Die 12 besten Soundtrack-Songs des David Bowie
Von Weltraumopern bis hin zu Racheepen aus dem Zweiten Weltkrieg. Dies sind die 12 besten Soundtrack-Songs des David Bowie
David Bowies Beiträge zur Filmwelt sind sowohl essenziell als auch gut dokumentiert (sehen Sie sich unsere Liste seiner besten Filmrollen an). Aber seine Präsenz in der Popkultur war einfach zu groß, um sich nur auf die Filme zu beschränken, in denen er mitwirkte.
Ziggy Stardust, The Thin White Duke, Aladdin Sane und die anderen Fragmente seiner unendlichen Persönlichkeit haben seit mehr als 40 Jahren die Soundtracks unseres Lebens geliefert. Und fast ebenso lange sporadisch zu den Soundtracks unserer Filme beigetragen.
Von Weltraumopern bis hin zu mittelalterlichen Ritterfilmen. Bowie-Songs haben sich auf einem Soundtrack nie fehl am Platz angefühlt. Seine Musik war so formbar wie der Mann, der sie schrieb. Und die besten seiner Stücke werden nie ihre unerklärliche Kraft verlieren, das Fremde gewöhnlich und das Gewöhnliche fremd erscheinen zu lassen.
„Urheberrechte und geistiges Eigentum in die Mangel genommen“
Es gibt nur sehr wenige Filme, die nicht durch den richtigen Bowie-Song, oder sogar den falschen, besser werden würden. Während des größten Teils seines Arbeitslebens war Bowie jedoch leider – wenn auch verständlicherweise – nicht bereit, seine Musik anderen Künstlern zur Verfügung zu stellen. Erst in den Neunzigern, als der Mann, der die Welt verkaufte, auch den klügsten Weg fand, sie zu lizenzieren, lenkte Bowie ein.
Er sagte voraus, dass die Technologie die Musikindustrie dauerhaft verändern und den Wert bereits bestehender Urheberrechtsgesetze zunichte machen würde. Bowie erkannte, dass „Urheberrechte und geistiges Eigentum in die Mangel genommen werden“. Und beschloss, sich dem nicht in den Weg zu stellen. Infolgedessen ist die Zahl der Filme, die mit seiner Stimme verziert wurden, in den letzten zwei Jahrzehnten stark gestiegen.
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Mit einem leichten Schwerpunkt auf den letzten 20 Jahren (und unter Ausschluss der Songs, die er zwar geschrieben, aber nicht gesungen hat – „Lust for Life“ sei hiermit entschuldigt) haben wir die 12 besten Bowie-Musikmomente der Filmgeschichte zusammengestellt. Machen Sie sich bereit für das Beste in Ton und Bild.
„Inglourious Basterds“ („Cat People“)
Quentin Tarantino ist (unter anderem) für seine Musikauswahl bekannt. Aber die, für die er Bowie einsetzte, gehört zu seinen besten. Es entfacht den lodernden Höhepunkt seines revisionistischen Films über den Zweiten Weltkrieg aus dem Jahr 2009. Mit den verführerischen Trommeln und Synthesizern von „Cat People (Putting Out Fire)“ – selbst ein Auftragswerk für den Soundtrack von Paul Schraders animalischem Thriller von 1982 – als Hintergrund. Während die jüdische Kinobesitzerin Shoshanna (Mélanie Laurent) aus ihrem Fenster starrt. Während die Dämmerung über die letzte Nacht des nationalsozialistischen Deutschlands hereinbricht.
Der Liedtext („And I’ve been putting out fire / with gasoline!“) gibt einen Hinweis darauf, was sie später am Abend mit Hitler vorhat. Als Geschichtsstudenten erwarten wir, dass sie scheitern wird. Aber – wie Bowie selbst – ist Shoshanna nur an einer Zukunft interessiert, die sie selbst gestaltet.
„The Life Aquatic“ („Life on Mars“)
Wes Andersons durchnässter vierter Film ist geradezu übersät mit David-Bowie-Songs, die fast alle durch die Stimme des brasilianischen Musikers Seu Jorge gefiltert werden. Nur zweimal tauscht Anderson Jorges akustische Coverversionen gegen die Originale aus. Und der Regisseur sorgt dafür, dass beide dieser Momente genug Gewicht haben, um ihre Lizenzgebühren zu verdienen.
Die Überlagerung von „Queen Bitch“ mit der triumphalen Schlussaufnahme verleiht dem Film einen gelungenen Abschluss, aber „Life on Mars“ – gekonnt eingesetzt, als der bekiffte Ozeanograph Steve Zissou (Bill Murray) am Bug seines Schiffes steht und schweigend die schockierende Enthüllung aufnimmt, dass er einen Sohn hat – zeigt uns, wie sehr ihn das umgehauen hat.
„Grosse Point Blank“ („Under Pressure“)
Für die meisten von uns gibt es keinen größeren Druck im Leben als den, den wir uns selbst auferlegen. Für diejenigen von uns, die Auftragsmörder sind und sich mitten in einer moralischen Krise befinden, die durch unser zehnjähriges Highschool-Treffen ausgelöst wurde, ist dieser Druck unerträglich.
So erging es auch Martin Blank (John Cusack), dessen mörderisches Arbeitsleben auf den Kopf gestellt wurde, als er in die Augen des kleinen Sohnes eines ehemaligen Klassenkameraden blickte, während David Bowies (und Freddie Mercurys) Stimme aus dem Soundsystem zu ihm sprach:.„Es ist der Schrecken zu wissen, worum es in dieser Welt geht. Einige gute Freunde zu beobachten. Schreien ‚Lass mich raus!‘“ Bowie hatte schon immer eine einzigartige Art, Menschen zu erreichen. Und so ist es nicht verwunderlich, dass Martin bald Leben rettet, anstatt sie zu beenden.
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„Mauvais Sang“ („Modern Love“)
Die Prämisse des Spielfilms des französischen Regisseurs Leos Carax aus dem Jahr 1986 klingt, als wäre sie einem von Bowies Konzeptalben entliehen. In einem bizarren Paris der Zukunft tötet eine tödliche neue Krankheit Jugendliche, die Sex ohne emotionale Bindung haben. Alex (Denis Lavant) und die Freundin seines Chefs, Anna (Juliette Binoche), haben sich eines Nachts in einer winzigen Wohnung verkrochen, als er das Radio einschaltet. „Lass uns zuhören und uns von unseren Gefühlen leiten lassen.“
Als der DJ ankündigt, dass der nächste Song „Modern Love“ sein wird, startet Alex eine der unbändigsten Szenen der Filmgeschichte, in der Levants zappelnder Körper die unbeschreibliche Wirkung von Bowies Musik zum Ausdruck bringt. Die Szene spricht so perfekt für die Kraft, jung und lebendig zu sein, dass Noah Baumbach und Greta Gerwig sie fast 30 Jahre später für Frances Ha vollständig kopieren würden. Die Definition von Liebe ändert sich ständig. Bowie jedoch bleibt ewig.
„Dogville“ („Young Americans“)
Lars von Trier hatte schon immer eine Schwäche für David Bowie („Life on Mars“ leitet das atemberaubende letzte Kapitel von Breaking the Waves ein). Aber – ganz in der Tradition von Trier – kommt sein bester Bowie-Moment, wenn man es am wenigsten erwartet. Dogville, eine vernichtende dreistündige Allegorie über die Wurzeln der amerikanischen Ungerechtigkeit, spielt in einem Black-Box-Kino, in dem Klebeband auf dem Boden alles von Häusern bis zu Haustieren darstellt.
Es kommt zu einem gewalttätigen Ausbruch, bis – kurz bevor das Publikum zu murmeln beginnt – die sanften Saxophonklänge aus „Young Americans“ hereinbrechen. Und dem beschwingten Soul-Tempo Bildern von Amerika in seiner schlimmsten Form gegenübergestellt werden. So einfach lässt einen der strenge Minimalismus des Films schließlich den Witz erkennen. Zwingt einen zum Schmunzeln. Und fordert einen zum Lachen heraus. Wie viele Musiker hatten die Kraft, einen Film komplett zu verändern, selbst nachdem er bereits zu Ende war?
„The Perks of Being a Wallflower“ („Heroes“)
Welcher Film würde nicht alles dafür geben, „Heroes“ genau im richtigen Moment zu spielen? Im Zeitalter des Marvel Cinematic Universe ist es schwer, sich zu viele Blockbuster vorzustellen, die nicht davon profitieren würden, Bowies Single über ihre Schlachten zu legen.
Aber überlassen wir es dieser liebeskranken Coming-of-Age-Geschichte aus dem Jahr 2012, die Anführungszeichen aus dem Titel des Liedes zu entfernen und den Klassiker auf die Aufrichtigkeit zu untersuchen, die der Sänger nicht bereit war, ihm zuzugestehen. Vergessen Sie die Ironie. Diese Außenseiter aus der Kleinstadt in den Vororten von Pittsburgh haben den unsterblichen Song noch nie gehört, bevor er ihnen während einer schicksalhaften Nachtfahrt im Radio begegnet. Bowies Stimme reitet auf einer Klangwand, die stark genug ist, um durch die Trümmer der Berliner Mauer zu pflügen. Und die neue Generation von Teenager-Außenseitern zu erreichen, die auf der anderen Seite darauf warteten.
„Absolute Beginners“ („That’s Motivation“)
In Julien Temples Ode an die britische Jugendkultur von 1986 spielt Bowie die Rolle des „Vendice Partners“, eines Werbefachmanns, der den Menschen ihre eigene Vorstellungskraft verkauft. Bowie ist teils Don Draper und teils Willy Wonka.
„You fall for reality“, tadelt er auf dem Höhepunkt seiner atemberaubenden Darbietung von ‚That’s Motivation‘, bei der Bowie auf allem tanzt. Von den Tasten einer riesigen Schreibmaschine bis zur Spitze eines sich drehenden Globus. Es ist die perfekte Inszenierung für einen Mann, der immer überlebensgroß war. ‚Why am I so exciting?‘, singt er. ‚What makes me so dramatic?‘ Wir versuchen immer noch, das herauszufinden.
„A Knight’s Tale“ („Golden Years“)
Dieser freche Film mit Heath Ledger spielt im 14. Jahrhundert. Er ist aber voller Rocksongs, die 600 Jahre später geschrieben wurden. Der Streifen verdient seinen Kniff nicht. Bis Bowie beweist, wie wichtig die Musik wirklich ist.
Ledger spielt einen Knappen, der vorgibt, ein Adliger zu sein. Und es sieht so aus, als würde der Schwindel auffliegen, als er an einem steifen Hofball teilnimmt und keinen der richtigen Schritte kennt. Zu seinem Glück hat der königliche DJ anscheinend Station to Station auf Vinyl. Und die Nacht verwandelt sich in einen funky Tanzabend, als „Golden Years“ aus den alten Wänden des Raumes zu wehen beginnt.
Es dauert nicht lange, bis unser Held und seine hochwohlgeborene Angebetete den perfekten Groove gefunden haben. Ob 1975 oder 1375, Bowie war schon immer der Sound einer neuen Generation, die lernt, wie man die Führung übernimmt.
„Labyrinth“ („Magic Dance“)
Hätte jemand besser in Jim Hensons Welt passen können als David Bowie? Es ist eine wahnsinnige Freude zu sehen, wie sein Joreth, der Koboldkönig, in ein Königreich von Marionettenmonstern eintritt. Und sofort seinen Platz auf dem Thron einnimmt. In der charakteristischen Sequenz des Films, in der Bowie seine zappelnden Untertanen in einem Lied anführt, das nur die Freude daran zum Ausdruck bringt, ihnen beim Singen zuzusehen, zeigt Joreth die gleiche Kraft wie Ziggy Stardust. „Magic Dance“ ist seltsam, bedrohlich und zutiefst liebenswert. Und lässt einen darüber hinwegsehen, dass der Koboldkönig davon besessen ist, eine pubertierende Jennifer Connelly zu seiner Koboldkönigin zu machen.
„Lost Highway“ („I’m Deranged“)
Für einen einzelnen Künstler war Bowie ein verlässlich brillanter Partner, der über die seltene Gabe verfügte, anderen Menschen dabei zu helfen, ihre eigenen Musen zu verstehen. So ist es nicht verwunderlich, dass David Lynch, der den Musiker zuvor in Twin Peaks: Fire Walk With Me als Schauspieler besetzt hatte, einen der Songs des Musikers als Aufhänger für seinen Mindfuck-Noir verwendete.
Der unberechenbare Song „I’m Deranged“ aus dem Jahr 1995, der über den Vorspann gelegt wird, dient als Tunnel zwischen der Welt des Wachseins und der unterirdischen Dunkelheit von Lynchs Fantasie. Wer könnte uns besser an Orte führen, an die wir uns sonst nicht trauen würden, als Bowie?
„Guardians of the Galaxy“ („Moonage Daydream“)
Laut James Gunn, dem Regisseur des unverschämt intergalaktischen Abenteuers des Marvel Cinematic Universe, „kann man keinen Weltraumfilm im Stil der Siebziger drehen, ohne dabei Ziggy Stardust zu erwähnen.“ Der Mann hat nicht ganz Unrecht. Guardians of the Galaxy war vielleicht das riskanteste Kapitel der profitabelsten Superheldensaga der Welt. Da der Film die Aufgabe hatte, Marvels breites Filmpublikum für eine Science-Fiction-Geschichte zu begeistern, in der zu den Helden ein Waschbär mit Maschinengewehr und ein einsilbiger außerirdischer Baum gehören.
David Bowie, der die Kluft zwischen Spießern und Außerirdischen besser überbrückte als jeder andere Mensch, der je gelebt hat, lieferte die passende Musik. Der Song setzt genau dann ein, wenn die Wächter sich darauf vorbereiten, einen Ort namens Knowhere zu betreten, und der Film sich darauf vorbereitet, so richtig aus sich herauszugehen. Wenn Bowies Stimme uns anweist: „Freak out in a moonage daydream, oh yeah“, ist es, als würde er uns die Erlaubnis geben, uns zurückzulehnen. Und die Reise zu genießen.
„The Martian“ („Star Man“)
Manchmal ist es am besten, einen Song so wörtlich wie möglich zu verwenden. Diese Taktik wirkt Wunder in Ridley Scotts Science-Fiction-Blockbuster, in dem der Astronaut Matt Damon auf dem Mars strandet und kaum mehr hat als ein paar heiße ABBA-Songs. Und ein paar Kartoffeln, die er mit seinem eigenen Kot gedüngt hat.
Warum ist der Film so unterhaltsam? Zum Teil liegt es daran, dass Scott sich auf Musik stützt, um zu veranschaulichen, wie die moderne Wissenschaft beginnt, die Träume unserer Fiktionen zu erfüllen. Um dies zu verdeutlichen, lässt er den beliebtesten Außerirdischen der Erde neben einer Montage der NASA, die sich auf die Rettung eines Mannes von einem fernen Planeten vorbereitet, schmusen. „There’s a starman waiting in the sky. He told us not to blow it. ‚Cause he knows it’s all worthwhile.“ Etwas zu offensichtlich? Vielleicht. Dennoch wirkungsvoll? Ja.
