Die 100 besten Songs des Bob Dylan

Die 100 besten Songs des Bob Dylan

Auch künftige Generationen von Künstlern werden sich von Bob Dylans Werk inspirieren lassen. Von den Protesthymnen der Sechzigerjahre, die ihn zum Star machten, bis hin zu seinen noirartigen Meisterwerken der Neunzigerjahre und darüber hinaus hat kein anderer zeitgenössischer Songwriter ein so umfangreiches und tiefgründiges Werk geschaffen. Songs, die sich gleichzeitig unglaublich alt und doch unglaublich modern anfühlen. Hier sind, mit Kommentaren von Bono, Mick Jagger, Lenny Kravitz, Lucinda Williams, Sheryl Crow und anderen berühmten Fans, die 100 größten Songs von Dylan. Nur die Spitze des Eisbergs für einen Künstler seines Kalibers. [Diese Liste erschien ursprünglich in einer Sonderausgabe von 2015]

100. „Señor (Tales of Yankee Power)“ (1978)

Dylan sagte, dieses verwirrende und doch eindringliche Country-Rock-Epos sei von einem Mann inspiriert worden, den er auf einer Zugfahrt von Mexiko nach San Diego gesehen habe. „Er muss 150 Jahre alt gewesen sein. Seine Augen brannten, und aus seinen Nasenlöchern kam Rauch.“ Klingt hart. Aber hey. Zumindest hat der Mann Bob Dylan getroffen.

99. „John Wesley Harding“ (1967)

„Ich wollte eine Ballade schreiben“, erzählte Dylan Jann Wenner vom ROLLING STONE. „So wie vielleicht eine dieser alten Cowboy-Songs. Sie wissen schon. Eine richtig lange Ballade.“ Stattdessen war der Titelsong seines Albums von 1967 eine spannende Parabel über die Moral von Gesetzlosen.

John Wesley Hardin war ein Schurke aus dem späten 19. Jahrhundert. Aber Dylans Beschwörung eines „Freundes der Armen“, der „niemals einem ehrlichen Menschen Schaden zugefügt hat“, handelt weniger von einer bestimmten Figur als vielmehr von der Würdigung einer rauen amerikanischen Vergangenheit, die zu der rootsigen Wendung passte, die seine Musik nahm. Aufgenommen in Nashville mit dem Schlagzeuger Kenny Buttrey und dem Bassisten Charlie McCoy, ist es ein Meisterwerk asketischen Idealismus.

98. „Corrina, Corrina“ (1963)

„Corrina, Corrina“ ist ein frühes Beispiel für Dylans Fähigkeit, Folk-Musik in eine breitere Pop-Tradition einzuordnen und umgekehrt. Der Song war jahrzehntelang ein Blues- und Country-Standard mit verschiedenen Titeln, der unter anderem von Blind Lemon Jefferson, Chet Atkins, Big Joe Turner und dem Teenager-Crooner Ray Peterson aufgenommen wurde. Meist als lustige Tanzmelodie.

Dylan interpretiert ihn als düstere, pastorale Ballade. Und fügt eine Anspielung auf Robert Johnsons „Stones in My Passway“ hinzu, die sein Gefühl der liebeskranken Erschöpfung vertieft. Aber so zart „Corrina“ auch war, er deutet auch auf sein Rock-‚n‘-Roll-Herz hin. Es ist einer der ersten Songs auf einer Dylan-Platte, auf dem Schlagzeug zu hören ist.

97. „Where Are You Tonight? (Journey Through Dark Heat)” (1978)

Der letzte Titel auf einem Dylan-Album ist oft eine Art Vorschau auf sein nächstes Album. Man beachte, wie „I’ll Be Your Baby Tonight” aus „John Wesley Harding“ ein Trailer für den Country-Sound von Nashville Skyline ist. Das elegische „Where Are You Tonight?” beendet „Street Legal“, indem es die Bekehrung zum Christentum vorhersagt, die 1979 mit „Slow Train Coming“ begann. „Ich konnte ihr meine privaten Gedanken nicht mitteilen”, singt Dylan, besorgt, dass seine Frau ihm nicht in seinen „neuen Tag bei Tagesanbruch” folgen kann.

Er hatte einen Punkt erreicht, den nur wenige Fans jemals vorhergesagt hätten.

96. „Farewell, Angelina“ (1991)

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Dieser Outtake aus „Bringing It All Back Home“ enthält einige von Dylans eindrucksvollsten Texten. Eine Anhäufung von Bildern. Darunter tanzende Elfen. King Kong. Schielende Piraten. 52 Zigeuner. Ein Himmel, der „überflutet“. Und Unholde, die „Zeitbomben an die Zeiger der Uhr nageln“. Aber es ist auch ein wunderschön gesungener Abschieds-Song an ein Mädchen. Und vielleicht auch an Dylans eher wörtlichen Songwriting-Stil aus seiner Folk-Ära.

Vermutlich basiert es auf dem schottischen Volkslied „Farewell to Tarwathie“ und ist vor allem als Coverversion von Joan Baez bekannt. Neben den lyrischen Höhenflügen fügte Dylan dem Original eine Melodie hinzu, die ebenso bedrohlich wie tröstlich ist.

95. „On a Night Like This“ (1974)

Dieser Song eröffnet „Planet Waves“ – seine Wiedervereinigung mit der Band – mit einer ausgelassenen, fröhlichen Note. Angetrieben von einem galoppierenden Rhythmus und einer Cantina-Akkordeonbegleitung klingt Dylan so beschwingt, dass er kaum noch klar sprechen kann. Besonders als er seine Geliebte auffordert, „etwas Kaffeepulver aufzukochen“.

„On a Night Like This“ beschwört die Szene einer eingeschneiten Hütte herauf und erinnert sowohl in Form als auch Inhalt an die „Basement Tapes“-Tage im Bundesstaat New York, als Dylan und die Band noch in der Lage schienen, jeden Winkel der amerikanischen Musik zu erkunden. „Wir haben viel zu besprechen/Und viel zu erinnern“, singt er. Es mag eine kurzlebige Wiedervereinigung gewesen sein. Aber es war eine schöne.

94. „Highlands“ (1997)

Viele von Dylans größten Alben enden mit einem Epos, das die gesamte Seite einer Schallplatte einnimmt. „Highlands“ ist das epischste von allen. Im Laufe von 16 Minuten unterhält sich Dylan mit einer Kellnerin, bestellt weich gekochte Eier, erwähnt Erica Jong und Neil Young und beklagt, dass das Leben an ihm vorbeizieht. „All die jungen Männer mit ihren jungen Frauen, die so gut aussehen“, singt er.

„Nun, ich würde sofort mit jedem von ihnen tauschen, wenn ich könnte.“ Er war erst 56 Jahre alt, als Time Out of Mind erschien, aber die Angst vor dem Tod zieht sich wie ein roter Faden durch das Album. Dylan hat behauptet, dass „Highlands“ auf einem Riff von Charlie Patton basiert, aber niemand hat ein Riff gefunden, das auch nur annähernd so klingt.

93. „Pay in Blood“ (2012)

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Dylan sagte, er habe vorgehabt, sein erstes religiöses Album seit Jahren aufzunehmen, bevor er Anfang 2012 mit seiner Tournee-Band in Jackson Brownes Studio in L.A. ging. Stattdessen startete er mit „Tempest“ in das sechste Jahrzehnt seiner Karriere. Einem brutal intensiven Album, das von einer spezifisch amerikanischen Form von Gewalt und Tragik durchdrungen ist. „Pay in Blood“ ist prahlerisch und mörderisch. Über einem Riff im Stil der Stones aus der „Exile“-Ära spuckt Dylan grausames Gift.

„I’ll drink my fill and sleep alone/I pay in blood but not my own.“ Er könnte ein Sklavenhalter, ein Revolverheld oder ein Politiker sein. „Das nennt man Tradition“, sagte Dylan gegenüber ROLLING STONE, als er das Album beschrieb. „Und damit beschäftige ich mich.“

92. „Going, Going, Gone“ (1974)

Trotz aller Mythen, die Dylans Zusammenarbeit mit der Band umgeben, hat er tatsächlich nur ein einziges Album mit ihnen aufgenommen. „Planet Waves“ wurde 1973 in vier hektischen Tagen in Los Angeles aufgenommen. Und reicht von leichten, schwungvollen Stücken wie „You Angel You“ bis hin zum düsteren, treffend betitelten „Dirge“. Der Höhepunkt des Albums, „Going, Going, Gone“, ist eine müde-elegante Andeutung von Selbstmord, die musikalisch voller Leben ist.

Robbie Robertsons Gitarrenspiel war nie präziser. Garth Hudsons Orgel strahlt kirchliche Schönheit aus. Dylans Gesang hat eine raue Dringlichkeit, für die er mehrere Takes brauchte, um sie richtig hinzubekommen. In einer verworfenen Version verwendete er sogar zum ersten Mal in seiner Karriere Gesangs-Overdubs.

91. „You’re a Big Girl Now” (1975)

Gibt es in Dylans gesamter Diskografie einen verzweifelteren Moment der Liebeskummer als den Punkt in diesem Juwel aus „Blood on the Tracks”, an dem er singt: „I can change, I swear” („Ich kann mich ändern, ich schwöre”) und dann wie ein verwundeter Hund heult? Vielleicht nur später im selben Song. Wenn er von „Schmerz, der aufhört und wieder anfängt, wie ein Korkenzieher in meinem Herzen“ spricht.

Dylans atemberaubender erster Versuch, der leise New Yorker Outtake, der auf „Biograph“ enthalten ist, klingt verletzt. Aber hier ist der Schmerz noch schärfer. „Ich habe gelesen, dass es hier um meine Frau gehen soll“, schrieb Dylan in den Liner Notes zu „Biograph“, in der Hoffnung, die Angelegenheit zu klären. „Ich schreibe keine Bekenntnissongs … Es scheint nur so, wie es scheint, dass Laurence Olivier Hamlet ist.“

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90. „The Groom’s Still Waiting at the Altar“ (1981)

Todd Snider: Bob Dylan findet eine Million verschiedene Möglichkeiten, One-Four-Five-Blues zu spielen. Rock ’n’ Roll im Stil von Chuck Berry. Meine Lieblingsart von Songs. Ich glaube, hier wird eine Geschichte erzählt, die ich nicht ganz verstehe. Aber wen interessiert das schon? Es ist einfach ein großartiges Gedicht. Ich habe keine Ahnung, worauf der Bräutigam noch am Altar wartet. Aber er tut mir schrecklich leid.

Dylan hat diese Art von Lied erfunden, in dem jeder Vers eine Weisheit vermittelt, ohne belehrend zu sein. Wie zum Beispiel: „Ich weiß, dass Gott denen gnädig ist, die verleumdet und gedemütigt werden“. Und „Ich sehe Menschen, die es besser wissen sollten, als wie Möbel herumzustehen“. Es ist perfekt. Ich wünschte, ich wäre darauf gekommen.

Aber Leute, die versuchen, ihn zu kopieren, sehen am Ende lächerlich aus. Eine ganze Generation hat es versucht. Sie haben sich verdammt noch mal zu Tode Strawberry Alarm Clocked. Ich versuche immer noch, ihn zu kopieren. Und es ist, als würde man versuchen, etwas aus jemandes Haus zu stehlen, und alles in diesem Haus wiegt 4.000 Pfund. Man denkt sich: „Scheiße, wie soll ich das hier rausbekommen?“ Und man schafft es einfach nicht.

Ich habe in den Achtzigern ein bisschen für ihn eröffnet. Ich durfte auf der Bühne sitzen und ihm beim Singen zusehen. Und es war unglaublich. Er hat viel getrunken. Aber das schien ihm nicht allzu sehr zu schaden. Um die Achtziger herum fingen die Leute an zu sagen, dass er keine guten Sachen mehr machte. Die Produktion klingt irgendwie wie Phil Collins und so. Das erinnert mich an die Zeit, als ich gerade die Highschool verlassen hatte. Eine Zeit, die mir irgendwie ein bisschen wehtut, glaube ich. Ich fand diese Alben großartig.

89. „Changing of the Guards” (1978)

Es gibt einige ziemlich bizarre Texte in Bob Dylans Repertoire. Aber nichts kommt an den Eröffnungstrack von „Street Legal“ aus dem Jahr 1978 heran. „They shaved her head”, singt Dylan vor einem dichten Hintergrund aus R&B-Backup-Sängern und neonfarbenem Saxophon. „She was torn between Jupiter and Apollo.”

Der Song ist voller Anspielungen auf Tarotkarten, und einige Dylan-Fans sehen darin einen Rückblick auf sein eigenes Leben, seit er seinen Namen in Bob Dylan geändert und nach New York gezogen ist. Wie dem auch sei, es ist eines seiner großartigsten vergessenen Werke aus den Siebzigern, gerade weil es so offen für Interpretationen ist. Eine eindrucksvolle Interpretation findet sich in Patti Smiths bissiger, politisch gefärbter Version aus dem Jahr 2007.

88. „Tombstone Blues“ (1965)

Dylan behauptete, dass diese rasante Jeremiade gegen die von Gewalt geprägte amerikanische Politik von Gesprächen beeinflusst wurde, die er in einer Bar hörte, die von Polizisten frequentiert wurde. „Sie sagten Dinge wie: ‚Ich weiß nicht, wer ihn getötet hat, aber ich bin froh, dass er weg ist‘, so etwas in der Art“, sagte er. Dieses düstere, aber sachliche Gefühl von gesetzloser Brutalität und systemischem Bösen durchdringt die Texte, in denen Johannes der Täufer den Folterer spielt und Jack the Ripper an der Spitze der Handelskammer sitzt.

Musikalisch ist „Tombstone Blues“ ebenso bösartig, wobei Gitarrist Mike Bloomfield Dylans reißender Textfluss mit dreistem, sengendem, von Chicago geprägten Bluesfeuer widerhallt.

87. „Most of the Time“ (1989)

Wie viele der Songs auf „Oh Mercy“ hatte auch „Most of the Time“ eine schwierige Entstehungsgeschichte. Dylan stellte sich den Song als reduzierten Folksong vor, aber Daniel Lanois wollte ihn mit seiner charakteristischen Swamp-Atmosphäre versehen. Lanois gewann den Streit, sodass Dylan seine Originalversion 2008 auf „The Bootleg Series 8: Tell Tale Signs“ veröffentlichte.

Der Song handelt von der Schwierigkeit, über eine alte Liebe hinwegzukommen („Ich erinnere mich nicht einmal mehr daran, wie sich ihre Lippen auf meinen anfühlten/ Most of the time“), und beide Versionen haben ihren Reiz. Doch während Dylans Original eine seelenvolle Unmittelbarkeit hat, lässt Lanois‘ langsamer, anschwellender Track den Herzschmerz wie eine Echtzeit-Offenbarung erscheinen.

86. „Meet Me in the Morning“ (1975)

Dieser traurige, funkelnde Akustik-Blues aus „Blood on the Tracks“ ist bemerkenswert geradlinig – wie ein Wohlfühlessen von einem Meisterkoch. Aufgenommen in New York, erreicht er seinen Höhepunkt mit einem schmerzerfüllten Pedal-Steel-Ausbruch von Buddy Cage, der der Legende nach von Dylan im Studio angestachelt wurde, während ein beschwipster Mick Jagger, der im Kontrollraum feierte, darum bat, mitmachen zu dürfen.

Dylan spielte den Song nie live, bis er 2007 bei einem Auftritt in Nashville Jack White um Hilfe beim Gesang bat. Dylan nahm etwa zur gleichen Zeit den sehr ähnlichen Song „Call Letter Blues” auf (siehe „The Bootleg Series, Vol. 1-3)“, was beweist, dass die Idee gut genug für zwei Songs war.

85. „She’s Your Lover Now” (1991)

Mitte der 60er Jahre war Dylan ein ziemlich bissiger Typ, aber dieser schnelle, rockige und beiläufig bissige Outtake aus „Blonde on Blonde” hat etwas einzigartig Bösartiges an sich. „Du sitzt nur herum und fragst nach Aschenbechern/Kannst du nicht selbst danach greifen?”, knurrt er den neuen Mann seiner ehemaligen Geliebten an. „Ich sehe, wie du sie jedes Mal auf die Wange küsst, wenn sie eine Rede hält.”

Dylan und die Band nahmen den Song im Januar 1966 in New York 19 Mal auf, aber die meisten dieser Sessions wurden verworfen, als Dylan beschloss, die Aufnahmen für das Album nach Nashville zu verlegen. Er versuchte nie, ihn mit den dort eingesetzten Session-Profis zu retten, aber die Aufnahme auf dem erhaltenen Demo (ergänzt durch viele alternative Takes auf der Sammlerausgabe von 2015, „The Bootleg Series Vol. 12: The Cutting Edge 1965-1966“) hat genau die richtige lockere Note.

84. „The Man in Me“ (1970)

Manchmal braucht es den richtigen Film, um die Größe eines Songs zu offenbaren. Vor dem Kultklassiker „The Big Lebowski“ der Coen-Brüder aus dem Jahr 1998 war „The Man in Me” ein halb vergessener Titel auf dem Album „New Morning” aus dem Jahr 1970. Aber seine Verwendung im Film (im Vorspann und später in einer epischen Traumsequenz) hob seine zerklüftete euphorische Kraft hervor (kostümierte Lebowskis singen jedes Wort betrunken auf Fan-Conventions, und Jeff „The Dude” Bridges performt ihn live in seiner zweiten Karriere als Country-Sänger).

Selten klang Dylan so fröhlich wie im „La La La“-Intro, und die gospelartigen Backing Vocals unterstreichen die ungezwungene Intimität und Erlösung in schwierigen Zeiten, die der Text vermittelt.

83. „Nettie Moore” (2006)

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„Ich habe die Texte einfach fließen lassen, und … sie schienen eine uralte Präsenz zu haben”, sagte Dylan gegenüber ROLLING STONE, als er das Schreiben seines ursprünglich verwurzelten Albums „Modern Times“ aus dem Jahr 2006 beschrieb. In „Nettie Moore” verwebt er Zeilen aus Marshall Pikes und James Lord Piermonts Lied „Gentle Nettie Moore“ von 1857 und dem traditionellen Folk-Song „Moonshiner“ zu einem seiner persönlichsten Songs überhaupt.

Dylan ist der lebensmüde Anführer einer „Cowboy-Band“, der sich nach seiner Geliebten zu Hause sehnt, damit sie ihm hilft, mit Sünden, Fehlinformationen, unerledigten Angelegenheiten und unglückbringenden Frauen fertig zu werden. „ Ich würde durch ein loderndes Feuer gehen, Baby”, singt er, „wenn ich wüsste, dass du auf der anderen Seite bist.”

82. „One of Us Must Know (Sooner or Later)” (1966)

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Einer seiner mürrischsten Abschiedslieder überhaupt: Dylan arbeitete neun Stunden lang und 24 Takes im Columbia Studio A akribisch daran, wechselte zwischen den Mitgliedern der Band und einer Gruppe von Session-Musikern aus „Bringing It All Back Home”, bevor er es schließlich fertigstellte.

Als Single veröffentlicht, schaffte es der Song nie in die Charts, aber seine höhnische Reue bleibt ein brillanter Balanceakt, eine Mischung aus Mitgefühl, Herablassung und spürbarem Schmerz. „Ich habe dir gesagt, als du mir die Augen ausgekratzt hast, dass ich dir nie wirklich wehtun wollte“, singt er und dehnt die letzte Silbe über einen majestätischen Klavier- und Orgelaufstieg, der zu den atemberaubendsten Momenten von Blonde on Blonde gehört.

81. „Series of Dreams“ (1991)

Dylan kam aus seiner schlimmsten künstlerischen Phase heraus und tat sich mit Daniel Lanois zusammen, um 1989 sein kreatives Comeback mit „Oh Mercy“ zu feiern. Aber in einer wenig überraschenden, seltsamen Entscheidung warf er einen der besten Songs des Albums weg. „Lanois mochte den Song“, schrieb Dylan 2005 in seinen Memoiren „Chronicles“.

„Ihm gefiel die Bridge besser, er wollte, dass der ganze Song so wäre. … Das war einfach nicht machbar. … Es war nicht gesund, so über den Song nachzudenken.” Zwei Jahre später kam der turbulente Track heraus; getreu seinem Titel ist er ein Strom fragmentarischer Bilder („In einem war die Oberfläche gefroren/In einem anderen wurde ich Zeuge eines Verbrechens”), die mit einer auffälligen, gerade-aufgewacht-Offenheit dargeboten werden.

Die 100 besten Songs des Bob Dylan

80. „Someone’s Got a Hold of My Heart“ (1991)

Dylan nahm diesen zarten Song ursprünglich für sein 1983 erschienenes Album „Infidels“ auf, strich ihn jedoch, um Platz für weitaus schwächere Stücke wie „Union Sundown“ und „Neighborhood Bully“ zu schaffen. Später nahm er sie mit dem Produzenten Arthur Baker für das Album „Empire Burlesque“ von 1985 neu auf, komplett mit kitschigen Synthesizern, aufdringlichen Backgroundsängern, schlechteren Texten und einem neuen Titel – „Tight Connection to My Heart (Has Anybody Seen My Love)“.

Als die Originalversion schließlich auftauchte, hatten die Fans die Gelegenheit, eine Erkundung spiritueller Ambivalenz zu hören, die einen Moment in seiner Karriere perfekt widerspiegelte, in dem er sich offensichtlich nicht sicher war, wohin er gehen sollte.

79. „Romance in Durango“ (1976)

Scott Avett (von den Avett Brothers): Als ich aufwuchs, stand ich auf Hardcore-Musik; mein Idol war Mike Patton von Faith No More. Aber als ich 21 war, gab mir ein Kunstprofessor Desire. Das war ein Aha-Erlebnis. Es ist voller repetitiver, fast poetischer Gesänge eines Mannes, der viel gesehen hat. „Blood on the Tracks“ war intim, aber Desire war kantig. Dylan klang wie eine abgebrühte, geheimnisvolle Figur. Wahrscheinlich durchlief er ganz normale Veränderungen in seinem Leben, aber die Art und Weise, wie er sie zum Ausdruck brachte, war so farbenfroh.

Die Melodie von „Romance in Durango“ macht den ganzen Song aus; sie ist so ernst und treibend. Und wie die meisten Songs auf „Desire“ und „Blood on the Tracks“ ist sie relativ repetitiv, aber sie ist so gut, dass sie einfach immer weiter und weiter gehen kann. Das ist viel schwieriger, als es jemandem klar ist, der nicht versucht, Musik zu machen. Was den Text angeht, ist es eine erstaunliche Leistung.

„Ich denke, wir sind in gewisser Weise Kameraden“

Dylan hat es geschafft, seine Gedanken und Gefühle in eine bestimmte Szene zu packen – die eines einsamen Rebellen in der Wüste, der all diese schwierigen und gefährlichen Dinge tut. Man kauft ihm all diese Männlichkeit ab und geht voll und ganz mit. Es ist überzeugend.

Vor ein paar Jahren hatten wir die Gelegenheit, bei den Grammys mit Dylan „Maggie’s Farm“ zu spielen, und ich konnte gar nicht aufhören zu lächeln. Er war während der Proben superhöflich und sehr direkt; es gab keine Spielchen. Donnie Herron aus Dylans Band ist ein Freund von uns, und er sagt, dass Dylan den ganzen Tag lang in seinem Bus spielt und so viele Songs kennt – die Leute haben keine Ahnung. Er ist einfach weiser und auf seinem Weg viel weiter, deshalb schauen wir zu ihm auf. Ich denke, wir sind in gewisser Weise Kameraden. Das glaube ich wirklich.

78. „Absolutely Sweet Marie” (1966)

„Um außerhalb des Gesetzes zu leben, muss man ehrlich sein”, sang Dylan und lieferte damit eine seiner meistzitierten Zeilen auf dem spritzigsten Pop-Song von „Blonde on Blonde“. „Absolutely Sweet Marie” ist ein kryptischer Liebesbrief, der von einem Bubblegum-Elektrokeyboard und funkelnder Bluesrock-Gitarre getragen wird.

Dylan wartete mehr als 20 Jahre, bevor er den Song live spielte, aber er nimmt unter den Dylan-Covers einen hohen Stellenwert ein; die Garagenpunk-Vorläufer „The Flamin‘ Groovies“ und die Alt-Country-Pioniere Jason and the Scorchers haben beide seine Rock-’n‘-Roll-Seele bestätigt. Als Dylan 1991 auf das 25-jährige Jubiläum des Songs zurückblickte, klopfte er sich selbst auf die Schulter: „Er ist gut gereift“, sagte er. „ Es ist wie alter Wein.“

77. „Tonight I’ll Be Staying Here With You“ (1969)

„Ich war fast fünf Jahre lang unterwegs. Das hat mich erschöpft. Ich nahm Drogen, viele Drogen. … Ich will so nicht mehr leben“, sagte Dylan 1969 zu Jann Wenner vom ROLLING STONE. Er klingt zufrieden, sich in häuslichem Glück niederzulassen, auf dem entspannten Schlussstück von Nashville Skyline (ein enger Verwandter von „I’ll Be Your Baby Tonight“ aus John Wesley Harding), wo er seinen sanften Country-Gesang zwischen twangigen Gitarren-Fills zur Geltung bringt.

Eine rauere Version wurde einige Jahre später während der Rolling Thunder Revue zu einem Live-Highlight, und Dylan spielt sie immer noch zu Beginn seiner Konzerte auf seiner Never Ending Tour.

76. „Gates of Eden” (1965)

„Das hier ist ein ‚sakrilegisches Wiegenlied in D-Moll’”, scherzte Dylan am Halloween 1964 vor seinem Publikum in der New Yorker Philharmonic Hall. Der Song wurde im Frühsommer geschrieben und im folgenden Winter in einem Take aufgenommen. und enthält einige seiner gruseligsten Bilder überhaupt – den wilden Soldaten, die Motorrad fahrende schwarze Madonna, den grauen Flanellzwerg –, die alle für die Tore von Eden bestimmt sind, das sich als gar kein Paradies herausstellt. Sondern als ein Ort ohrenbetäubender Stille, ohne Könige, ohne Prüfungen und ohne Sünden.

Es ist eine Hymne gegen die Vorstellung von himmlischer Erlösung: „Viele Menschen warten, bis sie am Ende ihrer Kräfte sind“, sagte Dylan Jahre später. „Man muss nicht so lange warten. Die Erlösung beginnt jetzt, heute.“

75. „Sweetheart Like You“ (1983)

Es ist frauenfeindlich („eine Frau wie du sollte zu Hause sein“); der Text ist manchmal eine unverständliche Mischung aus romantischen und religiösen Bildern („Man sagt, im Haus deines Vaters gibt es viele Wohnungen/Jede davon hat einen feuerfesten Boden“). Aber dieser Segen zum Abschluss untergräbt all das mit einer unverkennbaren Zärtlichkeit.

Viele Dylan-Experten sehen den Song als Abschied von seiner christlichen Phase und interpretieren den Refrain „Was macht eine Süße wie du in einer solchen Absteige?“ als Metapher dafür, dass Jesus von der korrupten religiösen Obrigkeit verleumdet wird. Wenn dem so ist, dann ist es ein seltsam berührender Abschied.

74. „All I Really Want to Do“ (1964)

Mit „The Times They Are A-Changin’“ aus dem Jahr 1964 wurde der aufstrebende Dylan zur wütenden Stimme einer rebellischen, sozialbewussten Generation. Getreu seiner chamäleonartigen Art eröffnete er sein nächstes Album mit einem Hauch von unbeschwertem Flirt, der gleichzeitig ein hinterhältiger Seitenhieb auf den damals aufkommenden Kult der männlichen Sensibilität war.

Er zählt eine absurde Liste von Dingen auf, die er nicht tun wird („mit dir streiten“, „dich einengen“, „dich auslaugen“, „dich fertigmachen“), um die Freundschaft einer Frau zu gewinnen. Sein Jimmie-Rodgers-Jodler und sein hinterhältiges Lachen mitten im Song verleihen dem Stück einen alles ist möglich-Optimismus, der durch die weitläufige elektrische Version der Byrds aus dem Jahr 1965 noch verstärkt wird.

73. „I’m Not There“ (2007)

Aufgenommen mit der Band während der „Basement Tapes“-Sessions 1967, war „I’m Not There“ jahrzehntelang nur als Bootleg bekannt und erblickte schließlich 2007 auf dem Soundtrack zum gleichnamigen Dylan-Biopic das Licht der Welt. Der abgeschnittene Anfang des Tracks lässt die ersten Sekunden weg, um den Eindruck zu erwecken, man würde einen privaten Moment miterleben.

Der Text verstärkt dieses Gefühl, indem er eine Verlassenheit in Worten zu beschreiben scheint, die nur für den Sänger selbst Sinn ergeben. Mit Dylans verzweifeltem Gesang und Garth Hudsons erstaunlichem Orgelspiel ist „I’m Not There“ der einzige Song aus den „Basement Tapes“-Sessions, der den „dünnen, wilden Quecksilber“-Sound von „Blonde on Blonde“ hat. Das Ergebnis ist absolut eindringlich.

72. „Rainy Day Women #12 & 35” (1966)

Das, was Dylan jemals aufgenommen hat, das einer Partyhymne am nächsten kommt, hatte den Arbeitstitel „A Long Haired Mule and a Porkepine”. Dylan gab dem Song schließlich einen Namen, der auf einer seiner indirekten biblischen Anspielungen basiert (auf eine Zeile aus den Sprüchen, „ein ständiges Tropfen an einem sehr regnerischen Tag und eine streitsüchtige Frau sind gleich”), was den Witz in den Texten unterstreicht, dass „ sie werden dich steinigen“.

Die Idee des Produzenten Bob Johnston, den Song im „Salvation Army-Stil“ aufzunehmen, verstärkte die religiöse Unterströmung. Als einer von einem halben Dutzend Songs, die in der 13-stündigen Marathon-Session aufgenommen wurden, aus der Blonde on Blonde hervorging, wurde er ein Nummer-Zwei-Hit.

71. „Most Likely You Go Your Way and I’ll Go Mine“ (1966)

Ohne Bassist Charlie McCoy, der zur Trompete griff und Dylan bat, zu seinem Mundharmonika-Riff mitzuspielen, wäre dieser Song vielleicht ein weit weniger dynamischer Rocksong geworden. Dylan lehnte ab, weil er Overdubs hasste. „ [Charlie] sagte … ‚Ich kann gleichzeitig Bass und Trompete spielen‘“, erinnerte sich Keyboarder Al Kooper. „Wir waren sprachlos.“

Dylan befürchtete, dass ihn dieser Stunt beim Singen ablenken könnte, und befahl McCoy, hinter einem Vorhang zu spielen. Die Trompete verlieh einem von Dylans bitteren Abschiedsliedern eine funkige Energie.

Die 100 besten Songs des Bob Dylan

70. „To Ramona“ (1964)

Jackson Browne: In diesem Song wird kein Wort über die Bürgerrechtsbewegung verloren. Aber für mich geht es darin genauso eindeutig darum wie in einem Roman von James Baldwin. Ich habe mir Ramona immer als eine junge schwarze Frau auf einer Party in New York vorgestellt, auf der sie sich nicht wohlfühlt, und da ist Bob Dylan, der ihr emotionale Nähe schenkt. Er beschreibt ganz konkret ihre Erotik, ihre Anziehungskraft. Ich sehe das schöne schwarze Gesicht dieser Frau, ihre „rissigen Lippen vom Land“. Er beschreibt sie mit Worten, die uns über diese Szene hinausführen.

Es ist ein Song, der von dem Kampf um persönliche Freiheit und der ewigen Falle der gegenseitigen Abhängigkeit durchdrungen ist. Das war eine Zeit, in der die Menschen einen Anführer und Sprecher wollten. Aber in diesem Song zerlegt Dylan das: „Ich würde für immer mit dir reden/Aber bald würden meine Worte/Zu einem bedeutungslosen Klang werden.” Er ist immer ein Verfechter davon, seinen eigenen Weg zu finden.
Das Problem jeder Art von Polemik ist, dass sie zu starr für das ist, was das Leben wirklich ist.

Das ist der Kern von Bob Dylans Unfassbarkeit. Er sagt zu Ramona: „Du bist getäuscht worden, zu glauben, dass das Ende nahe ist.“ Aber das ist es nicht. Diese Kämpfe werden weitergehen.

69. „One More Cup of Coffee (Valley Below)“ (1976)

Am 24. Mai 1975 (seinem 34. Geburtstag) besuchte Dylan den Maler David Oppenheim in Südfrankreich, und die beiden gingen zu einem Zigeunerfestival. Dort, wie Dylan später erzählte, „mit jemandem in Konflikt geriet“ und einen Mann traf, der „vielleicht 16 bis 20 Frauen und über hundert Kinder hatte“. Dylan blieb eine Woche lang und bat beim Abschied um eine Tasse Kaffee für unterwegs.

„Ich war mir nicht sicher, ob ich noch etwas sagen konnte, aber es war gefährliches Terrain“, behauptete er. Das ist jedenfalls eine gute Geschichte, und sie könnte der Keim für „One More Cup of Coffee“ gewesen sein. Der Song ist eine unheimlich klingende Hommage an eine Frau mit Augen „wie zwei Juwelen am Himmel“ und einem reichen und mächtigen Vater.

Er ist voller Mystik und wird durch den unverwechselbaren Gesang noch kraftvoller: Dylans klagende Stimme verschmilzt mit dem gespenstisch-engelhaften Hintergrundgesang von Emmylou Harris. Das wirklich Zigeunerhafte daran ist jedoch Scarlet Riveras eindringliche Violinenmelodie.

68. „One Too Many Mornings“ (1964)

„One Too Many Mornings“ ist ein schmerzlich schöner Trennungssong – und einer der seltenen Songs, in denen Dylan sich verabschiedet, ohne jemandem die Schuld zu geben. Es ist ein so zurückhaltender Song wie kaum ein anderer in Dylans Repertoire – nur sanftes Akustikgitarrenspiel, Mundharmonika und ein sparsamer, resignierter Gesang.

Wahrscheinlich ein weiterer Song, der von seiner Beziehung zu Suze Rotolo inspiriert wurde, wirkt er wie eine sanftere Version von „Don’t Think Twice, It’s All Right”. Dylan verlässt sein Schlafzimmer, die Straße liegt vor ihm, als er sich mit einem versöhnlichen Abschied zurückblickt: „ Du hast Recht aus deiner Sicht/Ich habe Recht aus meiner.”

„One Too Many Mornings” erwies sich als reif für eine Neuinterpretation, sowohl durch Dylan (dessen elektrische Version auf seiner Tournee 1966 den sanften Song in etwas wie Punkrock verwandelte) als auch durch Johnny Cash, der den Song viermal aufnahm – zweimal mit Dylan (in separaten Versionen aus den Nashville Skyline-Sessions), einmal mit Waylon Jennings und einmal solo.

67. „Leopard-Skin Pill-Box Hat“ (1966)

Nicht viele Songs über sexuelle Eifersucht sind so urkomisch wie dieser hüpfende, knurrende 12-taktige Blues im Chicago-Stil. Die Aufnahme auf „Blonde on Blonde” hat den lockeren, stolpernden Ton einer One-Take-Aufnahme, aber tatsächlich nahm Dylan „Leopard-Skin Pill-Box Hat” ungewöhnlicherweise 22 Mal in vier Sessions innerhalb von sechs Wochen auf; eine frühere, langsamere Version findet sich auf dem Soundtrack zu „No Direction Home”.

Es ist ein kleines Meisterwerk voller Anspielungen und verdrehter Doppeldeutigkeiten: die implizite betrunkene Affäre in „just like a mattress balances on a bottle of wine” (wie eine Matratze auf einer Flasche Wein balanciert), eine Einladung, den Sonnenaufgang zu sehen, gefolgt von „We’ll both just sit there and stare” (Wir werden beide einfach nur dasitzen und starren). Und wer ist hier das Opfer von Dylans Schmähungen? Gerüchten zufolge handelt es sich um die modebewusste Edie Sedgwick, mit der er kurz zuvor Zeit verbracht hatte.

Als er in ROLLING STONE nach der Inspiration gefragt wurde, gab sich Dylan typischerweise zurückhaltend und sagte, der Song handele nur von einem Hut: „Ich habe vielleicht ein Bild davon in einem Schaufenster gesehen.“

66. „Shelter From the Storm“ (1975)

Die beiden Stimmungen von „Shelter From the Storm“ kommen am besten in zwei völlig unterschiedlichen Darbietungen zum Ausdruck. Auf „Blood on the Tracks“ ist der Song eine akustische Reflexion über eine Beziehung, die auf mysteriöse Weise in die Brüche gegangen ist, eine liebevolle Erinnerung an eine Frau, die dem Sänger trotz all ihrer Fehler eine wenn auch kurze Atempause von den Prüfungen des Lebens verschafft hat.

Auf dem Live-Album „Hard Rain“ hingegen ist der Song ein tosender Rock-‚n‘-Roll-Moloch, eine höhnische Anklage gegen einen heuchlerischen Liebhaber, dessen Angebot eines warmen, sicheren Hafens als zynischer Witz abgetan wird.
 Solche emotionalen Extreme in einem einzigen Song zu vereinen, ist eine der herausragendsten Begabungen Dylans – in diesem Fall ein Song, der entstand, als seine Ehe mit Sara zerbrach.

„Schönheit wandelt auf Messers Schneide“, singt er, und wie der Song deutlich macht, blutet man manchmal, wenn man ihr nachjagt.

65. „Tough Mama“ (1974)

Einer von Dylans geilsten Jams wurde im November 1973 aufgenommen, wobei die Band einen mörderischen Boogie-Rock-Groove hinlegte. Die Liste der Charaktere liest sich wie etwas aus dem Textblatt von „Workingman’s Dead“: Da sind Jack the Cowboy, der einsame Wolf und die heiße Frau aus dem Titel, die auch als Tough Mama, Dark Beauty, Sweet Goddess und Silver Angel bekannt ist.

Doch die poetische Verwirrung ist ganz Dylan, wie in Zeilen wie „Today on the countryside it was a-hotter than a crotch/I stood alone upon the ridge and all I did was watch.” (Heute war es auf dem Land heißer als in der Hose/Ich stand allein auf dem Bergrücken und sah nur zu.) Vielleicht wurde der Song deshalb im Vergleich zu anderen großen Rocknummern des Mannes selten gecovert – schließlich können nur wenige Dylan an Verwirrung übertreffen.

64. „Abandoned Love” (1985)

Ein Ausgestoßener aus der Mitte der Siebzigerjahre, mit Scarlet Riveras Geige, die die Melodie über einen lockeren, beschwingten Country-Two-Step schnitzt. Der Text ist jedoch kein Tanztee: eine Kette von Couplets, die sich immer enger zusammenziehen, während sie eine zerstörte Beziehung in schneidenden Details nachzeichnen.

„Jeder trägt eine Maske, um zu verbergen, was hinter seinen Augen steckt“, klagt Dylan. „Aber ich kann nicht verbergen, wer ich bin/Wo auch immer die Kinder hingehen, ich werde ihnen folgen.“ Der 1975 aufgenommene Song wurde zugunsten von „Joey“ aus dem Album Desire gestrichen. Aber „Abandoned Love“ tauchte schließlich auf Biograph auf, wo er sich als eine von Dylans qualvollsten, herzzerreißendsten Aufnahmen entpuppte.

63. „If You See Her, Say Hello“ (1975)

„If You See Her, Say Hello“ ist vielleicht der schmerzhafteste Moment auf „Blood on the Tracks“. Dylan ringt mit seiner frischen Trauer: „Wenn ich daran denke, wie sie in dieser Nacht gegangen ist“, singt er, „bekomme ich immer noch eine Gänsehaut.“ Der Song wurde mehrfach überarbeitet – der ursprüngliche Text „If you’re making love to her, kiss her for the kid“ (Wenn du mit ihr schläfst, küsse sie für das Kind) wurde abgeschwächt zu „If you get close to her, kiss her once for me“ (Wenn du ihr nahe kommst, küsse sie einmal für mich).

Aber auch die endgültige Fassung geht immer noch unter die Haut. Dylans Eingeständnis „Either I’m too sensitive or else I’m gettin‘ soft“ (Entweder bin ich zu empfindlich oder ich werde weich) hat genauso viel Schlagkraft wie seine giftigsten Songs.

62. „Queen Jane Approximately“ (1965)

Joan Baez bezeichnete „Highway 61 Revisited“ einmal als „Haufen Mist“. Möglicherweise bezog sie sich dabei auf den rauen Sound, aber vielleicht dachte sie auch an diesen Song, eine Abrechnung mit einer Frau, die sich hinter Schönheit und Privilegien versteckt. „Queen Jane” reicht von bissig („When all the clowns that you have commissioned have died in battle or in vain”) bis zärtlich („Won’t you come see me, Queen Jane?”), und die Musik gehört zu den elegantesten auf Highway.

Handelt der Song von Baez? Vielleicht. Als ein Journalist ihn nach der Identität der Königin fragte, antwortete Dylan: „Queen Jane ist ein Mann.”

61. „It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry“ (1965)

Dieser sexy Shuffle war noch ein peppiger Blues namens „Phantom Engineer“, als Dylan ihn 1965 beim Newport Folk Festival zum ersten Mal spielte. Später war es der erste Song, den er während der Sessions für Highway 61 Revisited versuchte – aber Dylan, frustriert vom Arrangement, legte ihn nach ein paar Takes beiseite und nahm stattdessen „Tombstone Blues“ auf.

Er verbrachte seine Mittagspause am Klavier und arbeitete an einer langsameren Version, die es ihm ermöglichte, sich mit den Blues-Tropen des Textes („Don’t the moon look good, Mama, shinin‘ through the trees”) und den schlauen Nebenbemerkungen („I wanna be your lover, baby, I don’t wanna be your boss”) auseinanderzusetzen. Das Ergebnis wirkte sowohl zeitlos als auch brandneu.

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60. „Buckets of Rain” (1975)

Cameron Crowe: Eine der großen Gaben von Bob Dylan ist es, eine Ziernote in ein Album einzufügen, etwas, das nicht um Aufmerksamkeit schreit, aber unvergesslich ist. Für mich ist das „Buckets of Rain“, die perfekte Ziernote für „Blood on the Tracks“: melancholisch, hüpfend und bittersüß. Es ist verschmitzt und unprätentiös, hat aber eine enorme Kraft. Jeder Raum, in dem ich es jemals gespielt habe, hat sich dadurch verändert. Eine kleine Sache in der Ecke eines Albums, eines Films oder eines Textes kann das wichtigste Element von allen sein.

Dylan befand sich in seiner mittleren Schaffensphase, als er es schrieb. Ich habe gehört, dass er nach Minnesota zurückgekehrt war und auf einer Farm lebte. Er hatte ein Notizbuch, und die Texte von Blood on the Tracks wurden in dieser Zeit ausgefeilt. Er wollte persönlich werden. Es würde wehtun, das zu hören, aber es würde aufschlussreich sein. Es stellte sich heraus, dass es das Bekenntnisalbum war, nach dem sich die Leute schon lange gesehnt hatten, und seitdem ist er nicht mehr wirklich dorthin zurückgekehrt.

Er hat viele Hindernisse und Fehlinformationen darüber verbreitet, aber „Blood on the Tracks“ ist sein „Blue“ – sein Bekenntnisalbum über Beziehungen. Ich kann es mir nicht ohne „Buckets of Rain” vorstellen. Dylans Werke prägen weiterhin jede Generation – sie leben und leben und leben, und ein Song wie „Buckets of Rain” atmet eine einfache Wahrheit über das wirkliche Leben. Nach einem brennenden Herzschmerz kommt ein beruhigender Regen.

59. „Million Dollar Bash” (1975)

„Million Dollar Bash“ ist eine Art Titelsong für „The Basement Tapes“: eine verspielte Aneinanderreihung von unsinnigen Texten, unterlegt mit einer süßen, schrägen Melodie, die den Geist von Menschen einfängt, die Musik nur zum Spaß machen. Dylan nahm den Song im Juli 1967 in Big Pink mit Garth Hudson, Richard Manuel und Rick Danko von der Band auf.

Niemand spielt Schlagzeug in diesem Titel, was zum Teil für seinen fröhlichen, schwankenden Rhythmus verantwortlich ist. Diese Keller-Sessions können selbst als „Million Dollar Bash“ betrachtet werden – eine fröhliche, erholsame Auszeit vom Wahnsinn von Dylans zunehmender Berühmtheit. Wie er 1969 gegenüber Rolling Stone sagte: „So macht man wirklich eine Aufnahme – in einer friedlichen, entspannten Umgebung – in jemandes Keller. Mit offenen Fenstern … und einem Hund, der auf dem Boden liegt.”

58. „Percy’s Song” (1985)

„Percy’s Song” ist vielleicht am besten bekannt durch Joan Baez’ atemberaubende Darbietung in „Don’t Look Back“. Der Song wurde ursprünglich 1963 für The Times They Are A-Changin’ aufgenommen, schaffte es aber nicht auf die endgültige Trackliste.

Dennoch steht diese traurige Klage neben Dylans besten Werken aus dieser Zeit. Er singt mit eindringlicher Stimme von einem Freund, der nach einem tödlichen Autounfall wegen Totschlags vor Gericht steht. „Er ist kein Verbrecher, und sein Verbrechen ist keines“, protestiert der Erzähler, aber seine Bitten an den Richter um Milde sind vergeblich.

57. „Just Like Tom Thumb’s Blues“ (1965)

Hatte Dylan überhaupt jemals Mexiko besucht, bevor er diese Geschichte über eine ausschweifende Reise nach Juárez schrieb? Spielt das eine Rolle? In Dylans Version ist die Grenzstadt ein gefährlicher, aber dennoch verlockender Ort. Sie ist voller Drogen, Korruption und „hungrigen Frauen“ wie Saint Annie und Sweet Melinda – deren unschuldige Namen darüber hinwegtäuschen, dass „sie dich wirklich fertigmachen“.

Der Song bekam eine noch düsterere Atmosphäre, als Dylan ihn 1966 auf seiner Welttournee mit den Hawks aufführte. Eine brutale Live-Aufnahme aus Liverpool, die als B-Seite von „I Want You“ veröffentlicht wurde, war viele Jahre lang die einzige offizielle Dokumentation dieser historisch rauen Tournee.

56. „You’re Gonna Make Me Lonesome When You Go“ (1975)

Jim James: Blood on the Tracks war schon immer eines meiner Lieblingsalben von Dylan – es ist das klassische Album über harte Liebe, zu dem man greift, wenn man sich irgendwie einsam fühlt. „You’re Gonna Make Me Lonesome When You Go“ könnte meinen Preis für das meistgehörte Lied gewinnen. Ich weiß nicht, ob es nur an der Akustikgitarre und dem Bass liegt, an der Art, wie sie rhythmisch zusammenwirken, aber wenn ich den Song höre, ist es einfach die Essenz der Liebe.

Er beschreibt alles so eindringlich. Ich kann fast die Bäume und die verschiedenen Menschen riechen, die ich im Laufe der Jahre kennengelernt habe, die Blumen, das Sonnenlicht – wie die Dinge aussehen, wenn man sich verliebt, und wie sich das ins Gegenteil verkehrt, wenn man gehen oder weiterziehen muss oder das Leben einen oder den anderen Menschen verändert. Er reflektiert das auf so schöne Weise und sagt, dass diese Person immer ein Teil von ihm sein wird. Er wird sie überall sehen.

55. „If Not for You” (1970)

Nach dem konzeptionellen und kritischen Desaster, das Self-Portrait war (ROLLING-STONE-Rezension: „Was ist das für ein Mist?”), fragten sich die Fans, ob Dylan den Verstand verloren hatte. Sie mussten nicht lange rätseln – „New Mornin“g, das vier Monate später erschien, begann mit diesem schönen kleinen Country-Rock-Stück. „Ich habe den Song geschrieben, während ich an meine Frau dachte“, sagte Dylan, und der Text handelt von Häuslichkeit und Dankbarkeit. Es ist ein Genuss, den übermütigsten Songwriter der Welt einmal ein wenig Demut zeigen zu sehen.

54. „4th Time Around“ (1966)

Was genau „4th Time Around“ inspiriert hat, ist eines der großen Geheimnisse um Dylan. Die Melodie und die Handlung sind eine direkte Anlehnung an den Beatles-Song „Norwegian Wood“ aus dem Jahr 1965 – einer der ersten Songs der Band, der eindeutig von Dylan beeinflusst war. War die Zeile „I never asked for your crutch, now don’t ask for mine“ eine Warnung, ihn nicht mehr zu kopieren?

Dylan hat sich dazu nie geäußert, aber drei Monate nach der Aufnahme des Songs unternahm er mit John Lennon eine berühmte Limousinenfahrt durch London, bei der er offenbar keine Feindseligkeit hegte. Im folgenden Jahr veröffentlichte er „John Wesley Harding“, dessen Cover ein offenbar auf dem Kopf stehendes Bild der Beatles in einem Baum versteckt enthält – aber das ist ein anderes Rätsel.

53. „When I Paint My Masterpiece“ (1971)

Der wahrscheinlich am wenigsten irritierende Song, der je über das Leben eines Superstars auf Tour geschrieben wurde, tauchte Ende 1971 in Dylans Studioversion unter den unveröffentlichten Stücken auf „Greatest Hits Vol. II” auf. Der von Leon Russell produzierte Track unterlegt eine Klage über das Warten auf Inspiration zwischen den Auftritten, zielloses Umherirren, Probleme aufgrund des Ruhmes und „ein Date mit Botticellis Nichte” mit Gospel-Piano-Akkorden.

Die endgültige Version wurde live mit der Band am Silvesterabend 1971 aufgenommen und auf dem Album „Rock of Ages“ der Band veröffentlicht. „Sailin‘ round the world in a dirty gondola”, schrie er, „oh, to be back in the land of Coca-Cola!” und holte damit mehr Emotionen aus einem Markennamen heraus als jeder andere vor oder nach ihm.

52. „Tears of Rage“ (1975)

Diese faszinierende Ballade erlangte erstmals weltweite Aufmerksamkeit als Eröffnungstitel des Meisterwerks der Band aus dem Jahr 1968, „Music From Big Pink“. Dort wird sie mit quälender Anmut von Keyboarder Richard Manuel gesungen, der den Song 1967 während der Sessions in „Big Pink“ gemeinsam mit Dylan geschrieben hatte.

Als „The Basement Tapes“ 1975 offiziell veröffentlicht wurde, kam eine Version mit Dylan als Leadsänger ans Licht. Wie so viele der Songs, die Dylan in Big Pink geschrieben hat, ist „Tears of Rage“ elliptisch, eine Aneinanderreihung von beiläufig surrealen Bildern, die sich auf die Bibel und in diesem Fall auf Shakespeares „König Lear“beziehen. Die Geschichte von Generationskonflikten, der Tonfall des Verrats und der Verweis auf den Unabhängigkeitstag zu Beginn lassen vermuten, dass Dylan auch die Kulturkriege um Vietnam und die Bürgerrechte im Kopf hatte.

Die wiederholten Mahnungen des Songs, dass „das Leben kurz ist”, erheben sich über das Klischee zu einer verzweifelten moralischen Aufforderung, einer Beharrlichkeit, dass unsere gemeinsame Sterblichkeit, unabhängig von unseren Unterschieden, zu Mitgefühl führen muss.

51. „Things Have Changed“ (2000)

Als Dylan 2001 seinen einzigen Oscar für seinen Beitrag zum Soundtrack von „Wonder Boys“ entgegennahm, dankte er „den Mitgliedern der Akademie, die mutig genug waren, mir diesen Preis für … einen Song zu verleihen, der weder um den heißen Brei herumredet noch die Augen vor der menschlichen Natur verschließt“.

So könnte man es ausdrücken: Trotz all seiner beiläufigen Witze („gonna dress in draaag“, krächzt er an einer Stelle) ist „Things Have Changed“ einer der bittersten Songs in Dylans gesamter Diskografie. Es ist auch eine harte Antwort auf viele seiner früheren politischen Songs, die sich nach sozialer Gerechtigkeit und gesellschaftlichem Fortschritt sehnen.

„Früher war mir das wichtig“, singt er mit unmissverständlicher Absicht. „Aber die Dinge haben sich geändert.“ Wie der Titel schon andeutet, ist es im Grunde genommen der böse Zwilling von „The Times They Are A-Changin’“.

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50. „Not Dark Yet“ (1997)

Einige Monate bevor Dylan 1997 sein Album „Time Out of Mind“ veröffentlichte, wurde er mit einer schweren Herzinfektion ins Krankenhaus eingeliefert, die ihn glauben ließ, dass er „Elvis bald sehen würde“. „Not Dark Yet“ war lange vor Ausbruch dieser Krankheit fertiggestellt worden, aber der eindringlich schöne Song schien sie fast vorherzusagen.

Vor dem Hintergrund von Daniel Lanois‘ charakteristischer, sumpfiger Produktion singt Dylan mit der müden und verwitterten Stimme eines Mannes, der sich dem Ende seines Lebens nähert. „Ich wurde hier geboren und werde hier gegen meinen Willen sterben“, singt er. „Ich weiß, es sieht so aus, als würde ich mich bewegen, aber ich stehe still.”

Dylan hatte seit seinem allerersten Album im Jahr 1962 Songs aufgenommen, die vom Tod besessen waren. Hier war er ein reisemüder 55-Jähriger, mitten in seiner Never Ending Tour, und man kann jedes einzelne dieser Jahre in seiner Stimme hören.

49. „Up to Me“ (1985)

„Up to Me“ ist einer der besten Songs, die Dylan aus Gründen, die nur er selbst kennt, nicht auf seinen Alben (in diesem Fall Blood on the Tracks) veröffentlicht hat. Er erinnert sowohl musikalisch als auch durch sein sparsames Arrangement an „Shelter From the Storm“.

Thematisch hätte der Song perfekt zu „Blood on the Tracks“ gepasst, das von der Auflösung von Dylans Ehe mit Sara Lownds inspiriert war. Möglicherweise war „Up to Me“ für Dylan zu dieser Zeit einfach zu persönlich, um es zu veröffentlichen. „And if we never meet again, baby, remember me“, singt er im letzten Vers des Songs.

„Wie meine einsame Gitarre dir diese alte Melodie so schön vorgespielt hat.“ Natürlich lehnte er diese Interpretation ab. „Ich sehe mich selbst nicht als Bob Dylan“, sagte er zu Cameron Crowe. „Es ist wie Rimbaud sagte: ‚Ich bin ein anderer.‘“

48. „Sara“ (1976)

Der offensichtlichste autobiografische Song, den Dylan je geschrieben hat, richtet sich direkt an seine damalige getrennt lebende Frau. Er zeigte auch, dass Dylan seinen Charme spielen lassen konnte. „Sara“ ist ein Liebeslied, das sich weitgehend mit Erinnerungen befasst – Bildern ihrer spielenden Kinder, dem Paar, das sich in einer „portugiesischen Bar bei weißem Rum“ Blicke zuwirft – wobei Dylan Sara in einem sparsamen, trauermarschartigen Walzer als „die süße Liebe meines Lebens“ bezeichnet.

Gegen Ende des Songs bittet Dylan eindringlich um Vergebung, klingt dabei aber wie ein Mann, der distanziert und verwirrt ist, und bezeichnet Sara als „Skorpion-Sphinx in einem Kalikokleid“. Die Dylans versöhnten sich für eine Weile, aber als die Ehe im nächsten Jahr endgültig zerbrach, ersetzte Dylan „Sara“ durch das gallige „Idiot Wind“ in den Sets der Rolling Thunder Revue. Das Paar ließ sich 1977 offiziell scheiden.

47. „Spanish Harlem Incident” (1964)

Dylan spielte diesen kurzen, zarten Song über seine Schwärmerei für eine Wahrsagerin genau einmal. Der „Vorfall” im Titel scheint so unbedeutend zu sein, wie Vorfälle nur sein können: Die „Zigeunerin” hält seine Hand in ihrer und löst damit eine Flut von Assoziationen aus. „Spanish Harlem Incident” ist einer von Dylans offensten, eindeutigen Sex-Songs, komplett mit Anspielungen auf ihre „rasselnden Trommeln” und seine „unruhigen Handflächen”.

46. „Jokerman” (1983)

Chris Martin: Mit 16 habe ich mich für Bob Dylan begeistert. Ich hatte den Mythos gehört: „Oh, Bob Dylan, der kann nicht singen.” Aber mittlerweile sind die Hälfte meiner CDs Dylan-Alben. Etwa einmal im Jahr höre ich einen Monat lang nichts anderes als Dylan.

Ich entdeckte „Infidels“, nachdem ich das Video zu „Jokerman“ gesehen hatte. Darin waren italienische Gemälde und religiöse Bilder zu sehen. Ich hielt mich für einen großen Dylan-Fan, aber „Jokerman“ war ein Schock: „Wie kann dieser Typ einen Song haben, der aus einer anderen Welt stammt und trotzdem so brillant ist?“ Mark Knopfler und Mick Taylor an den Gitarren. Und Sly und Robbie brachten diesen Reggae-Vibe ein.

Der Song fühlt sich 87 Minuten lang an, als wäre endlich das Abendessen fertig geworden und sie hätten aufgehört, das Band laufen zu lassen. Ich verbringe acht Wochen damit, zwei Zeilen zu schreiben.

Ich denke nicht darüber nach, wer dieser Jokerman ist – ob es Gott, Satan oder Dylan selbst ist. Das Schöne daran ist das Geheimnisvolle. Ich liebe die Zeilen „Das Buch Levitikus und Deuteronomium/Das Gesetz des Dschungels und des Meeres sind deine einzigen Lehrer.” Und der Refrain mit diesem verstimmten „Oh-oh-oh“-Gesang – der einzige andere, der sich so etwas leisten kann, ist Jay Z in „D.O.A.“. Es klingt auf die bestmögliche Weise mühelos.

45. „It Ain’t Me, Babe“ (1964)

„It Ain’t Me, Babe“ wurde wahrscheinlich in einem Londoner Hotel geschrieben und gehört zu Dylans elegantesten „Frauen verstehen mich nicht“-Songs, in denen er die unbegründeten Erwartungen einer ehemaligen Freundin an altmodische Ritterlichkeit und Treue auflistet.

Die erste Zeile („Go ‚way from my window“) ist eine poetische Formel, die bis ins 16. Jahrhundert zurückreicht, aber der Song greift auch auf zeitgenössischere Quellen zurück: Das „no, no, no” scheint eine Parodie auf das „yeah, yeah, yeah” in „She Loves You” von den Beatles zu sein. „Acht in den Top 10”, sagte Dylan über die Pop-Dominanz der Fab Four. „Für mich schien damit eine klare Grenze gezogen worden zu sein.”

44. „Stuck Inside of Mobile With the Memphis Blues Again” (1966)

„Oh, Mama, kann das wirklich das Ende sein?“, klagt Dylan immer wieder in diesem verzweifelten siebenminütigen Epos. Dylan treibt die Profis der Nashville-Session durch einen Vers nach dem anderen mit surrealen Blues-Bildern, und die Band klingt von der Herausforderung inspiriert.

Die Stimmung ist geprägt von Sex, Drogen, Versuchung und Paranoia. Trotz der poetischen Abstraktion liefert Dylan einen der sinnlichsten Gesangsparts von Blonde on Blonde.

43. „Gotta Serve Somebody“ (1979)

Sinéad O’Connor: Ich war etwa 13, als mein älterer Bruder Joseph „Slow Train Coming“ mit nach Hause brachte, und es hat mich einfach umgehauen. Die Leute sagen – und ich hoffe, das stimmt nicht –, dass Dylan nicht zu diesem Album steht. Es ist ein atemberaubendes Album für jeden, der es macht, aber besonders für ihn.

Der Song, der mich am meisten umgehauen hat, war „Gotta Serve Somebody”. Ich wuchs in einer katholischen Familie in Irland auf, und die einzige religiöse Musik, die wir jemals gehört hatten, war einfach schrecklich – unglaublich langweilig. Dass dieser Song zu dieser Zeit in Irland herauskam, hat mein Leben verändert. Er hielt keine Predigt. Der Klang der Gitarre und der anderen Instrumente hatte fast etwas Sexuelles.

Und der Text ist brillant – er sagt damit, dass man, egal was man mit seinem Leben anfängt, am Arsch ist, wenn man nicht für etwas einsteht. Das gefällt mir sehr gut, als Lektion eines Meisterlehrers darüber, wie man ein Künstler ist, und auch, wie man sein Leben lebt. Er sagt damit: „Leg dich nicht einfach ins Bett und verkriech dich unter der Decke. Du musst verdammt noch mal aufstehen.“

42. „I Threw It All Away“ (1969)

Nach sieben Jahren voller äußerst origineller Dylan-Songs war es ein Schock, ihn in eine geradlinige Songstruktur im Tin-Pan-Alley-Stil eintauchen zu hören, und noch schockierender war es, seinen hyperartikulierten Cowboy-Mund Zeilen wie „Love is all there is, it makes the world go ‚round“ murmeln zu hören.

Es stellte sich heraus, dass er auch im ernsthaften Country-Rock großartig war: Der reumütige Text des Songs lässt vermuten, dass es sich um eine Entschuldigung für die scharfe Wende handelt, die Dylans Karriere genommen hatte: vom hart tourenden, widerwilligen Pop-Orakel zu einem gepflegten Stubenhocker, der sich danach sehnte, Teil der Nashville-Maschinerie zu sein.

41. „I’ll Keep It With Mine” (1985)

Dylan nahm „I’ll Keep It With Mine“ 1965 auf, veröffentlichte es aber erst Jahre später – und hat es nie live gespielt. Das hinderte andere jedoch nicht daran, sich in den Song zu verlieben, eine Ballade über Freundschaft, deren Version von 1965 sich durch einen süßen, klagenden Gesang auszeichnet.

„Es ist hypnotisch – nur Dylan und Klavier“, sagt Cameron Crowe, „und seine Stimme klingt irgendwie heroisch.” (Der Song wurde von Judy Collins, Nico und Fairport Convention gecovert.)

„Vielleicht klang es für mich nicht wie eine Platte”, sagte Dylan über zurückgestellte Aufnahmen wie „I’ll Keep It With Mine”. Aber er blieb philosophisch, was die Anziehungskraft dieses speziellen Songs anging: „Wenn die Leute ihn mögen, mögen sie ihn eben.”

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40. „I Dreamed I Saw St. Augustine“ (1967)

Diese köstlich mehrdeutige Hymne greift die erste Zeile von „Joe Hill“ auf, einem Folk-Standard über einen Gewerkschaftsorganisator und Songwriter, der wegen Doppelmordes hingerichtet wurde (und wahrscheinlich zu Unrecht verurteilt worden war). Dylan ersetzt die Gewissheit des Folk durch vielschichtige Komplexität.

St. Augustine ist ein Märtyrer, aber der Erzähler stellt sich selbst „unter diejenigen, die ihn zu Tode gebracht haben“, und es bleibt unklar, ob wir mit Augustine oder Dylan oder überhaupt jemandem sympathisieren sollen. Was wir mit Sicherheit wissen, ist Dylans zerfetzte, leicht verstimmte Intensität. Es ist ein ernsthaftes Bekenntnis zu etwas, das er nicht ganz versteht.

39. „Hurricane“ (1976)

1975 nahm sich Dylan des Falls von Rubin „Hurricane“ Carter an, einem schwarzen Boxer, der wegen eines Dreifachmordes aus dem Jahr 1966 zu lebenslanger Haft verurteilt worden war. „Ich erkannte, dass hier ein Bruder war“, sagte Carter über Dylan, der ihn im Gefängnis besuchte.

Dylan organisierte zwei Benefizkonzerte und schrieb zusammen mit dem Theaterregisseur Jacques Levy „Hurricane“, eine lautstarke Erklärung der Unschuld des Boxers. Der Song beginnt wie ein Drehbuch („Pistol shots ring out in the barroom night“ – „Pistolenschüsse hallen durch die Bar“) und endet mehr als acht Minuten später mit Carter im Gefängnis.

Die Aufmerksamkeit, die Dylan auf Carter lenkte, verhalf ihm zu einer Wiederaufnahme des Verfahrens, aber er wurde erneut verurteilt. Dann, im Jahr 1985, wurde das Urteil aufgehoben. 1988 wurden alle Mordanklagen gegen ihn fallen gelassen.

38. „My Back Pages“ (1964)

„My Back Pages“ war der Sound des größten Protestsängers der Sechzigerjahre, der sich von der Politik abwandte – eine abwechselnd wehmütige und spöttische Ballade, in der Dylan sich an seine Tage als politischer Folksänger erinnert und sich im Refrain des Songs über seine frühere Ernsthaftigkeit lustig macht: „I was so much older then, I’m younger than that now.“

Dylan versprach einen Bruch mit der Vergangenheit, indem er die LP Another Side of Bob Dylan nannte. „My Back Pages“ war seine Absichtserklärung. „Hier gibt es keine Songs, die mit dem Finger auf andere zeigen“, sagte Dylan über das Album. „Ich möchte nicht mehr für andere Menschen schreiben. Sie wissen schon – ein Sprachrohr sein.“

37. „Maggie’s Farm“ (1965)

Der Song, der Dylan als wiedergeborenen Künstler ankündigte, als er damit 1965 sein Debüt als Elektromusiker beim Newport Folk Festival eröffnete, war eigentlich ein Folksong: eine Variation des Songs über den bösen Chef „Down on Penny’s Farm“. In der Studioversion war „Maggie“ ein swingender Country-Rocker, aber die Newport-Version war nicht so fröhlich.

Über schneidende Gitarrenklänge erklärte Dylan: „Ich gebe mein Bestes/Um so zu sein, wie ich bin/Aber alle wollen, dass du/Genau wie sie bist.“ Sein trotziger Ton inspirierte später Barack Obama, der sich während der Wahl 2008 mit diesem Song Mut machte. „Ich habe wahrscheinlich 30 Dylan-Songs auf meinem iPod“, sagte er gegenüber ROLLING STONE. „Einer meiner Favoriten während der Wahlkampfsaison ist ‚Maggie’s Farm‘.“

36. „With God on Our Side“ (1964)

Tom Morello: Ich bin vielleicht der letzte Mensch auf Erden, der noch immer glaubt, dass Dylan sich 1965 in Newport verkauft hat, als er zur E-Gitarre wechselte. Er stand unter dem Druck, eine Bewegung anzuführen, für die er sich nicht gemeldet hatte und an der er kein Interesse hatte. Ich glaube, er hat eine Gelegenheit verpasst, herauszufinden, ob es eine Grenze dafür gibt, was Musik bewirken kann, um radikale Politik voranzutreiben. Aber mit „With God on Our Side“ ziemlich nah dran.

Ich wusste nie, wie politisch radikal Dylan war, bis ich „The Times They Are A-Changin’“ hörte. Er war 22, klingt aber wie ein 80-Jähriger, wie ein runzliger alter Mann, der ein langes Leben als Selbstjustizler hinter sich hat und Songs voller harter Wahrheiten krächzt. Aber „With God on Our Side” ist kein historisches Relikt. Es ist eine lebendige Enthüllung von Kriegsverbrechen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Dylan deckt die Heuchelei des Krieges auf und entlarvt die Schönfärberei unserer militärischen Unternehmungen.

Er singt über die Menschen, die Krieg führen, davon profitieren, und über die Familien, die ihre Kinder in den Tod schicken. „ Man zählt die Toten nicht, wenn Gott auf deiner Seite ist“, singt er. „Und man stellt niemals Fragen, wenn Gott auf deiner Seite ist.“ Von „Shock and Awe“ über Abu Ghraib bis hin zum Sumpf in Afghanistan – diese Zeilen lassen sich sehr gut auf unsere heutigen Heldentaten anwenden.

35. „The Lonesome Death of Hattie Carroll“ (1964)

„Es ist eine wahre Geschichte, aber ich habe die Sichtweise des Reporters geändert“, “, sagte Dylan über diese erschreckende Mordballade. Dylan hatte in Broadside, seinem Lieblingsmagazin für Folk-Musik, eine Geschichte über Hattie Carroll gelesen, eine schwarze Hotelangestellte und Mutter von neun Kindern aus Baltimore, die starb, nachdem sie angeblich von William Zantzinger, einem weißen Tabakfarmer, geschlagen worden war.

Zantzinger verbüßte anschließend sechs Monate Haft wegen Totschlags, obwohl später Beweise auftauchten, die Zweifel an seiner Schuld aufkommen ließen.
 Zantzinger ist in „The Lonesome Death of Hattie Carroll“ zweifellos schuldig, einem täuschend sanft klingenden Song, in dem Dylan einige Fakten des Falles verändert hat, während er die Details dicht und lebhaft gehalten hat (die Mordwaffe ist „ein Stock, den er um seinen Diamantringfinger wirbelte“).

Das Ergebnis war ein fesselnder Story-Song, der gleichzeitig eine Anklage gegen Rassismus und Klassenunterschiede war. „ Das Tempo wird durch den schönen, beschwingten Refrain unterstrichen“, sagt Tom Morello. „Es fühlt sich an, als würde man auf ihr Grab zugehen.“

34, „Isis“ (1976)

Sara Dylan war im Studio, als ihr Mann „Isis“ aufnahm. Ihre Anwesenheit passte gut: Der Song könnte eine kunstvolle Allegorie ihrer Ehe, Trennung und kurzen Wiedervereinigung sein – neu interpretiert als epische Suche eines Erzählers, der durch eisige Stürme wandern, Pyramiden erklimmen und ein altes Grab plündern muss, bevor er seine entlaufene Braut, das „mystische Kind“ namens Isis, zurückgewinnen kann.

Dylan schrieb einen Großteil davon in einer nächtlichen Session mit dem Theaterregisseur Jacques Levy. Er war so stolz auf den Text, dass er ihn seinen Freunden im New Yorker Club „The Other End“ vorstellte. „Bob las den Text einer Gruppe von Leuten vor, die an der Bar saßen, und alle reagierten darauf“, sagte Levy. „Jeder ist von dieser Geschichte fasziniert.“ Es dauerte nicht lange, bis eine mitreißende Version von „Isis“ zu einem festen Bestandteil von Dylans Rolling Thunder Revue wurde.

Mit weiß bemaltem Gesicht schritt Dylan wie ein Schamane über die Bühne und illustrierte die abenteuerliche Geschichte des Songs nur mit seiner Stimme, seiner Mundharmonika, seinen Händen und seinem Körper. Für die meisten Fans war es das erste Mal, dass sie ihn ohne Gitarre bei einem Konzert sahen.

33. „Idiot Wind” (1975)

Die Originalversion dieses Herzstücks von „Blood on the Tracks“ war eine wehmütige Akustikballade, aber als Dylan in letzter Minute die Hälfte des Albums in Minneapolis neu aufnahm, wurde das stark überarbeitete „Idiot Wind“ zu einem seiner bissigsten, schäumendsten und wütendsten Songs. Eine Tirade gegen die Frau, die er geheiratet hatte, und gegen die Idiotie an sich. „Du bist eine Idiotin, Baby/Es ist ein Wunder, dass du noch weißt, wie man atmet“, lautet der Refrain, und das ist noch nicht einmal das Härteste.

Dylan sorgt dafür, dass auch er selbst nicht von der Schuld verschont bleibt: „Es ist ein Wunder, dass wir uns überhaupt ernähren können“, singt er in der letzten Zeile. Die Live-Version auf Hard Rain – aufgeführt vor dem offensichtlichen Zielpublikum, seiner baldigen Ex-Frau – ist grausamer und noch glorreicher wütend. Dylan sagte über den Song: „Ich fand ihn nicht zu persönlich, aber ich fand, dass er zu persönlich wirkte. Was vielleicht dasselbe ist.“

32. „Chimes of Freedom“ (1964)

Der ambitionierteste Song, den Dylan bis dahin geschrieben hatte. Ein Meisterwerk mit sechs Strophen, in dem ein Gewitter und seine Blitze zu einem Leuchtfeuer werden, das Gesetzlose, Ausgestoßene, Künstler und „jeden, der im ganzen Universum Probleme hat“ anzieht. Es entstand Berichten zufolge aus einem kurzen Gedicht, das er Ende 1963 über die Ermordung von John F. Kennedy geschrieben hatte.

Dylans Begabung für Binnenreime und Assonanzen kam hier ebenso zum Tragen wie sein Talent für die Formulierung von Phrasen: „starry-eyed an‘ laughing”, „midnight’s broken toll”, „chained an‘ cheated by pursuit”. Er spielte es erstmals Mitte Februar 1964 und nahm es im Juni desselben Jahres für Another Side of Bob Dylan auf (nach einem halben Dutzend Fehlstarts – es ist schwierig, so viele Zeilen im Kopf zu behalten). Bis zum Ende des Jahres hatte er „Chimes of Freedom“ aus seinem Repertoire gestrichen, aber andere Künstler griffen es auf und machten es sich zu eigen: The Byrds nahmen es 1965 für ihr erstes Album auf, und Bruce Springsteen machte es zum Titelsong einer EP aus dem Jahr 1988.

31. „Can You Please Crawl Out Your Window?“ (1965)

Dylan warf den Folksänger Phil Ochs bekanntlich aus einer Limousine, weil dieser gesagt hatte, dass er „Can You Please Crawl Out Your Window?” nicht mochte. Tatsächlich ist es einer von Dylans großartigen Diss-Tracks. Als eine Art Fortsetzung von „Like a Rolling Stone” destilliert der Song die Verachtung seines Vorgängers zu dreieinhalb Minuten straffer, beiläufiger Boshaftigkeit.

Der treibende, schnörkellose Stil ist Levon und den Hawks zu verdanken, die Dylan zum ersten Mal im Studio begleiteten, nachdem sie nur eine Handvoll Live-Shows mit ihm gespielt hatten. Aber wie Ochs kaufte auch das Publikum das nicht ab: „Can You Please Crawl Out Your Window?“ landete nur auf Platz 58 der Billboard-Charts.

Die 100 besten Songs des Bob Dylan

30. „Girl From the North Country“ (1963)

Keith Richards: Während die British Invasion stattfand, war Bob Dylan der Mann, der die amerikanische Sichtweise wieder in den Fokus rückte. Gleichzeitig hatte er sich von anglo-keltischen Volksliedern inspirieren lassen, was sicherlich auch für „Girl From the North Country“ gilt. Der Song hat alle Elemente eines schönen Folk-Songs, ohne prätentiös zu sein.

In den Texten und der Melodie fehlt Bobs spätere Schärfe. Es gibt keine Spur von Ressentiments. Später nahm er den Song noch einmal mit Johnny Cash auf, aber ich halte ihn nicht für einen Duett-Song. Bob hat es beim ersten Mal richtig gemacht.

„Er ist der produktivste Songwriter“

In gewisser Weise betrachte ich „Girl From the North Country“, „Boots of Spanish Leather“ und „To Ramona“ als Trilogie. Ist Ramona das Mädchen aus dem Norden? Ist sie dieselbe Frau, die die Stiefel aus spanischem Leder schickt? Es gibt eine Verbindung zwischen ihnen. Außerdem ist das Gitarrenspiel in „Boots of Spanish Leather“ und „Girl From the North Country“ fast identisch. Es ist wie eine Erweiterung desselben Songs.

Bevor er zur E-Gitarre wechselte und sich der Disziplin einer Rhythmusgruppe unterwarf, hatten Bobs Songs einen wunderschönen Fluss, den man nur mit einer Stimme und einer Gitarre erreichen kann. Er kann über einen Takt hinwegschweben oder bestimmte Noten hängen lassen, und das macht nichts, weil alles zum Song passt.

Er ist der produktivste Songwriter: Ich glaube, er hat mehr Songs geschrieben, als ich warme Abendessen gegessen habe. Also, Bob, mach weiter so! Er ist eine Inspiration für uns alle, weil er immer versucht, neue Wege zu gehen. Ich liebe diesen Mann – und ich liebe es, dass er auch Rock ‚n‘ Roll macht!

29. „You Ain’t Goin’ Nowhere” (1971)

Wie verbrachte Dylan den Summer of Love? Er verkroch sich in einem Keller im Bundesstaat New York, nahm mit seinen Freunden von der Band seltsame Demos auf und sang diese stoische Warnung vor den bevorstehenden schweren Zeiten: „Binde dich an den Baum mit Wurzeln/Du gehst nirgendwo hin.”

Die meisten Menschen hörten „You Ain’t Goin‘ Nowhere” zum ersten Mal in der Country-Version der Byrds auf ihrem 1968 erschienenen Album Sweetheart of the Rodeo. Dylan veröffentlichte es später als einen der neuen Titel auf seinem Album Greatest Hits Vol. II, verwandelte es in einen fröhlichen Banjo-Shuffle und fügte eine listige Antwort an Roger McGuinn von den Byrds hinzu: „Gonna see a movie called Gunga Din/Pack up your money, and pull up your tent, McGuinn.” Die definitive Version auf „Basement Tapes“ ist geheimnisvoll, düster und doch irgendwie festlich.

In einem Outtake singt er sie als bekiffte Wiegenlied, offenbar an seine Mitbewohner gerichtet: „Look here, dear soup, you’d best feed the cats/ The cats need feeding and you’re the one to do it.“ In späteren Versionen ließ er die Katzen weg, behielt aber den verspielten Geist des Songs bei.

28. „The Times They Are A-Changin’“ (1964)

Wenn Menschen Dylan als „Sprecher einer Generation“ bezeichnen, denken sie an den Mann, der am besten durch „The Times They Are A-Changin’“ definiert wird. “ Und obwohl Dylan diesen Titel später rundweg ablehnte, strebte er ihn mit dieser leidenschaftlichen Hymne bewusst an.

Als Meisterwerk des politischen Songwritings behandelt es kein spezifisches Thema und schreibt keine konkreten Maßnahmen vor, sondern beobachtet einfach eine Welt in gewaltsamen Umbrüchen. (Dass der Song nur wenige Monate nach der Ermordung von John F. Kennedy veröffentlicht wurde, verlieh ihm nur noch mehr Kraft.) Dylan singt mit der Stimme eines Barden oder Propheten, in einer Kadenz, die eindeutig biblisch ist – in seinen Worten „kurze, prägnante Verse, die sich auf hypnotische Weise aneinanderreihen“.

27. „Sad-Eyed Lady of the Lowlands“ (1966)

In seinem Klassiker „Sara“ aus dem Jahr 1976 erklärte Dylan, dass dieser Song eine Hommage an seine erste Frau sei, die er heimlich geheiratet hatte, nur wenige Monate bevor er mit der Arbeit an „Blonde on Blonde“ begann. „Ich blieb tagelang im Chelsea Hotel wach“, sang er wehmütig, „und schrieb ‚Sad-Eyed Lady of the Lowlands‘ für dich.“

Wie so viele Geschichten über Dylans Vergangenheit ist auch die Anekdote aus „Sara“ faszinierend und größtenteils falsch. „Sad-Eyed Lady of the Lowlands“ ist zwar tatsächlich eine Ode an Sara Dylan, aber er schrieb sie größtenteils spontan mitten in der Nacht in einem Studio in Nashville. Während die von ihm engagierten Studiomusiker Karten spielten, setzte er sich hin und schrieb die süß-surrealen Verse. „Es begann als eine Kleinigkeit“, sagte Dylan 1969. „Aber irgendwann habe ich mich davon mitreißen lassen. “

Nach acht Stunden Arbeit rief Dylan die Bandmitglieder um 4 Uhr morgens ins Studio und gab ihnen nur minimale Anweisungen. Sie hatten keine Ahnung, dass der Song 11 Minuten lang dauern würde – und sie waren erneut verblüfft, als Dylan ihnen anschließend mitteilte, dass sie es beim ersten Take perfekt hinbekommen hatten.

26. „Masters of War“ (1963)

„Masters of War“ ist Dylans wütendster Protestsong. Sein Ausgangspunkt scheint die Angst vor einem nuklearen Holocaust zu sein. Aber typischerweise nahm Dylan dieses gängige Thema auf. Und gab ihm eine entscheidende Wendung. Während typische Antikriegslieder Politiker oder Generäle anklagen, richtet Dylan sein Augenmerk auf den militärisch-industriellen Komplex selbst. Nicht Ideologie, sondern Gier treibt die Herren des Krieges an.

„Ist dein Geld so viel wert?”, spuckt Dylan, während er sich eine Welt voller Blut vorstellt. „Wird es dir Vergebung kaufen?” Der Song endet damit, dass der Sänger den Tod der Bombenbauer fordert. Und verspricht, über ihren Gräbern zu stehen, „bis ich sicher bin, dass ihr tot seid“. „Ich singe keine Songs, in denen ich den Tod von Menschen wünsche“, bemerkte Dylan damals. „Aber bei diesem Song konnte ich nicht anders.“

25. „Knockin’ on Heaven’s Door“ (1973)

Dylan, seit jeher ein Fan von Western (und Gesetzlosen aller Art), schrieb eine Handvoll Songs für Sam Peckinpahs Film „Pat Garrett & Billy the Kid“ aus dem Jahr 1973. Jerry Fielding, ein Komponist, der Dylan bei der Musik unterstützen sollte, beschrieb seine Reaktion, als er diesen herzzerreißenden Entwurf eines sterbenden Gesetzeshüters hörte. „Das war Mist. Das war das Ende für mich.“

Dylan hatte natürlich das letzte Lachen. „Knockin‘ on Heaven’s Door“ wurde ein Nummer-12-Hit und einer seiner meistgecoverten Songs. Musikalisch ist es auch eine seiner einfachsten Kompositionen. Wenn man vier einfache Akkorde spielen und sich sieben Zeilen merken kann, hat man es drauf. Was vielleicht der Grund dafür ist, dass dieser Song oft gespielt wird, wenn ein Gaststar bei einer Dylan-Show zur Zugabe auftaucht.

24. „Lay, Lady, Lay“ (1969)

Lenny Kravitz: Ich hörte „Lay, Lady, Lay“ zum ersten Mal, als ich sechs oder sieben Jahre alt war und mit meinen Eltern im alten VW Käfer durch New York fuhr und WABC hörte. Es war der erste Song von Bob Dylan, den ich liebte. Als ich später einen anderen seiner Songs hörte, fragte ich mich: „Wo ist diese tiefe, croonende Stimme?”

Er singt ihn mit einer ganz anderen Stimme als sonst. Ich dachte, dieser Typ würde immer so klingen!

Es ist ein sehr schwarzer Song. Sehr gefühlvoll und sinnlich. „Lay across my big brass bed“ ist ein Text, den man eher von Isaac Hayes erwarten würde. Das Schöne an Dylan ist, dass er so ein Chamäleon ist. Er hat so viele Charaktere in sich. Wie ein Maler mit unbegrenzten Farbmengen. Ich liebe den Gesang. Ich liebe die absteigende Akkordfolge. Und ich liebe die Drum-Fills. Es ist ein einfacher, wunderschöner Liebes-Song. Und ich liebe das gesamte Gefühl, das er vermittelt.

23. „Forever Young“ (1974)

Dylan nahm dieses volkstümliche Gebet zweimal mit der Band auf. Als funkelnde Balladenversion, die die erste Seite von „Planet Waves“ beendete, und als stampfende Country-Rock-Version, die die zweite Seite eröffnete. Texte wie „May you have a strong foundation/When the winds of changes shift” (Mögest du ein starkes Fundament haben, wenn sich der Wind der Veränderung dreht) sind so universell und erhebend wie alles, was Dylan je geschrieben hat.

Sie wirken auch wie ein Segen für eine Generation, die aus dem kulturellen Kater der Post-Sixties hervorgegangen ist. Dylan sagte, er habe den Song für seinen Sohn Jesse geschrieben. Andere sehen darin eine Anspielung auf Neil Young, der 1972 mit „Heart of Gold” einen Nummer-Eins-Hit landete.

22. „Don’t Think Twice, It’s All Right“ (1963)

1962 war Dylan untröstlich, nachdem Suze Rotolo, seine erste ernsthafte Freundin, New York verlassen hatte, um auf unbestimmte Zeit in Italien zu leben. Aus diesem Schmerz entstand diese klassische Trennungsballade, in der er zwischen einem verzweifelten Gefühl der Verlassenheit und scharfer Bitterkeit schwankt („You just kinda wasted my precious time“).

„Es ist kein Liebeslied“, schrieb er in den Liner Notes zu „The Freewheelin‘ Bob Dylan“. „Es ist eine Aussage, die man vielleicht machen kann, um sich selbst besser zu fühlen. Und es ist, als würde man mit sich selbst sprechen.“ Dylan entlehnte die Melodie des Songs vom Folksänger Paul Clayton (der sie selbst aus dem früheren Stück „Scarlet Ribbons for Her Hair“ adaptiert hatte) und einigte sich später außergerichtlich, als Clayton Klage gegen ihn einreichte.

Aber ein Geflügellieferant in der Nähe von Dylans und Rotolos ehemaliger Wohnung in Greenwich Village inspirierte ein Schlüsselbild. „Wenn dein Hahn im Morgengrauen kräht/Schau aus deinem Fenster, und ich werde weg sein.“ Wie Rotolo in ihren Memoiren von 2008 schrieb: „Als Bob und ich die ganze Nacht wach blieben … hörten wir die Hähne im Morgengrauen krähen.“

21. „Mississippi“ (2001)

Sheryl Crow: Ich habe „Mississippi“ vor Dylan veröffentlicht, auf meinem Album „The Globe Sessions“. Das hat die ganze Platte verändert. Der Song hat keine überflüssigen Stellen. Jede Zeile hat einen Zweck. Er sagte, dass er es mochte, wenn jede Zeile seiner Songs die Möglichkeit hatte, die erste Zeile eines neuen Songs zu sein. D

as ist bei „Mississippi“ sicherlich der Fall. Er wird sehr philosophisch, was das Älterwerden angeht. Und erzählt eine Geschichte über Erlösung und Entschlossenheit für den Durchschnittsmenschen auf eine fast biblische Weise: „Nun, mein Schiff ist in Stücke zerbrochen und sinkt schnell/Ich ertrinke im Gift, habe keine Zukunft, habe keine Vergangenheit/Aber mein Herz ist nicht müde, es ist leicht und frei.“

Dylan schreibt wie ein Kurzgeschichtenautor, wie Steinbeck oder Mark Twain. Er erschafft eine Geschichte, macht aber diese klassischen, weitreichenden Aussagen. „Mississippi“ ist unsere Einführung in Dylan als jemanden, der der Sterblichkeit mit einer optimistischen Einstellung begegnet. Bob Dylan mag vor ein paar Jahren 70 geworden sein. Aber für mich wird er nie älter. Das ist es, was mythologische Figuren ausmacht.

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