Def Leppard: Joe Elliott – Mein Leben in 15 Songs
Joe Elliott, Sänger von Def Leppard, über Songs wie „Pour Some Sugar on Me“, „Photograph“ – und anderen glamourösen Perlen
Vor fast 40 Jahren kamen die fünf Jungs von Def Leppard, damals noch Teenager, aus der düsteren Industrieumgebung von Sheffield, England, heraus. Für Sänger Joe Elliott scheint es jedoch noch nicht so lange her zu sein. „Ich habe das Gefühl, dass es nur halb so lange her ist“, sagt er. „Denn wenn man nicht mag, was man tut, zieht sich die Zeit. Aber wenn man etwas genießt, vergeht sie zu schnell. Und wir haben nie aufgehört, es zu genießen.“
Der heute 65-jährige Elliott hat in der Tat eine sehr gute Zeit. Der Sänger sprach 2016 mit Rolling Stone von einem unbekannten, aber ziemlich tropisch klingenden Urlaubsort aus, wo er „mit Freunden und Familie entspannt“. „In etwa einer Stunde grillen wir“, sagt er. „Es ist einfach gut, an einem schönen, warmen Ort zu sein. Statt im nassen, trüben Dublin, wo ich lebe.“
Der stets freundliche und gesprächige Elliott nahm sich nicht nur einen, sondern zwei seiner Urlaubstage Zeit, um Rolling Stone durch 15 Songs aus diesem Katalog zu führen. Und auch wenn nicht jeder Song von einem so großen Album wie dem über 20 Millionen Mal verkauften Hysteria stammt, hat doch jeder etwas Einzigartiges zu bieten. Elliott sagt: „Es ist mir egal, ob du McCartney, Dylan oder Springsteen bist. Wenn du ins Studio gehst, versuchst du vom ersten bis zum letzten Tag, bei jedem Song und jeder Aufnahme dein Bestes zu geben. Manche Songs kommen einfach nicht an. Und manche schon.“
„Getcha Rocks Off“ (1979)
Das erste Lied, das wir je geschrieben haben, wenn ich mich recht erinnere. Es war ein Riff von [dem ehemaligen Gitarristen] Pete Willis, das er von einem Freund hatte, der es zur Hälfte geschrieben hatte. Er hat es ein wenig verändert. Kam herein. Und spielte es, und ich begann, Worte darüber zu singen. Es entwickelte sich einfach zu einer Art embryonaler Idee. Und weil es unser erstes Lied war, wollten wir nichts daran ändern. Egal, wer vorschlug, dass wir eine Bridge einfügen sollten oder was auch immer!
Wir waren einfach ein Haufen Teenager, die herumalberten. Und taten, was wir für richtig hielten. Aber es hatte eine Stimmung, die über das hinausging, was alle anderen zu tun schienen. Ich glaube, es gab einen guten Grund dafür, dass wir den Deal bekamen. Den Hunderte anderer Bands zu dieser Zeit nicht zu bekommen schienen.
„Ride Into the Sun“ (1979)
Der andere Song von Seite 1 [der Def Leppard E.P.], wenn man so will. Es entstand ziemlich schnell. Es war der erste Song, den Sav [der Bassist Rick Savage] und ich je zusammen geschrieben haben. Wir hatten das Ganze in etwa einer Stunde fertig. Diese Naivität kann einen wirklich antreiben. Und wir waren nicht dumm. Wir haben unser Handwerk gelernt, indem wir anderen Leuten zugehört haben. Waren Schüler von [Pete] Townshend und [Ray und Dave] Davies und Plant und Page und Lennon und McCartney. Wir wussten, was ein guter Song ist, wenn wir einen hörten. Und wir haben einfach versucht, so viele wie möglich davon zu kopieren!“
„Hello America“ (1980)
Zu diesem Zeitpunkt waren wir noch nie in Amerika gewesen. Ich arbeitete in einer Fabrik mit vielen Schrauben und Muttern und ohne Tageslicht. Aber es gab viele Leerlaufzeiten. Und ich saß herum und schrieb Sachen. Bei diesem Lied hatte ich am Abend zuvor eine Fernsehsendung gesehen. Kojak oder Starsky & Hutch, etwas, bei dem sie die von Bäumen gesäumten Boulevards von L.A. zeigten. Man sieht all diese Palmen und denkt sich: „Wow, das ist viel sexy als Sheffield!“ Daher stammt dieser Text. „Well I’m takin‘ me a trip/I’m going down to Californ-i-a.“ Es war ein „Holt mich hier raus!“
„Bringin‘ on the Heartbreak“ (1981)
Wir behandeln jeden Song gleich. Wir können das Hässliche nicht vom Schönen unterscheiden. Aber Mutt [der Produzent Robert John „Mutt“ Lange] war eher ein passiver Beobachter, wenn man so will. Und er war derjenige, der erkannte, dass wir mit diesem Song eine Chance im Radio hatten. Als wir also das Album [High ’n‘ Dry] aufnahmen, war es der Song, der die meiste Aufmerksamkeit bekam. Ich würde sagen, dass wir für jede Stunde, die wir an einem anderen Song arbeiteten, drei oder vier Stunden an diesem verbrachten. Und Mutt hat mich beim Singen dieses Liedes durch die Hölle gehen lassen. Weil er wollte, dass ich in derselben Liga wie Paul Rodgers oder Lou Gramm oder wer auch immer akzeptiert werde. In der Zwischenzeit war ich nur ein junger Kerl, der glücklich genug war, Ian Hunter zu sein!
Das Lustige daran ist, dass Mutt immer wieder zu uns sagte: „Das ist es.“ Und wie es der Zufall wollte, war es nicht das Richtige! Zumindest nicht für das Radio. Aber wir hatten die Weitsicht, eine Art Video dafür zu drehen, das nur eine Live-Performance war. Und das junge MTV, das nichts zu senden hatte, gefiel die Idee dieser jungen britischen Rockband. Also griffen sie sie auf. Sechs Monate, vielleicht ein Jahr, nachdem High ’n‘ Dry erschienen war, machten wir Pyromania. Und bekamen diese Fernschreiben aus den USA, in denen stand: „Ihr Album verkauft sich 6.000, 7.000, 8.000 Mal pro Woche.“ Dann waren es 10, 15, 20.000 Exemplare pro Woche. Es steuerte auf Platin zu, als wir Pyromania im Kasten hatten. Dank MTV spielte 1982 das ganze Land „Heartbreak“.
„Switch 625“ (1981)
Ich finde, es ist der interessanteste Song auf High ’n‘ Dry. Und ich bin nicht einmal darauf zu hören! Er hat diese sehr seltsame, kantige Melodie, die direkt aus dem Gehirn von [dem ehemaligen Gitarristen] Steve Clark kam. Das mit meiner Stimme zu vertonen, ergab für mich keinen Sinn. Also habe ich mit aller Kraft versucht, Mutt davon abzuhalten, einen Text hinzuzufügen.
Ich sagte: „Das muss nicht gesungen werden!“ Es leitete sozusagen von „Heartbreak“ ein. Und ich sagte: „Das muss genauso behandelt werden wie die erweiterte Version von ‚Layla‘, mit dem Klavier und der Slide-Gitarre. Oder das Ende von ‚Free Bird‘.“ Für mich waren dies und „Heartbreak“ einfach ein langer Song, dem wir zwei Titel gaben. Und wenn ich sage, dass Mutt und ich gekämpft haben, dann meine ich, dass wir wahrscheinlich 10 oder 15 Minuten lang darüber gestritten haben. Aber ich habe gewonnen, wenn man so will!
„High ’n‘ Dry (Saturday Night)“ (1981)
Im Vergleich zum ersten Album wurde ich auf High ’n‘ Dry zu einem ziemlichen Macho. Bei Liedern wie „Let It Go“ und diesem hier bin ich so eine Art biersaufender Bastard. Was ich wirklich nicht war. Aber das war Mutt, der versuchte, mich nach vorne zu bringen. Genauso wie Bowie versuchte, Ian Hunter bei Mott nach vorne zu bringen.
Denn diese Band war eigentlich eher wie die Beatles. [Mott-Bassist] Mick Ralphs sang genauso viel wie Ian. Bowie sah das und meinte: „Du hast die Sonnenbrille, du hast die Haare. Du solltest vorne stehen!“ Und das war es, was Mutt mit mir machte. Wir hatten keinen zweiten Sänger. Aber er sagte: „Keine dieser Wischiwaschi-Sachen. Du musst da rausgehen!“
Und zu dieser Zeit gab es auch Typen wie David Lee Roth und David Coverdale. Diese Frontmänner, die zentrale Figuren waren und Aufmerksamkeit erregen konnten. Er wollte, dass ich zumindest die Möglichkeit bekam, in dieser Art von Rampenlicht zu stehen. Das wäre nichts gewesen, was ich selbst gemacht hätte. Aber ich war damit einverstanden. Ich war gerade einmal 21 Jahre alt. Ich war einfach nur froh, nicht mehr in einer Fabrik zu arbeiten.
„Photograph“ (1983)
Es war ein Überbleibsel von High ’n‘ Dry, das nie fertiggestellt wurde. 1982 hatten wir uns wieder zusammengetan, um Pyromania aufzunehmen. Und wir sagten: „Erinnert ihr euch an das, was wir da gemacht haben …“ Ursprünglich war es am Anfang eher ein Zwillingsgitarrensong. Aber es klang zu sehr nach Thin Lizzy. Also kam Steve mit dem neuen Intro-Teil. Er fing an, es zu spielen. Wir sahen uns alle im Kontrollraum an und dachten: „Was zum Teufel ist das denn?“
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Als es an der Zeit war, den Text zu schreiben, sagte Mutt: ‚Nun, was hast du?‘ Und ich sagte ihm: „Ich habe keine Worte. Aber ich habe eine Idee, die mir nicht mehr aus dem Kopf geht.“ Ich lebte damals in einer kleinen Kellerwohnung am Stadtrand von London, in Richtung Heathrow. Es war eine richtige Bruchbude. Es gab ein Loch in der Wand, das mit einem Poster abgedeckt war. So ähnlich wie in „Die Verurteilten“. Es war keine Fluchtluke. Aber es sah so aus! Und das Poster, das über diesem Loch hing, war Marilyn Monroe. Also sagte ich zu Mutt: „Wäre es nicht toll, einen Song über eine Frau zu schreiben, die die ultimative Frau ist. Aber auch eine Frau, die man nie haben kann?“ Er sagte: „Was meinst du mit niemals?“ Und ich sagte: „Weil sie verdammt tot ist!“
Für das Video blieben wir die ganze Zeit beim Thema Marilyn Monroe. Aber Tatsache ist, dass der Song eigentlich nicht von ihr handelte. Es war kein „Candle in the Wind“-Song. Sie war nur zufällig auf dem Poster zu sehen. Es hätte genauso gut Jayne Mansfield sein können. Es hätte jede ikonische, tragische Frau sein können.
„Rock of Ages“ (1983)
Die meiste Zeit über haben wir den Backingtrack ohne Text aufgenommen. Als es dann an der Zeit war, den Gesang hinzuzufügen, wussten wir nicht, wo irgendetwas hineinkam. Weil es keine musikalischen Hinweise gab. Sobald die Gitarre aussetzt, sind nur noch Schlagzeug und etwas Bass zu hören. Es gibt keinen Hinweis darauf, wo die Gitarre wieder einsetzt, was zu dem Abschnitt „What do you want?“ wurde.
Also musste alles mit Zählern gemacht werden. „1, 2, 3, 4 … los!“ Irgendwann wurde es Mutt zu langweilig, immer nur „1, 2, 3, 4“ zu sagen. Und so fing er an, all diese verrückten Dinge zu sagen. „Gunter, Glieben, Glauten, Globen“ war nur eines davon. Und zwischen Lagerkoller, Dummheit, Rock ’n‘ Roll, wie auch immer man es nennen will, wurde es zum Witz.
Als wir das Lied fertig hatten, haben wir es auf die Vorderseite gepackt. Weil es zu diesem Zeitpunkt einfach Teil unserer DNA war. Und die Leute haben den Humor verstanden. In den letzten 30 Jahren fragt jeder: „Alter, was zum Teufel ist das für ein Ding, das du da sagst?“ Und dann haben The Offspring es für „Pretty Fly (for a White Guy)“ geklaut. Nun, sie haben es nicht geklaut. Sie haben um Erlaubnis gefragt. Aber es hat eine Verbindung hergestellt.
„Women“ (1987)
Nach dem Erfolg von Pyromania in den USA wurde dies als erste Single von Hysteria veröffentlicht – und es hat nichts gebracht! Aber wir haben es nicht ausgesucht. Man muss wissen, dass wir als britische Band, die immer noch in England lebte, in unserem Heimatland noch keinen wirklichen Erfolg hatten. Und im Juni oder Juli 1987, bevor Hysteria veröffentlicht wurde, brachten wir „Animal“ als Single in Großbritannien heraus und hatten einen Nummer-6-Hit in den britischen Top 40. Und wir dachten: „Das ist unglaublich!“
Aber unser Management überzeugte uns davon, „Animal“ nicht in Amerika zu veröffentlichen. Sie wollten lieber den Hardcore-Song „Women“, um unseren Glaubwürdigkeitsfaktor zu erhalten. Wir sagten: „Seid ihr total verrückt geworden?“ Und es floppte. Ich will nicht sagen, dass sie einen Fehler gemacht haben, denn vielleicht hat die Tatsache, dass dieses Lied zu diesem Zeitpunkt herauskam, den Weg für „Pour Some Sugar on Me“ geebnet, das dann zu dem Zeitpunkt herauskam, als es herauskam. Ich sage also nur, dass wir völlig anderer Meinung waren. Und am Ende hat es nicht geschadet!
„Pour Some Sugar on Me“ (1987)
Das war das Letzte, was wir für Hysteria gemacht haben. Und niemand wollte es machen. Weil wir das Gefühl hatten, dass wir fertig waren. Wir hatten zu diesem Zeitpunkt zwei Jahre lang an dem Ding gearbeitet. Aber wir waren im Studio, und alle anderen waren über das Wochenende weggefahren. Mutt und ich sangen gerade die Vocals für einen anderen Song auf dem Album ein. Und er ging, um eine Pinkelpause zu machen. Oder was auch immer.
Also nahm ich eine Akustikgitarre und begann, den Refrain zu spielen. Er kam hinter mir herein und starrte mich an. Er sagte: „Was zum Teufel ist das?“ Ich glaube ehrlich gesagt bis heute, dass er dachte, ich würde irgendeinen alten Kinks-Song spielen oder so. Ich spielte es noch einmal und er sagte: „Alles klar, neues Tonband!“ Und ich sagte zu ihm: „Die Jungs werden total ausflippen. Weil sie dachten, wir wären fertig.“ Wir haben zwei Tage lang 12 bis 15 Stunden am Tag daran gearbeitet. Und als alle zurückkamen, sagten wir: „Leute, wir haben da noch so einen Song.“ Und wir sahen, wie die Augen anfingen zu rollen. Aber als wir eineinhalb Minuten gespielt hatten, grinsten alle. Und sagten: „Verdammt, ja!“
Wir wussten immer, dass es ein guter Song war
Das Interessante daran ist, dass wir ihn anfangs im Rockradio getestet haben. Und er grandios gefloppt ist. Aber dann hat irgendein Typ in einer Stripbar in Florida danach gefragt. Und von da an ging es in andere Stripbars. Dann verbreitete es sich wie die wandelnden Toten in ganz Amerika. Von den Stripbars ging es ins Radio und zu MTV – bumm! Und wir haben in drei Monaten etwa 4 Millionen Alben verkauft. Wir wussten immer, dass es ein guter Song war. Aber für uns war er nicht mehr und nicht weniger als jeder andere Song auf der Platte. Schließlich wurde es jedoch zum wichtigsten Song auf dem Album.
„Rocket“ (1987)
Ich hatte mich mit jemandem in Holland getroffen, der mir „Burundi Black“ vorgespielt hatte, das dieses unglaublich hypnotische afrikanische Trommelmuster hat. Es ging mir richtig unter die Haut. Und zog mich in seinen Bann. Es erinnerte mich daran, wie ich mit 12 Jahren auf diese Kinderdisco ging und „Rock and Roll Part 2“ gespielt wurde. Das „Burundi Black“-Ding war einfach eine viel rustikalere, urbanere, natürlichere Version davon. Also lieh ich es mir von diesem Freund aus. Und machte eine Schleife aus dem eigentlichen Schlagzeugmuster. Ich begann, Akkorde darüber zu legen. Daraus entstand der heutige Refrain dieses Liedes. Dann haben wir alle gemeinsam daran gearbeitet, daraus ein Musikstück zu machen.
Als es um den Text ging, begannen wir, „Rocket“ zu singen. Weil es ein einfacher Ausdruck war, der zu dem Weltraumzeitalter-Sound passte, der sich über dieser afrikanischen Schlagzeugschleife entwickelt hatte. Aber ich hatte das Gefühl, dass Bowie das Weltraumthema zu Tode gespielt hatte. Ich erinnere mich, dass ich dachte: „Warum nehmen wir das Raketending nicht einfach als Metapher und machen den Song zu einem Vehikel, um über unsere Kindheit zu sprechen?“
Die Easybeats haben es sich mit „Friday on My Mind“ leicht gemacht. Sie haben daraus etwas Geniales gemacht, indem sie einfach die Wochentage genannt haben. Ich sagte: „Warum machen wir nicht etwas Ähnliches? Nennen wir einfach so viele Künstler, die uns beeinflusst haben, wie wir nur können.“ Und natürlich gibt es künstlerische Freiheiten bei einigen Leuten, die nicht Teil unserer musikalischen DNA waren. Die aber aus Gründen der Reimung dabei sind. Wie Jet Black [Schlagzeuger der Stranglers] und wer auch immer. Aber Dinge wie ‚Bennie and the Jets‘ und ‚Killer Queen‘, all das, passte einfach zum Gesamtgefühl dessen, was wir taten.
„White Lightning“ (1992)
Es geht um Steve Clark, der 1991 an einer versehentlichen Überdosis Alkohol und verschreibungspflichtigen Medikamenten starb. Aber nicht auf die gleiche Weise wie etwa in „Hurricane“ von Dylan, das einen buchstäblich durch das Leben eines Mannes führt. Unser Lied ist viel schattenhafter. Wir wollten, dass es um Steve geht. Aber wir wollten auch, dass jeder, der es hört und sich in einer ähnlichen Situation befand, sich damit identifizieren kann. Deshalb erwähnen wir ihn nie beim Namen. Aber die Situationen, in denen er sich befand, und die Situationen, in die er uns brachte, werden alle irgendwie erwähnt. Ohne zu spezifisch zu werden.
Was den Titel angeht, habe ich seitdem irgendwo gelesen, dass Steves Spitzname „White Lightning“ war. Die Wahrheit ist, ich kann mich nicht mehr erinnern! Ich kann das nicht mit Sicherheit beantworten. Es ist durchaus möglich. Um ehrlich zu sein, ist es einfach verschwommen. Es ist 34 Jahre her, seit Steve gestorben ist. 36 Jahre, seit ich mit ihm auf einer Bühne stand. Das ist mehr als die meisten Menschen als Musiker erleben. Und es ist alles vorbei. Aber der Name „White Lightning“ könnte etwas mit der Tatsache zu tun haben, dass er in diesen weißen Outfits über die Bühne fegte. Oder ist es nur eine dieser biblischen Geschichten. Wie, wissen Sie, wurden 5.000 Menschen wirklich von einem Stück Fisch ernährt?
„Tie Your Mother Down“ (1992)
Wir haben das bei der Tribute-Show [The Freddie Mercury Tribute Concert for AIDS Awareness] gemacht. Und es war toll, ein Teil davon zu sein. Ich bin seit Jahren mit Brian May befreundet. 1983 stand er mit Def Leppard auf der Bühne im L.A. Forum. Sechs Monate später kaufte ich ein Haus, das 20 Minuten von seinem entfernt lag. Wir haben die ganze Zeit in den Achtzigern miteinander verbracht. Brian war auch der erste, der mich anrief, als Steve Clark starb. Und anscheinend war ich der erste, der ihn anrief, als Freddie starb. Als sie diese Hommage zusammenstellten, rief Brian mich an und sagte: „Würdest du bitte auftreten?“ Und ich sagte: „Natürlich. Ihr seid einer der Gründe, warum wir eine Band sind.“
Der Auftritt selbst war eine Art „Hirsch im Scheinwerferlicht“. Um ehrlich zu sein, weiß man, wenn man da oben steht, nicht wirklich, was passiert. Es sind nur drei Minuten und das war’s. Dies war der erste Song des Sets. Und sie wollten nicht mit einem Gast beginnen. Also übernahm Brian die erste Strophe. Dann übernahm ich die zweite Strophe und Slash das Solo. Fertig. Kein Soundcheck, 90.000 Menschen im Stadion und eineinhalb Milliarden weitere, die vor dem Fernseher zuschauten.
Kein Druck also! Dann verbringt man seine Zeit hinter der Bühne. Und unterhält sich mit Leuten wie Elton John, Elizabeth Taylor und Robert Plant. Es war surreal. Wir feierten. Aber wir feierten eine sehr traurige Situation. Wir alle wären lieber ohne Grund dort gewesen. So gab es diese verrückten Gegensätze von Emotionen. Ein sehr erfreulicher Tag. Aber aus den falschen Gründen.
„Move With Me Slowly“ (1996)
Das Album „Slang“ verkaufte sich überhaupt nicht. Das wussten wir schon, bevor wir es überhaupt aufgenommen hatten. Aber es gibt ein paar Songs darauf, die ich wirklich liebe. Dieser hier ist wahrscheinlich mein Favorit. Und um ehrlich zu sein, ist er eigentlich nicht auf Slang. Er wurde bei der Neuauflage hinzugefügt. Es ist einer von [Gitarrist] Phil [Collen]s Songs. Er ist sehr Stones-mäßig. Es gibt einige schöne Gitarrenparts. Ich denke, dass er viel mit dem Ergebnis des aktuellen Albums zu tun hat. Leider haben ihn nicht so viele Leute gehört.
Es ist schon komisch. Damals wurde Slang als „nicht gut genug“ abgetan. Aber wir hätten kein zweites Album wie Adrenalize (1992) machen können. Das hätte uns umgebracht. Wir hatten bereits die große Trilogie von Alben mit aufwendigen Produktionen gemacht. Und mussten nun wieder von vorne anfangen. Ich denke, dass dies die ehrlichste Platte ist, die wir je gemacht haben. Als wir ins Studio gingen, um es aufzunehmen, heirateten wir gerade. Ließen uns scheiden. Eltern starben. Kinder wurden geboren. … Plötzlich wachten wir in der Realität auf. Und wir beschlossen, darüber zu schreiben. Die Leute waren noch nicht bereit dafür. Aber 1996 eine Reihe unbedeutender Rocksongs herauszubringen, wäre ein noch größerer Fehler gewesen.
„We Belong“ (2015)
Def Leppard ist das erste Album, das wir herausgebracht haben, bei dem ich ehrlich sagen kann, dass uns die Platte „Hysteria“ völlig egal war. Wir haben nicht versucht, so zu klingen. Haben nicht versucht, nicht so zu klingen. Wir haben überhaupt nicht darüber nachgedacht. Es gibt viele Songs auf dem Album, die ich wirklich liebe. Aber „We Belong“ ist einer meiner Favoriten. Weil wir alle fünf den Leadgesang übernehmen.
Ich habe darauf bestanden, dass wir das machen, einfach weil die Leute immer davon reden, wie toll die Backing Vocals in dieser Band sind. Also dachte ich mir: „Wäre es nicht schön, wenn jeder von uns einzeln singen würde. Damit die Leute hören können, wie gut die Stimmen in natura sind?“ Wir haben uns einfach die Tatsache zunutze gemacht, dass jeder in dieser Band singen kann. So wie jeder in den Beatles singen konnte – sogar Ringo! Sobald wir [den Schlagzeuger] Rick Allen dazu überredet hatten, die erste Zeile der zweiten Strophe zu singen, ging es los. Wir wussten, dass es gut werden würde.
