ROLLING STONE hat gewählt: Die 250 besten Gitarristen aller Zeiten
Die neue Liste der besten Gitarristinnen und Gitarristen – erweitert auf 250 Positionen
39 Chet Atkins
Als Plattenmanager und Produzent erfand Chet Atkins in den sechziger Jahren den poppigen "Nashville-Sound", der die Country-Musik vor einer kommerziellen Flaute rettete. Als Gitarrist war er sogar noch erfinderischer. Er beherrschte Country-, Jazz- und klassische Stile und perfektionierte die Fähigkeit, Akkorde und Melodie gleichzeitig zu spielen, dank seines unverwechselbaren Daumen- und Drei-Finger-Pickings. "Vieles davon war Versuch und Irrtum", sagte Atkins 1976 dem Rolling Stone. "Ich hatte einfach 16 Stunden am Tag eine verdammte Gitarre in der Hand und habe ständig experimentiert." Atkins konnte sehr entspannt und zurückhaltend sein (wie man auf kultigen Aufnahmen wie Your Cheatin’ Heart" von Hank Williams, Heartbreak Hotel" von Elvis Presley und einigen frühen Hits der Everly Brothers hören kann). Aber seine eigenen, instrumentallastigen Soloalben sind eine endlose Trickkiste der Gitarre, in der sich Obertöne, Arpeggien und reine Noten mit einem brillanten, klaren Ton vermischen. "Ich glaube, er hat jeden beeinflusst, der eine Gitarre in die Hand genommen hat", sagte Duane Eddy. -R.T.
Wichtigste Tracks: "Your Cheatin’ Heart", "Wake Up Little Susie"
38 Angus Young and Malcolm Young (AC/DC)
"Thunderstruck", die 1990er Single von AC/DC, klingt wie die Mitte eines Venn-Diagramms mit Mozart auf der einen und John Lee Hooker auf der anderen Seite. Angus Young spielt das blitzschnelle, klassische Ostinato, während sein Bruder Malcolm die grunderschütternden Blues-Riffs beherrscht, die eine solide Oberfläche für AC/DCs unnachahmliches Feuer bilden. Die Kombination aus Angus’ rüpelhaftem Auftreten und Malcolms Zuverlässigkeit als Arbeiter hat die Band ebenso berühmt gemacht wie die geilen Doppeldeutigkeiten der Sänger Bon Scott und Brian Johnson. Zu jedem "Highway to Hell"- oder "Back in Black"-Riff, das Malcolm zum Besten gab, spielte Angus, ein 1,70 m großes Problemkind, das sich wie ein Schuljunge kleidete und das Publikum anpöbelte, die Art von Hochspannungssoli, die ihn sofort zum Gitarrenhelden machten. Und wenn sie ihre Kräfte bündeln, wie bei "Whole Lotta Rosie", "If You Want Blood (You’ve Got It)" und "For Those About to Rock", dann entsteht ein ganz eigener Strom. -K.G.
Schlüsseltracks: "Whole Lotta Rosie", "Back in Black", "Highway to Hell"
37 Pete Townshend (The Who)
Pete Townshend hat zwar nicht die Powerchords erfunden - Gitarrenschläge, die sich auf nur zwei Noten beschränken, den Grundton und die Quinte -, aber er hat dazu beigetragen, das moderne Gitarrenheldentum zu schaffen, indem er der Welt gezeigt hat, wie groß sie klingen können. Ein Beispiel dafür ist die Eröffnungsmelodie von "Won’t Get Fooled Again", ein Stapel von A- und E-Noten, die er auf allen sechs Saiten seines Instruments spielt. Townshend war einer der ersten, der die Rückkopplung des Verstärkers musikalisch nutzte, und seine Betonung von Riffs und Songwriting gegenüber Soli (obwohl seine Leads unterschätzt werden) machte ihn zu dem einen Gitarristen der Woodstock-Ära, den jeder Punk liebte. Aber Townshends Spiel ging weit über stumpfe Gewalt hinaus, wie sein raffinierter Einsatz von Borduntönen und Akkordumkehrungen bei "Substitute" und "Pinball Wizard" zeigte. The Who waren live immer härter als im Studio, und ihre Konzerte der Live at Leeds-Ära hatten Momente, die stark in Richtung Zeppelin, Heavy Metal, Punk und den Rest der Zukunft des Instruments wiesen. -B.H.
Schlüsseltracks: "My Generation", "I Can See for Miles", "Summertime Blues"
36 Elizabeth Cotten
Elizabeth Cottens einzigartiger Gitarrenstil und -sound ist ein Nebenprodukt ihres autodidaktischen Schaffens. Die aus North Carolina stammende Künstlerin, die einst für die musikalische Seeger-Familie arbeitete, war Linkshänderin, begann aber auf einem Instrument zu lernen, das für Rechtshänder eingerichtet war und das sie einfach umdrehte, ohne es neu zu besaiten. Diese umgekehrte Herangehensweise ermöglichte es ihr, eine rhythmische Technik zu entwickeln, bei der sich mit den Fingern gezupfte Bassnoten und mit den Daumen gegriffene Melodien abwechseln, wie in ihrer berühmten Komposition Freight Train". "Es ist einfach mein Komfort, die Art und Weise, wie ich alles mache, nicht das, was alle anderen gemacht haben", sagte sie 1981 dem San Diego Reader. "Ich konnte es nicht anders machen. Ich habe es auf die andere Art versucht und konnte kaum klimpern." Während des Folk-Revivals der 1960er Jahre wurde Cotten nach jahrzehntelanger Inaktivität wiederentdeckt und 2022 posthum als früher Einfluss in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.-J.F.
Key Tracks: "Freight Train", "Going Down the Road Feeling Bad"
35 Eric Clapton
Seit den Anfängen seiner Karriere in der britischen Blues-Rock-Szene der 1960er Jahre besaß Clapton eine einzigartige Begabung für Melodien, die seine Soli ebenso eingängig machten wie die Songs, die sie schmückten. Er war immer ein fleißiger Schüler des Blues, von Robert Johnson und Muddy Waters bis hin zu Albert King und Otis Rush, und nahm sogar ein Album mit (hauptsächlich) vor-elektrischem Repertoire mit Wynton Marsalis auf. Aber seine denkwürdigsten Aufnahmen entstanden aus Tragödien des wirklichen Lebens, von "Layla", inspiriert durch den Diebstahl der Frau (Patti Boyd) seines besten Freundes (George Harrison), bis zu "Tears in Heaven", einem Klagelied für den kleinen Sohn, der aus einem Wohnungsfenster in den Tod stürzte. Heutzutage hält niemand Clapton wirklich für einen Gott (seine COVID-Kommentare schließen eindeutig aus, dass er allwissend ist), aber das hält Gitarristen nicht davon ab, sein Spiel zu verehren. -J.D.C.
Wichtigste Tracks: "Bell Bottom Blues", "Crossroads", "White Room"
34 Jerry Garcia (Grateful Dead)
Jerry Garcia war ein Folk- und Bluegrass-Besessener, der mit 15 Jahren begann, Gitarre zu spielen. Diese Wurzeln und seine lebenslange Liebe zu Chuck Berry beflügelten seine astralen Experimente mit den Grateful Dead. Carlos Santana sagte: "Er spielte Blues, mischte ihn aber mit Bluegrass und Ravi Shankar. Er hatte Country und Spanisch dazwischen. Garcia machte jede Dead-Show zu einem anderen Trip und spielte nie zweimal dasselbe Lick, weshalb seine psychedelischen Live-Jams auch nach endlosem Zuhören noch funktionieren. "Ich betrachte Noten als Objekte, die eine Perspektive haben", sagte er einmal dem Rolling Stone. "Sie haben einen vorderen Teil und einen hinteren Teil, den Angriff und den Abgang. Für mich ist das sehr visuell. Wenn ich die Zeit hätte, würde ich alle meine Soli illustrieren". Der 27. August 1972 ist einer der großen Tage in der Geschichte der Gitarre: Garcia schwebt auf einem Feld voller sonnengebräunter Hippies in Veneta, Oregon. Er starb 1995, aber seine Gitarre leuchtet immer noch wie ein Scheinwerfer auf einem nach Norden fahrenden Zug. -R.S.
Wichtigste Tracks: "Dark Star" (2/27/69), "Bird Song" (8/27/72), "Morning Dew" (5/8/77)
33 Brian May (Queen)
Als wahrscheinlich einziger Gitarrist mit einem Abschluss in Astrophysik ist der Leadgitarrist (und häufige Songschreiber) von Queen ein kluger Abenteurer, der immer auf der Suche nach neuen Effekten ist. Ein frühes Ziel von ihm war es, "der erste zu sein, der richtige dreistimmige Gitarrenharmonien auf eine Platte bringt" - wie die orchestrierten Quietschgeräusche in seinem Solo in "Killer Queen". Brian May schichtete Dutzende von Gitarrenparts auf einzelne Tracks und baute so palastartige Klangwände auf. Passenderweise entsprang sogar sein Instrument seiner Fantasie: Seine Hauptgitarre, die Red Special, auch bekannt als Old Lady, ist ein selbstgebautes Wunderwerk, das May und sein Vater in den frühen Sechzigern unter anderem aus dem Holz eines Kamins konstruiert haben (er ist bekannt dafür, dass er sie mit einer Sixpence-Münze statt mit einem Plektrum spielt). Sie hat alles hervorgebracht, vom pirouettierenden, dreistimmigen Solo in "Bohemian Rhapsody" bis zum Proto-Metal-Riffing von "Stone Cold Crazy". "Ich kann mir jeden Musiker anhören und seinen Sound pantomimisch nachahmen", sagte Steve Vai, "aber Brian May kann ich nicht nachmachen. Er bewegt sich einfach auf höherem Terrain." -D.W.
Key Tracks: "Keep Yourself Alive", "Brighton Rock"
32 Jack White (White Stripes)
Als die White Stripes mit Alben wie De Stijl aus dem Jahr 2000 begannen, ihren Hipster-Ruf aufzubauen, wurde der große Gitarrenrock von der übermäßig verarbeiteten Groteske des Nu Metal und dem dumpfen Trott des Grunge der zweiten Generation dominiert. Das änderte sich, als die Stripes mit dem fröhlich-primitiven Garagenblues "Fell in Love With a Girl" zu Stars wurden. Jack White hat uns mit dem dicken, tiefen Stomp von "Seven Nation Army" das bekannteste Rock-Riff des 21. Jahrhunderts geschenkt, aber im Laufe der Jahre hat er sich geweigert, sich auf altem Ruhm auszuruhen, und ist zu einem liebenswert mürrischen Klangforscher geworden - vom Stoner-Funk und Hippie-Folk auf seinem 2012er Soloalbum Blunderbuss bis zu den fast schon komisch überdrehten, fuzz-getönten Drones auf Fear of the Dawn von 2022. Für White ist jedes Mal, wenn er eine Gitarre in die Hand nimmt, eine neue Herausforderung. "Wenn ich ein Solo spiele, ist es ein Angriff - es ist ein Kampf, ein Ringen", sagte White 2014 dem Rolling Stone. "Ich kümmere mich nicht um virtuose Noten. Wenn man mich mitten in einem Solo unterbricht, kann ich nicht sagen: ‚Das ist ein Fis, das ist ein C.’" -J.D.
Schlüsseltracks: "Seven Nation Army", "Ball and Biscuit"
31 George Harrison
Mit den Beatles betrat George Harrison Neuland, indem er das Instrument mit jeder Platte innovierte und erweiterte. Er hat nicht nur die Rolle des Leadgitarristen in einer Rockband geschaffen. Er definierte den Platz der Gitarre im Herzen der Popmusik. Damals in Liverpool, England, war er der jüngere Junge, der sich seinen Weg zu den Beatles erschlich, indem er seine Akkorde studierte und die anderen überspielte. Er orientierte sich an seinen Rockabilly-Helden aus der Jugendzeit wie Carl Perkins, wie in seinem verrückten Cavern Club-Solo auf "I Saw Her Standing There". Aber er experimentierte weiter mit den indisch inspirierten Drones von "Rubber Soul", der Psychedelik von "Revolver", der Eleganz von "Abbey Road" und verschwendete dabei keine einzige Note. "Jeder andere hat schon den ganzen anderen Mist gespielt", sagte Harrison. "Ich spiele nur das, was übrig ist." Und doch hat er nach den Beatles am tiefsten gespielt, mit seinem kosmischen Slide auf All Things Must Pass und Living in the Material World. Wie sein Freund Tom Petty sagte: "Es klang wirklich wie eine Stimme, wie eine ganz eigene, unverwechselbare Stimme, die aus ihm herauskam." -R.S.
Schlüsseltracks: "Something", "Let It Be", "Give Me Love"
[amsb_article_list_item youtube_id=’DvxxdZpMFHg‘ number=’30‘ headline=’Neil Young‘ text=’Lange bevor er als Solokünstler erfolgreich wurde, verfeinerte Neil Young seine Gitarrenkünste bei den Squires, den Mynah Birds und schließlich bei Buffalo Springfield und Crosby, Stills, Nash und Young. Zu der Zeit, als Harvest aufkam, war er auf der elektrischen und der akustischen Gitarre gleichermaßen versiert und wechselte an einem einzigen Abend zwischen sanften Folk-Stücken wie „The Needle and the Damage Done“ und wilden Proto-Grunge-Songs wie „Down by the River“ hin und her. „Wenn ich jemals einen Meisterkurs für junge Gitarristen geben würde, würde ich ihnen als erstes die erste Minute von Neil Youngs Original-Solo ‚Down by the River‘ vorspielen“, sagte Trey Anastasio. Einige Gitarrenpuristen haben seine Arbeit als „primitiv“ abgetan, da einige seiner berühmtesten Soli buchstäblich aus einer einzigen, mehrfach wiederholten Note bestehen. Aber das geht völlig am Kern seiner Arbeit vorbei. „Niemand kümmert sich darum, ob du Tonleitern spielen kannst“, sagte Young 1992. „Es interessiert niemanden, ob du eine gute Technik hast oder nicht. Es geht darum, ob du Gefühle hast, die du mit Musik ausdrücken willst, das ist es, was wirklich zählt.“ -A.G.
