dem auch seine ehemalige Geliebte Joan Baez und der Dichter Allen Ginsberg gehörten. Und spielte ihn dann jeden Abend auf seiner Welttournee 1966. Insbesondere in den Solo-Akustik-Sets. Ein Versuch im November 1965, mit den Hawks eine elektrische Version von „Johanna“ aufzunehmen (unter dem explizit bitteren Titel „Seems Like a Freeze Out“), war nach 14 Takes gescheitert. Die Hawks waren noch zu sehr eine Bar-Band. Die komplexe Beichte des Songs erforderte sowohl Gelassenheit als auch Kraft.
Im Gegensatz dazu gelang Dylan „Johanna” in Nashville beim ersten Take. Die lokalen Session-Profis, ergänzt durch Robbie Robertsons klagende Gitarre, brachten die richtige, gemächliche Empathie für Dylans Stimmungswechsel – vom Flüstern bis zum Heulen zum Mond im selben Vers – und unvergessliche lyrische Bilder.
„Ich singe diesen Song immer noch ab und zu”, sagte Dylan 1985. „Er ist heute noch genauso aktuell wie damals. Vielleicht sogar noch mehr. Auf eine seltsame Art und Weise.”
8. „Mr. Tambourine Man” (1965)
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David Crosby: Soweit ich weiß, war die Aufnahme von „Mr. Tambourine Man” durch die Byrds das erste Mal, dass jemand wirklich gute Poesie im Radio spielte. Die Beatles hatten „Eleanor Rigby” oder „A Day in the Life” noch nicht geschrieben. Sie schrieben immer noch „Ooh, Baby”. Aber Bobs Texte waren exquisit. „To dance beneath the diamond sky with one hand waving free“. Das war die Zeile, die mich gepackt hat. Ich glaube, er hat sich selbst als Dichter gefunden.
„Moment mal, das ist mein Song“
Ich hatte Bob Jahre zuvor im Gerde’s Folk City in New York gesehen. Alle redeten über ihn. Ich dachte: „Scheiße, ich kann besser singen als der. Warum machen die alle so einen Wirbel um ihn?“ Dann fing ich an, wirklich zuzuhören. Und ich hätte fast sofort aufgehört. Ich glaube, die Byrds waren Bobs beste Übersetzer. Bob hatte sich diesen Song nicht so vorgestellt, wie wir ihn gemacht haben.
Als er in das Studio kam, in dem wir probten, und uns „Mr. Tambourine Man“ spielen hörte, war er begeistert. Ich glaube, dass unsere Version mit dazu beigetragen hat, dass Dylan zum Rocker wurde. Er dachte: „Moment mal, das ist mein Song“. Und er hörte, wie anders er sein könnte.
7. „It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)“ (1965)
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„Ich weiß nicht, wie ich diese Songs geschrieben habe“, sagte Dylan 2004 über „It’s Alright, Ma“. „Versuchen Sie mal, sich hinzusetzen und so etwas zu schreiben. Ich habe es einmal geschafft, und jetzt kann ich andere Dinge tun. Aber das kann ich nicht.“
„It’s Alright, Ma“ wurde im Sommer 1964 in Woodstock geschrieben, während seine Folk-Kollegen Joan Baez und Mimi und Richard Fariña zu Gast bei Dylan waren. Der Song markiert einen Übergang von den politisch geprägten Texten, die kurzzeitig Dylans Markenzeichen waren, zu einer umfassenderen Vision von „Leben und nur Leben“. Anstatt mit dem Finger auf einen bestimmten Makel der Kultur zu zeigen, reißt der Song das gesamte verfallene Konstrukt nieder und erklärt, dass alles Eitelkeit, Heuchelei und falsche Propaganda ist. Rein technisch gesehen ist „It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)“ umwerfend. Mit einem unglaublich komplizierten Reimschema und einer Melodie, die sich auf zwei Noten entlangschlängelt, bis sie am Ende jeder Strophe in einem Schwung ausklingt.
Der Text enthält Anspielungen auf Arthur Koestler (Autor von „Sonnenfinsternis“), das Buch Kohelet und sogar Dylans geliebten Elvis Presley (der Titel ist nur eine Haaresbreite von Presleys Zeile „That’s all right, now, Mama“ entfernt) ). Es war schon immer ein schwieriger Song zum Singen. Eine Momentaufnahme seiner Entwicklung. Ein Juwel, das er glücklicherweise besitzt, aber nicht versteht, wie es funktioniert. Als er 1980 über „It’s Alright, Ma“ sprach, beschrieb er die Schwierigkeit, „mit der Person in Kontakt zu kommen, die man war, als man die Songs geschrieben hat … Aber ich kann ihn immer noch singen. Und ich bin froh, dass ich ihn geschrieben habe.“
6. „I Shall Be Released“ (1971)
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Mit seiner einfachen, bewegenden Geschichte über einen Gefangenen, der sich nach Freiheit sehnt, war diese Rockhymne Teil von Dylans bewusster Bemühung, sich von den weitläufigen Bildern seiner Meisterwerke aus der Mitte der 1960er Jahre zu lösen. „1968 erzählte mir Dylan, dass er kürzere Zeilen schrieb, wobei jede Zeile eine Bedeutung hatte“, sagte Allen Ginsberg einmal. „Aus dieser Zeit stammen einige der Stücke wie ‚I Shall Be Released‘. … Es sollte keine verschwendeten Worte geben.“
Das Ergebnis war einer von Dylans beliebtesten Songs, der erstmals 1967 während der „Basement Tapes“-Sessions mit der Band aufgenommen wurde. Die raue Kirche der Orgel und der Gitarre umrahmen Dylans eindringliches nasales Gebet, bis Richard Manuels klagende Harmonie den Refrain erhellt. Wie Sonnenlicht, das durch ein Buntglasfenster scheint.
Mitte der Achtzigerjahre sang David Crosby diesen Refrain für sich selbst – „Any day now, any day now/I shall be released“ – in seiner Gefängniszelle in Texas, wo er wegen Drogen- und Waffenbesitzes eine neunmonatige Haftstrafe verbüßte. „Ich schrieb es an die Wand“, erinnert er sich. „Ich brauchte Stunden dafür. Aber ich habe es geschafft. Und ich erinnere mich, dass es mir Mut gemacht hat.“
