Die 50 besten Bassisten aller Zeiten

20. Rick Danko

Die Legende der Band dreht sich um ihre bodenständige Ausstrahlung. Aber wenn man sich ihre klassischen Alben noch einmal anhört, ist es unmöglich zu übersehen, wie funkig sie waren. Rick Dankos Bassspiel – sparsam, stilvoll und immer tief im Pocket – war entscheidend für den unnachahmlichen Rhythmus von Stücken wie „Up on Cripple Creek“ und „King Harvest (Has Surely Come)“. Danko wuchs in einer ländlichen Gegend Ontarios auf, hörte mit einem batteriebetriebenen Radio die Grand Ole Opry und sah seinem Vater beim Spielen auf Scheunentänzen zu.

1961 schloss er sich seinen zukünftigen Bandkollegen Robbie Robertson und Levon Helm bei Ronnie Hawkins‘ Hawks an. Und lernte wichtige Tipps für die Rhythmusgruppe vom damaligen Pianisten der Gruppe, Stan Szelest. Innerhalb weniger Jahre begleitete die Band Bob Dylan auf seiner ersten Tournee mit elektrischen Instrumenten. Als The Band ihre Arbeit aufnahm, etablierte sich Danko als zuverlässige Geheimwaffe der Gruppe. Eine Position, die er sowohl während ihrer ersten Phase als auch während ihrer produktiven Reunion-Ära innehatte.

Während seiner gesamten Zeit bei der Band ergänzte er seinen charakteristischen trällernden Gesang mit raffinierten Vier-Saiten-Linien, die immer perfekt zu Helms sumpfigen Grooves passten. „Ich empfinde das Bassspielen genauso wie den Hintergrundgesang“, sagte er Bass Player 1994. „Es sollte einen Tick hinterherhinken. Es ist schön, den Höhepunkt des Beats für den Gesang zu reservieren und die anderen Parts um den Beat herum zu verteilen. Das verleiht der Musik eine Art Riesenrad-Effekt. Und trägt sie mit sich.“

19. Verdine White

Maurice White, ein versierter Singer-Songwriter, Schlagzeuger und Produzent, holte seinen Bruder Verdine 1970 nach L.A., um sich der jungen Band Earth, Wind & Fire anzuschließen. Verdine hatte bei Louis Satterfield studiert, den er als „den James Jamerson von Chicago“ bezeichnete, und Jazzmusiker wie Ron Carter und Richard Davis genauestens studiert.

All das brachte er in die eleganten, atemberaubend komplexen und millionenfach verkauften Alben von Earth, Wind & Fire ein. Die wichtigsten Singles der Gruppe waren in der Regel schnelle Dance-Songs. Aber in den Balladen kommt Whites Spiel besser zur Geltung. Das flinke, ansteigende Rumpeln zu Beginn von „Can’t Hide Love“, die knackigen, aggressiven Läufe in „Love’s Holiday“ und die flinken, prägnanten Riffs, die „After the Love Has Gone“ untermalen.

Auch bei den Up-Tempo-Nummern hinterließ White einen bleibenden Eindruck. Man höre nur, wie er sich durch „Beijo (Interlude)“

und die Töne zum Zittern und Heulen bringt. In Interviews gibt sich White eher bescheiden und schreibt einen Großteil des Verdienstes für seinen Spielstil anderen zu. „Was ich auf einer Platte tun muss, ist sicherzustellen, dass ich den Sänger ergänze“, erklärte er einmal. „Wenn ich den Sänger nicht höre, spiele ich zwar. Aber es fehlt mir die Inspiration.“

18. Chris Squire

Im Laufe der Jahrzehnte kamen und gingen viele Musiker bei Yes. Aber die einzige Konstante (zumindest bis zu seinem Tod im Jahr 2015) war Bassist Chris Squire. Die Prog-Rock-Giganten konnten ohne Titanen wie Keyboarder Rick Wakeman und Gitarrist Steve Howe überleben. Doch Squires Arbeit war das Fundament ihres Sounds.

Inspiriert von Jack Bruce, John Entwistle und Paul McCartney hatte Squire einen dichten, melodischen Ton, der alles von Prog-Klassikern der Siebziger wie „Close to the Edge“ und „Awaken“ bis hin zu Pop-Hits der Achtziger wie „Owner of a Lonely Heart”. „Chris hat die Kunst, die Bassgitarre zu einem Lead-Instrument zu machen, in eine andere Stratosphäre gehoben”, schrieb Wakeman zum Zeitpunkt des Todes seines ehemaligen Bandkollegen. „Und zusammen mit seiner Showmanship und seiner Sorgfalt bei jeder einzelnen Note, die er spielte, machte ihn das zu etwas Besonderem… Wir haben nun die beiden meiner Meinung nach größten Bassisten verloren, die der Classic Rock je gekannt hat. John Entwistle und nun Chris.”

17. Robbie Shakespeare

Robbie Shakespeare und sein Rhythmus- und Produktionspartner, der Schlagzeuger Sly Dunbar, haben der Reggae-Musik über Jahrzehnte hinweg ihren unverkennbaren Stempel aufgedrückt. „Es war der gesamte Körper des Basses. Der Klang und die Art und Weise, wie er mit dem Schlagzeuger harmonierte“, sagte Dunbar, als er Shakespeares Spiel in den frühen 70er Jahren zum ersten Mal hörte. „An einer bestimmten Stelle eines Songs spielte er drei verschiedene Linien. Wechselte die Linie in der Bridge und den Strophen danach. Und erhielt so vier verschiedene Linien.“

Die beiden nahmen mit allen großen Künstlern der goldenen Ära des Reggae auf. Sie verliehen Klassikern wie „Two Sevens Clash“ von Culture und „Equal Rights“ von Peter Tosh eine fließende Melodie und eine unerbittlich solide Grundlage. Sie zeichneten sich durch den elastischen Negativraum des Dub aus, fanden einen einzigartigen Weg, um in einem digitalen Kontext ein organisches Gefühl zu erzeugen, als in den Achtzigern der Dancehall aufkam, und bereicherten die Grooves auf Rock- und Popalben von Grace Jones, Talking Heads, Bob Dylan, Mick Jagger und anderen.

Keine andere musikalische Einheit in der Post-Marley-Ära war so allgegenwärtig, wenn es darum ging, den Sound Jamaikas zu prägen und ihn in die Welt zu tragen.

16. Charlie Haden

Das Erste, was man in den ersten Sekunden von „Lonely Woman“ hört – Ornette Colemans Out-Jazz-Meisterwerk von 1959, das den jungen Lou Reed und eine ganze Generation aufgeschlossener Zuhörer in seinen Bann zog – ist Charlie Haden, der eine sehnsüchtige, pulsierende Bassmelodie über Billy Higgins‘ Double-Time-Ride-Becken spielt. Sein Intro lässt den Song uralt und fest verwurzelt wirken. Als würde er aus der Erde wachsen. Das war Hadens große Gabe als Bassist. Selbst den zeitgenössischsten Stilen – von Colemans fröhlich-ungezügelten Exkursionen bis zum Outsider-Folk von Beck – ein Gefühl der Ewigkeit zu verleihen.

Haden wuchs in Iowa auf und jodelte Country-Songs in der Radiosendung seiner Familie. Als er Charlie Parker spielen sah, entfachte sich seine Liebe zum Jazz. Nachdem er Ende der 50er Jahre zum College nach L.A. gezogen war, traf er Coleman, den Saxophonisten, der den nächsten radikalen Durchbruch des Genres anführen sollte. Haden war ein integraler Bestandteil von Ornettes Kernkonzept. Er verlieh Live- und Studiobands über Jahrzehnte hinweg Kraft und Schwung (unter anderem bei einem Auftritt 1968, bei dem sie

begleiteten) und trug Colemans Fackel in Nebenprojekten wie Old and New Dreams weiter.

Ansonsten war er fast überall dort zu finden, wo zukunftsorientierter, offenherziger Jazz gemacht wurde. Sei es mit Pat Metheny, Keith Jarrett oder Alice Coltrane, in seinem eigenen politisch motivierten Liberation Music Orchestra oder in einem warmen, einfühlsamen Trio mit Ginger Baker und Bill Frisell. Er passte auch nahtlos zur Zusammenarbeit mit Ringo Starr, K.D. Lang oder seinem Sohn und seinen Drillings-Töchtern. „Charlie Haden spielt für die Existenz des Zuhörers“, schrieb Coleman einmal. „Allein dieser Grund macht ihn zu einem musikalischen Guru.“

15. Donald „Duck“ Dunn

Der aus Memphis stammende Donald Dunn – dessen Vater ihm den Spitznamen „Duck“ gab, als die beiden gemeinsam Disney-Zeichentrickfilme sahen – war kein Gründungsmitglied der einflussreichen Stax-Hausband Booker T. and the M.G.’s. Als er jedoch 1964 den Bassisten Lewie Steinberg ablöste, kam die Gruppe richtig in Fahrt. Dunns Zeit bei der Band fiel mit der Entstehung grundlegender Southern-Soul-Platten von Otis Redding, Wilson Pickett und Sam and Dave zusammen. „Als es aggressiver und synkopischer wurde … passte mein Stil besser“, sagte Dunn später.

Zusammen mit dem Schlagzeuger Al Jackson bildete er eine geschickte, vielseitige Rhythmusgruppe, die urbane Popballaden, Country-Soul-Shuffles und uptempo Gospel-Soul gleichermaßen meisterte. Hören Sie sich seine leise absteigende Basslinie in der Instrumentalversion von Sam and Daves „When Something Is Wrong With My Baby“ der M.G.’s an. Oder den galoppierenden Rhythmus, der Reddings „(Sittin’ on) the Dock of the Bay“ einleitet.

Dunn, den Bootsy Collins einmal als „Eckpfeiler unseres musikalischen Fundaments“ bezeichnete, spielte später mit den Größen der Rock- und Pop-Legenden. Eric Clapton, Stevie Nicks, Bill Withers, Neil Young. Aber es war seine einflussreiche Arbeit mit Booker T., Steve Cropper und Al Jackson, die die Popmusik neu definierte. Wie Peter Frampton einmal sagte, schrieb Dunn „das Buch über das R&B-Bassspiel”.

14. John Paul Jones

Obwohl Led Zeppelin Ende der 60er Jahre scheinbar aus dem Nichts auftauchte, hatten sowohl Gitarrist Jimmy Page als auch Bassist und Keyboarder John Paul Jones bereits jahrelange Erfahrung als Session-Musiker. Inspiriert von Motown-Platten und Jazzbassisten wie Charles Mingus spielte Jones auf Aufnahmen von Donovan, Jeff Beck und Dusty Springfield. Er arrangierte die Streicher für „She’s a Rainbow“ von den Rolling Stones.

Als es dann an der Zeit war, die langsamen Lead-Linien in „Dazed and Confused“ und „What Is and What Should Never Be“ oder die treibenden Rhythmen in „Immigrant Song“ und „The Song Remains the Same“ zu spielen – in Harmonie mit Page –, war das für ihn ein Kinderspiel. Sein musikalisches Gespür sollte ihn auch weit über seine Zeit bei Led Zeppelin hinaus begleiten. „John fordert jeden stillschweigend heraus“, sagte Dave Grohl zu der Zeit, als er mit Jones bei Them Crooked Vultures spielte. „Seine Präsenz bringt dich dazu, dein Bestes zu geben. Weil du ihn nicht enttäuschen willst. Und wenn du mithalten kannst, bist du auf dem richtigen Weg.“

13. Stanley Clarke

Eine ganze Generation von Bassisten – von Dave Holland mit Miles Davis über Miroslav Vitous und Jaco Pastorius mit Weather Report bis hin zu Rick Laird mit dem Mahavishnu Orchestra – trug dazu bei, die Raffinesse des Postbop der 60er Jahre mit der Kraft des Arena-Rock zu verbinden. Aber es war Stanley Clarke, der die Rolle des Fusion-Bassgottes wirklich definierte. Clarke begann mit dem Kontrabass und wollte eine Karriere in der klassischen Musik einschlagen. Die Begegnung mit Chick Corea bei einem Auftritt brachte ihn auf einen anderen Weg.

Die beiden gründeten Return to Forever, eine der führenden Jazzgruppen der 70er Jahre, in der Clarke sowohl

auftreten konnte. Auf seinen frühen Solo-LPs – darunter spätere Klassiker des Bass-Repertoires wie „School Days“ – bewegte er sich weiter in Richtung Funk und stellte seine erstaunliche Technik unter Beweis. Ohne dabei jemals den Groove aus den Augen zu verlieren. In jüngerer Zeit hat er sich der Filmmusik und Fernsehkomposition zugewandt. Er war auf Becks zurückhaltendem Grammy-Gewinner „Morning Phase“ zu hören und inspirierte New-School-Größen wie Thundercat (der kürzlich sagte: „Ich danke Gott, dass es einen Stanley Clarke gab, der mir als Maßstab dafür diente, was mit dem Bass möglich ist“).

„Bevor ich kam, standen viele Bassisten im Hintergrund“, sagte Clarke einmal. „Es waren sehr ruhige Typen, die anscheinend keine Musik schrieben. Aber viele dieser Bassisten waren ernsthafte Musiker. Ich habe einfach den Schritt gewagt. Und meine eigene Band gegründet.“

12. Willie Dixon

Obwohl Willie Dixon vor allem als einer der einflussreichsten Bluesmusiker der Geschichte in Erinnerung geblieben ist, dessen Songs von Howlin’ Wolf und Muddy Waters gesungen wurden, ist das nur ein Teil seines Vermächtnisses. Er spielte Bass auf frühen Rockaufnahmen von Chuck Berry und Bo Diddley. Songs, die er schrieb, wie „I Can’t Quit You Baby“ und „I Ain’t Superstitious“, wurden von Led Zeppelin bis Megadeth gecovert. Dixons erster Bass war ein „Blechdosenbass“. Schließlich konnte er etwa 200 Dollar sparen, um sich einen Kontrabass zu kaufen.

Um 1939 herum „boxte, arbeitete und spielte er und versuchte, das Bassspielen zu lernen”, wie er selbst berichtete. Wobei er von den Einheimischen Baby Doo Caston und Hog Mason lernte, bis er seinen eigenen wellenförmigen, genreprägenden Stil entwickelte. „Nach zwei oder drei Wochen konnte ich schon fast so gut spielen wie heute“, sagte er 1980. Als Berry ihm zum ersten Mal den Song vorspielte, der später „Maybellene“ werden sollte, fand Dixon, dass er zu sehr nach Country & Western klang. Also „dachte ich, dass eine bluesige Idee oder ein bluesiges Gefühl, das darin fehlte, den Song besser machen würde“. Er verlieh dem Stück einen Hauch von Rock ’n‘ Roll.

„Willie Dixon ist der wichtigste [Einfluss auf mich]“, sagte Bill Wyman von den Rolling Stones einmal. „Ich habe Willie Dixon immer besonders verehrt. Weil er mit Chuck Berry und Little Walter, Howlin’ Wolf und vielen anderen bei Chess [auf Platten] zu hören war.“

11. Phil Lesh

So wie die Grateful Dead den Sound einer Rockband neu definiert haben – lockerer und jammiger, mit gleichen Anteilen Jazz und Country –, hat Phil Lesh uns den Bass auf eine neue Art hören lassen. Der Gründungsmitglied und langjährige Bassist der Dead wuchs mit experimenteller und klassischer Musik auf. Er spielte in der Highschool Trompete und Violine. Er griff erst zu seinem charakteristischen Instrument, als er gefragt wurde, ob er bei den Warlocks, der ersten Version der Dead, mitmachen wolle.

Infolgedessen ignorierte Lesh die üblichen Walking-Bass-Klischees. „Ich dachte, dass das nicht zu der Musik passen würde, die ich mit Jerry machen würde, einfach etwas zu tun, was schon jemand anderes getan hatte“, sagte er 2014. Seine Idee – „Bass und Lead gleichzeitig zu spielen“, wobei seine Noten in und um die Melodie herumflitzen – wurde zu einem ebenso unverwechselbaren Teil des Sounds der Dead wie Garcias Gitarre.

Sein unkonventioneller Sound ist in Studioaufnahmen wie „Truckin’“, „Shakedown Street“ und „Cumberland Blues“, der Live-Version von „Scarlet Begonias“ aus der legendären Cornell-Show von 1977 und vielen Live-Versionen von „Eyes of the World“ (beginnend mit One From the Vault von 1975) zu hören.

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10. Ron Carter

„Am Bass ist mein Mann Ron Carter“, sagt Q-Tip stolz im Outro des superfunkigen Tracks „Verses From the Abstract“ aus dem Album Low End Theory von A Tribe Called Quest. Der Track, ein Meilenstein für die Schnittstelle zwischen Jazz und Hip-Hop, war für den großartigen Ron Carter, der seit 60 Jahren an historischen Sessions mitwirkt, nur ein weiterer Tag im Büro.

Mit mehr als 2.200 Credits bis Herbst 2015 erhielt er ein Jahr später einen Guinness-Weltrekord als meistaufgenommener Bassist der Jazzgeschichte. Abgesehen von den nackten Zahlen ist Carters Lebenslauf beeindruckend: Er war das Rückgrat des Miles Davis Quintetts der 1960er Jahre, das den Jazz auf molekularer Ebene neu definierte, verlieh den Klassikern von Roberta Flack und Aretha Franklin einen unerschütterlichen Drive, lieferte ein üppiges rhythmisches Fundament für den Bossa-Nova-Pionier Antônio Carlos Jobim und fand den

. Ob in einem zurückhaltenden Duo oder einer beschwingten Big Band, Carter verleiht jedem Auftritt einen Hauch von purer Klasse.

„Ich halte Mr. Carter für einen der vollendetsten Musiker, die es je gab“, sagte sein langjähriger Fan und Kollaborateur Pat Metheny im Jahr 2016. „Er hat buchstäblich in Tausenden von einzigartigen Konstellationen gespielt und findet immer etwas, das das Beste aus seinen Mitmusikern herausholt, während er gleichzeitig seiner eigenen starken Identität treu bleibt.“

9. Paul McCartney

Es fällt schwer, Paul McCartney in irgendeiner Kategorie als unterschätzt zu betrachten. Aber trotz all des Lobes, das er als Sänger, Songwriter und Live-Performer erhalten hat, ist es durchaus möglich, dass er für seine zurückhaltende Bassbegeisterung nicht genug Anerkennung bekommen hat. Er begann zunächst aus der Not heraus mit dem Bassspielen, nachdem Stu Sutcliffe 1961 in Hamburg die Beatles verlassen hatte. „Es gibt eine Theorie, dass ich Stu böswillig aus der Gruppe verdrängt habe, um den begehrten Platz als Bassist zu bekommen“, erzählte McCartney dem Biografen Barry Miles. „Vergessen Sie’s! Niemand will Bass spielen. Oder zumindest wollte das damals niemand.“

Aber er machte sich das Instrument zu eigen, insbesondere als die Studioexperimente der Beatles in der zweiten Hälfte der 60er Jahre begannen und er seinen Hofner gegen einen Rickenbacker austauschte. McCartneys Bass konnte eine coole, beständige Unterstützung sein. Wie in „Lucy in the Sky With Diamonds“ und „Dear Prudence“. Oder eine farbenfrohe Hauptrolle für sich – siehe „Paperback Writer“, „Rain“ und „A Day in the Life“. Alles Songs, in denen sein Spiel die Sehnsucht nach einem freieren oder aufregenderen Leben hinter alltäglichen Texten vermittelt. S

ein verspielter, melodischer Stil in dieser Zeit war stark von James Jamerson von Motown beeinflusst, den er oft als seinen größten Einfluss auf das Instrument bezeichnet. Nach 1970 hielt McCartney mit der Zeit Schritt und groovte mit „Silly Love Songs” und „Goodnight Tonight” majestätisch in die Disco-Ära hinein. „Goodnight Tonight“ majestätisch in die Disco-Ära hinein. Und obwohl sein Interesse an der viersaitigen Bassgitarre im Laufe der Jahre mal mehr, mal weniger groß war, hat er nie aufgehört, Generationen von Kindern zu inspirieren, das Ausdruckspotenzial einer großartigen Basslinie zu erkennen.

8. Jaco Pastorius

„Mein Name ist John Francis Pastorius III. Ich bin der beste Bassist der Welt. “ Das war Jaco Pastorius’ erste Aussage gegenüber Joe Zawinul, als er den Keyboarder von Weather Report 1974 hinter der Bühne bei einem Konzert in Miami traf. Zawinul spottete damals, aber ein paar Jahre später, nachdem Pastorius der Gruppe beigetreten war und ihnen zu echtem Fusion-Superstar-Status verhalf, lachte er nicht mehr.

Jaco setzte mit seinem selbstbetitelten Debütalbum von 1976, auf dem er mit Leichtigkeit rasanten Bebop spielte und mit glockigen Obertönen glänzte, neue Maßstäbe für die Virtuosität des E-Basses. Im selben Jahr schloss er sich Weather Report an. Er begeisterte das Publikum mit seinem charakteristischen fretless Sound und seinem selbstbewussten Flair. Und widerlegte ein für alle Mal die Vorstellung, dass der Bass ein Hintergrundinstrument sei. So auffällig er als Musiker auch war, so hervorragend war er auch als Partner. Von Mitte der 70er bis in die 80er Jahre – vor seinem tragischen Tod im Alter von 35 Jahren – passte Pastorius‘ revolutionärer Vier-Saiten-Ansatz perfekt zu jedem. Von Pat Metheny bis Jimmy Cliff, und insbesondere zu Joni Mitchells zunehmend experimentierfreudigem Songwriting auf Alben wie Hejira.

„Es war, als hätte ich ihn geträumt. Ich musste ihm keine Anweisungen geben“, sagte Mitchell einmal über Jaco. „Ich konnte ihn einfach machen lassen, mich zurücklehnen und seine Entscheidungen feiern.“

7. Larry Graham

Als Mitglied von Sly and the Family Stone trug Larry Graham mit Hits wie „Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)“ und „Dance to the Music“ zur Popularisierung der Slap-Bass-Technik bei. Er entwickelte diesen unverkennbaren, perkussiven Ansatz – Graham nennt ihn „thumpin’ and pluckin’“ – während er mit seiner Mutter in San Francisco in einem Trio spielte. Als der Schlagzeuger ausstieg, „schlug ich mit dem Daumen auf die Saiten, um die Bassdrum zu ersetzen. Und zupfte mit den Fingern an den Saiten, um die Backbeat-Snaredrum zu ersetzen“, erinnerte sich Graham.

Diese Linien brachen in den Songs von Sly and the Family Stone hervor. Sie kehrten die traditionellen Rollen der Instrumente in der Popmusik um und hinterließen einen unauslöschlichen Eindruck auf zukünftige Ikonen wie Prince. Ein Freund und häufiger Partner von Graham, der einmal Graham als „meinen Lehrer“ bezeichnete.

„Wenn man sich Platten aus den Fünfzigern anhört, stellt man fest, dass alle melodischen Informationen sehr laut abgemischt sind … und die rhythmischen Informationen eher leise“, erklärte Brian Eno 1983. „Seit dem Album Fresh von Sly and the Family Stone gibt es eine Umkehrung, bei der die Rhythmusinstrumente, insbesondere die Bassdrum und der Bass, plötzlich zu den wichtigen Instrumenten im Mix werden.“ Graham hatte eine einfache Erklärung für all das. Wenn man mit so viel Kraft spielt, „können sich die Tänzer einfach nicht verstecken“.

6. Jack Bruce

Eric Clapton und Ginger Baker standen bei Cream zwar im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit. Aber Jack Bruce gab der Gruppe den nötigen Schub, um sie zu einem echten Power-Trio zu machen. Während Clapton seine hochfliegenden Blues-Licks spielte und Baker hinter seinem Schlagzeug jazzige neue Dimensionen erkundete, hielt Bruce, der auch der Leadsänger der Gruppe war, die Band mit schweren Basslinien zusammen, die immer in Bewegung zu sein schienen.

„Jack Bruce hat mir definitiv die Augen dafür geöffnet, was ein Bassist live leisten kann“, sagte Geezer Butler, Bassist von Black Sabbath, einmal. „Ich ging hauptsächlich wegen Clapton zu Cream. Und war fasziniert von Jack Bruces Spiel. Ich wusste nicht, dass ein Bassist solche Dinge tun kann, indem er die Lücke füllt, die normalerweise die Rhythmusgitarre ausfüllt.“ Bruce spielte nervöse, stürmische Lines unter den Gruppengesängen des Trios in „I Feel Free“, raffinierte Harmonien in „Sunshine of Your Love“ und im Grunde genommen sein eigenes Riff unter Claptons in „Strange Brew“.

„Er war ein kleiner Kerl, aber sein Spiel war monströs“, sagte Mountain-Gitarrist Leslie West, der später mit Bruce spielte. „Er brachte seinen Bass zum Bellen. Und alles, was er tat, war so melodisch.“

5. Carol Kaye

Kaye sammelte erste Erfahrungen in Jazzclubs der 1950er Jahre und machte sich als Studiogitarristin für Hitmacher wie Sam Cooke einen Namen. Später wurde sie mit mehr als 10.000 Titeln die meistaufgenommene Bassistin aller Zeiten. Vom sonnigen Swing des Beach-Boys-Songs „Help Me, Rhonda“ aus dem Jahr 1965 über Richie Valens‘ mittlerweile klassischen Version von „La Bamba“ aus dem Jahr 1958 bis hin zu Frank und Nancy Sinatras romantischer Interpretation von „Somethin‘ Stupid“ aus dem Jahr 1967 – Kayes Fingerabdrücke sind überall in der Geschichte der modernen Popmusik zu finden.

Und dabei sind ihre unzähligen Film- und Fernsehserien-Titelsongs noch nicht einmal mitgezählt. Sie verlieh Titelsongs für alles von Batman bis Mission Impossible ihre einzigartig groovige Grundlage. „Ich war Gitarristin und dachte: ‚Gott, das ist eine ziemlich einfache Basslinie‘“, erzählte sie For Bass Players Only über die Intuition, die ihr beim Spielen half. „Ich dachte, der Bass könnte sich mehr bewegen. Dann würde die Musik besser klingen.“

Ihre prominenten Mitstreiter waren offensichtlich derselben Meinung. „Er hat meinen Basssound in den Mixes ganz nach vorne gebracht“, sagte sie 2011 über Brian Wilson. „Bei einem Song wie ‚California Girls‘ hört man manchmal kaum etwas anderes. Er mochte einfach meinen Sound und die Art, wie ich mich auf dem Griffbrett bewegte.“

4. Bootsy Collins

Bootsy Collins – oder „Bootzilla“, „Casper the Friendly Ghost“ oder „The World’s Only Rhinestone Rock Star Doll, Baba“, je nach Song – definierte in den 70er Jahren das Soul- und Funk-Bassspiel neu und damit auch den Rap und Pop in den 80er und 90er Jahren. Collins schloss sich 1970 James Browns Begleitband, den J.B.’s, an. Er übernahm sofort das Konzept von „The One“ des Soul Brother No. 1, bei dem der erste Schlag eines Takts so hart wie möglich gespielt und der Rest mit Funkiness gefüllt wird.

Später entwickelte er dieses Konzept zu einem psychedelischen Wunderland weiter, als er sich George Clintons Clique anschloss und in Parliament und Funkadelic einen matschigen Wah-Wah-Bass spielte, bevor er als Solostar mit seiner eigenen Band Rubber Band auftrat, eine sternförmige Sonnenbrille trug, einen sternförmigen Bass spielte und mit comicartiger Begeisterung cartoonhafte Liebeslieder sang.

Sein Einfluss ist bei praktisch jedem Bassisten seitdem zu hören. Von Flea von den Red Hot Chili Peppers bis hin zu den Platten, die Dr. Dre großzügig sampelte, um den G-Funk-Sound zu kreieren. „Bootsy kam dazu. Alles, was er hinzufügte, war die Betonung des ersten Taktschlags“, sagte einmal George Clinton. „Man konnte das zu ‚The ABC’s‘ hinzufügen und schon war es in zwei Sekunden Funk. Und von da an war alles, was wir machten, wirklich funky. Egal wie sehr wir versuchten, poppig zu sein.“

3. John Entwistle

John Entwistle von The Who hatte viele Spitznamen. Darunter „The Ox“ (der Ochse) aufgrund seiner imposanten Statur und seines unersättlichen Appetits und „The Quiet One“ (der Stille) wegen seines stoischen Auftretens. Am treffendsten war jedoch „Thunderfingers“, ein Name, der ihm gegeben wurde, weil jedes Mal, wenn er eine Note auf dem Bass spielte, es klang, als würde ein heftiger Sturm über den Horizont hereinbrechen.

Es war ein Stil, den er entwickelte, um auf derselben Bühne wie die extravaganten Showmen Keith Moon und Pete Townshend gehört zu werden. Aber er brachte eine bemerkenswerte Fluidität und Anmut in seine Rolle ein, die anders war als alles, was man zuvor gehört hatte. Einfach ausgedrückt, behandelte er den Bass wie ein Lead-Instrument und ließ ihn genauso hervorstechen wie jede Gitarre.

Sein kräftiges Solo in „My Generation“ inspirierte unzählige Teenager dazu, den Bass in die Hand zu nehmen. Obwohl es fast unmöglich war, sein Spiel nachzuahmen. „Entwistle war wohl der größte Rock-Bassist von allen”, sagte Geddy Lee von Rush. „Er wagte es, die Rolle und den Klang der Bassgitarre aus den dunklen Tiefen zu holen und sie mit seinen erstaunlichen Fähigkeiten zur Geltung zu bringen.”

2. Charles Mingus

Charles Mingus war so viel mehr als nur ein Bassist. Er war Komponist, Konzeptkünstler, klassisch ausgebildeter Cellist und Gesellschaftskritiker. Manchmal vergisst man, wie beeindruckend er auf seinem Instrument war. Aber im Zentrum seiner üppigen, kaleidoskopischen Stücke stand ein unerbittlicher rhythmischer Drive, der von seinen Fingern über die Saiten direkt in seine Bands floss und es so klingen ließ, als würden die Solisten auf einem riesigen Trampolin springen.

Hören Sie sich an, wie er klassische Kompositionen wie „II B.S.“ und „Better Get Hit in Your Soul“ spielt, im Einklang mit dem Schlagzeuger und musikalischen Seelenverwandten Dannie Richmond, und Sie werden ein Gefühl für die Kraft und Anmut seines Spiels bekommen. Für die Art und Weise, wie er eine Walking-Line sowohl wuchtig als auch flink klingen lassen konnte.

Mingus‘ Karriere umfasste mehrere Epochen des Jazz, und seine Beherrschung des Instruments ließ stilistische Unterschiede irrelevant erscheinen: Deshalb klingt er gleichermaßen zu Hause, wenn er Ende der vierziger Jahre mit Lionel Hamptons Big Band swingt (auf seinem eigenen „Mingus Fingers“), mit anderen Bebop-Größen in den Fünfzigern jammt (auf dem berühmten Album Jazz at Massey Hall, auf dem die Bassparts im Studio von dem für seine Genauigkeit bekannten Mingus nachvertont wurden) und in den Sechzigern einen lebhaften, perkussiven Dialog mit seinem musikalischen Idol Duke Ellington führt (auf dem unsterblichen Money Jungle).

Obwohl er vor allem für seinen Beitrag zum Jazz bekannt war, war er nie daran gebunden, wie seine Zusammenarbeit mit Joni Mitchell und sein Einfluss auf Rockgrößen der 60er Jahre wie Jack Bruce und Charlie Watts zeigen. Zeit seines Lebens sprach sich Mingus immer wieder gegen diejenigen aus, die versuchten, seine Kunst zu beschränken oder zu unterschätzen. In einem Kommentar zur Ungerechtigkeit der Umfragen von Jazzkritikern sagte er einmal: „Ich will keine dieser verdammten Umfragen. Ich weiß, was für ein Bassist ich bin.“

1.  James Jamerson

James Jamerson war das Herzstück der Rhythmusgruppe von Motown und erweiterte mit einem Hit nach dem anderen die Möglichkeiten für Bassisten, blieb dabei jedoch weitgehend unbekannt, da Session-Musiker auf den Motown-Aufnahmen der 1960er Jahre selten namentlich genannt wurden. „James Jamerson wurde mein Held“, sagte Paul McCartney

, „obwohl ich seinen Namen bis vor kurzem gar nicht kannte.“ Als Jamerson seine Karriere begann, wurde der Bass weitgehend als zweckmäßiges Begleitinstrument angesehen.

Die meisten Bassisten hielten sich an „stagnierende Zwei-Takt-Muster, Grundton-Quint-Muster und klischeehafte Basslinien nach dem Vorbild von ‚Under the Boardwalk‘“, so steht es in Standing in the Shadows of Motown: The Life and Music of Legendary Bassist James Jamerson. Jamerson trug dazu bei, dieses Gebiet zu revolutionieren, indem er seine Parts mit zusätzlichen Synkopen, zusätzlichen Akkorden, die melodische Tiefe und Komplexität verliehen, und Klangfarben, die an Gospel-Harmonien erinnerten, aufpeppte. Seine Beiträge zu legendären Platten lassen sich unmöglich schnell zusammenfassen. Aber zu seinen wichtigsten Motown-Aufnahmen gehören „My Girl“ von den Temptations, das sicherlich einen der bekanntesten und sofort begeisternden Bassparts in der gesamten Popmusik hat. „I Heard It Through the Grapevine“ von Gladys Knight, wo er einen sanften, sprudelnden Kontrapunkt zum nervösen Klavier spielt, und „What’s Going On“ von Marvin Gaye, wo Jamerson seine hypermelodische Bestform zeigt.

„James ging einen Schritt über das hinaus, was Bassisten normalerweise tun“, erklärte Bob Babbitt, der ebenfalls auf mehreren Tracks von „What’s Going On“ Bass spielte. „Zuerst ging er Risiken ein und ließ sich gehen, dann wurde es für ihn ganz natürlich, und dabei veränderte er den Verlauf des Bassspiels.“