Die 20 besten Filme des Gene Hackman
Von „The French Connection“ bis „Die Royal Tenenbaums“ – diese Filme zeigen einen der größten amerikanischen Schauspieler aller Zeiten in Bestform
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
Er spielte übermütige Polizisten, dem Untergang geweihte Detektive, Bonzen, freundliche Trainer und jede Menge erstklassige amerikanische Arschlöcher. Sowohl die Bandbreite als auch die Zuverlässigkeit der Arbeit dieses Gentlemans über vier Jahrzehnte hinweg ist erstaunlich. Doch eines hat der verstorbene Gene Hackman, der am 26. Februar in seinem Haus in Santa Fe, New Mexico, tot aufgefunden wurde, nie getan: sich gehen lassen.
Er war ein Schauspieler für Schauspieler, ein Darsteller, der sich in den 1960er Jahren an Theater und Fernsehen die Zähne ausbiss, an der Seite von zukünftigen Legenden wie Dustin Hoffman und Robert Duvall, der perfekt zu den launischen Antihelden der 1970er Jahre passte und sich in der Reagan-Ära der 1980er Jahre als kraftvoller und fehlerhafter Mann hervortat. Was auch immer Hackman auf der Leinwand tat, es wirkte so natürlich. Ob er nun vor Wut schrie oder schüchtern ein „Ach, was soll’s“-Lächeln aufsetzte. Manchmal schaffte er es sogar, beides gleichzeitig zu tun.
Aber sein Gesamtwerk zeugt von jemandem, der nicht nur sein Handwerk perfektionieren, sondern auch sich selbst weiterentwickeln wollte, um immer herauszufinden, wie diese Menschen tickten. Die Frage war nie, ob Hackman auf den Mount Rushmore der Filmlegenden gehört. Es ging vielmehr darum, um die Schlagzeile von Rob Sheffields Würdigung zu übernehmen: War Gene Hackman ein großer amerikanischer Schauspieler oder der größte amerikanische Schauspieler?
Diese 20 Rollen zeigen Hackman von seiner besten Seite. Von seinem Durchbruch als Teil der Barrow Gang bis hin zu einem alternden Patriarchen, der sich seinen Weg zurück in seine Familie erschleicht. Es wird nie wieder einen Star wie ihn geben.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Bonnie und Clyde“ (1967)
Hackman war nur ein weiterer Schauspieler, der zwischen Theaterengagements und einmaligen Auftritten in Fernsehserien wechselte, als er 1964 in einer kleinen Rolle neben Warren Beatty in Lilith besetzt wurde. Beatty war von ihrer gemeinsamen Szene so begeistert, dass er dem Regisseur Robert Rossen angeblich sagte: „Ich darf diesen Typen nicht verlieren.“
Jahre später, als der Regisseur Arthur Penn nach einem Darsteller für Clydes älteren Bruder Buck suchte, erinnerte sich Beatty an Hackman – und der 37-jährige Schauspieler fand sich plötzlich in einer der prägenden Rollen der 1960er Jahre wieder. Von der Sekunde an, in der er auftaucht und liebevoll mit seinem jüngeren Bruder spielerisch kämpft, bekommt man ein unglaubliches Gefühl dafür, wie Hackman den Raum auf der Leinwand ausfüllt. (Lange Zeit schrieb er Penn zu, dass er ihm beigebracht habe, vor der Kamera zu spielen.)
Sein Buck springt bei ihrem ersten Raubüberfall förmlich über das Fenster des Kassenschalters. Und als es an der Zeit war, seine Todesszene zu filmen, probte Hackman den Moment, indem er in seinem Motelzimmer „auf allen vieren herumlief und versuchte, die Bewegungen eines Stiers nachzuahmen, der im Nacken verwundet wurde und im Sterben liegt“. Das Ergebnis brachte ihm seine erste von fünf Oscar-Nominierungen ein. Ein Filmstar war geboren. – David Fear
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„The French Connection“ (1971)
Bevor die 1970er Jahre offiziell zum Jahrzehnt des Antihelden wurden – und lange vor den „schwierigen Männern“ der Prestige-TV-Ära – gab es Jimmy „Popeye“ Doyle, einen New Yorker Polizisten, der bereit war, alles zu tun, um die Quelle eines transkontinentalen Heroinschmugglerrings zu zerschlagen. Hackman wusste, dass die Rolle explosiv sein würde, aber er war vorsichtig, jemanden zu verherrlichen, der so verhasst und geradezu rassistisch war.
Und Regisseur William Friedkin hatte vor, Doyle bis an die Grenzen des Akzeptablen zu bringen. Der Filmemacher sagte später, dass Hackman zwar mit Eddie Egan, auch bekannt als der echte Popeye, auf Streife gegangen sei, seine Hauptrolle aber so sehr von den hässlichen Orten abgeschreckt war, an die er gehen musste, dass Hackman angeblich am zweiten Tag der Produktion aufgehört habe. Schließlich konnte man ihn doch überreden und er mühte sich, sich in die Rolle von Egan hineinzuversetzen, bis er eines Tages bemerkte, wie der Polizist „einen Donut in eine Tasse Kaffee tauchte und ihn dann über seinen Kopf warf.
Seine Haltung machte eines ganz deutlich: Dieser Typ schert sich um nichts, außer um seine Arbeit.“ Bingo! Die Rolle brachte Hackman seinen ersten Oscar ein. Jeder erinnert sich an die berühmte Verfolgungsjagd – der Schauspieler scherzte später, dass vielleicht das Auto den Oscar hätte gewinnen sollen –, aber Hackman ist der Motor, der den ganzen Film antreibt. – D.F.
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„Das Poseidon-Abenteuer“ (1972)
Diese heiße Geschichte über ein gekentertes Kreuzfahrtschiff ist wohl der beste Katastrophenfilm, den Produzent Irwin Allen in den 1970er Jahren gedreht hat, was eine niedrige Messlatte ist. (Obwohl der Film Shelly Winters eine Nominierung als beste Nebendarstellerin einbrachte.) Hackman ist ein unorthodoxer Priester, der sich unter den Passagieren an Bord befindet, und de facto der Anführer der Überlebenden, als das Schiff auf den Kopf gestellt wird. Zu seinen Hauptaufgaben gehört es, die hysterischeren Leute zu beruhigen, den gesunden Menschenverstand zu fördern und sich mit Ernest Borgnine in Schreiduellen zu messen.
Noch wichtiger ist jedoch, dass Hackman uns das perfekte Beispiel dafür gibt, wie ein großartiger Schauspieler selbst dem kitschigsten Blockbuster Tiefe und Gefühl verleihen kann. Gegen Ende des Films stößt seine Gruppe auf einen von Dampf durchzogenen Eingang; wenn er das Rohr abstellen kann, können sich alle in Sicherheit bringen. Also springt der Priester, greift nach einem Rad, das über einem mehrere hundert Meter tiefen, brennenden Abgrund hängt, und beginnt, es mit roher Kraft langsam zu drehen. Doch währenddessen schimpft Hackman auf den Allmächtigen, der dies zulassen würde: „Wir haben dich nicht gebeten, für uns zu kämpfen, aber verdammt noch mal, kämpfe nicht gegen uns! … Du willst ein anderes Leben? Dann nimm mich!“
Und für einen kurzen Moment hat man nicht das Gefühl, einen riesigen B-Promi-Filmstreifen zu sehen, sondern die Geschichte eines heiligen Mannes, der gegen einen gefühllosen Gott wütet. – D.F.
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„Prime Cut“ (1972)
„Du isst Innereien.“ „Ja … ich mag sie!“ Es braucht schon einiges, um es in einem harten Showdown mit Lee Marvin aufzunehmen, aber Hackman kann sich in Michael Ritchies stark unterschätztem Krimi aus den 1970er Jahren gegen den härtesten lebenden Schauspieler behaupten.
Der oben beschriebene Wortwechsel findet zu Beginn statt, als Marvins Vollstrecker der Chicagoer Mafia beschließt, Hackmans Schlachthofbesitzer aus Kansas City, Missouri, der unerklärlicherweise „Mary Ann“ heißt, einen Besuch abzustatten – es scheint, als sei ein gemachter Mann tot in einer seiner Verarbeitungsanlagen aufgetaucht, und der Mafioso will Antworten. Die Dinge werden rau, um es milde auszudrücken. Wieder einmal mit dem Regisseur von Downhill Racer zusammengearbeitet, übernahm Hackman gerne die kleinere, schurkenhaftere Rolle, weil er laut Ritchie im Grunde eher ein Charakterdarsteller war.
Ja, er hatte die Hauptrolle in einem „New Yorker Straßenfilm“ gespielt, der noch nicht erschienen war, als Prime Cut gedreht wurde, aber das war wahrscheinlich nur ein Scherz. Der Film hieß The French Connection und, nun ja, den Rest kennen Sie. Doch seine Rolle in diesem billigen Krimi ist ein perfektes Beispiel dafür, wie Hackman selbst aus unwichtigen Szenen echte Publikumsmagneten machen konnte. Achten Sie darauf, wie er Marvin zuzwinkert, als er auf die „Mut“-Szene antwortet. In nur einem einzigen Wortwechsel wird deutlich, wie mächtig und schmierig dieser schreckliche Mann ist. – D.F.
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„Scarecrow“ (1973)
„Es war wahrscheinlich mein Lieblingsfilm, an dem ich gearbeitet habe“, sagte Hackman 1986 über diese melancholische Buddy-Komödie, die er mit Al Pacino drehte. ‚An der Kinokasse lief er nicht so gut.‘ Egal: Scarecrow hielt die beiden Schauspielikonen fest, als sie sich noch etablieren mussten, frisch von ihren jeweiligen Triumphen in The French Connection und The Godfather.
Aber hier sind sie rauflustig und abgenutzt wie zwei ganz normale Typen, die sich in Kalifornien treffen, während sie beide ihren Weg quer durchs Land suchen, und ihre Zukunft hoffentlich besser ist als ihre Vergangenheit. Hackman war selten so liebenswert wie als Max, ein launischer ehemaliger Sträfling, der sich nichts sehnlicher wünscht, als eine Autowaschanlage in Pittsburgh zu eröffnen. Dies ist ein Film in Moll, der auf große emotionale Momente setzt und die Männerfreundschaft als eine Art schrullige Romanze untersucht. In den frühen 1970er Jahren hätte man sich kaum zwei bessere Darsteller wünschen können, um die ziellosen, unsicheren Spannungen innerhalb moderner junger Männer darzustellen. – Tim Grierson
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„The Conversation“ (1974)
Harry Caul hört beruflich zu. In der abgeschotteten Welt der Sicherheit und Überwachung ist der Mann eine lebende Legende. Aber er ist ein äußerst privater Mensch, der es liebt, Geheimnisse zu bewahren und seine Spuren zu verwischen – er weiß, was passiert, wenn Ihre privaten Informationen an die Öffentlichkeit gelangen. Harry plagen auch Schuldgefühle wegen seiner Arbeit, denn es gab eine Zeit, in der er einen Job annahm, der Menschen das Leben kostete.
Und er glaubt, dass er kurz davor steht, denselben Fehler noch einmal zu begehen. Dieses Porträt aus der Watergate-Ära, das mitten in Francis Ford Coppolas Erfolgssträhne der 1970er Jahre entstand, stellte Hackman vor eine große Herausforderung: Wie zeigt man eine Person, die langsam zerfällt, wenn sie jeden wachen Moment damit verbringt, ihre Gedanken und Gefühle akribisch zu verbergen? Es ist eine der großartigsten Darstellungen eines inneren Zustands in diesem Jahrzehnt – das genaue Gegenteil von Popeye Doyle – bei der Hackman sein typisches sonniges Lächeln als Schutzschild einsetzt und sich leicht aufplustert, wenn in einem beiläufigen Gespräch eine winzige biografische Tatsache erwähnt wird. Coppola sagte, er habe den Schauspieler für die Rolle haben wollen, weil „er so gewöhnlich ist, so unauffällig in seiner Erscheinung“.
Aber diese Charakterstudie funktioniert, weil Hackman genau weiß, wann er sich in den Hintergrund zurückziehen und wann er die Risse in der Fassade dieses Experten-Allrounders vor Ihren Augen bröckeln lassen muss. – D.F.
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„Young Frankenstein“ (1974)
Nachdem Hackman Gene Wilder in Bonnie und Clyde auf der Flucht im Fluchtauto bedroht hatte, wurden er und der Schauspieler Freunde. Eines Tages spielten die beiden Tennis, als Wilder zufällig erwähnte, dass er einen weiteren Film mit Mel Brooks drehte. Hackman fragte aufgeregt, ob es eine kleine Rolle gäbe, die er spielen könne – so kam es, dass Brooks den Oscar-Preisträger in einer nicht im Abspann aufgeführten Rolle als blinder Einsiedler besetzte, der Peter Boyles Wesen mit dem Bolzenhals aufnimmt.
Man muss nicht einmal wissen, dass die Szene eine direkte Anlehnung an eine ähnliche Sequenz in Frankenstein ist, um sie urkomisch zu finden, oder zu schätzen wissen, wie Hackman sich in die Lächerlichkeit hineinbegibt wie ein erfahrenes Mitglied von Brooks‘ Repräsentationsfirma. (Kein Geringerer als Pauline Kael sagte, dass die unkenntlichen Tonfälle des Hackman „so spektakulär sicher sind, dass ich dachte, unter dem Bart verbirgt sich ein berühmter Komiker, bis ich seine Stimme erkannte.“) Und dieser perfekte Schlusspunkt, in dem der Einsiedler den überstürzten Abgang des Monsters mit „Ich wollte gerade Espresso machen“ beklagt? Das war eine Improvisation von Hackman. 10/10, keine Anmerkungen. – D.F.
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„Bite the Bullet“ (1975)
Hackman ist Sam Clayton, der „Verfechter von hilflosen Tieren, Frauen in Not, verlorenen Kindern und hoffnungslosen Fällen“ – und der moralische Kompass in Richard Brooks‘ rauem Western, in dem Abenteurer und Cowboys in einem 700-Meilen-Pferderennen quer durch die USA gegeneinander antreten Jeder, von Candace Bergens Ex-Belle du Jour bis hin zu Jan-Michael Vincents rotznäsigem Outlaw-Balg, will sich als Angeber beweisen und das Kopfgeld von 2.000 Dollar einstreichen, aber am Ende fiebert man mit Hackman mit.
In seinem ergrauten, letzten Vertreter einer aussterbenden Generation von Grenzgängern liegt eine angeborene Güte und ein Ehrgefühl, an dem er und sein Rough Rider-Kollege James Coburn festhalten, selbst als das Rennen sie zu Rivalen macht. Hackman hält auch eine Wahnsinnsrede, in der er den Mythos von Teddy Roosevelts Elite-Reitern, die den San Juan Hill stürmen, entlarvt; es ist eine traurige Elegie über Heldentum, die eindrucksvoll daran erinnert, wie der Schauspieler einen einfachen Monolog in einen echten Hingucker verwandeln kann. Eine seiner eher unterschätzten Darbietungen, die es verdient, wiederentdeckt zu werden. – D.F.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Night Moves“ (1975)
„Bei einem Schauspieler wie Gene brauche ich keine präzisen Anweisungen zu geben“, sagte einmal der Filmemacher Arthur Penn. ‚Er ist in der Lage, ganz spontan die Art von Reaktion zu erzeugen, die ich mir wünsche, und das bei jeder einzelnen Aufnahme. Das ist für ihn ganz natürlich.‘ Man muss sich nur ihre Zusammenarbeit bei einem der größten Neo-Noirs der 1970er Jahre ansehen.
Hackman ist als Harry, ein desillusionierter Polizist, der angeheuert wird, um einen entlaufenen Teenager zu finden, hervorragend – ein scheinbar einfacher Auftrag, der natürlich die Tür zu Geheimnissen öffnet, die er über sich selbst und die Welt um ihn herum nicht erfahren möchte. Night Moves zeigte uns einen Hackman, der harte, sexy Außenseiter spielen konnte, die immer noch an einem Rest ihres Gewissens festhielten – nicht, dass solche Feinheiten in einer zerbrochenen, grausamen Gesellschaft eine Rolle spielten. Er war selten so gequält und herzzerreißend. – T.G.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Superman“ (1978)
Stellen Sie sich den Online-Aufruhr vor, der entstehen würde, wenn sich heute ein Schauspieler, der für die Rolle des Lex Luthor gecastet wurde, weigern würde, sich für die berühmte kahle Rolle den Kopf zu rasieren – selbst wenn dieser Schauspieler, wie Hackman in den späten Siebzigern, einer der größten Filmstars der Welt wäre. Richard Donner, der Regisseur von „Superman“, musste Hackman austricksen, damit er sich den Schnurrbart abrasierte, und ihn dazu überreden, für seine letzte Szene im Film eine Glatze zu tragen, was bestätigt, dass Lex die ganze Zeit aus Eitelkeit Perücken getragen hatte.
Und doch ist Hackman so spektakulär witzig, so charismatisch, so unapologetisch egoistisch und narzisstisch – und damit die perfekte Kontrastfigur zu Christopher Reeves tugendhaftem Mann aus Stahl, auch wenn sie nur kurz gemeinsam auf der Leinwand zu sehen sind –, dass es niemanden wirklich störte, dass dieser Luthor nicht seine typische Frisur trug. Hackman war in einer Nebenrolle in Superman II, ähnlich entzückend, und seine Arbeit als Lex ist eines der wenigen erlösenden Elemente des letzten Reeve-Films, Superman IV: The Quest for Peace. – Alan Sepinwall
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Eureka“ (1983)
Man könnte es als die große verlorene Hackman-Performance bezeichnen: Ein Goldsucher, der im verschneiten Gelände des Yukon nach Gold sucht und dann verrückt wird, nachdem er die Hauptader gefunden hat und über seine kühnsten Träume hinaus reich wird. Hackman spielt die Rolle wirklich wie ein Mann mit Charakter, der von Gier besessen und von seinem eigenen Glück zerstört wird; es ist, als würde man das fehlende Bindeglied zwischen Humphrey Bogart in Der Schatz der Sierra Madre und Daniel Day-Lewis in There Will Be Blood entdecken. Als das Drehbuch auf seinem Schreibtisch landete, gab der Schauspieler zu, dass ihn die Herausforderung reizte, eine Figur über einen Zeitraum von 20 Jahren zu spielen, die ihn vom kühlen Naturburschen zum aufgeblasenen Bonzen werden ließ.
Aber was ihn wirklich anzog, war die Vorstellung von den Fallstricken bei der Verfolgung seiner lebenslangen Ambitionen und was passiert, wenn man sie endlich erreicht. Hackman und Regisseur Nicolas Roeg gerieten bekanntermaßen wegen unterschiedlicher Arbeitsmethoden aneinander – ein wiederkehrendes Motiv in Geschichten über den Ruf des Schauspielers, am Set schwierig zu sein – und der Film ging leider spurlos unter. Dennoch könnte man sich kein besseres Beispiel für Hackmans Engagement für die Darstellung zutiefst fehlerhafter, selbstzerstörerischer Männer wünschen. Die Neubewertung dieses rauen Juwels eines Epos beginnt jetzt. – D.F.
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„Hoosiers“ (1986)
Danville, die Kleinstadt in Illinois, in der Hackman einen Großteil seiner Jugend verbracht hatte, liegt etwa 96 Kilometer von dem Drehort in Indiana entfernt, wo er diesen klassischen Sportfilm drehte. Er hatte sogar ein wenig Basketball gespielt, als er in der Schule war – „Ich war nicht besonders gut“, sagte er, „aber ich war im Uni-Team“, bevor er sich im Alter von 16 Jahren bei den Marines anmeldete. (Ironischerweise erzählte er demselben Reporter, dass er sich unter anderem deshalb in das Rekrutierungsbüro der USMC geschlichen hatte, weil er sich gerade mit seinem Trainer gestritten hatte: „Diese [Militär-]Uniform gefiel mir besser als die, die ich trug.“)
Und sobald man sieht, wie sein in Ungnade gefallener ehemaliger College-Basketballtrainer Norman Dale das Spielfeld betritt und seinen Spielern Befehle erteilt, bekommt man das Gefühl, dass Hackman diese Welt in- und auswendig kannte. Die Ode von Regisseur David Anspaugh und Drehbuchautor Angelo Pizzo an den Highschool-Basketball im Mittleren Westen und die Gemeinden, die für das Spiel leben, gab dem Star die perfekte Rolle als Mentor mit harter Hand sowie eine inspirierende Umkleideraumrede für die Ewigkeit: „Denkt daran, was euch hierher gebracht hat.“ Hackman mag seinem Filmpartner Dennis Hopper (der für einen Oscar als bester Nebendarsteller nominiert wurde und mit seiner Rolle als Säufer der Stadt sein Comeback festigte) geraten haben, sein Geld zu sparen, da der Film wahrscheinlich ein Flop werden würde.
Er wurde jedoch ein großer Erfolg, was nicht zuletzt Hackmans Fähigkeit zu verdanken ist, einen Menschen darzustellen, der das Beste in diesen Jungen zum Vorschein bringen muss, um das Beste in sich selbst zum Vorschein zu bringen. – D.F.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„No Way Out“ (1987)
Lassen Sie sich nicht von der beeindruckenden Berufsbezeichnung von Hackmans Charakter in Roger Donaldsons Politthriller täuschen. Sein US-Verteidigungsminister David Brice ist ein enorm schwacher Mann, der seine Emotionen nicht kontrollieren kann und machtlos ist angesichts einer Geliebten, die er begehrt (Sean Young), die aber auch mit jemand anderem, einem gutaussehenden jungen Marineoffizier (Kevin Costner), liiert ist. Hackman erweckt Brice in dieser geschickten Adaption von Kenneth Fearings Roman The Big Clock, in der Costner den Tod der Geliebten untersucht – wohl wissend, dass sein Vorgesetzter sie in einem Anfall von Eifersuchtswut getötet hat – auf erbärmliche Weise zum Leben.
Der Film mag dazu beigetragen haben, Costner zum Star zu machen, aber er war auch ein perfektes Vehikel für Hackman, der die Dualität (und Tragik) von Brice gekonnt einfing: Er betritt jeden Raum mit absoluter Autorität, nur um zusammenzubrechen, wenn sein Leben anfängt, aus den Fugen zu geraten. – T.G.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Mississippi Burning“ (1988)
„Ich sehe mich wohl als ernsthaften Künstler, und es fühlte sich richtig an, etwas von historischer Bedeutung zu tun“, sagte Hackman, als er gefragt wurde, warum er sich verpflichtet fühlte, das historische Drama über FBI-Agenten zu übernehmen, die das Verschwinden von drei Aktivisten im ländlichen Mississippi untersuchen. Man kann sich vorstellen, dass viele andere Schauspieler seine Figur, einen ehemaligen Sheriff aus dem ‚Hospitality State‘, in eine Redneck-Karikatur oder einen übermäßig rechtschaffenen weißen Ritter verwandeln würden. Hackman findet irgendwie genau den richtigen Mittelweg zwischen diesen beiden Extremen und schöpft dabei aus einem persönlichen Reservoir an Wut.
Sein FBI-Agent fühlt sich sichtlich wohl dabei, den guten alten Jungs ihre eigene ranzige Medizin zu verabreichen, sei es eine Rasur mit dem Rasiermesser, die gleichzeitig als Verhör eines Hilfssheriffs dient, oder einen örtlichen Tyrannen bei den Eiern zu packen (diese Berührung war Hackmans improvisierte Ergänzung zur Szene). Doch er erkennt auch, dass er als jemand, der ebenfalls ein Produkt des Südens ist, nicht immun ist gegen das, was Hackman die „regionalen Einstellungen“ nannte, die die Denkweise so vieler Mitbürger aus Mississippi infizierten – und das ist die Wut, die sich für diesen Gentleman wie eine doppelseitige Klinge anfühlt. Viele Kritiker sagten damals, Hackman habe den Film praktisch gestohlen. Jahrzehnte später sind wir mehr als geneigt, dem zuzustimmen. – D.F.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Unforgiven“ (1992)
Hackman gewann verdientermaßen seinen zweiten Oscar für die Rolle des Little Bill Daggett, eines korrupten Sheriffs in einer kompromittierten Grenzstadt, in Clint Eastwoods unvergleichlicher Hommage an ein Genre, das er mitgeprägt hat. Der Gesetzeshüter herrscht mit einem trügerisch freundlichen Lächeln und eiserner Faust über sein Revier; der Mann nimmt Fremde wie Will Munny (Clint Eastwood), einen ehemaligen Gesetzlosen, der zusammen mit seinem alten Komplizen Ned Logan (Morgan Freeman) angeheuert wurde, um einige störende Viehtreiber in seinem Zuständigkeitsbereich zu töten, nicht freundlich auf.
Daggett glaubt, dass er mit ein paar alten Hasen fertig wird, die die Dreistigkeit besitzen, in seine Welt einzudringen und für Gerechtigkeit zu sorgen. Spoiler-Alarm: Er hatte nicht mit der Kraft von Freundschaft und Rache gerechnet. Es ist nicht nur die Freude, Hackman dabei zuzusehen, wie er die Leinwand mit Eastwood, Freeman und Richard Harris teilt und dabei seine Leinwandkollegen so wunderbar ausspielt, die seine Szenen so reichhaltig macht. Was einem im Gedächtnis bleibt, ist, wie Hackman zeigt, dass Daggett wirklich glaubt, der rechtschaffene Held dieser Geschichte zu sein.
Jeder erinnert sich an Eastwoods Worte „Verdient hat damit nichts zu tun“, kurz bevor er seinen Erzfeind hinrichtet, aber was einen wirklich beeindruckt, ist, wie Hackman die Zeile vorträgt, die darauf vorbereitet: „Ich habe ein Haus gebaut!“ Allein der Unglaube in seiner Stimme verkauft es. Er sollte ein glückliches Ende bekommen, verdammt noch mal. Dann drückt Eastwood ab. – D.F.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Die Firma“ (1993)
Hackman war kein Unbekannter in Verschwörungsthrillern (siehe: The Conversation, Night Moves), und diese Verfilmung von John Grishams Bestseller über einen hungrigen jungen Anwalt (Tom Cruise), der das Ausmaß der Korruption in seiner Kanzlei entdeckt, sollte ein spannendes 90er-Jahre-Äquivalent zu den Höhepunkten des Subgenres in den 70er-Jahren werden. Es ist ein elegantes, dicht geplantes Starvehikel für Cruise, aber die Seele von Die Firma kommt von Hackman, der einen Möchtegern-Mentor für den jungen Juristen spielt.
Er ist definitiv in die schmutzigen Machenschaften verwickelt, aber er ist auch der einzige Partner, der emotional von dem Blut an seinen Händen betroffen zu sein scheint. Es ist eine Darbietung voller Bedauern und Einsamkeit – und ein Beweis dafür, dass Hackman auch bei hochdotierten Engagements seinen ganzen Einsatz zeigte. Er konnte einfach nicht umhin, jede Rolle, für die er sich verpflichtete, bis ins Letzte auszuloten. – T.G.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Crimson Tide“ (1995)
Hackman diente im Marine Corps (er war erst 16 Jahre alt, als er sich verpflichtete, und log über sein Alter, um aufgenommen zu werden), sodass es für ihn kaum eine Herausforderung darstellte, Militärs darzustellen. Und er hat diese Erfahrung wohl nie besser genutzt als in diesem Action-Thriller aus der Clinton-Ära, in dem er den U-Boot-Kommandanten Captain Frank Ramsey spielt.
Er und sein brillanter Lieutenant Commander Ron Hunter (Denzel Washington) geraten in einen epischen Konflikt, als Ramsey davon überzeugt ist, dass sie den Befehl erhalten haben, Raketen gegen die Russen abzufeuern – und Hunter befürchtet, dass ihr Kommunikationssystem gestört ist. Hackman ist als schießwütiger Kommandant eine einzige sture Einschüchterung und liefert sich mit Washington eine Reihe von Zweikämpfen, die eine Meisterklasse in Schauspielkunst zwischen zwei hochkarätigen Filmstars sind.
„Crimson Tide„ war einer der größten Erfolge von Hackman in den 1990er Jahren – er verarbeitete die Paranoia nach dem Kalten Krieg in einer fesselnden, äußerst unterhaltsamen Performance. – T.G.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Get Shorty“ (1995)
Hackman sagte, er habe seinen „Grade-Z“-Filmregisseur Harry Zimm nach einem Agenten gestaltet, von dem er einmal behauptete, er sei der falscheste Mann, den er je in Hollywood getroffen habe – und das will etwas heißen. Er zögerte auch, die Rolle zu übernehmen, obwohl er ein Fan von Elmore Leonards Buch über einen Mafioso war, der im Filmgeschäft ein Vermögen macht, weil er befürchtete, nicht lustig genug zu sein.
Die Legende hätte sich keine Sorgen machen sollen: Er verleiht Sätzen wie „Der Typ ist seit zwei Tagen in der Stadt und denkt schon, er sei David O. Fucking Selznick“ eine so großartige Wendung, dass man sich wünscht, er hätte ein Prequel über Zimm’s Blütezeit als Autor von Exploitationfilmen gedreht. Es war Hackmans Idee, seine Figur so zu kleiden, als würde sie noch in den 1960er Jahren leben, als wäre sie nie über die Ära hinausgewachsen, in der sie anfing, hochwertige Filme („Kein Fernsehen!“) wie die Trilogie Slime Creatures zu drehen. (Die falschen Zähne waren nicht seine Idee, was ihm nicht gefiel, aber sie sind eine nette Geste – sie lassen Zimm noch unaufrichtiger aussehen.)
Seine liebevolle Stichelei gegen Hollywoods Ehemalige und Niemands verleiht einem klassischen Showbiz-Widerling eine gewisse Wärme. – D. F.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Heist“ (2001)
„Ich mochte David [Mamets] Schreibstil schon immer“, sagte Hackman. “Wie er eine Figur erschaffen kann, bei der man nie genau weiß, wer sie ist. Die Idee, dass er ein bisschen ein Rätsel ist, mit einer netten Wendung am Ende.“ Tatsächlich ist der Meisterdieb im Mittelpunkt des Mamet-Thrillers ein Mann, der seine Karten eng an die Brust gepresst hält, aber dennoch die Art von blumiger Poesie von sich geben kann, die das Markenzeichen des zum Filmemacher gewordenen Dramatikers ist. Hackmans Joe Moore ist ein Krimineller, der „so cool ist, dass Schafe ihn zählen, wenn er ins Bett geht“.
Aber nachdem er bei einem Juwelierüberfall erwischt wurde, will dieser erfahrene Gauner aus dem Geschäft aussteigen. Sein wichtigster Gönner (Danny DeVito) braucht ihn jedoch für einen letzten Job. Hackman navigiert seine Figur geschickt durch eine Handlung voller Wendungen, Täuschungen und Doppel- und Dreifachkreuzungen – das Einzige, was an dem Film einfach ist, ist sein Titel.
Und obwohl Hackman Moore ein Gefühl der Müdigkeit vermittelt, ist er in Bezug auf den großen Schwindel immer ein absoluter Profi. Es ist die Art von gut ausgeführter Genre-Perle, bei der man sich wünscht, Hackman hätte sich nicht zur Ruhe gesetzt, denn dies hätte der Beginn einer wunderbaren Zusammenarbeit sein können. – D.F.
Die 20 besten Filme des Gene Hackman
„Die Royal Tennenbaums“ (2001)
Täuschen Sie sich nicht: Royal Tenenbaum ist ein Mistkerl. Wie sonst sollte man jemanden beschreiben, der seinen Sohn bestiehlt, seine Kinder nach der Scheidung praktisch im Stich lässt, über Magenkrebs lügt, um nach seinem Bankrott wieder in ihre Gunst zu gelangen, und einen romantischen Rivalen, der schwarz ist, „Coltrane“ nennt? Hackman spielt die weniger positiven Aspekte des Tenenbaum-Patriarchen in Wes Andersons frühem Meisterwerk nie herunter. Aber er findet die Menschlichkeit in dem verbitterten Herzen dieses streitsüchtigen alten Mannes, und das macht den Unterschied.
Der junge Regisseur sagte, er habe den misstrauischen Hackman nach fast anderthalb Jahren der Zermürbung davon überzeugt, die Rolle zu übernehmen; Anderson bemerkte, dass, sobald er ihn hatte, alle an seine Tür klopften, um in dem Film mitzuspielen, weil sie gegen die Legende spielen wollten. Dies sollte nicht Hackmans letzter Film sein – er drehte noch einige weitere, bevor er sich 2004 endgültig zurückzog –, aber „Die Royal Tenenbaums“ sollte sein letzter großer Film sein. Sein Epilog war immer ergreifend genug, um selbst einem alten Seebären wie Pops Tenenbaum die Tränen in die Augen zu treiben – „Sie waren sich einig, dass Royal das Ereignis als äußerst zufriedenstellend empfunden hätte“ –, aber heute ist er besonders bewegend. R.I.F. – D.F.
