Die 50 besten Prog-Alben aller Zeiten

20

King Crimson - „Larks’ Tongues in Aspic“

Mit seiner dritten Besetzung in vier Jahren hat der King-Crimson-Gitarrenvirtuose Robert Fripp endlich wieder eine musikalische Energie freigesetzt, die so kraftvoll und bahnbrechend ist wie die seines Debüts „In the Court of the Crimson King“ aus dem Jahr 1969. Das fünfte Album der Gruppe war eine meisterhafte Mischung aus sorgfältiger Komposition und wildem Experimentieren, als würde Fripp einen Verrückten darstellen, der von Schimmern melancholischer Klarheit getroffen wird. Letztendlich ist es schwierig zu sagen, welche Passagen glückliche Zufälle waren und welche sorgfältig konstruiert wurden; und es ist noch schwieriger zu bestimmen, welche wirkungsvoller sind, da klappernde Tabletts, läutende Glocken, zwitschernde Vögel, zurückhaltende Stimmen und das Lachen von Clowns mit blechernen, statikgefüllten Gitarren, epileptischen Beats und Geigenlinien, die von wunderschön bis erschütternd reichen, ineinander greifen. - J.W.

19

PFM - „Per un Amico“

Mit ihrem definitiven zweiten Album rückten Premiata Forneria Marconi den italienischen Prog ins internationale Rampenlicht. Wie ihre Landsleute Banco näherte sich die Band dem beliebten britischen Symphonic-Stil mit einem romantischen Flair, wobei Mauro Paganis Flöte und Geige dem brodelnden Titeltrack und dem formverändernden „Appena Un Po“ ein ätherisches Element hinzufügten. PFM wurden von Emerson, Lake and Palmer während einer Italien-Tournee entdeckt und unterschrieben bei Manticore Records, dem Label von ELP. 1973 wurde das Album „Photos of Ghosts“ veröffentlicht, eine Version von „Amico“, die neu abgemischt und mit einem neuen englischen Text von Peter Sinfield von King Crimson versehen wurde. (Das Album erreichte sogar Platz 180 der Billboard-Albumcharts). „PFM hat nie einen Rockmusikstil gespielt, der vorgab, angelsächsisch zu sein“, sagte Schlagzeuger und Sänger Franz Di Cioccio in den Liner Notes zur Neuauflage von „Photos of Ghosts“. „Wir haben immer unseren eigenen Musikstil und unsere eigenen Wurzeln verteidigt.“ - R.R.

18

Frank Zappa and the Mothers of Invention - „One Size Fits All“

Bevor Frank Zappa „One Size Fits All“ veröffentlichte, prahlte er gegenüber Reportern: „Zu dieser Platte kann man tatsächlich tanzen.“ Man sollte die Quelle bedenken. Obwohl das Album sicherlich (gelegentlich) rockt, strotzt es auch vor den Jazz- und Prog-Maßstäben von Zappas Karriere: alberne Zeitverschiebungen, quietschende Keyboards (von George Duke), untypische Rock-Instrumentierung (fretless Gitarre, Marimba, Flöte, Vibraphon) und abgefahrene Texte wie „Arf, sagte sie“. Wilde Jams wie „Po-Jama People“ und das flirrende, stotternde „Andy“ sind der Höhepunkt von Zappas experimentellem Art-Rock, während das ruckartige „Inca Roads“ eines der atemberaubendsten Gitarrensoli von Mother enthält. Der zukünftige Zappa-„Stuntgitarrist“ Steve Vai bezeichnete das Hören von „One Size Fits All“ als Wendepunkt in seinem Leben und bezeichnete „Inca Roads“ 2011 als „beispielloses Meisterwerk“. „Es gab mir einen neuen Grund zu leben“, sagte er. - K.G.

17

Mike Oldfield - „Tubular Bells“

Die Eröffnungssequenz von „Tubular Bells“ ist vor allem als unheilverkündendes Thema aus „Der Exorzist“ bekannt, aber viele der verrücktesten Momente dieses Albums kommen erst viel später. Aufgenommen vom 19-jährigen englischen Wunderkind Mike Oldfield, spielen zwei über 20-minütige Abschnitte Variationen über fast jedes Thema, das im Kopf eines jungen LSD-Reisenden entstehen könnte. „Ohne Drogen gäbe es nicht all diese schönen Stücke wie ‚Lucy in the Sky With Diamonds‘ und wahrscheinlich auch nicht ‚Tubular Bells‘ – und vieles andere mehr“, sagte Oldfield später gegenüber The Guardian. In der ersten Hälfte des Stücks sind Ambient-Soundscapes, Gitarrenriffs und ein Abschnitt zu hören, in dem ‚Zeremonienmeister‘ Vivian Stanshall eine Reihe von Instrumenten – ‚Glockenspiel!‘ und ‚zwei leicht verzerrten Gitarren‘ – à la Bonzo Dog Band ansagt. Im zweiten Teil dreht Oldfield völlig durch, wenn phlegmatisches, betrunkenes Grunzen und Heulen über ansonsten optimistische symphonische Rock-Melodien in „The Sailor’s Hornpipe“ übergeht, besser bekannt als Seemannslied, das in Popeye-Cartoons populär wurde. - R.F.

16

Gentle Giant - „Octopus“

Barocke Kontrapunkt-Harmonien, mittelalterliche Blockflötenpassagen, Funk-Rhythmen, Hard-Rock-Melodien – die britischen Experimentalisten Gentle Giant beherrschten diese bizarre Formel auf ihrem vierten Album „Octopus“, das für die Band das Ende einer Ära und den Beginn einer neuen markierte. Es war der Schwanengesang für den Multiinstrumentalisten Phil Shulman und das Debüt für den Schlagzeuger John Weathers, den groovigsten Perkussionisten im gesamten Prog-Bereich, und Giant lassen keinen noch so seltsamen musikalischen Stein auf dem anderen (hören Sie sich die komplexen Madrigal-Gesangsparts von „Knots“ an). Dennoch wurden ihre verrückten wissenschaftlichen Experimente durch die raue Rock-Majestät von Klassikern wie „The Advent of Panurge“ ausgeglichen. „Ich denke, dass dieses Album der Höhepunkt dessen war, worauf die Band im weiteren Verlauf des Jahrzehnts zusteuerte“, sagte Frontmann Derek Shulman in den Liner Notes der LP-Neuauflage. - R.R.

15

King Crimson - „Red“

Wie die meisten ihrer Prog-Rock-Kollegen begannen King Crimson als eine Gruppe englischer Fantasierocker, wenn auch schizoider als die meisten anderen. Bis zu „Red“, als die Sechziger kaum mehr als ein schlimmer Kater waren, hatte Gitarrenguru Robert Fripp seinen Ansatz auf ein Trio reduziert, das die knochenbrechendste Heavy-Metal-Musik spielte, die der Prog-Rock bis dahin gehört hatte. Der Klang seiner gezackten Gitarrenabstraktionen, die sich durch Bill Brufords Beat-Dschungel und John Wettons Low-End-Theorien schlängelten, definierte die Idee eines Power-Trios, und es ist nicht schwer vorstellbar, dass Kurt Cobain diese Platte mochte und sich Notizen machte. Letztendlich implodierte die Intensität; Fripp löste die Band bald darauf auf und folgte einem spirituellen Weg, bevor er sie Jahre später mit Bruford reformierte. Aber es war nie so kraftvoll wie dieses. - W.H.

14

Genesis - „Foxtrot“

„Foxtrot“, das wohl erste große Genesis-Album, nahm die exzentrische Weltsicht und symphonische Grandiosität von „Nursery Cryme“ aus dem Jahr 1971 auf und legte mit einem konsistenteren Songwriting und einem härteren musikalischen Angriff noch einen drauf. Es fügte auch zwei Prog-Rock-Klassiker zum Genesis-Kanon hinzu: die UFO-via-Mellotron-Fantasie „Watcher of the Skies“, die dem Album einen kraftvollen Opener verlieh, und den 23-minütigen Closer „Supper’s Ready“, der in den kommenden Jahren zu einem Highlight der Live-Sets von Genesis werden sollte. Die atemberaubende Suite in sieben Sätzen, die teilweise von einigen beunruhigenden übernatürlichen Ereignissen inspiriert war, mit denen Frontmann Peter Gabriel konfrontiert war, bot eine Fülle biblischer und griechisch-mythologischer Bilder, einige der kühnsten Spielweisen der Band und die Verwendung mehrerer ungewöhnlicher Taktarten, wie z. B. den donnernden, selbsterklärenden Abschnitt „Apocalypse in 9/8“. - D.E.

13

Pink Floyd - „Animals“

Das dritte Konzeptalbum von Roger Waters in Folge basiert lose auf George Orwells Buch „Animal Farm“, ersetzt jedoch Orwells Kritik am Stalinismus durch eine vernichtende Anklage der kapitalistischen Unterdrückung im heutigen England. Die Band, die von Punks wie den Sex Pistols als Inbegriff des „Dinosaurier“-Rocks verspottet wurde, spielte hier dicke, satte Protestmusik, mit einigen der glorreichsten Bluesstücke von David Gilmour inmitten düsterer Klanglandschaften. „Animals“ bestand aus drei langen Titeln, die von dem sanften Akustikstück „Pigs on a Wing“ eingerahmt wurden, und war das erste Album, das Pink Floyd in seinem eigenen Studio aufnahm. - R.G.

12

Emerson, Lake and Palmer - „Brain Salad Surgery“

Was Prog-Rock-Exzesse angeht, hat dieses Power-Trio den Vogel abgeschossen und die Servierplatte: Keith Emersons Keyboard-Showroom; Carl Palmers motorisiertes, rotierendes Riesenschlagzeug; Auftritte in Sportarenen mit vollem Orchester und Chor usw. Aber hier haben sie den Bombast und die Brillanz meisterhaft ausbalanciert. „Brain Salad Surgery“ beginnt mit einem schwungvollen Arrangement von William Blakes „Jerusalem“ im Stil der englischen Poesie und Vision. Darauf folgen funkiger Barock-Folk-Rock („Still... You Turn Me On“), Emersons virtuoses Riff auf einem Klavierkonzert des argentinischen Komponisten Alberto Ginastera aus dem 20. Jahrhundert („Toccata“) und die fast halbstündige, mehrteilige dystopische Fantasie „Karn Evil 9“, in der berauschende Unterhaltungen über bösartige Computerintelligenz und die moderne Überwachungsära geführt werden. Vorausschauend und verdammt rockig. - W.H.

11

Rush - „Hemispheres“

Rush wandte sich in den Achtzigern von mehrteiligen Konzeptstücken ab, aber das Trio brachte noch zwei weitere großartige Stücke heraus, bevor die Siebziger zu Ende gingen. „Cygnus X-1 Book II: Hemispheres“ (die Fortsetzung von „Cygnus X-1 Book I: The Voyage“, das 1977 „A Farewell to Kings“ beendete) leitete „Hemispheres“ mit 18 Minuten mythologischer Allegorie ein, die zu luftschlagzeugartigen Wechseln gesetzt wurde, während „La Villa Strangiato“ die Platte mit einem komplexen neunminütigen Instrumentalstück beendete, das auf einem surrealen Traum des Gitarrers Alex Lifeson basiert. Dazwischen lagen „Circumstances“ und „The Trees“, die beide den Weg zu den kürzeren, schärferen – aber immer noch philosophischen – Power-Chord-Blasts wiesen, die die Band im kommenden Jahrzehnt liefern sollte. „Alles, was in die Entstehung dieser Platte einfloss, war schwierig“, sagte Geddy Lee Jahre später. „Das Material war ehrgeizig.“ - D.E.