Pavement: Stephen Malkmus – Mein Leben in 15 Songs
Stephen Malkmus, Frontmann von Pavement, The Jicks und The Hard Quartet, blickt auf ein Vierteljahrhundert Indie-Rock-Genialität zurück.
Ein weiser Mann sang einmal, dass man die Vergangenheit niemals unter Quarantäne stellen kann. Sein Name war Stephen Malkmus. Das Jahr war 1994. Und er war über etwas Tiefgründiges gestolpert. Jahrzehnte später hat die verrückte, wunderschöne Musik, die er und Pavement damals machten, zeitliche Grenzen überschritten. Und zeigt sich als biblischer Einfluss auf Indie-Rock-Bands jeder nachfolgenden Generation. Als sie 2010 anlässlich einer kurzen Wiedervereinigung eine Greatest-Hits-Platte herausbrachten, nannten sie sie „Quarantine the Past“. Wie Zauberer, die ihren mächtigsten Zauber zurückholen wollen.
An einem Morgen vor kurzem im New Yorker Büro seines langjährigen Plattenlabels versucht Malkmus sein Bestes, um all das zu verstehen. Er lässt sich in einen Sessel fallen, zieht eine schmuddelige orange-weiße Baseballkappe tief in die Augen. Er ist noch ein bisschen müde vom Brooklyn Nets-Spiel am Vorabend. Und denkt über seinen kreativen Prozess bei Pavement nach. „Ich habe einfach versucht, die Töne zu treffen. Den Fluss zu finden. Und vielleicht etwas zu evozieren“, sagt der Sänger, Songwriter und Gitarrist schließlich in seiner typischen untertriebenen Art.
Die Jicks sind mit einer bunten Auswahl von fünf Albumtiteln vertreten
Stephen Malkmus wählt 15 Songs aus, die sein Leben in der Musik zusammenfassen. Pavement sind mit dem ersten und letzten Song jedes ihrer fünf Studioalben vertreten. Mit Ausnahme von „Wowee Zowee“ aus dem Jahr 1995, das mit „Western Homes“ von Gitarrist Scott Kannberg endet. Malkmus wählte stattdessen „Half a Canyon“, den vorletzten Song des Albums. Die Jicks sind mit einer bunten Auswahl von fünf Albumtiteln vertreten.
Und was verraten diese 13 Songs über Stephen Malkmus, den Menschen, und wie er sich seit den frühen 1990er Jahren verändert hat? Das kann jeder so gut wie er selbst beantworten. „Ich bin leider derselbe Mensch, nur mit mehr Zeit und mehr Lebenserfahrung“, sagt Malkmus. „Keine großen, grundlegenden Veränderungen. Ich denke, das müsste etwas Radikales sein. Wie eine religiöse Bekehrung oder Abstinenz. Aber das ist nicht passiert. Ich sage das mit einer gewissen Wehmut. Aber es ist zu schwer, nicht wahr? Niemand will sich ändern.“
„Summer Babe“
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Single, 1991; Slanted and Enchanted, 1992
„Summer Babe“ ist der Beginn einer Tradition, bei der Pavement ihre Alben mit dem eingängigsten Song an den Anfang stellten. Pavement hat den Startschuss gegeben! Es sind nur drei Akkorde. Wenn man sie überhaupt so nennen kann. Also kommt es musikalisch darauf an, was man aus diesen Akkorden herausholen kann. Wie weit kann man gehen? Der Text ist irgendwie albern. Er erwähnt „Ice Ice Baby.“ Es gibt einige Bilder aus Stockton, Kalifornien, wo wir den Song aufgenommen haben, gemischt mit einer kryptischen Geschichte über ein Mädchen und einen Jungen. Ich glaube nicht, dass das alles viel Sinn ergibt. Aber es hat ein paar coole Bilder.
Als ich den Song geschrieben habe, lebte ich in Hoboken oder Jersey City. Ich sagte mir: „Ich werde mich nicht mit diesem lauten Kunstzeug herumschlagen. Ich werde echte Songs schreiben, die den Leuten im Gedächtnis bleiben.“ Also hatte ich „Summer Babe“. Und spielte es Kannberg vor. Eine Sache, die ich an Scott schätze – ich könnte viele Dinge nennen, aber eine ganz konkret –, ist, dass man weiß, wenn ihm etwas gefällt. Ich erinnere mich, wie ich es ihm zeigte. Und er sagte: „Ja, das ist gut, Mann, das musst du machen.“
„Our Singer“
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Slanted and Enchanted, 1992
Dieser Song hat viel mit „Hip Priest“ von The Fall zu tun. Wir hatten nicht mehr viel Zeit für die Aufnahmen zum Album. Ich sagte: „Ich habe noch einen letzten Song. Ich werde ihn euch nicht einmal beibringen oder überarbeiten. Kommt einfach rein und spielt einen Walzer-Beat.“ Einfach ein frustrierter 22-Jähriger aus Kalifornien. Der Song hat eine gewisse Direktheit und Frische, die ihn zu einem schönen Abschluss für das Album macht.
Auf „Slanted and Enchanted“ gibt es noch einen anderen Song namens „Conduit for Sale!“, der „New Face in Hell“ von The Fall sehr ähnlich ist. Der Song „Fame Throwa“ ist sehr Fall-mäßig. Besonders der Refrain. Und „I’ve got one holy life to live“ [alias „Jackals, False Grails: The Lonesome Era“] ist „The Classical“ in einer anderen Version. Das sind also vier solide Songs, die ich direkt auf bestimmte Songs von The Fall zurückführen kann. Auf dem Rest des Albums höre ich The Fall nicht wirklich heraus. Aber das ist schon eine ganze Menge.
„Silence Kid“
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Ein paar Jahre vergehen. Wir touren um die Welt und haben für unsere Verhältnisse einigen Erfolg. Sind wie Cinderella. Wir wurden ausgewählt, der Schuh passt. Wir halten uns wahrscheinlich für ziemlich toll. Aber wir sind auch sehr dankbar, dass das überhaupt passiert ist. Jetzt muss ich zurückgehen und mir neue Ideen einfallen lassen.
Zu dieser Zeit trennten wir uns vom Schlagzeuger des ersten Albums [Gary Young]. Er war eine Art Hippie-Schlagzeuger. Eine wilde Karte, und wir hatten uns aus mehreren Gründen zerstritten. Ich arbeitete immer noch Teilzeit als Wachmann im Whitney Museum in New York. Und [Schlagzeuger Steve West] arbeitete dort mit mir. Ich fing an, mit Steve in seinem Loft in der South 5th Street, direkt an der Brücke in Williamsburg, zu jammen. Steve hat einen anderen Stil – langsamer, grooviger –, sodass die Songs mit ihm etwas anders klingen.
„Silence Kid“ beginnt mit einem gebrochenen Classic-Rock-Intro. Es ist lustig, uns dabei zuzuhören. Wir waren offensichtlich keine talentierten Rockstars. Dann dreht sich alles sehr schnell um viele Hooks. Und plötzlich ist es vorbei. Textlich ist es eine Art Unterbewusstseinsphänomen. Jemand in der Stadt unterhält sich mit einem Freund – definitiv nicht ich. Am Ende ist der Typ auf Drogen. Und will vielleicht masturbieren. Ich habe einfach ein paar provokante Texte geschrieben und versucht, sie einzubauen, wie „What the fuck?“.
„Fillmore Jive“
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Als Crooked Rain entstand, entwickelte der Sound einen Hauch von Fake-Grunge. Etwas Eagles, etwas Free und etwas Pop. Es gab einige Texte über das Leben in Bands. Es war fast schon konzeptionell. Musik über Musik. Der letzte Song fasst das zusammen. Er ist ein bisschen ironisch. Meine Stimme klingt rau. Als hätte ich als Hipster in New York einige lange Nächte hinter mir. „Every night it’s straight and narrow …“ Das ist ziemlich intensiv.
Als ich ‚Goodnight to the rock & roll era‘ sang, wünschte ich mir, ich wäre mehr wie Wire gewesen. Und hätte tatsächlich den Rock & Roll töten wollen. Wir haben viele der albernen Dinge am Rock abgeschafft. Aber wir haben auch vieles davon beibehalten. Weil wir Partykids sind und Bo Diddley-Beats mögen. Ich habe mich nicht davon verabschiedet. Ich habe wahrscheinlich gehofft, dass es weitergehen würde. Und dass wir die Besten sein würden.
„We Dance“
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Wowee Zowee, 1995
Wir gingen in ein Studio in Memphis namens Easely und nahmen dort 60 Prozent von „Wowee Zowee“ auf. „We Dance“ hätte eine B-Seite sein können. Aber wenn man es an den Anfang stellt, wird es wichtig für das Album. Es setzt ein Statement. Das war eines der wenigen Alben, deren Reihenfolge ich selbst festgelegt habe. In meinem Kopf passte alles zusammen.
Ich hatte eine andere Version von „We Dance“, die eher Glam-Rock war. Sie klang ein bisschen wie „Taking Care of Business“ gemischt mit Simon and Garfunkel. Aber auf dem Album habe ich sie eher düster gestaltet. Wie die Frogs oder David Bowie oder so. Ein bisschen wie ein Torch Song. Ich dachte: „Das ist ein guter Einstieg in das Album.“ Es zeigte, dass wir etwas Neues machten.
„Half a Canyon“
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Wowee Zowee, 1995
Dieser Song ist aus mehreren Gründen ziemlich krank. Der Text ist bedeutungslos. Also lassen wir den Text weg. In einem Song wie diesem dient er nur als Dekoration. Aber er hat einen wirklich coolen Gitarrensound, der die Lautsprecher des Fender Twin Reverb total zum Bersten gebracht hat. Ein hässlicher, übersteuerter Sound, den ich noch nie in meinem Leben gehört hatte. Das ist mein Verdienst.
Am Ende des Songs benehme ich mich wie Damo Suzuki. Ich schreie, als hinge mein Leben davon ab. Und ich schreie so lange ich kann. Danach bin ich fast ohnmächtig geworden. Ich dachte, ich bekomme einen Hirnschlag. Ich habe so laut geschrien, dass ich mich selbst erschreckt habe. So habe ich nie wieder geschrien. Aber wenigstens ist mein Schrei auf einem Album verewigt und nicht bei irgendeinem Gig, weißt du?
„Stereo“
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Brighten the Corners, 1997
Ich würde nicht sagen, dass Wowee Zowee ein Erfolg war. Hätte ich mich etwas mehr konzentriert, hätten wir wahrscheinlich eine Chance gehabt, die Aufmerksamkeit zu nutzen, die die Band durch Crooked Rain bekommen hatte. Aus irgendeinem Grund haben wir das verspielt. Und mussten für das vierte Album wieder von vorne anfangen. Also gingen wir zu Mitch Easter. Ich weiß nicht mehr, ob es Mary Timony von Helium oder Matador war, die uns auf diese Idee gebracht hat. Mitch hatte ein Studio in seinem Haus in North Carolina, ein altes Haus, das mit Vintage-Equipment verkabelt war. Wir gingen gerne in den Süden, um aufzunehmen.
„Stereo“ basiert auf dem Lead-Riff, der eher wie eine Basslinie klingt. Das ist der ganze Song. Die Texte sind im Stil von Beck oder den Beastie Boys. Ich rappe irgendwie. Aber meine Stimme klingt, als wäre die Luft aus einem Fußball gelassen worden oder so. Ich singe einfach nur verrückte Texte und versuche, die Leute zu provozieren, wie mit der Zeile von Geddy Lee. Der Teil „fact-checkin‘ cuz“ hat wahrscheinlich mit meinem Freund Hunter Kennedy zu tun, der ein großartiges Magazin namens „The Minus Times“ gegründet hat. Aber eigentlich habe ich keine Ahnung, warum ich das geschrieben habe.
„Fin“
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Brighten the Corners, 1997
Das ist so eine Art Jam-Song. Der Sänger scheint emotional etwas mit dem Song zu kämpfen zu haben. Er hat diese epischen, Neil-Young-artigen Gitarrensoli, wie der letzte Song auf einem Album. Langsame Gefühle, Klaviere, Echos. Das Gefühl, bevor wir dieses Wort überhaupt benutzt haben.
„Spit on a Stranger“
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Terror Twilight, 1999
Dieser Song erinnert mich an die Beatles. Es ist ein hübscher Song in Standardstimmung. Was, wie die Leser des Rolling Stone wissen, bedeutet, dass man die Gitarre nach EADGBE stimmt, so wie es uns der Herr geboten hat. Und er hat diese Nigel-Godrich-Produktion. Er kann eine durchschnittliche Gitarre so gut klingen lassen. Aber ganz im Stil von Pavement muss der Sänger sagen: „I could spit on a stranger“ (Ich könnte einen Fremden anspucken). Was ein etwas bizarrer Refrain ist. Irgendwie düster und verkorkst. Abgesehen davon ist es ein süßer Liebes-Song. Vielleicht habe ich gerade jemanden geliebt. Ich weiß es nicht mehr.
Nach „Terror Twilight“ war die Band fast zehn Jahre alt. Und ich hatte das Gefühl, dass es eher ein Kampf als eine Freude werden würde. Ich bin mir sicher, dass U2 viele Alben durchgekämpft haben und trotzdem zusammen geblieben sind. Aber wenn es keinen Spaß macht, hört man das auch in den Aufnahmen. Vielleicht ist es gut, aufzuhören, wenn alle noch Liebe und Selbstachtung füreinander empfinden. Letztendlich war es mehr oder weniger meine Entscheidung [Pavement zu beenden]. Ich habe versucht, es positiv zu sehen. „Es war großartig. Lasst es uns als etwas Besonderes in Erinnerung behalten.“
„Carrot Rope“
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Terror Twilight, 1999
Manche mögen sagen, dass „Carrot Rope“ ein ziemlich seltsamer Weg für Pavement ist, sich von der Welt zu verabschieden. Terror Twilight gab es viele interessante Diskussionen über die Reihenfolge der Songs. Am Ende setzte sich einer der Bandmitglieder durch. Und „Spit on a Stranger“ kam an den Anfang und wurde vorgezogen. Einer der Jungs, der nicht in der Band war, aber viel daran gearbeitet hatte, mochte diese Reihenfolge nicht. Und er hatte wahrscheinlich recht. Aber er war nicht in der Band, also … Wie auch immer, ich habe keine Ahnung, was mit diesem Song los ist. Es ist einfach völlig absurd. Fast wie ein Show-Song.
„Deado“
Stephen Malkmus, 2001
Ich war gerade nach Portland gezogen. Habe ein Jahr gebraucht, um Leute zu finden, mit denen ich gerne Aufnahmen machen wollte. Ich war völlig ahnungslos. Über Freunde von Freunden lernte ich Joanna und den Schlagzeuger Johnny Moen sowie Mike am Keyboard kennen. Es war ein Glücksfall, dass sie nicht wirklich in einer Band spielten und mich mochten.
Das war meiner Meinung nach das Ende des Musikgeschäfts, so wie ich es sah, etwa 2001. Es gab das Internet und vielleicht eine Stabübergabe an jüngere Künstler wie die Strokes und die White Stripes. Es war nicht meine Aufgabe, den Stab weiterzugeben. Aber plötzlich war es ein neues Jahrhundert. Und ich kämpfte weiter.
„1% of One“
Pig Lib, 2003
Ich stand auf britische Folk-Musik – Mellow Candle, Fairport Convention – und wollte meine eigene Version davon schreiben. Die Texte sind ziemlich albern. Sie handeln von einem Tontechniker, der dieser Band zuhört und total begeistert ist. Vielleicht ist er bekifft. Er trippt ab, und der Song versetzt einen in eine Traumwelt. Die Band sind natürlich wir – wer sonst? Unser Tontechniker, Remko Schouten aus Holland. Er ist nicht der erste Mensch, der bei der Arbeit einen Joint raucht. Aber das ist auch schon alles.
„Kindling for the Master“
Face the Truth, 2005
Ich habe den größten Teil von „Face the Truth“ selbst geschrieben, obwohl die Jicks einen bedeutenden Anteil daran haben. Dies ist ein Song, den außer mir niemand spielt. Ein Indie-Dance-Stück, das ich in meinem Keller in Portland mit einem echten Tonbandgerät aufgenommen habe. Er basiert auf einem Sample, das ich herausgenommen habe, um nicht dafür bezahlen zu müssen oder überhaupt danach fragen zu müssen. Ich werde nicht sagen, was es war. Wenn „Kindling for the Master“ auf einem Pavement-Album gewesen wäre und ein bisschen besser zusammengestellt, hätten die Leute es gemocht. Aber so ist es untergegangen. Ich war Teil eines neuen Genres, ohne es zu wissen.
„Elmo Delmo“
Real Emotional Trash, 2008
Wir hatten eine neue Schlagzeugerin. Janet Weiss von Sleater-Kinney. Und sie hatte die Idee, dass wir eine Hardrock-Band werden und uns gegenseitig zu neuen Höhen psychedelischer Ausdruckskraft treiben sollten. Sie ist eine sehr ehrgeizige Person, und ich hatte großes Glück, einige Alben mit ihr aufnehmen und mit ihr auf Tour gehen zu dürfen.
„Elmo Delmo“ erinnert mich an Janet und diese Zeit der Band. Ich fand es toll. Aber ich fragte mich auch: Wie viel davon brauchen wir noch, nachdem wir das gemacht haben? Es hat mich irgendwie erschöpft. Aber ich mag den Text dieses Songs. Aus irgendeinem Grund. Er ist auf die richtige Art und Weise trippig. Es ist ein Acid-Rock-Song mit Texten, als hätte Led Zeppelin noch stärkere Drogen genommen. Welche Geheimnisse werden sich wohl enthüllen?
„Shibboleth“
Wig Out at Jagbags, 2014
Dieser Song ist ein bisschen düster. Er wird von einem intensiven Basssound angetrieben. Fast so, als würden die Pixies wieder Lust haben, Leute zu erschrecken. Textlich enthält er einige ziemlich komplizierte Ideen über das Christentum und die Notwendigkeit von Grenzen. Etwas darüber, dass es ohne Sünde keine Moral geben kann.
Es gibt auch einige lustige Dinge, die nichts damit zu tun haben. Wie „I’m a connoisseur of scrapple“ (Ich bin ein Kenner von Scrapple). Ich fand, das passt gut zu unserer heutigen Welt. Die Leute versuchen, den besten Hamburger, den besten Taco oder den besten Speck zu machen. Also habe ich Scrapple eingebaut. Das ist billiges Fleisch für das einfache Volk.
Während wir uns mit all dem Mist herumschlagen, den ich mir ausgedacht habe und der manchmal Qualität hat – billiges Fleisch –, ist es immer noch da. Eine Zeile wie diese hätte leicht in „Summer Babe“ stehen können. Nur dass ich mir damals keine Gedanken über Life-Hacking mit Fast Food gemacht hätte. Also, ja, die Zeiten haben sich geändert.
