HipHop: Die 200 besten Rap-Alben aller Zeiten
Top-200-Hip-Hop-Alben: Warum die Auswahl hart ist – und warum „Astroworld“, „Bandana“ und „Montero“ entscheidend sind.
200 scheint eine fast luxuriös umfangreiche Zahl zu sein, wenn man eine Albumliste erstellt, und in jedem anderen Genre wäre das vielleicht auch so. Aber die Geschichte der Rap-LPs ist so reichhaltig und vielfältig, dass wir gezwungen waren, einige schmerzhafte Entscheidungen zu treffen. Es gibt so viele ikonische Künstler mit umfangreichen Katalogen, so viele sich ständig weiterentwickelnde Sounds und regionale Szenen. Das ist ein Grund, warum wir uns auf englischsprachigen Hip-Hop beschränkt haben. Eine Liste mit Hip-Hop-nahen Alben aus den Bereichen Dancehall, Reggaeton oder Grime wäre sicherlich interessant und faszinierend. Etwas, das wir später einmal in Angriff nehmen könnten.
Ranking: Alle wichtigen Momente in der Entwicklung des Genres
Wenn wir vor der Wahl standen zwischen dem dritten (oder vierten oder fünften) Album eines klassischen Künstlers (zum Beispiel Outkast oder A Tribe Called Quest) und einem Album eines Künstlers, der die Liste interessanter machen würde (The Jacka oder Saba oder Camp Lo), entschieden, tendierten wir eher zur letzteren Option.
Das Ergebnis ist eine Liste, die alle wichtigen Momente in der Entwicklung des Genres abdeckt. Von Compilations, die die Anfänge der Musik würdigen, über ihre künstlerische Blütezeit in den späten Achtzigern und frühen Neunzigern mit Public Enemy, De La Soul, Eric B. und Rakim und anderen, über die Gangsta-Ära, den Aufstieg des Südens, den Aufstieg von überlebensgroßen Superstars der Nullerjahre wie Jay-Z, Kanye West und Nicki Minaj bis hin zu neueren Momenten wie Blog-Rap, Emo-Rap und Drill, von New York über L.A. bis nach Houston, Chicago und darüber hinaus.
Während wir recherchierten und hörten, stellten wir fest, dass wir uns etwas weniger von der Mystik des „goldenen Zeitalters” beeinflussen ließen, als wir es vielleicht getan hätten, wenn wir diese Liste vor 10 oder 15 Jahren erstellt hätten. Eines der unglaublichen Dinge am Hip-Hop ist, dass er sich schneller entwickelt und ausbreitet als jedes andere Genre in der Musikgeschichte. Für einen Fan, der in der Ära von Cardi, Tyler, Polo G oder Playboi Carti aufgewachsen ist, ist das goldene Zeitalter jetzt.
200. Travis Scott, „Astroworld“ (2018)
Nach der schrecklichen Tragödie bei seinem Astroworld Festival fällt es schwer, dieses Album objektiv zu hören. Geschweige denn mit Sympathie. Aber es lässt sich auch nicht leugnen, dass Scotts Durchbruch die letzten Jahre des Rap maßgeblich geprägt hat.
Scott integrierte Sounds und Ideen aus dem gesamten Hip-Hop-Spektrum, vom Drake-unterstützten Hit „Sicko Mode” über den Screwston-Slither von „5% Tint“ bis hin zum Retro-Jazz-Rap von „Coffee Bean“. Er verschmolz seine unzähligen Impulse zu einem ambitionierten Avant-Crunk voller schwindelerregender, rasender Entdeckungen. Es ist schade, dass wir die Innovationen dieses Albums wahrscheinlich nie wieder auf die gleiche Weise würdigen können. —J.D.
199. Juice WRLD, „Goodbye & Good Riddance“ (2018)
Mit seinem ursprünglichen Jammern über romantische Ängste, die durch Unrecht entstanden sind, und seiner Stimme, die in effluviösen Synthesizern mariniert ist, die noch deprimierter klingen als er selbst, hat Jarad Higgins mit seinem Debütalbum seinen Anspruch als Emo-Rap-Star geltend gemacht.
Er war noch nicht einmal 20, aber Juice WRLD klang, als würde er genug Last auf seinen Schultern tragen (schlechte Liebe, schlechte Drogen, schlechte Gesundheit), die ein Leben lang reichen würden. Eine performative Selbstaufgabe, die sich als tragisch prophetisch herausstellte. Und Songs wie „All Girls Are the Same” und „Lucid Dreams” verwandelten seine epische Traurigkeit in unbestreitbare Pop-Konfekte. —J.D.
198. KMD, „Mr. Hood” (1991)
Mr. Hood ist ein Wunderwerk jugendlicher Fantasie und ein Spiegelbild der kurzlebigen Native-Tongues-Ära des Hip-Hop. Das Album wird eingerahmt von Sketchen mit „Mr. Hood”. einer Figur, die aus Lehrplatten entstanden ist und deren Reise die Entwicklung des Selbstbewusstseins der Brüder Zev Love X und Subroc widerspiegelt.
„Ich bin nicht dein durchschnittlicher Alltagsmensch/ Baumwolle pflückender oder Heu ballender/Hoe trickin‘-Bruder, der gerne Hühnchen isst”, behauptet Letzterer in „Humrush”, das auf einem Sample aus der Sesamstraße basiert. Zev Love X wurde später als MF Doom berühmt. Ein Rapper, der für seine Cut-up-Methode der Lyrik bekannt ist. Aber hier sind es sein akzentuierter Flow und seine skurrilen Punchlines, die dominieren, sowie die Art und Weise, wie er in „Trial ‘N Error“ „fettgedruckte Worte wie schwarze Sprühfarbe“ spricht. —M.R.
197. Freddie Gibbs & Madlib, „Bandana“ (2019)
Das zweite Zusammentreffen zwischen dem kompromisslos bodenständigen Rapper und dem schwer fassbaren Produktionsgenie, dem MC Freddie Gibbs aus Gary, Indiana, und dem legendären Beat-Künstler Madlib, ist ebenso hartnäckig wie schwer zu fassen.
Gibbs liefert raue, strukturierte Reime, während Madlibs Beats einen sich ständig verändernden Hintergrund schaffen. Von „Freestyle Shit“, in dem die Kratzer und Knackgeräusche einer alten Schallplatte ein Eigenleben entwickeln, über den Smooth Jazz der 70er Jahre in „Crime Pays“ bis hin zu „Fake Names“, das innerhalb von Sekunden von spannungsgeladener Atmosphäre zu trippiger Schönheit wechselt. Gibbs meistert jede subtile, einschneidende Veränderung mit der Leichtigkeit und Ernsthaftigkeit eines erfahrenen Profis. —J.D.
196. The Jacka, „Tear Gas“ (2009)
Bevor er 2015 ermordet wurde, verkörperte The Jacka den Bay Area Rap in seiner faszinierendsten und widersprüchlichsten Form. Er war ein gläubiger Muslim, der die kleinen Wendungen des Schicksals, die das Leben auf der Straße bestimmen, detailliert beschrieb. Und eine sanfte, flüsternde Stimme einsetzte, die dennoch konkrete Härte hervorrief.
Er veröffentlichte Dutzende von Projekten. Aber „Tear Gas“ ist sein erfolgreichstes, dank „Glamorous Lifestyle“, einem von Traxamillion produzierten, hydraulikartigen Anthem, auf dem San Francisco OG Andre Nickatina zu hören ist. Ebenso wichtig sind tiefgründige, reflektierende Stücke wie „Dopest Forreal”, in dem er rappt: „Es ist wirklich hoffnungslos, bin ich wirklich der Dope/Oder nur ein Kokaindealer, der hofft, dass er überlebt?”
Trotz all seiner Prahlerei war The Jacka in der Lage, über seine unmittelbaren Umstände hinauszuschauen. Ein Talent, das seinen vorzeitigen Tod umso tragischer machte. —M.R.
195. Cupcakke, „Ephorize“ (2018)
Die Reime der Sex-Rap-Künstlerin aus Chicago sind teuflisch clever und komisch übertrieben. „Coochie garantiert, dass du verdammt schnell einschläfst/Ich reite auf diesem Schwanz und lese ‚Goodnight Moon‘“, rappt sie in dem teuflisch verspielten „Duck Duck Goose“.
Ephorize wäre schon lustig, wenn es nur eine Aneinanderreihung von witzigen schmutzigen Einzeilern wäre. Aber es steckt auch voller klanglicher Überraschungen. Der Beat in „Cartoons“ klingt wie Gamelan-Musik, gespielt auf einem alten Heizkörper, und „Total“ schwenkt in Tropo-Pop-Gefilde. Auch textlich ist Cupcakke mutig. Von der hart erkämpften Verletzlichkeit in „Self Interview“ bis zur gewagten Pro-LGTBQ-Hymne „Crayons“. —J.D.
194. K’Naan, „The Dusty Foot Philosopher“ (2005)
„Ich komme aus der gefährlichsten Stadt dieses Universums. Dort wird man wahrscheinlich schon bei der Geburt erschossen”, reimt der in Somalia geborene Kanadier K’Naan auf seinem Debütalbum. Wie auch der Rest von „The Dusty Foot Philosopher“ sind die Gefühle weder sensationell noch selbstmitleidig. Denn K’Naan beschreibt seine Kindheit im vom Krieg zerrütteten Mogadischu mit einer leichten, manchmal sogar komischen Note.
Die Musik verbindet traditionelle afrikanische Instrumente mit luftigen Funk-Grooves. der erste Vers von „If Rap Gets Jealous“ ist einer der besten im Hip-Hop. Eine Zusammenfassung von K’Naans eigenen Fehlern, Traumata und seinem Optimismus, der zu einer Prahlerei führt, die man von einem amerikanischen MC kaum zu hören bekommt. „Ich sage es dir ganz offen, ich bin arm.“ —C.H.
193. A$AP Rocky, „Live. Love. A$AP” (2011)
Mit einer fast statuenhaften Coolness und Distanziertheit zeigte A$AP Rocky auf seinem Debüt-Mixtape einen Geschmack für Beats, der ebenso makellos war wie sein bald berühmter Modegeschmack. Er war ein New Yorker Rapper, der wenig Interesse an regionaler Zugehörigkeit oder Purismus hatte und mit seinen beiden Hits „Peso“ und „Purple Swag“ eher in Richtung Houston als Harlem tendierte.
Mit Top-Produzenten wie Clams Casino und SpaceGhostPurrp, die den Sound prägten, gleitet „Live. Love. A$AP“ mit einer Zeitlupen-Größe dahin, die Rockys relativ banalen Prahlereien einen launischen, ätherischen Glanz verleiht. Als würden wir in seinen millionenschweren Traum eintreten. –J.D.
192. Pop Smoke, „Meet the Woo“ (2019)
Als er im Alter von nur 20 Jahren bei einem Einbruch in seinem Haus auf tragische Weise ums Leben kam, war Pop Smoke der führende Kopf der aufstrebenden Drill-Szene in Brooklyn. Auf seinem Debüt-Mixtape hört man auch warum.
Seine unendlich raue, kalt-teuflische Stimme strahlt unnachgiebige Bedrohlichkeit, zähe Widerstandsfähigkeit und vor allem völligen Triumph aus, während er sich durch die passend knallharte Produktion des britischen Drill-Gurus 808Melo navigiert. Meet the Woo enthält die Hits „Welcome to the Party” und „Dior”. Unwiderstehliche, unausweichliche Songs, die bewiesen, dass Pop Smoke ein würdiger Thronfolger des New Yorker Rap war. —J.D.
191. Lyrics Born, „Later That Day” (2003)
Der in Tokio geborene und in Berkeley aufgewachsene Tom Shimura (alias Lyrics Born) schuf mit dem Duo Latyrx exzellenten Alternative-Rap. Insbesondere den melancholischen Klassiker „Balcony Beach“. Shimuras Solo-Debüt ging in die entgegengesetzte Richtung und konzentrierte sich auf Spaß und tagelange Grooves.
Ob er nun zungenbrecherische Reime zum Besten gibt oder sich seinem rauen Soul-Gesang hingibt, LB ist ein sympathischer Gastgeber; er lässt sogar seine Albträume verdammt funky klingen. Eine Reihe von Freunden von der Westküste – Joyo Velarde, Latyrx-Partner Lateef the Truthspeaker, Gift of Gab, Cut Chemist – schauen vorbei, aber eigentlich ist jeder zu LBs Party eingeladen. Siehe „Callin’ Out“, eine Hymne im P-Funk-Stil, die in einer gerechten Welt bei jeder Grillparty im Land aus den Lautsprechern dröhnen würde. —C.H.
190. Drakeo the Ruler, „Cold Devil“ (2018)
Der 2021 verstorbene Rapper Drakeo the Ruler aus Los Angeles war einer der eindrucksvollsten Mumblers des modernen Hip-Hop, der einen unerbittlich zurückhaltenden, fließenden Flow und eine Persönlichkeit hatte, die gleichzeitig kaltblütig und schwerfällig war.
Auf seinem besten Album rappt er hinter, durch und außerhalb des Beats. Und klingt dabei gähnend unbeeindruckt von den falschen Prahlereien anderer Rapper (das urkomische „Neiman & Marcus Don’t Know You“) und sogar entschlossen unbeeindruckt von seinen eigenen amoralischen Zugängen („This a fully automatic/I let my kids hold the semis,”, bemerkt er mit einem ach-was-soll’s-Achselzucken). Es ist der Sound eines Typen, der sich weigert, sich an andere Regeln als seine unlesbare Logik zu halten. —J.D.
189. Nipsey Hussle, „Crenshaw” (2013)
Als Nipsey Hussle „Crenshaw“ veröffentlichte, kündigte er an, dass die limitierten CDs 100 Dollar kosten würden. Das löste eine Debatte über den Wert von Musik im Zeitalter des Streamings aus. Jay-Z war von diesem Stunt beeindruckt. Und kaufte mehrere Dutzend Exemplare. Dennoch ist „Crenshaw“ mehr als nur ein Marketing-Gag.
Die luftige und dramatische Musik präsentiert eine Westküsten-Version von Rick Ross‘ Luxus-Rap-Formel, mit Nipsey als dem Hustler, der trotz schlechter Aussichten groß abräumt. In „Don’t Take Days Off” beschreibt er, wie „ich in einer Stadt aufgewachsen bin, aus der man es nicht schafft/Wenn du schwarz bist, wirst du keinen Mann sehen”. Angesichts der Ermordung von Nipsey im Jahr 2019 klingen diese Worte heute eindringlich. — M.R.
188. Verschiedene Künstler, „Wild Style: Original Soundtrack“ (1983)
Charlie Ahearns Film wird zu Recht für seine fröhliche Darstellung von Jugendlichen gefeiert, die sich in der vielgestaltigen Hip-Hop-Szene der Bronx und der Kunstwelt von Downtown Manhattan zurechtfinden. Der Soundtrack, der von Ahearn und Chris Stein von Blondie zusammengestellt wurde, ist fast ebenso wichtig, da er ein seltenes Dokument einer mythischen Ära darstellt.
Er rückt eine Handvoll legendärer Künstler ins Rampenlicht, deren Bedeutung durch das Fehlen von Hit-Aufnahmen nicht zum Ausdruck kommt. Grandmaster Caz und Cold Crush Brothers, die Fantastic Freaks, Double Trouble (die ehemaligen Funky 4 + 1-Mitglieder Rodney Cee und KK Rockwell), Rammellzee, Busy Bee und Grand Mixer D.ST.
Sie performen in Live-Aufnahmen, die vor Energie nur so sprühen – selbst Hörer, die mit der Old School noch nicht vertraut sind, werden von „Fantastic Freaks at the Dixie” begeistert sein – und rücken diese wichtigen Pioniere in den Vordergrund. —M.R.
187. Capone-N-Noreaga, „The War Report” (1997)
1997 schlug „The War Report“ in New Yitty ein, als eine bestimmte Art von eingefleischtem Boom-Bap bereits seine besten Zeiten hinter sich hatte (Snoop war ein paar Jahre zuvor aufgetaucht und hatte diese Gebäude zerstört).
„Stick You“ hat eine Lebhaftigkeit, die sich vom düsteren Existentialismus anderer Queens-Crews aus dieser Zeit abhebt. N.O.R.E.s liebenswerte Goon-Aura belebt „T.O.N.Y.”, in dem er witzelt: „Shoot up your block and make you know me” (Schieß deinen Block ab und mach dich mit mir bekannt). Als wäre es das LeFrak-Äquivalent dazu, jemanden um Zucker zu bitten. Und „Channel 10” ist voller reumütiger Hood-Hymnen über chilligen Synthesizern: Das nenne ich fair und ausgewogen. —W.D.
186. Too $hort, „Life Is … Too $hort“ (1988)
Too $hort war schon Jahre vor seiner Unterschrift bei Jive der herausragende Hustler des Hip-Hop. Seine ersten Aufnahmen waren Hits in Oakland, als er und Freddy B noch mit ihren selbstgemachten Kassetten durch die Nachbarschaft zogen.
Too $horts Durchbruchalbum, Life Is … Too $hort aus dem Jahr 1988, war sein fünftes. Die A-Seite war prägnant und radiotauglich, mit dem existentiellen Titelsong und dem langsam voranschreitenden „I Ain’t Trippin’”.
Die B-Seite bestand aus rein frechen Geschichten, die ihn zur Legende machten. „Cusswords” wurde mitten in den von der PMRC geprägten 80er Jahren veröffentlicht. Und enthielt keine Geschichte, die weniger frech war als die, in der unser Erzähler von Nancy Reagan oral befriedigt wird. —C.W.
185. MC Lyte, „Lyte as a Rock” (1988)
Als eine der größten MCs der goldenen Ära des Rap mischte die Teenagerin MC Lyte aus Brooklyn tödliche Prahlerei mit zutiefst funkigen Reimen. Ihr Debüt von 1988 war eines der heftigsten Battle-Prahlereien überhaupt. Sei es in einem Club-Banger („Lyte as a Rock”), einer feministischen Salve („I Am Woman”) oder einer vernichtenden Abrechnung mit ihrer New Yorker Kollegin Antoinette („10% Dis”).
Das Album enthält natürlich auch ihren Durchbruch von 1987, die oft gesampelte Anti-Drogen-Saga „I Cram to Understand U (Sam)”. Aber das Highlight ist „Paper Thin”. Ein einflussreicher, feuriger Reimrausch, der seitdem sowohl von Missy Elliott als auch von Bahamadia neu interpretiert wurde. —C.W.
184. Saba, „Care for Me“ (2018)
„Schreib es weg, schreib es weg/Ich bin es einfach leid, wegzulaufen, wegzulaufen“, harmonisiert Saba in „Calligraphy“. Kurz bevor er verrät, dass an seiner Wand der Nachruf auf einen seiner Freunde hängt. Details wie diese zeigen, wie sehr „Care for Me“ von Trauer über den Verlust geliebter Menschen, dem Versuch, Beziehungen zu gebrochenen Menschen wie in „Broken Girls“ aufzubauen, und dem Kampf gegen Depressionen geprägt ist. „Manchmal hasse ich Chicago, weil ich dieses Gefühl hasse“, schreit er traurig in „Prom / King“.
Indem er „Care for Me“ an einen bestimmten Ort bindet, gibt Saba einer Generation eine Stimme, die durch alltägliche Gewalt und Tod traumatisiert ist. Aber entschlossen ist, emotionale Sensibilität statt Wut zu nutzen, um all das zu überstehen. —M.R.
183. Camp Lo, „Uptown Saturday Night“ (1997)
Camp Los „Uptown Saturday Night“ ist ein kaleidoskopischer Ausbruch alter Energie. Eine farbenfrohe Rückbesinnung auf einfachere Zeiten. Das Problem ist, dass es in einer der schwierigsten Phasen der Rap-Geschichte veröffentlicht wurde. Dem hustle-zentrierten Höhepunkt der Bad Boy-Ära.
„Krystal Karrington“ strahlt eine ausgelassene, feindselige Atmosphäre aus. Wie ein aufgepepptes „French Connection“. Und „Black Nostaljak AKA Come On” kombiniert einen schicken Saxophon-Ausbruch mit verführerischen Streichern, über die Geechie Suede und Sonny Cheeba sich mit Mackish-Sticheleien überziehen, die einem das Gefühl geben, man sei in eine alte, vergilbte Ausgabe des Jet-Magazins in einem Friseursalon in der Nachbarschaft geraten. —W.D.
182. Gucci Mane, „Chicken Talk” (2006)
Es gibt Leute, die hart arbeiten. Und dann gibt es Gucci Mane. Am Anfang stand „Chicken Talk”, das erste von insgesamt 74 Mixtapes dieses Phänomens aus Atlanta (ganz zu schweigen von 15 Studioalben, einigen Compilations und Dutzenden von Singles und Features).
Für viele Fans bleibt das erste das beste. Eine witzige, filmreife Ode an Drogen, Waffen, den Süden und alles, was dazu gehört. Songs wie „745” und „Swing My Door” machten es zu einem wichtigen Dokument in der Entwicklung der Mixtape-Kultur im Internetzeitalter im Allgemeinen und des Trap im Besonderen. —J.G.
181. Various Artists, „Soundbombing II” (1999)
Nicht lange bevor die Stadt angegriffen wurde und die Welt unterging, schenkte uns Rawkus Records aus New York die beste Hip-Hop-Compilation aller Zeiten. Ohne Ausfälle oder zweitklassige Songs.
Man könnte „Soundbombing II” unter „Backpack Rap” einordnen, wenn man faul wäre. Aber die Compilation enthält auch einen Eminem-Klassiker („Any Man”), Common und Sadat X in ihrer filmreifen Bestform („1-9-9-9”) und den besten Song, der je über ein politisches Attentat geschrieben wurde (Pharoahe Monchs „Mayor”). Soundbombing II ist nicht auf den großen Streaming-Plattformen zu finden, was die Erinnerung an vergangene Größe umso intensiver macht. Aber dieses Album ist ein Höhepunkt und es lohnt sich, danach zu suchen. —N.S.
