Die 50 besten Bassisten aller Zeiten

40. Bill Black

Bill Black – Elvis Presleys früher Bassist und Mitglied der Blue Moon Boys, dem berühmten Trio des Sängers mit dem Gitarristen Scotty Moore – war nie als einer der auffälligsten Instrumentalisten seiner Zeit bekannt. Aber seine innovative Slap-Bass-Technik war ein Eckpfeiler von Presleys revolutionärem Rock ‚n‘ Roll. „Bill war einer der schlechtesten Bassisten der Welt“, sagte Sam Phillips, der Besitzer von Sun Records, einmal. „Aber Mann, konnte der das Ding slappen!“

Blacks treibender Sound auf dem Kontrabass verlieh Presleys frühesten Stücken wie „Heartbreak Hotel“ und „That’s All Right“ den mitreißenden Drive einer kompletten Rhythmusgruppe. Obwohl überhaupt keine Drums zu hören waren. Paul McCartney war insbesondere von Blacks Spiel in „Heartbreak Hotel“ so begeistert, dass seine Frau Linda McCartney Blacks Original-Kontrabass aus dieser Session aufspürte und ihm in den 70er Jahren schenkte.

Moore erinnerte sich an Blacks Rolle bei Presleys Aufnahme des Country-Favoriten „Blue Moon of Kentucky“, der Presleys erste B-Seite wurde. „Bill sprang auf, schnappte sich seinen Bass. Er begann, ihn zu slappen, während er ‚Blue Moon of Kentucky‘ mit hoher Falsettstimme sang“, sagte Moore. „Das war Bill, wie er am besten war. Der Song wurde als Ballade aufgenommen. Aber Bill sang ihn uptempo, während seine Basslinien in rasendem Tempo hämmerten. Elvis war begeistert.“

39. Kim Gordon

Während ihrer Blütezeit als Pioniere des Indie- und Alternative-Rock war nichts an Sonic Youth standardmäßig. Von ihren kunstvollen Videos über ihre bevorzugten Schichten seltsam gestimmter Gitarrenklänge bis hin zu Kim Gordons Bassparts. Gordon hatte das Instrument noch nie zuvor gespielt, als sie die Band Anfang der 80er Jahre mitbegründete. Nach eigener Aussage erreichte ihr Können nie das Niveau einer Virtuosin. Aber ihr primitiver Stil passte perfekt zu einer Band, die vor allem das Unkonventionelle schätzte, bis hin zu den kaputten und umgebauten Gitarren, die sie spielten.

„Mein Bassspiel hat immer sehr gut funktioniert, weil es minimalistisch war“, sagt sie. „Es gab einige Songs, bei denen Thurston [Moore] eine Melodie für den Song hatte, sodass er wollte, dass ich Grundtöne spiele. Ich hatte das Gefühl, dass es nicht meine Aufgabe war, eine gute Bassistin zu werden. “

Gordons charakteristischer Sound – ein kehliges Groove, das wie eine heranfahrende U-Bahn klingt – ist in der gesamten Diskografie der Band zu hören. Von frühen, dunklen Rumpeln wie „Brave Men Run (In My Family)“ über Tracks aus ihrem kommerziellen Höhepunkt der Neunziger, Dirty („Youth Against Fascism“, „Sugar Kane“), bis hin zu späteren, eher trägen Statements wie „Jams Run Free“.

38. Pino Palladino

Als John Entwistle 2002 plötzlich verstarb, hätten The Who so ziemlich jeden Bassisten der Welt anrufen können, um ihn zu ersetzen. Sie entschieden sich für Pino Palladino. Zu diesem Zeitpunkt hatte der walisische Musiker bereits mit allen gespielt. Von Jeff Beck und Elton John bis hin zu John Mayer, Don Henley und B.B. King. Aber seine wahre Stärke lag im R&B. Viele seiner besten Arbeiten finden sich auf Alben wie D’Angelos Meisterwerk „Voodoo“ aus dem Jahr 2000 und Erykah Badus „Mama’s Gun“ aus demselben Jahr.

Auf beiden Alben spielte Palladino sanfte, synkopierte Grooves. Ähnlich wie James Jamerson, einer seiner Helden, es in den 60er Jahren auf Motown-Platten getan hatte. Seine Rolle bei The Who verschaffte ihm die größte Plattform seiner Karriere. Er tourte anschließend mit Nine Inch Nails und Simon and Garfunkel. „Als der Anruf kam, mit The Who zu spielen, arbeitete ich gerade mit Erykah Badu und D’Angelo zusammen und musste meinen gesamten Stil ändern“, sagte er. „Der Manager sagte: ‚John [Entwistle] ist tot. Kannst du in drei Tagen einen Gig im Hollywood Bowl spielen?‘ So etwas lehnt man nicht ab. Erst hinterher habe ich über die Konsequenzen nachgedacht. Pete Townshends Anweisung lautete: ‚Spiel, was du willst. Solange du nur laut spielst!‘“

37. John McVie

Im Zentrum des emotionalen Sturms namens Fleetwood Mac steht der robuste, einfühlsame John McVie, der die Solidität des Old-School-Rock mit kalifornischer Gelassenheit verbindet und seit fünf Jahrzehnten den Sound der Band prägt. McVie begann seine Karriere Mitte der 60er Jahre bei John Mayall and the Bluesbreakers. Er übertrug diesen grundlegenden Antrieb auf Fleetwood Mac (eine Band, die nach ihm benannt ist).

Er bildete eine unerschütterliche Verbindung mit seinem Bandkollegen Mick Fleetwood in ihrer jam-lastigen Peter-Green-Ära, die sich bis in die hochfliegende Buckingham-Nicks-Ära fortsetzte. Hits wie „Go Your Own Way” und „Rhiannon” haben eine subtile Härte, die sich von den entspannten L.A.-Kollegen der Band abhebt. „Du bist ein Monster, John”, rief Fleetwood aus, als er sich McVies „Go Your Own Way”-Zeilen in der Dokumentation Classic Albums über Rumours anhörte, Und es ist unmöglich, an „The Chain” zu denken, ohne dass einem dieser ikonische McVie-Bassbreak im Kopf hängen bleibt.

„Ich versuche immer, mit der Kick-Drum einzusteigen”, sagte McVie einmal. „Mick [Fleetwood] weiß, wohin ich gehe, und ich weiß, wohin er geht, also passt der Song – hoffentlich jedenfalls.“

36. Les Claypool

In der Bay Area konnte man Ende der Achtzigerjahre einen Stein werfen und traf garantiert einen Thrash-Funk-Bassist. Aber Les Claypool stach sofort aus der Legion aggressiver Slap-Popper heraus. Der schlaksige Primus-Kapitän behandelte den Bass eher wie ein Lead- als wie ein Rhythmusinstrument. Er trieb die Songs mit allem voran. Vom hyperaktiven Tapping mit der linken Hand auf dem Griffbrett (das morsezeichenartige Intro zu „Jerry Was a Race Car Driver“) bis zum blitzschnellen Strumming („Pudding Time“). „Eine der wichtigsten Entscheidungen, die ich zu Beginn meiner Karriere getroffen habe, war, mit drei Fingern zu spielen“, sagte er einmal. „Viele spielen mit zwei Fingern. Also dachte ich mir, wenn ich mit drei spiele, könnte ich schneller sein.“

Und obwohl der Mann einen wirklich donnernden Daumen hat, ist sein Spiel ebenso von Captain Beefheart wie von Bootsy Collins inspiriert. Mit einem eklektischen Sound, der seine selbsternannten „Piratenlieder“ über Alpha-Männchen, mythische Fischer und mörderische Hinterwäldler ergänzt. Er hat alles von Metal-Riffs – man beachte die gedämpften Triolen in „The Toys Go Winding Down“ – bis hin zu Ragas aus dem Nahen Osten in sein Spiel integriert. Seine Nebenprojekte in Jam-Band-Supergroups wie Oysterhead und Colonel Claypool’s Bucket of Bernie Brains haben seine Improvisationsfähigkeiten geschärft. Und seine Zusammenarbeit mit Sean Lennon ermöglichte ihm einige prog-psychedelische Abstecher in die Phil Zone.

Vor allem aber hat Claypool den Bass davon befreit, nur den Grundton zu halten. „Es hat mich wirklich begeistert, zu sehen, wie er sich dem Instrument näherte”, sagt Geddy Lee von Rush, der in den Neunzigern mit Claypool auf Tournee war. „Er sagte mir immer: ‚Du hast einen großen Einfluss auf mich’. Aber … er hat seinen eigenen Stil. Er hat ein Rhythmusgefühl, das ich sehr ansprechend finde. “

35. Louis Johnson

Selbst wenn Louis Johnson nichts anderes getan hätte, als die unerbittliche, shuffelnde Basslinie zu spielen, die Michael Jacksons „Billie Jean“ prägt und vorantreibt, hätte er es wahrscheinlich trotzdem verdient, in diese Liste aufgenommen zu werden. Aber als einer der bevorzugten Session-Bassisten von Quincy Jones spielte Johnson auf einer Reihe von Hits der späten Siebziger und frühen Achtziger Jahre. Und trug so dazu bei, einige der raffiniertesten und treibendsten Pop-Songs der Geschichte zu schaffen.

Er war ein Meister der melodischen Innovation von James Jamerson. Hören Sie sich den Refrain von Jacksons „Off the Wall“, wenn Johnson eine gleitende Linie spielt, die so schwungvoll und präzise ist wie Jacksons spritziger Gesang. Aber Johnson verstand auch den Wert von Larry Grahams „thumpin‘ and pluckin’“-Technik, die die Fenster zum Klappern bringt. Da ist er wieder, auf Michael McDonalds „I Keep Forgettin‘ (Every Time You’re Near)“. Diesmal mit tiefen, hartnäckigen Parts – wie viele Noten quetscht er in den Riff um die 10-Sekunden-Marke? –, die eine ganze Generation von Hip-Hop-Produzenten inspirieren sollten.

„Ich setzte mich mit ihm zusammen und brachte ihm bei, wie man damit umgeht. Nach bestem Wissen und Gewissen, basierend auf dem, was ich bis dahin gehört hatte”, sagte einmal Johnsons Bruder und Bandkollege George, der den Spitznamen „Lightnin’ Licks” zu Louis’ „Thunder Thumbs” trug, über die Einführung seines Bruders in den Bass. „Es war, als wäre man ein Star-Quarterback und würde den Ball werfen. Louis war total begeistert davon. Er nahm den Ball. Und lief jedes Mal damit zum Touchdown.“

34. Richard Davis

Richard Davis’ Lebenslauf aus den Sechzigern liest sich wie eine Übersicht über einige der anspruchsvollsten und nachhaltigsten musikalischen Statements dieses Jahrzehnts. Von Meilensteinen des Progressive Jazz wie Eric Dolphys Out to Lunch! und Andrew Hills Point of Departure bis hin zu Van Morrisons Free-Folk-Meisterwerk Astral Weeks. Aber das ist nur ein Bruchteil seines Gesamtwerks. In den letzten mehr als 60 Jahren hat er auch die Bands, Sessions und Auftritte von Größen wie Sarah Vaughan, Paul Simon und Igor Strawinsky bereichert.

Davis ist in intimen Umgebungen am besten, wo sein zutiefst einfühlsames Spiel zur Geltung kommt. Sei es, wenn er in einem Duett mit Dolphy in Duke Ellingtons „Come Sunday“ mitreißende Arco-Linien spielt. Wenn er in „Meeting Across the River“ eine warme rhythmische Grundlage für Bruce Springsteens Geschichte über einen Kleinkriminellen liefert. Oder wenn er in Stücken wie „Beside You“ unmöglich ergreifende Phrasen zaubert, die Morrisons Poesie ergänzen. „ Für mich war es die ganze Zeit Richard”, sagte Astral Weeks-Produzent Lewis Merenstein, als er 40 Jahre später über die Platte reflektierte. „Richard war die Seele des Albums.”

33. Lemmy

Motörheads bekanntester Song, „Ace of Spades“, beginnt mit einer tap-tanzenden Basslinie von Lemmy Kilmister, bevor er in eine Melodie übergeht, die klingt, als würde seine Rickenbacker direkt in die Hölle fahren, während er davon singt, „zum Verlieren geboren“ zu sein. Sowohl in seinen Texten als auch in seinem Bassspiel drehte sich Kilmisters Ästhetik um rücksichtsloses Loslassen. Vor Motörhead war er Rhythmusgitarrist. Er wechselte dann aber zum Bass, um bei den Space-Rockern Hawkwind zu spielen.

„[Bass] ist wie Gitarre spielen ohne die beiden obersten Saiten“, sagte Kilmister einmal. „Ich habe einfach Akkorde aus den Saiten gemacht, die mir noch blieben. Das ist unorthodox. Aber für uns funktioniert es.“ Nachdem er wegen seiner Vorliebe für Aufputschmittel aus dieser Band ausgeschlossen worden war, entwickelte er seinen eigenen rauen Stil. „Lemmy hat mich in seiner Art, Verzerrung einzusetzen, beeinflusst. Das war anders, neu und aufregend“, sagte der verstorbene Bassist von Metallica, Cliff Burton, einmal.

Kilmisters Ansatz passte perfekt zu seiner rauen Stimme und seinem Underdog-Witz und machte ihn einzigartig. Eine Besonderheit, auf die er stolz war. „Ich glaube, ich spiele wie kein anderer“, sagte er einmal. „Ich wollte immer John Entwistle sein. Aber da dieser Platz schon besetzt war, wurde ich eine schlechtere Version davon.“

32. Sting

Sting hat im Laufe der Jahre so viel Aufmerksamkeit für seine Songwriting-Fähigkeiten und sein Gesangstalent erhalten, dass seine Technik als Bassist manchmal übersehen wird. Der ehemalige Frontmann von The Police lernte, gleichzeitig zu singen und zu spielen, indem er Platten mit 78 Umdrehungen pro Minute hörte, damit er die Bassparts deutlicher hören konnte. „Ich war Gitarrist und habe in Clubs gespielt. Dann hat mir jemand einen selbstgebauten Bass geliehen, und ich habe mich sofort in ihn verliebt. In seine Größe, seine Ästhetik. Und mir wurde klar, dass ich Bass spielen und singen konnte“, erzählte er Bass Player. „Ich habe gelernt, Paul McCartneys Parts in Beatles-Songs zu spielen und gleichzeitig zu singen.“

Bei The Police trug er mit seinen pulsierenden, melodischen Linien dazu bei, den ikonischen Mix aus New Wave und Reggae der Band zu festigen. Sein Bass ist besonders deutlich in „Every Breath You Take“ und „Roxanne“ zu hören, wo er Andy Summers‘ Gitarrenriffs unterstützt, ohne sie zu übertönen. Er hat seinen kreativen Horizont weiter ausgebaut, wie zum Beispiel auf 44/876, seinem 2018 erschienenen Album mit Shaggy, auf dem seine geschmackvollen, dubartigen Darbietungen den entspannten Groove der Songs untermalen.

„Es gab einen goldenen Sonnenstrahl, der vom Himmel herabkam, durch das Dach des Gebäudes, durch die Decke und auf diesen Bassisten fiel“, sagte Police-Schlagzeuger Stewart Copeland über das erste Mal, als er Sting 1976 auf der Bühne sah. „Und als Schlagzeuger in einer Band habe ich damals nicht einmal bemerkt, dass er gesungen hat.“

31. Bernard Edwards

„Hört mal, ihr könnt zu Hause haben, was ihr wollt. Aber jeder braucht ein bisschen Freitagabend“, sagte Bernard Edwards von Chic 1979. Edwards baute auf seinem intensiven Studium des Jazz und der Klassik auf, um der einflussreichste Bassist des Disco zu werden. Mit seinem Bandkollegen und langjährigen Freund Nile Rodgers verwandelte er jede Minute in einen Freitagabend. Und lieferte den Soundtrack für Tausende von Tanzflächen in den späten Siebzigern und darüber hinaus.

Hätte er „Good Times“ allein aufgenommen – eine der meistgesampelten Basslinien der Geschichte und Inspiration für den ersten Mainstream-Hit des Hip-Hop „Rapper’s Delight“ –, wäre er auf dieser Liste gelandet. Aber als Co-Songwriter, Produzent und Bassist von Chic-Titeln wie „Le Freak“, „I Want Your Love“ und „Everybody Dance“ sowie von Hits von Sister Sledge („We Are Family“), Diana Ross („I’m Coming Out“) und Madonna („Like a Virgin“, „Material Girl“) verwandelte Edwards sofort mitreißende Riffs in Dance- und Pop-Klassiker.

Während sich die meisten Bassisten im Hintergrund hielten, trat der mühelos und stets stilvolle Edwards in den Vordergrund. Er starb 1996 im Alter von 43 Jahren. Aber solange es Hochzeiten, Partys oder andere Anlässe gibt, um buchstäblich alles zu feiern, wird sein Werk unsterblich bleiben.

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