Die 100 besten Songs des Bob Dylan
Die 100 besten Bob-Dylan-Songs: Von „Like a Rolling Stone“ bis „Tangled Up in Blue“ – Meisterwerke einer einzigartigen Ikone
Die 100 besten Songs des Bob Dylan
20. „Blowin’ in the Wind” (1963)
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Der Song, der Dylan erstmals als Propheten brandmarkte, stellt neun Fragen und beantwortet keine davon. Dylan behauptete, er habe nur 10 Minuten gebraucht, um diese Meditation über die Unmenschlichkeit der Menschheit zu schreiben, eine Neufassung des Anti-Sklaverei-Spirituals „No More Auction Block”.
Die Version, die die meisten Menschen 1963 hörten, war nicht die von Dylan. Sondern die Coverversion von Peter, Paul and Mary, die Platz zwei der Popcharts erreichte. Aber in jeder Version sind die Worte so einfach, dass sie klingen, als wären sie vom Himmel auf Steintafeln überliefert worden. „Es ist ein absolut wunderbarer Text”, sagt Merle Haggard. „Er war damals aktuell und ist es auch heute noch.”
19. „Blind Willie McTell” (1991)
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Mark Knopfler, Produzent und Gitarrist von „Infidels”, war Berichten zufolge schockiert, als Dylan diesen Höhepunkt aus dem Album herausnahm. Auch Jahrzehnte später bleibt Dylans Entscheidung unergründlich. „Blind Willie McTell” ist eines seiner wenigen Meisterwerke aus den frühen Achtzigern.
Über einer gesegnet sparsamen Instrumentierung taucht er tief in den Süden ein. In den Süden der Sträflingskolonnen. Der Totenglocken und der „Charcoal Gypsy Maidens“. Es ist eine erschreckende Hommage an den echten McTell, der wie Dylan für seine unendlichen Tourneen bekannt war. „Ich bin als Wanderer geboren“, sagte der verstorbene Sänger einmal. „Ich werde wandern, bis ich sterbe.“
18. „Ballad of a Thin Man“ (1965)
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Dylan hat viele boshafte Songs geschrieben. Aber nur wenige sind lustiger oder bissiger als dieser stampfende Song über einen Typen, der überhaupt nichts versteht. Nicht einmal, was es zu verstehen gibt. Dylan serviert verwirrende Zeilen („Du solltest gezwungen werden, Kopfhörer zu tragen“) und verspottet dann seine verwirrten Zuhörer dafür, dass sie den Witz nicht verstehen.
Der Song ist außerdem voller homoerotischer Anspielungen. Vom nackten Mann im ersten Vers bis hin zum Schwertschlucker und dem einäugigen Zwerg, die später auftauchen. Vielleicht weil nichts konservative Leute wie Mr. Jones mehr aus der Fassung bringt. Dylan hat sich im Laufe der Jahre viele Male mit der Frage nach der Identität des echten Mr. Jones beschäftigt. Aber seine überzeugendste Antwort kam 1985: „Es gab damals viele Mr. Joneses … Es war so: ‚Oh Mann, hier ist der tausendste Mr. Jones.‘“
17. „This Wheel’s on Fire“ (1975)
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„This Wheel’s on Fire“ ist eine kaleidoskopische Beschwörung des Chaos, die alles Mögliche suggerieren kann. Vom Vietnamkrieg bis zu Dylans Motorradunfall 1966. Tatsächlich handelt es sich um ein Lied von tödlicher, disziplinierter Wut. Es ist Dylans spöttisches Versprechen – in seinem Originalgesang von 1967 in den Basement Tapes – dass der Verrat, der in den ersten beiden Strophen angedeutet und in der dritten deutlich gemacht wird („Du bist derjenige, der mich gebeten hat, sie anzurufen, um dir deine Gefälligkeiten zu verschaffen“), in Zukunft vollständig gerächt werden wird.
Diese Wut in eine straffe, spöttische Kadenz zu komprimieren, muss ihn erschöpft haben. Dylan bat Rick Danko von der Band, eine Melodie zu komponieren. Eine langsame und melancholische Melodie, die auch die Verzweiflung der Verlassenheit einfing. „Ich brachte mir selbst das Klavierspielen bei“, erinnerte sich Danko. „Einige Musikstücke, die ich geschrieben hatte, schienen einfach zu Dylans Texten zu passen.
„This Wheel’s on Fire“ bekam einen Adrenalinstoß und einen funkigen Keyboard-Part (gespielt auf einer umfunktionierten Telegrafentaste), als die Band es 1968 für ihr Debütalbum „Music From Big Pink“ aufnahm. Aber die Byrds nahmen die definitive Coverversion für ihr 1969er Album „Dr. Byrds & Mr. Hyde“ auf. Clarence Whites sengende Fuzz-Gitarre klingt, als wäre die Apokalypse gekommen.
16. „Positively 4th Street” (1967)
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Lucinda Williams: Ich liebe das Thema dieses Songs. Eifersucht auf künstlerischen Erfolg. Ich habe das schon erlebt. „Du siehst mich auf der Straße und tust immer überrascht. Du sagst: ‚Wie geht es dir? Viel Glück!‘ Aber du meinst es nicht so.’“ Das habe ich festgestellt, als ich versuchte, nach Austin zurückzukehren. Ich habe dort 1974 angefangen, auf der Straße zu singen. Und dann habe ich später, nachdem ich in Los Angeles gewesen war, versucht, dorthin zurückzukehren. Es hat einfach nicht funktioniert.
Einmal spielten wir irgendwo, und ich traf eine Freundin aus früheren Tagen. Eine andere Musikerin. Ich wollte gerade in den Bus steigen, und sie wollte noch etwas mit mir unternehmen. Sie sagte: „Lucinda, manchmal wünschte ich mir, du wärst nicht berühmt.“ Was zum Teufel soll das denn heißen? Herrgott. Aber genau darum geht es in „Positively 4th Street“. Ich liebe den Schluss des Songs. „Ich wünschte, du könntest nur einmal in meine Haut schlüpfen, dann würdest du wissen, wie nervig es ist, dich zu sehen.“
Diese Zeilen zu singen fühlt sich so gut an. Ich habe gehört, dass Dylan den Song geschrieben hat, als er gerade berühmt wurde und noch im Village in New York lebte. Niemand will zugeben, dass so etwas passiert. Und natürlich weiß niemand, wie es wirklich ist, Bob Dylan zu sein. Es gibt nur einen wie ihn. Und darin ist er verdammt gut.
15. „Simple Twist of Fate” (1975)
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In „Simple Twist of Fate” betrachtet Dylan eine idyllische Beziehung, die aus Gründen auseinanderbrach, die keiner der beiden Partner kontrollieren konnte. Die Leute nahmen logischerweise an, dass er über die Trennung von seiner Frau Sara sang. Aber sein Textheft zu „Blood on the Tracks“ enthüllt eine andere Geschichte.
Ursprünglich hatte der Song den Untertitel „4th Street Affair”. Benannt nach der Wohnung in der 161 W. 4th St., in der er kurz nach seiner Ankunft in New York mit seiner Freundin Suze Rotolo lebte. Der Erzähler des Songs hat sich zu bedeutungslosen One-Night-Stands weiterentwickelt (wie Dylan sicherlich Anfang 1975). Aber sein Herz war mehr als 10 Jahre in der Vergangenheit.
14. „Highway 61 Revisited“ (1965)
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„Ich hatte immer das Gefühl, dass ich damit angefangen hatte, immer dabei gewesen war und von dort aus überall hingehen konnte”, sagte Dylan über die Highway 61, die von seiner Heimat Minnesota bis nach New Orleans führt. Hier bewies er, wie weit er damit kommen konnte. Aufgenommen in einer Marathonsession, aus der auch „Just Like Tom Thumb’s Blues”, „Ballad of a Thin Man“ und „Queen Jane Approximately“ entstanden, ist der galoppierende Titelsong aus dem bahnbrechenden Elektroalbum „Highway 61 Revisited“ von 1965 ein Ausdruck von Dylans verzweifeltem Klagelied.
Er führt eine Reihe von vom Schicksal gebeutelten Figuren (die bekanntesten sind Gott und Abraham) auf Amerikas „Blues Highway“. Und spuckt dabei Gift und Galle über eine Reihe amerikanischer Heucheleien (falscher Patriotismus, krasser Kommerz). Der Session-Musiker Al Kooper behauptete, er habe Dylan die Polizeipfeife geliehen, die den Song so schrill einleitet und beendet. Und ihm geraten, sie anstelle seiner Mundharmonika zu verwenden. „Ein bisschen Abwechslung für dein Album“, sagte er damals zu Dylan. „Passt besser zum Text.“
13. „Subterranean Homesick Blues“ (1965)
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Der amerikanische Traum laut Dylan. „Zwanzig Jahre Schulbildung und dann stecken sie dich in die Tagesschicht.“ Und das auch nur, wenn du Glück hast, Junge. „Subterranean Homesick Blues“ war sein erster elektrischer Knaller, der im März 1965 als Single veröffentlicht wurde und in die Top 40 einstieg. Dylan liefert eine proto-rapartige Flut von Einzeilern, die Amerikas verwirrte Verwirrung auf die Schippe nehmen. „Pass auf, Junge, du wirst getroffen werden“, rät Dylan. Auf der Flucht vor Polizisten, Lehrern, der Armee und sogar Meteorologen. (Obwohl die radikale Gruppe „The Weathermen“ ihren Namen ohnehin aus dem Song übernommen hat.
„Das ist kein Folk-Rock. Das sind nur Instrumente“, erklärte Dylan 1965 gegenüber der „Chicago Daily News“. „Ich habe zu viele andere Straßen gesehen, um einfach nur das zu machen.“ Und mit „Subterranean Homesick Blues“ ließ er die Straßen Amerikas beängstigender – und aufregender – klingen als je zuvor.
12. „Desolation Row“ (1965)
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Mick Jagger: „Desolation Row“ ist musikalisch so einfach. Nur drei Akkorde für 11 Minuten, mit minimaler Begleitung. Und doch so wirkungsvoll. Da sind Dylan, ein Bassist und ein Session-Gitarrist, Charlie McCoy aus Nashville, der der Melodie einen schönen kleinen Kontrapunkt hinzufügt. Auch nach vielen Malen Hören klingt sein Spiel immer noch schön. Ich mag den leichten spanischen Einschlag darin. Aber es steht nicht im Weg zu dem, was offensichtlich das Wichtigste ist. Der Gesang und der Text.
Dylans Vortrag ist rezitativ. Fast ausdruckslos. Aber er fesselt einen. Das Wunderbare daran sind all diese Figuren, die er in unserer Vorstellung beschimpft. Berühmte Menschen tauchen surrealistisch auf. Einige von ihnen mythisch, andere real. „Das Phantom der Oper“. Ezra Pound und T.S. Eliot. Aschenputtel. Bette Davis. Kain und Abel.
Ich liebe die Stelle über „Einstein, verkleidet als Robin Hood”. „Man würde es ihm nicht ansehen. Aber er war vor langer Zeit berühmt/Weil er auf der Desolation Row elektrische Violine spielte.” Das ist ein großartiges Bild von Einstein. Sein Haar steht ihm zu Berge und er hat die Violine, auf der er früher spielte. Jemand sagte, „Desolation Row” sei Dylans Version von „The Waste Land”. Ich bin mir nicht sicher, ob das stimmt. Aber es ist eine wunderbare Sammlung von Bildern – eine Fantasie-Bowery –, die wirklich die Fantasie anregt.
11. „It’s All Over Now, Baby Blue“ (1965)
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In dem Film „Don’t Look Back“ sitzt Dylan in seinem Zimmer im noblen Savoy Hotel in London. Umgeben von Mitläufern. Aus Langeweile nimmt er eine Akustikgitarre zur Hand. Und spielt einen neuen Song, den er gerade geschrieben hat: „It’s All Over Now, Baby Blue“. Er hat ein böses Grinsen im Gesicht. Nach den ersten beiden Strophen ist es das einzige Lächeln im Raum. Alle anderen sehen erschüttert aus. Die Party ist definitiv vorbei.
Der Song ist sein vernichtender Abschied von der Unschuld, mit dem er Baby Blue auf die Straße setzt. Sei es nun das Ende einer Freundschaft oder sein Abschied von der Folkszene. Nachdem er beim Newport Folk Festival für seinen Umstieg auf die E-Gitarre ausgebuht worden war und mit einer Akustikgitarre zurückgekehrt war, wählte er diesen Song als seine harte Antwort.
Er wurde sofort zu einem seiner meistgecoverten Songs. Aber niemand hat jemals „Strike another match, go start anew“ mit der Bedrohlichkeit von Dylan selbst gesungen.
