Die 100 besten Motown-Songs: Das ultimative Ranking
Die 100 besten Motown-Songs: Von „My Girl“ bis „Superstition“ – Soul, Funk und Geschichte des „Sound of Young America“
5. Stevie Wonder, „Superstition“ (1972)
Bei „Superstition“ kam Stevie Wonders Inspiration in Form einer lockeren Drumline, die überraschenderweise vom Gitarrenvirtuosen Jeff Beck gespielt wurde. „Stevie kam irgendwie boogieend ins Studio: ‚Hör nicht auf‘“, erinnerte sich der Gitarrist. „‚Ach komm schon, Stevie, ich kann doch nicht Schlagzeug spielen.‘ Dann kam die Melodie: ‚Superstition‘.“
Wonder spielte die funkige Melodie auf einem Clavinet und fügte schließlich seinen eigenen Moog-Bass und Schlagzeug hinzu, während Gastmusiker die Bläserstimme spielten. Er rundete das Ganze dann mit Texten über fallende Leitern, zerbrochene Spiegel und den Glauben „an Dinge, die man nicht versteht“ ab.
Wonder sagte Beck, er könne den Song als Dankeschön dafür haben, dass er auf seiner LP „Talking Book“ mitgespielt hatte. Aber letztendlich brachte das dem Gitarristen Unglück, da Berry Gordy von Motown den Song so sehr mochte, dass er Wonders Aufnahme vorzeitig veröffentlichte. Und sie landete auf Platz eins. –K.G.
4. Martha and the Vandellas, „Heat Wave“ (1963)
„Heat Wave“ ist ein Motown-Meisterwerk, noch bevor Martha and the Vandellas überhaupt zu singen beginnen. Es ist ein absoluter Höhepunkt für die Motown-Hausband, die Funk Brothers, insbesondere für den Schlagzeuger. Den legendären Pistol Allen in Höchstform, mit einem Beat, den selbst Keith Moon zu kopieren versuchte und dabei scheiterte. (Man könnte sagen, Moon war nur einer von vielen Schlagzeugern, die ihr Leben lang „Heat Wave“ nacheiferten.)
Der Doppelangriff von Allen und Bassist James Jamerson startet „Heat Wave“ mit voller Kraft. Aber dann übernimmt Martha Reeves, eine ehemalige Motown-Sekretärin, die eine der stärksten Stimmen der Sechzigerjahre hat und von einer brennenden Liebe Zeugnis ablegt.
In der apokalyptischen letzten Minute explodiert alles, als Reeves „Yeah yeah, yeah yeah,“ singt und die Vandellas sie anfeuern („Go ahead, girl!“). „Heat Wave“ war mehr als ein Hit. Es war ein Manifest einer Gruppe schwarzer Kids, die dafür sorgten, dass die Welt sie nie wieder ignorieren konnte. –R.S.
3. Marvin Gaye, „What’s Going On“ (1971)
Marvin Gaye verbrachte den größten Teil der 60er Jahre als Prinz von Motown und sang sowohl solo als auch mit Duettpartnern wie Tammi Terrell zeitlose Liebeslieder. Aber am Ende des Jahrzehnts, nach Terrells Zusammenbruch auf der Bühne und der erschütternden Tournee seines Bruders Frankie in Vietnam, begann sich seine Welt aufzulösen, was den unruhigen Zustand der Nation widerspiegelte. Als Renaldo „Obie“ Benson, Mitglied der Four Tops, dem Sänger einen Song vorstellte, an dem er gearbeitet hatte und der von den Polizeieinsätzen gegen Demonstranten im People’s Park in Berkeley inspiriert war, wusste Gaye, dass er das perfekte Mittel gefunden hatte, um seiner wachsenden Besorgnis Ausdruck zu verleihen.
Der daraus resultierende Track vereinte die üppigen Streicher des Detroit Symphony Orchestra mit dem geschmeidigen Groove der legendären Funk Brothers von Motown. Und umrahmte Gayes sehnsüchtige, mehrspurige Vocals und pointierte Sozialkritik („Picket lines/Picket signs/Don’t punish me/With brutality“). Berry Gordy hielt es zunächst für einen großen Fehler von Gaye, seine Meinung in einem Song zu äußern. Aber „What’s Going On“ wurde zu einem der bekanntesten und zeitlos relevantesten Titel im Motown-Katalog.
Benson, der den Song vor Gaye zu den Four Tops brachte, reflektierte später darüber, wie seine Bandkollegen und viele andere die Botschaft von „What’s Going On“ falsch interpretierten. „Meine Partner sagten mir, es sei ein Protestsong“, erinnerte er sich gegenüber dem Schriftsteller Ben Edmonds. „Ich sagte: ‚Nein, Mann, es ist ein Liebeslied. Über Liebe und Verständnis. Ich protestiere nicht. Und ich möchte wissen, was los ist.‘“ <i>—H.S.
2. The Temptations, „Papa Was a Rollin’ Stone“ (1972)
Die goldene Ära von Motown gipfelte in ihrem visionärsten Klassiker, „Papa Was a Rollin’ Stone“. The Temptations schufen zusammen mit den Produzenten und Songwritern Norman Whitfield und Barrett Strong ein siebenminütiges Epos, so ambitioniert und radikal wie nichts zuvor in Hitsville U.S.A. Aber es war auch ein Nummer-eins-Hit. Und diese Kombination ist das ultimative Ideal von Motown. „Papa Was a Rollin’ Stone“ ist heute noch genauso schockierend wie damals. Eine Reise durch Amerika als Land der gebrochenen Versprechen und zerbrochenen Träume.
„Papa“ nimmt selbstbewusst die gesamte schwarze Musik auf. Es beginnt mit Miles Davis aus der „In a Silent Way“-Ära. Dann folgen wilde Bluesgitarren, Jazztrompeten und cineastische Streicher. Doch letztendlich kommt es auf den pulsierenden Bass an. Wie Greil Marcus es in Rolling Stone nannte, „die dramatischste Basslinie im gesamten Rock ’n’ Roll“. Er ist durchtränkt von afroamerikanischer Wut. Mit diesem Blues-Gefühl, in ein Land hineingeboren worden zu sein, das einen bereits abgelehnt hat. Seine erschütternde Pointe? „Als er starb, hinterließ er uns nur Einsamkeit.“
Mit einer Länge von sieben Minuten galt „Papa“ als zu lang für das Radio. Aber wie „American Pie“ oder „Bohemian Rhapsody“ setzte es neue Maßstäbe und veränderte für immer die Art und Weise, wie Menschen Popmusik hörten. „Papa“ klingt immer noch wie die gesamte Geschichte von Motown in einem Song. Und vielleicht auch wie die Geschichte dieses Landes. —R.S.
1. Smokey Robinson and the Miracles, „The Tracks of My Tears“ (1965)
Das Genie von Smokey Robinson, perfekt eingefangen in drei Minuten. Nur ein Songwriter konnte eine so herzzerreißende Ballade wie „The Tracks of My Tears“ schreiben. Und nur ein Sänger konnte so viel Emotion aus diesen hohen Tönen herausholen. Beide waren ein und dieselbe Person. 1965 wollte jeder Songwriter Smokey sein. Songs wie dieser sind der Grund dafür.
Smokey war das Fundament des gesamten Motown-Imperiums. Er schrieb Hits für die Künstler des Labels sowie für die Miracles. Als Berry Gordy Motown gründete, schrieb er sein Motto direkt auf das Label. „The Sound of Young America” (Der Sound des jungen Amerikas). Aber Smokey schrieb die Melodien, die diese Vision Wirklichkeit werden ließen. Wie er 1968 gegenüber dem Rolling Stone sagte (in einem Profil, in dem er als „das regierende Genie der Top 40“ bezeichnet wurde): „Es muss etwas sein, das wirklich etwas bedeutet. Nicht nur ein Haufen Worte zu Musik.“ Er wurde von Kollegen wie den Beatles verehrt, die immer sagten, sie würden nur versuchen, „einen Smokey zu machen“. Oder Bob Dylan, der mit Blonde on Blonde im Grunde ein Smokey-Tributalbum aufgenommen hat.
„The Tracks of My Tears“ ist, wie so viele seiner Klassiker, ein schmerzliches Geständnis. Wie er David Browne vom Rolling Stone erzählte: „Eines Tages schaute ich in den Spiegel und sagte: ‚Was wäre, wenn jemand so viel weinen würde, dass man die Spuren seiner Tränen im Gesicht sehen könnte?‘“ Sein Co-Autor Marv Tarplin spielt das zarte Gitarrenintro. Die Miracles setzen mit süßen Doo-Wop-Harmonien ein. Dann seufzt Smokey: „Die Leute sagen, ich sei die Seele jeder Party, weil ich ein oder zwei Witze erzähle.“ Dieser Song ist Smokey in Bestform. Was bedeutet, dass er auch Motown in Bestform ist. Und eines ändert sich nie. Auch nach all den Jahren kann niemand Smokey so singen wie Smokey. Ein Nationalheiligtum, damals, heute und für immer. –R.S.
