ROLLING STONE hat gewählt: Die 250 besten Gitarristen aller Zeiten
Die neue Liste der besten Gitarristinnen und Gitarristen – erweitert auf 250 Positionen
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222 Molly Tuttle
Die in Kalifornien aufgewachsene und in Nashville lebende Bluegrass-Innovatorin Molly Tuttle und ihre Crack-Band Golden Highway schrieben sich schon in die Geschichte der Roots-Musik ein, bevor sie bei Preisverleihungen auftraten. Ihr akustisches Flatpicking, das von Tony Rice, Joni Mitchell und Clarence White beeinflusst wurde, ist in der Tradition verwurzelt, aber nicht an sie gebunden. Anfang dieses Jahres wurde sie als erster Bluegrass-Act überhaupt für den Grammy als bester neuer Künstler nominiert - ein Zeichen für die anhaltende Entwicklung des Sounds, an der Tuttle einen großen Anteil hat. "Unsere Generation von Bluegrass-Spielern drängt wirklich in einige neue Richtungen", sagte Tuttle im Januar dem Rolling Stone. "Ich fühle mich glücklich, Teil dieser Szene zu sein, die Barrieren einreißt." -C.M.
Wichtigste Tracks: "Take the Journey", "El Dorado"
221 James Blood Ulmer
Erst als Soul-Jazzer, dann als bienengleicher Gegenspieler der melodischen Läufe von Free-Jazz-Ikone Ornette Coleman hat James Blood Ulmer Generationen von Blues-, Funk- und Jazz-Gitarren zu glitzernden Blättern, krachenden Riffs und nervösen Soli zusammengeschmolzen. Auf Alben wie Tales of Captain Black und Odyssey erwies sich sein stechender Ton als massiver Einfluss auf die experimentelle New Yorker Downtown-Szene der siebziger und achtziger Jahre und berührte jeden, von Vernon Reid (der Ulmers hervorragende Blues-Platten aus den 2000er Jahren produzierte) bis hin zu No-Wave-Bands wie DNA und Mars. Wie Reid es selbst ausdrückte: "James Blood Ulmer ist sich seiner Sache theoretisch und idiomatisch voll bewusst - er hat sich nur nie von diesen Bedenken einschränken lassen. Er ist ein Rocker. Er ist unumwunden er selbst. Er ist der Blues. Er selbst. Nicht seine Regeln." -J.G.
Wichtigste Tracks: "Thema from Captain Black", "Timeless"
220 Courtney Barnett
Die Fähigkeit der Indie-Rock-Sängerin und Songwriterin Courtney Barnett, zwischen kompliziertem, melodischem Fingerpicking und frenetischen, vom Garagenrock inspirierten Soli zu wechseln, macht ihre witzigen Erzählungen umso dynamischer. "Es klingt, als ob man über eine Autobahn fährt und die Sonne scheint", sagte Barnett dem Rolling Stone über "Write a List of Things to Look Forward To" aus ihrem 2021 erschienenen Album Things Take Time, Take Time. Das ist eine genaue Beschreibung der Art und Weise, wie Barnetts Gitarrenspiel die beschwingten, befreienden Songs begleitet, die sie schreibt. Auf Lotta Sea Lice, ihrem 2017er-Kollaborationsalbum mit Kurt Vile (der ebenfalls auf dieser Liste zu finden ist), ist die Chemie zwischen den beiden Musikern umwerfend, da ihre Gitarren und ihr Gesang spontan und nahtlos ineinandergreifen. -L.L.
Wichtigste Tracks: "Turning Green", "Over Everything", "Pedestrian at Best"
219 Glenn Tipton and K.K. Downing (Judas Priest)
Nachdem sie gesehen hatten, was Black Sabbath, Led Zeppelin und Deep Purple mit einem einzigen Gitarristen erreichen konnten, definierten Judas Priest Mitte der siebziger Jahre den Begriff Heavy" mit zwei Gitarristen neu: K.K. Downing und Glenn Tipton. Anstatt sich in Rhythmus- und Leadgitarren aufzuteilen, wie es die Rolling Stones und die Kinks getan hatten, verdoppelten Tipton und Downing die Riffs, wechselten sich mit schneidenden Soli ab und übernahmen Harmonie-Leads in den Motorrad-revierenden Songs der Band. Ihr gegenseitiges Geben und Nehmen bildete die Vorlage für Iron Maiden, Metallica, Slayer und all die großen Zwei-Gitarren-Bands, die folgten. Wie Kerry King von Slayer sagte: "Man kann fast immer sagen, dass es super-verdammt lecker ist, wenn es Tipton ist. Wenn es K.K. ist, ist es eine kantigere, fast punkige Art von Vibe, was eine großartige Mischung ist". -K.G.
Wichtige Tracks: "Victim of Changes", "Breaking the Law", "The Hellion/Electric Eye"
218 Lzzy Hale (Halestorm)
Lzzy Hale ist allein schon wegen ihrer dynamischen Stimme eine Göttin des Hard Rock. Aber sie ist auch eine wilde Musikerin mit einem aggressiven, rhythmischen Slap-Stil, der gut zu Halestorms Leadgitarristen Joe Hottinger passt. Hale kann auch schreddern - sieh dir an, wie sie die Gesangsmelodie von "I Miss the Misery" auf ihrem Instrument nachahmt - und ist für den Gitarrenrock des 21. Jahrhunderts so einflussreich, dass Gibson sie als erste weibliche Markenbotschafterin ausgewählt hat. Das Unternehmen hat sogar ein Hale-Signaturmodell seiner Explorer entworfen, das sie auf der Bühne spielt und an ihre Kollegen verschenkt, von Demi Lovato bis Daniela Villarreal von The Warning. "Die Leute bei Gibson sagen mir immer wieder, dass die Zielgruppe, die im Moment die meisten E-Gitarren kauft, weiblich ist", so Hale gegenüber dem Rolling Stone. "Die Welle kommt, ob es jemandem gefällt oder nicht." -J.H.
Schlüsseltracks: "I Miss the Misery", "The Steeple"
217 Thomas McClary (The Commodores)
Als einer der ersten schwarzen Schüler, die in die öffentlichen Schulen Floridas integriert wurden, hatte der in Eustis, Florida, geborene Thomas McClary, dessen erstes Instrument die Ukulele war, die Erfahrung, seinen eigenen Weg zu gehen. Er besuchte das College am Tuskegee Institute in Alabama, wo er zusammen mit dem Sänger Lionel Richie die Commodores gründete. Die Gruppe verschmolz Funk, Soul, Gospel und Country auf eine Weise, die Schwarze und Weiße gleichermaßen ansprach, und McClarys Mischung aus Glam-Grandezza und Blues-Grit in Songs wie "Easy" prägte den Sound des Crossover der Achtzigerjahre. "Ich hörte Santana, Jimi Hendrix, Albert King, James Taylor und Crosby, Stills, Nash, and Young", erinnerte er sich später. "Ich dachte, es wäre wirklich großartig, diese Typen zusammenzubringen, um einen wirklich rauen, rohen, authentischen Sound zu haben, der jeden ansprechen könnte." -C.S.
Schlüsseltracks: "Easy", "Brick House"
216 Steve Hackett (Genesis)
Genesis waren eine weitgehend unbekannte Art-Rock-Band, bevor der Gitarrist Steve Hackett 1971 anstelle des Gründungsmitglieds Anthony Phillips engagiert wurde. Hackett sorgte sofort für Aufsehen, als er ihnen seine zweihändige Klopftechnik vorstellte, die sie 1971 auf dem Album Nursery Crime festhielten, Jahre bevor Eddie Van Halen sie einem größeren Publikum vorstellte. Ein paar Jahre später legte er auf ihrem Meisterwerk Firth of Fifth" ein episches, schwebendes Gitarrensolo hin, eines der schönsten Musikstücke, die je auf einem Prog-Rock-Album erschienen sind. 1977 verließ er die Gruppe, um eine Solokarriere zu starten, die bis heute andauert. "Ich bin sehr glücklich darüber, dass ich den Gitarristen die Freiheit gegeben habe, um umwerfende Soli zu spielen", sagte Hackett, "und mit Dingen aufzuwarten, von denen man früher nur träumen konnte." -A.G.
Key Tracks: "Horizons", "Firth of Fifth"
215 Kurt Vile
Kurt Vile wirkt wie ein lässiger Slacker, aber er ist ein ernsthafter Gitarrist - und sein Stil, der chillige Drones und komplizierte, aber melodische Soli kombiniert, hat seine Wurzeln zum Teil darin, dass er als Teenager von seinen Eltern ein Banjo bekam, nachdem er sich eine Gitarre gewünscht hatte. "Banjos sind offen gestimmt und haben diese hohe Bordun-Saite", sagte der Musiker aus Philadelphia 2018 gegenüber guitar.com. "Es ist nicht so, dass man darüber nachdenkt, wenn man als Kind spielt, aber ich habe dieses ätherische Dröhnen wirklich gemocht." Im Laufe seiner Karriere hat er Einflüsse aus der ganzen Welt der Musik aufgenommen und sie in seinem bedächtigen, sanft und subtil virtuosen Stil zusammengeführt. -M.J.
Wichtige Tracks: "Pretty Pimpin", "Wakin on a Pretty Day"
214 Keiji Haino
Die freien Solodarbietungen des japanischen Musikers Keiji Haino sind quietschende, lärmende Katharsisübungen, bei denen nicht klar ist, ob er spielt oder tatsächlich einen Exorzismus an seiner Gitarre durchführt, und in Ensemblekonstellationen wie der Gruppe Aihiyo aus den späten Neunzigern, deren selbstbetiteltes Debüt wunderschön zerklüftet und zutiefst gefühlvoll ist. In einem Moment beruhigt er mit weichen, schimmernden Akkorden, im nächsten zerfetzt er das Trommelfell seiner Zuhörer mit Fuzz-Böen. "Die Leute üben wirklich hart, weil sie wollen, dass die Leute sie anhören", sagte er Vice Japan. "Und dann sagen sie, es sei Improvisation. Das macht mich wahnsinnig." -T.B..
Key Tracks: "A Shredded Coiled Cable Within This Cable Sincerity Could Not be Contained", "Why in the Courtesy of the Prey Always Confused With the Courtesy of the Hunters Pt. 1"
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Für Lucy Dacus ist die Gitarre ein ebenso wichtiges Instrument wie ihre Stimme, auch wenn ihrem Spiel nicht so viel Aufmerksamkeit zuteil wird wie ihren durchdringenden lyrischen Einsichten. Von ihrem pulsierenden Rhythmus-Part auf dem 2016er-Hit „I Don’t Wanna Be Funny Anymore“ bis hin zu ihren Beiträgen in der Supergruppe Boygenius sind Dacus’ Arrangements ein unauffälliger, aber wichtiger Teil ihrer Fähigkeiten. Live-Auftritte ihres 2018er-Fan-Lieblings „Night Shift“ beginnen leise, mit Dacus, die allein klimpert. Ihr langjähriger Lead-Gitarrist Jacob Blizard sorgt im weiteren Verlauf des Songs für verzerrte Geräusche, aber sie bleibt bei jeder Bewegung des Songs an seiner Seite und lässt nicht locker. Wenn alles zu einem krachenden, kathartischen Ende kommt, hat Dacus einem alten Geliebten ein letztes Lebewohl gesagt, und es ist klar, dass sie es ernst meint.
Wichtigste Tracks: „Night Shift“, „I Don’t Wanna Be Funny Anymore“
