Die 25 besten Bob-Dylan-Songs des 21. Jahrhunderts
Bob Dylan erfindet sich im neuen Jahrtausend neu – zwischen Blues, Jazz, Standards und visionären Songs voller Zitatkraft und Tiefe.
12. „Narrow Way“
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„Seit die Briten das Weiße Haus niedergebrannt haben“ – das war im Krieg von 1812, für die Geschichtsinteressierten unter Ihnen – „gibt es eine blutende Wunde im Herzen der Stadt.“ Dort ansiedelt Dylan „Narrow Way“, ein Highlight aus Tempest. Der Song hat die Schärfe seiner bissigsten Verrisse aus den Sechzigern, als seine Vorstellung von Spaß darin bestand, in „She’s Your Lover Now“ oder „ Ballad of a Thin Man“ oder „Positively 4th Street“ zu singen.
Nur dass „Narrow Way“ zusätzlich 50 Jahre voller Gift enthält. Dylan lässt biblische Drohungen und Flüche auf seine Feinde niederprasseln, zitiert die Mississippi Sheiks und das Buch Daniel, begleitet von einem siebenminütigen, rasanten Blues-Shuffle aus Gitarre und Geige. „Dein Vater hat dich verlassen, deine Mutter auch“, knurrt Dylan. „Selbst der Tod hat seine Hände von dir abgewaschen.” Es ist der herrlich gemeinste Moment auf Tempest, einem seiner gemeinsten Alben. R.S.
11. „Huck’s Tune”
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Man muss nichts über den Kinoflop Lucky You aus dem Jahr 2007 wissen, um sich von der schmerzlichen Schönheit von „Huck’s Tune“ verzaubern zu lassen. Auch wenn Dylan den Song speziell für den Film geschrieben hat und er explizite Bezüge zu Figuren und Handlungsentwicklungen enthält. Losgelöst von diesem Kontext handelt der üppige, verträumte Song von der Tragödie, die Liebe zu opfern, um einen unmöglichen Traum zu verfolgen.
„Von meinen Zehenspitzen bis zu meinem Kopf, du haust mich um“, singt Dylan. „Ich werde dich für eine Weile aus meinem Leben verbannen müssen.“ Ähnlich wie sieben Jahre zuvor bei „Things Have Changed“ schrieb Dylan den Song für Regisseur Curtis Hanson, nachdem er eine frühe Version von Hansons Film gesehen hatte. Es ist Dylans bester Liebes-Song der 2000er Jahre und hätte ihm leicht einen zweiten Oscar einbringen können. Wenn der Film erfolgreich gewesen wäre. A.G.
10. „Duquesne Whistle“
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Hörst du nicht, wie die Duquesne-Pfeife ertönt – und was sie dir damit sagen will? Der trügerisch fröhliche Song, den Robert Hunter mitgeschrieben hat und der Tempest eröffnet, tanzt um alle möglichen hochgeistigen und niederträchtigen Bedeutungen herum, die das zentrale Bild haben könnte, ohne sich auf eine Antwort festzulegen. Die Hälfte der Zeit klingt die Pfeife wie die letzte Posaune der Apokalypse. „Blowing like it’s gonna sweep my world away“.
Genauso oft hat sie einen eher fleischlichen Unterton („Rotes Licht leuchtet/Bläst, als stünde sie vor meiner Kammertür”). Die Pfeife könnte ein Symbol für die erlösende Kraft der Musik sein („Bläst, als würde sie meinen Blues wegblasen”). Eine Drohung des Sensenmanns („Blowing like it’s gonna kill me dead”). Oder ein Zeichen eines Heiligen in der Höhe („I can hear a sweet voice steadily calling/Must be the mother of our Lord”).
Einige Interpretationen gehen davon aus, dass es sich um den Klang eines verheerenden Tornados aus dem Jahr 2011 in Duquesne, Missouri, handelt. Andere haben eine Ähnlichkeit mit einem Stück aus dem Jahr 1930 des New Orleans Jazz-Größen Jelly Roll Morton festgestellt. Vielleicht ist es all das zugleich. Ein gespenstisches Echo all der Wünsche und Ängste, die spät in der Nacht im Kopf unseres Sängers herumschwirren. Oder vielleicht ist es nur ein Zug, der über die Gleise in die Ewigkeit oder zur nächsten Station rast. S.V.L.
9. „Thunder on the Mountain“
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Als Dylan die Kontrolle über seine Musik zurückeroberte, strebte er einen Sound an, der in seinem Kopf auf die vierziger und fünfziger Jahre zurückging. Eine Band, die live in einem Raum spielt. Idealerweise alle in dasselbe Mikrofon. „Thunder on the Mountain” beginnt mit einem unverkennbaren Live-Auftakt aus spritzenden Becken und Blues-Licks, bevor es in einen Song übergeht, der irgendwo zwischen Rockabilly und Western Swing angesiedelt ist.
Gemäß dem Buch Exodus ist „Thunder on the Mountain” die Art und Weise, wie Gott sich gerne ankündigt. Und der Song hat einige nicht untypische Untertöne vom bevorstehenden Tag des Jüngsten Gerichts und vom Wehe der Menschheit. Aber dieses Mal scheint Dylan ziemlich fröhlich darüber zu sein. Eines Tages, ja, hofft er, „neben meinem König zu stehen”. Aber in der Zwischenzeit hat er seine Heugabel an den Nagel gehängt und widmet sich eher weltlichen Angelegenheiten. „ Ich habe die Milch von tausend Kühen getrunken“, prahlt er.
Er fügt auch eine beiläufige Hommage an Alicia Keys ein („Als sie in Hell’s Kitchen geboren wurde, lebte ich weiter unten an der Straße…“), die Memphis Minnies Hommage an einen anderen Blues-Pionier nachempfunden ist. „Ich habe an Ma Rainey gedacht“, sang sie 66 Jahre vor Dylan. „Ich frage mich, wo Ma Rainey sein könnte/Ich habe nach ihr gesucht/Sogar im alten Tennessee.“ A.G.
8. „Nettie Moore“
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Die Müdigkeit, von der Dylan in dem düsteren Folk-Blues „Nettie Moore“ singt, ist archetypisch und bezieht sich auf Marshall S. Pike und James Lord Piermonts Lied „Gentle Nettie Moore“ aus dem Jahr 1857 sowie auf das traditionelle Volkslied „Moonshiner“.
Aber es trifft den Nerv, weil es sich so persönlich anfühlt. Er singt davon, Sänger „in einer Cowboy-Band“ zu sein, durch eine Welt zu wandern, die „vor meinen Augen schwarz geworden ist“, mit nur dem schwachen Bild seiner Geliebten, die zu Hause auf ihn wartet, um ihn durch die Trümmer zu führen. „Ich würde durch ein loderndes Feuer gehen, Baby“, singt er. „Wenn ich wüsste, dass du auf der anderen Seite bist.“ J.D.
7. „Key West (Philosopher Pirate)“
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Dylan fühlt sich normalerweise in der Dunkelheit zu Hause. Aber in „Key West (Philosopher Pirate)“ begibt er sich für die neunminütige Akkordeonballade über einen grauhaarigen Gesetzlosen, der sich in Florida versteckt und von seinen Erinnerungen verfolgt wird, ganz ins „Land des Lichts“. Es ist ein Knaller. Und eine von Dylans stillsten, erschütterndsten Betrachtungen.
Er befindet sich im gelobten Land des Sonnenscheins – wie er singt: „Key West ist der richtige Ort, wenn du nach Unsterblichkeit suchst.“ Aber er ist allein, abgesehen von seinem Radio. Und gesteht: „Ich suche nach Liebe, nach Inspiration, auf diesem Piratensender.“ Und er wird immer noch von Sehnsucht geplagt. Selbst inmitten von Hibiskusblüten und Fischschwanzpalmen. Er knurrt: „Ich spiele Gumbo-Limbo-Spirituals/Ich kenne alle hinduistischen Rituale.“
In Dylans Songs ist Florida normalerweise nur ein Ort, an den man flüchtet, wenn man sich vor dem Gesetz verstecken muss, wie in „Po’ Boy“ oder „Tweeter and the Monkey Man“. Aber „Key West“ ist etwas Neues. Wenn er fleht: „Radiosignal, spiel ‚Rescue Me‘/Ich bin so tief verliebt, dass ich kaum noch sehen kann“, klingt er wirklich in Blau verstrickt. R.S.
6. „Pay in Blood“
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Das unerbittlich bösartige „Pay in Blood“ war bei seiner Veröffentlichung schockierend. Ein Jahrzehnt später zählt es zu Dylans eindringlichsten prophetischen Momenten. Ein Bild von stummer, böser Macht, die ihre amoralische Stärke gegenüber den Schwachen ausspielt. „Ich bezahle mit Blut, aber nicht mit meinem eigenen“, knurrt er und leckt sich die Lippen, während der seltsam optimistisch anmutende Drive des Songs eine weitere Ebene grausiger Ironie hinzufügt. Als ob sein hymnischer Auftrieb dazu da wäre, die Menschen zu verspotten, die der Erzähler vernichtet hat.
Im Jahr 2012 schien der Text Jahrhunderte amerikanischer Gewalt zu evozieren, von der Sklaverei bis zu katastrophalen Invasionen im Ausland. Heute klingt er noch tragischer und dringlicher. Wenn man ihn hört, kann man fast sehen, wie Donald Trump über den Lafayette Square stapft und die Gouverneure der republikanisch regierten Bundesstaaten sich beeilen, die Wirtschaft wieder zu öffnen, während die Zahl der Todesopfer steigt. Wenn dieser Song irrelevant wird, werden wir befreit sein. J.D.
