Earth, Wind & Fire: Die 12 besten Songs
Die 12 wichtigsten Songs von Earth, Wind & Fire – Soul, Funk, Disco und ihre größten Klassiker im Überblick.
„Ich schrieb über mein Leben“, sagte Maurice White einst dem verstorbenen Journalisten Timothy White. Doch Mitte bis Ende der Siebzigerjahre erreichte sein Funk-Riese Earth Wind & Fire Millionen. Sie waren wohl die größte schwarze Rockband der Welt, erzielten fast ein Dutzend Gold- und Platin-Alben und landeten Top-10-Singles wie „Shining Star“, „Sing a Song“ und „After the Love Is Gone“.
Kritiker wandten sich womöglich später von ihrer zunehmend ausgefeilten Mischung aus Disco, Fusion-Jazz, Africana, Soft-Pop und benebeltem Soul ab; doch ihre Botschaft von Frieden, Spiritualität und Liebe sowie ihre fantastischen Outfits und mitreißenden Livekonzerte machten sie zu einer der prägenden Bands der Ära.
Earth, Wind & Fire beschäftigten in ihren erfolgreichsten Jahren zehn Musiker sowie die berühmte Bläsersektion Phenix Horns. White stand stets im Zentrum, ob er nun die Leadstimme mit dem gospelgeschulten Philip Bailey sang oder im Studio mit dem legendären Produzenten Charles Stepney arbeitete, der 1976 tragisch verstarb. Er beaufsichtigte die aufwendig gestalteten Klappcover mit ägyptischen Pyramiden und biblischen Symbolen und fügte in seine Texte Verweise auf seine Überzeugungen ein. Ob das Publikum alles verstand, worüber er sang, oder nicht – niemand konnte die Kraft von EWF leugnen. Hier sind einige der besten Stücke der Gruppe.
„Sweetback’s Theme“ (1971)
Um 1970 stellte der Dramatiker, Dichter und radikale Geschichtenerzähler Melvin Van Peebles die Arbeit an seinem Low-Budget-Film „Sweet Sweetback’s Baadasssss Song“ fertig. Dem Filmemacher fehlte noch ein Soundtrack, und sein Assistent war zufällig mit einem jungen Chicagoer liiert, der nach Los Angeles gezogen war: Maurice White, dessen Band Earth, Wind & Fire noch versuchte, ihre Demos unterzubringen.
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Wie Peebles „Wax Poetics“ erzählte, „verhungerten sie alle auf dem Hollywood Boulevard“, doch er holte sie ins Boot, um ein Set aus schmierigen Funk- und Jazz-Loops zu kreieren, über die Peebles selbst sang und schrie. Album und Film wurden unerwartet große Erfolge, und EWF wurden zu den ersten Musikstars der Blaxploitation-Ära, ebneten den Weg für Isaac Hayes’ „Shaft“ und Curtis Mayfields „Superfly“.
„Devotion“ (1974)
„Maurices ganze Vision war es, den Leuten ein bisschen Jazz unterzujubeln“, sagte EWF-Sänger Philip Bailey 2013 in einem Interview. Nirgendwo wird das deutlicher als in „Devotion“, einem kleinen Hit, aber großen Fanliebling vom 1974er-Album „Open Our Eyes“. Getragen von schimmernden Akkorden, fusionreichen Keyboards und einer üppig geschwungenen Basslinie sind die Hooks ebenso subtil wie unerschütterlich.
Es ist ein zärtliches Lied für eine Zeit, in der Amerika alles andere als zärtlich wirkte – und Whites Mission, Jazz in die R&B- und Pop-Charts zu schmuggeln, fühlt sich hier heiliger an als fast irgendwo sonst im Katalog von EWF. Oder wie es im Song selbst unverblümt heißt: „So our mission, to bring melody/Ringing voices sing sweet harmony.“ Die einprägsamste Version ist auf dem 1975 erschienenen Livealbum „Gratitude“ zu hören, wo die Darbietung im Omni Theater in Atlanta wie eine Gospel-Funk-Erweckung wirkt.
„Shining Star“ (1975)
1975 war das Jahr, in dem Earth, Wind & Fire sich in den Pop-Kanon einschrieben, und das lag zu einem großen Teil an diesem überschwänglichen Chartstürmer. „Shining Star“ klingt wie eine Party – und untermalte gewiss mehr als eine –, doch im Kern ist es eine aufbauende Motivationshymne im Stil von Sly and the Family Stones „Everybody Is a Star“, getragen von einem klaren, hellen, von Bläsern geprägten Groove, der zu Whites besten Produktionsarbeiten zählt.
Als Earth, Wind & Fire 2000 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen wurden, erinnerte er sich an die Single als entscheidenden Wendepunkt. „That’s the Way of the World ist sehr langsam gestartet“, sagte er über ihr sechstes Studioalbum. „Wir dachten, das wird nichts. Dann veröffentlichten wir ‚Shining Star‘, und es ging an die Spitze der Charts und rettete das Album.“
Ramsey Lewis, „Sun Goddess“ (1975)
Maurice White war in den späten Sechzigern und frühen Siebzigern an zahlreichen Gruppen beteiligt, selbst als Earth, Wind & Fire bereits zu seinem Hauptprojekt wurden. Eine dieser Gruppen war die Band, die den populären Jazzpianisten Ramsey Lewis begleitete – daher war es nur logisch, dass Lewis und EWF sich kreuzten, was sie mit funkelnder Wirkung auf „Sun Goddess“ taten.
Die 1974 erschienene Single ist eine monströs groovende Funk-Traumlandschaft voller luftiger Harmonien, reifer Bläser und eines zutiefst ehrfürchtigen Untertons – eine schöne Illustration von Whites Übergang vom Sideman und Studiomusiker zum unvergleichlichen Bandleader.
„That’s the Way of the World“ (1975)
So wie Earth, Wind & Fire ihr Debüt auf dem Soundtrack zu „Sweet Sweetback’s Baadasssss Song“ gaben, entstand auch ihr erstes Nummer-eins-Album aus einem Filmprojekt: Sig Shores Flop „That’s the Way of the World“ von 1975. Die Band spielte darin die Group, eine aufstrebende R&B-Formation unter der Leitung eines selbstgefälligen Plattenproduzenten, gespielt von Harvey Keitel.
Bandvokalist und Perkussionist Philip Bailey schrieb in seiner Autobiografie „Shining Star“, die Aufnahme des Albums sei „eine spirituelle Erfahrung“ gewesen, besonders beim seidigen Titelsong, und fügte hinzu: „Als Maurice uns den fertigen Mix vorspielte … dachte ich, wir klängen wie Engel. … Es war, als hätte Gott uns geführt.“
Der reale Erfolg der Gruppe überstrahlte den Film bei Weitem. Shores Streifen erschien erst 2006 auf DVD, während das gleichnamige Album zu einem der meistverkauften des Jahres 1975 wurde. Und schließlich Dreifach-Platin erreichte.
„Sing a Song“ (1975)
„Gratitude“, EWFs Doppelalbum von 1975, präsentierte auf drei Seiten das beste Live-Material ihres geschäftigen Tourjahres. Doch auf der vierten Seite versteckt sich ein Quintett von Studio-Perlen, angeführt vom schimmernden „Sing a Song“. Gitarrist Al McKay entwickelte das charakteristische Riff des Stücks in seiner Garderobe vor einer Show, bevor er es Maurice White zur textlichen Ausarbeitung vorlegte.
White hielt die Worte einfach und optimistisch und schrieb einen ansteckenden, discoangehauchten Jingle über die heilende Kraft der Musik. Produziert mit seinem alten Kollegen von Chess Records, Charles Stepney, replizierte – und aktualisierte – White den klassischen Sound, den er ein Jahrzehnt zuvor für Etta James und Fontella Bass geschaffen hatte. Das Ergebnis war ein Triumph, der Platz eins der Billboard-R&B-Charts erreichte und „Gratitude“ über die Marke von drei Millionen verkauften Exemplaren hob.
„Reasons“ (1975)
Wenn Sie ein Fan von Old-School-Rap sind, erinnern Sie sich an die Szene im Video zu Erick Sermons „Stay Real“, in der er „Reasons“ unter der Dusche singt. Tatsächlich haben viele versucht und sind gescheitert, die Töne zu erreichen, die Philip Bailey in dieser Ballade vom Album „That’s the Way of the World“ anschlägt.
Der Song ist nicht nur ein Karaoke-Klassiker, sondern auch ein Zeichen dafür, wie sich die Gruppe von einer visionären Funk-Rock-Band zu einem kosmopolitischen Ensemble entwickelte, das eingängigen Pop, Jazz und Disco integrierte. Wie Maurice White, der den Titel gemeinsam mit Bailey und Produzent Charles Stepney schrieb, 1975 „Billboard“ erklärte: „Es war schlicht unser Ziel, jeden zu erreichen.“
„Brazilian Rhyme (Beijo)“ (1977)
„Brazilian Rhyme (Beijo)“ ist nur ein luftiger 80-Sekunden-Groove nahe dem Mittelloch eines Albums, das zwei große Singles hervorbrachte. Doch dank seines Falsett-Disco-Rufs – „Beijo! Beijo! Ba da ba ba ba!“ – sollte sein Einfluss auf Hip-Hop monumental sein. DJs aus den frühen Tagen des Genres in New York legten den Track auf, damit MCs darüber reimen konnten.
Der Südstaaten-Rap-Pionier MC Shy D übernahm ihn für seine 1987er-Single „I’ve Gotta Be Tough“. A Tribe Called Quest nutzten ihn für ihr bahnbrechendes Debüt „People’s Instinctive Travels and the Paths of Rhythm“. Big Punisher konnte nicht widerstehen, ihn für seinen ikonischen Top-40-Hit „Still Not a Player“ von 1998 zu verwenden. Von den Black Eyed Peas bis MF Doom haben viele freudig den ekstatischen Hook übernommen.„Beijo“ bedeutet schließlich auf Portugiesisch „Kuss“.
„Got to Get You Into My Life“ (1978)
Mit seiner heißen Bläsersektion war „Got to Get You Into My Life“ bereits einer der funkigeren Songs der Beatles. Das machte ihn zu einer naheliegenden Wahl für EWF, die das Stück 1978 für den Film „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ mit den Bee Gees und Peter Frampton aufnahmen. Der Film wird nicht gerade liebevoll erinnert. „Was unglaublich war, ist, dass Leute wie … Earth, Wind and Fire da mitgemacht haben. Man hätte nie gedacht, dass einer von ihnen bei diesem … Ding mitmachen würde“, sagte ein reumütiger Barry Gibb später dem ROLLING STONE.
Doch die Coverversion entwickelte ein Eigenleben. Nicht zuletzt durch ihre prominente Platzierung auf dem ersten Greatest-Hits-Album von Earth, Wind & Fire im selben Jahr. Und sorgte dafür, dass Generationen von Fans den entspannten EWF-Groove ebenso oder noch mehr lieben als die Version auf „Revolver“.
„September“ (1978)
1978 handelten EWF einen neuen Vertrag mit Columbia aus, der ihnen ihr eigenes Label ARC einbrachte. Das erste Ergebnis war „The Best of Earth Wind & Fire, Vol. 1“ und „September“, eine neue Single, die auf Platz eins der R&B-Charts stürmte. Der Track zeigte Whites Talent, freudig-optimistische Soulhymnen zu schreiben.
Im Zentrum stehen die aufsteigenden Phenix Horns und Philip Baileys Falsett-Vocalese, die den Song mit dem Riff „Bow dee ow dee ow dee“ beschließen. Es sei eine Rückbesinnung auf die Doo-Wop-Tage gewesen, sagte White 1979 dem „Billboard“-Magazin. „Mein Prinzip beim Produzieren ist es, auf die Wurzeln Amerikas zu achten. Und das ist Doo-Wop-Musik.“
„Boogie Wonderland“ (1979)
„[Maurice White] nimmt einfache Tanzformeln wie ‚Boogie Wonderland‘ und findet neue Möglichkeiten in ihnen“, schrieb Dave Marsh in seiner ROLLING-STONE-Rezension des 1979er-Albums „I Am“ von Earth, Wind & Fire. Während Disco in voller Blüte stand, verliehen White und sein Kollektiv aus Jazz-Funk-Entdeckern diesem komplexen, aber zutiefst souligen Schritt einen kommerziellen Glanz.
So blechern und überschwänglich der Track auch klingt, trägt er doch ein dunkles Herz. Qual und Verzweiflung lauern im flirrenden Arrangement und in den überraschend düsteren Texten von Allee Willis und Jon Lind, die sich vom erschütternden Diane-Keaton-Film „Looking for Mr. Goodbar“ von 1977 inspirieren ließen. Die Darstellung des Tanzens zur Betäubung des Schmerzes („You dance and shake the hurt“) schien den ernüchternden Absturz der Disco-Ära vorauszuahnen, der kurz bevorstand.
„Let’s Groove“ (1981)
Der Disco-Backlash kam Anfang der Achtziger mit voller Wucht. Doch die Gruppe navigierte mit diesem geschmeidigen Stück Synth-Funk durch die veränderten Trends. Der robotische Vocoder im Intro kündigte den Anbruch eines neuen EWF für das neue Jahrzehnt an. Und verband Electronica mit ihrer Bläser-Vergangenheit.
White erklärte den Übergang dem „NME“: „Es geht wirklich nur darum, die Gefühle und Grundlagen zu kennen, die mit der Produktion eines Hits verbunden sind. Genau wie beim Schreiben einer Geschichte. Es ist nicht weniger ehrlich als ein Stück Jazz. Nimm die neue Platte, ‚Let’s Groove‘. Sie ist wirklich ehrlich. Wir sind einfach reingegangen und haben es gemacht. Eine natürliche, gebende Sache. Einfach zu sagen. Hey Mann. Genieß das mit mir. Teil das mit uns.“ Viele taten es. Der Song verkaufte sich über eine Million Mal und erhielt eine Grammy-Nominierung für die beste R&B-Gesangsdarbietung.
