Die 12 besten Soundtrack-Songs von U2
Die 12 besten Soundtrack-Songs von U2. Mit „The Ground Beneath Her Feet“ und „Hold Me Thrill Me Kiss Me Kill Me“
U2 haben schon immer Musik gemacht, die man als Soundtrack bezeichnen könnte. Denken Sie an die dramatischen Klanglandschaften, die sich aufbauen und aufbauen, bevor sie sich zu großartigen, das Tal füllenden, sich um 360 Grad drehenden Hooks („Bad“, „Where the Streets Have No Name“) öffnen. Oder an die stimmungsvollen, montagefähigen Synthie- und Bass-Texturen, die sie mit Eno und Lanois geschaffen haben. „Promenade“, „Mothers of the Disappeared“. Sie erinnern an großartige Michael-Mann-Filme, die nie gedreht wurden. Es ist also nicht überraschend, dass Hollywood anrief. Insbesondere nachdem die Jungs aus Dublin mit Rattle & Hum selbst zu Filmstars wurden.
Doch abgesehen von einigen zaghaften Versuchen in den 1980er Jahren begannen U2 erst 1991 mit der Arbeit am Prinzip Soundtrack. Damals wandte sich der deutsche Regisseur Wim Wenders an die Band, um Musik für sein Science-Fiction-Epos Bis ans Ende der Welt zu suchen. Seitdem machen U2 die Arbeit am Soundtracks zu einem integralen Bestandteil ihrer Kunst.
Von diesem Zeitpunkt an haben U2 nebenbei als situative Songwriter gearbeitet, indem sie Melodien außerhalb ihrer eigenen Songzyklen schufen – und gelegentlich für Sänger, die nicht Bono hießen. Dies ermöglichte es ihnen, mit so unterschiedlichen Stilen und Genres wie Jazz, Lounge, keltischer Balladendichtung und süßem Pop zu experimentieren.
Ein Schattenalbum von U2
Zusammengenommen decken die folgenden 12 Songs die gesamte Bandbreite ab. Dennoch bilden sie ein überraschend zufriedenstellendes, seltsam zusammenhängendes und einzigartig unbefangenes Gesamtwerk. Ein Schattenalbum von U2, das nur im Rückspiegel sichtbar ist.
„Until the End of the World“
Until the End of the World, 1991
U2 spielten mit einigen Elementen herum, die später zu dem Song werden sollten – der heute dank des Helikopter-Riffs von Edge zu einem ihrer charakteristischen Live-Songs geworden ist. Aber erst als Regisseur Wim Wenders die Band bat, zu seinem weltumspannenden Science-Fiction-Epos beizutragen, nahm das Ganze wirklich Gestalt an.
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Rückblickend betrachtet hat Wenders U2 weit mehr gegeben als sie ihm. Ihr Beitrag ist nur einer von vielen großartigen Songs auf einem Soundtrack mit Nick Cave, den Talking Heads und Leonard Cohen. Viel bedeutender ist jedoch, dass der Film und sein Titel eine apokalyptische Prämisse boten. Die beschwor Bonos eigene Beschäftigung mit Gott und Erbsünde herauf, und in der Figur des Judas („Ich küsste deine Lippen und brach dein Herz“) fand er die Stimme für die spirituelle Abkehr, die Achtung Baby zugrunde liegt.
„Stay (Faraway, So Close!)“
Faraway, So Close!, 1993
Wenders kehrte zu U2 zurück, um einen Beitrag zu seiner Fortsetzung von Wings of Desire zu leisten. Und brachte einen der besten Popsongs der Band mit. Nach „Achtung Baby“ und der Arbeit an neuem Material in einem lebhafteren, weniger angestrengten Modus produzierte die Band dieses ausladende, herzergreifende Liebeslied mit offenem Gesang. Was untypisch für eine Ära ist, in der Bono zu Falsett oder flachem Affekt neigte. Es sticht als Ausreißer unter den rauen, radioaktiven Steinen von „Zooropa“ hervor. Aber es ist so ziemlich das Beste, was aus dem unglückseligen „Faraway, So Close!“ hervorgegangen ist.
„Conversation on a Barstool“
Short Cuts, 1993
Bono und The Edge lösten sich von ihrer Rhythmusgruppe, um diesen mäandernden, whiskeygetränkten Jazzsong für Robert Altmans Short Cuts zu schreiben. Die Songwriter tauschen gitarrenbasierte Kompositionen gegen ein klavierbasiertes Arrangement ein. Und verzichten auf bekannte Reimschemata zugunsten eines unverblümten, gesprächsorientierten Ansatzes. Und durch die bittersüße, unendlich bewegende Stimme der legendären Sängerin Annie Ross ist der Song nicht wiederzuerkennen als etwas, das aus der Welt von U2 stammt. Abgesehen von seiner Melancholie, Sehnsucht und verletzten Widerstandsfähigkeit, die klanglich dem Stil der Band aus den frühen Neunzigern entsprach.
„In the Name of the Father“
In the Name of the Father, 1993
Als Nächstes nahm Bono eine Auszeit von Edge. Er arbeitete mit dem englischen Künstler Gavin Friday an mehreren Beiträgen zu Jim Sheridans mitreißendem, Oscar-nominiertem Film über einen zu Unrecht inhaftierten nordirischen Rebellen zusammen. Der Titelsong, der den Film eröffnet, beginnt ganz im Stil von U2. Ein sich langsam aufbauender Marsch im Stil von „Sunday Bloody Sunday“. Und explodiert dann in etwas, das gleichzeitig industriell und stammesbezogen, westlich und östlich ist, und erinnert geschickt an Jahrhunderte (und Kontinente) politischer Konflikte. Unterbrochen von einem einzigen gehämmerten Gitarrenakkord und Bonos eindringlichem Versprechen, „dir in die Tiefe zu folgen“.
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Ebenfalls hervorragend ist das von Sinéad O’Connor gesungene „You Made Me the Thief of Your Heart“, eine magnetisch-melodische Ballade, die in eine tanzbare keltische Hymne ausbricht, die wie für O’Connors Talente maßgeschneidert ist.
„Hold Me Thrill Me Kiss Me Kill Me“
Batman Forever, 1995
Wer hätte gedacht, dass die Möchtegern-Camp-Version von „Titanic trifft auf Eisberg“ aus der Joel-Schumacher-Ära der Batman-Franchise eine der besten Radiohymnen von U2 inspirieren würde? Das Lied spielt sowohl mit dem Camp (Bono im Glam-Trash-Mephisto-Modus; der von Russ Meyer abgeleitete Titel) als auch mit dem Bombast (ein schwebender, hollywood-romantischer Refrain, ein Gitarrenriff, das von einem Streichorchester verstärkt wird), während es alles auf einige der eingängigsten Hooklines von Edge aller Zeiten aufbaut.
Es ist ein Objekt absurden, bedeutungslosen Spaßes. Die Art von Objekt, die während der selbsternsten Rattle & Hum-Ära undenkbar gewesen wäre. Außer bei U2 ist selbst ein Verriss nicht wirklich ein Verriss. „Du weißt nicht, was du tust“, stachelt Bono an, „Babe, es muss Kunst sein.“
„GoldenEye“
GoldenEye, 1995
U2 umwarben mit „Hold Me Thrill Me Kiss Me Kill Me“ das Lager, aber transzendierten letztlich. Nun begnügten sich Bono und The Edge damit, mit „GoldenEye“ einfach ins Schwarze zu treffen. Der Song ist ein perfekt brauchbares James-Bond-Thema, das als nostalgisches Gefäß für klassische Bond-Themen der Sechzigerjahre dient. Und es wird durch staccatoartiges Zupfen von Streichern, Blechbläser-Einspielungen und einen Bossa-Nova-Shuffle komplettiert. Die Songwriter beweisen jedoch erneut, dass sie auch für andere Sänger schreiben können, indem sie Tina Turner in den tiefen, fiesen Tönen ihres Stimmregisters spielen lassen. Bevor sie die Dinge für ein angemessen haarsträubendes großes Finale öffnen.
