Die 50 besten Hair-Metal-Alben aller Zeiten
Die besten LPs aus der Ära von Aqua Net. Mit Bon Jovi, Poison, Cinderella, Whitesnake und vielen Frisuren mehr.
Eingängig, prägnant und mehr darauf bedacht, Partys in Schwung zu bringen oder Groupies anzubaggern, als Walhalla zu erobern oder depressive Gedanken zu hegen. Was in den Achtzigern auf MTV als Metal durchging, hatte nicht viel mit dem zu tun, was heute als Metal bezeichnet wird. Oder sogar mit dem, was in den Siebzigern größtenteils als Metal bezeichnet wurde. Visuell extravagant und mit eingängigen Refrains, die sich gut in Video-Singles verkaufen ließen, waren Bands wie Def Leppard, Quiet Riot, Twisted Sister und Ratt hatten viel mehr dem britischen Glam-Rock oder Aerosmith zu verdanken als Black Sabbath.
In jeder anderen Ära wären sie vielleicht einfach als „Hard Rock“ bezeichnet worden. Aber irgendwann kam jemand auf den wahrscheinlich abwertenden Begriff „Hair-Metal“, und der Name blieb hängen. Genauso wie die Musik, zumindest für den Rest des Jahrzehnts – und das meiste davon wurde immer schöner und vorgefertigter, bis es irgendwann nicht mehr ging.
Als Thrash und Grunge aufkamen, wurde Hair Metal unter den Teppich der Geschichte gekehrt und kurzerhand als Fake abgetan. Mittlerweile ist Hair Metal lange genug aus dem Rampenlicht verschwunden, dass man ihm bis auf seine schlimmsten Sünden alles verzeihen kann. Musikalisch hat mehr Bestand, als man vermuten würde: Es war so schwer, diese Liste auf nur 50 Alben zu kürzen, dass letztendlich Guns N’ Roses wegen ihrer Formsprengung und W.A.S.P. wegen ihres zu authentischen Heavy-Sounds disqualifiziert werden mussten. Zeitlich war die Einordnung klarer: Mitte der Achtziger bis Anfang der Neunziger, so ziemlich. Man mag es oberflächlich nennen, aber diese Alben zu hören, ist immer noch ein Headbanger-Ball. Von Chuck Eddy
50. Lord Tracy, „Deaf Gods Of Babylon” (1989)
Lord Tracy stammten unter anderem aus Tennessee und wurden von Terry Blaze angeführt, der zuvor Frontmann von Pantera war, als diese noch eine Glam-Band waren. Sie waren so erfrischend eigenwillig, wie es Sleaze-Metaller, die nach einem Pornostar benannt sind, nur sein können. Ihre besten nicht-witzigen Tracks sind wahrscheinlich der frühe Cheap-Trick-Ringer „Whatchadoin’”, der noch eingängigere Cruiser „Rats Motel”, der Metalbilly-Hoedown „King of the Nighttime Cowboy” und „Submission”, der wie eine härtere Version der Bostoner Fake-New-Waver The Fools klingt.
Der beste Witz-Track ist „Piranha”, eine Art superschnelle Metal-Version von Descendents-artigem Hardcore, „über einen Fisch”.“ Am anstößigsten ist der Frat-Party-Rap „3 H.C.”, dessen gefälschte afrikanische Dschungelgesänge eine politisch unkorrekte Minstrel-Show sind. Der Gitarrist klaut hier und da ein paar leckere Eddie Van Halen-Tricks. Und die vier kürzesten Songs, wenn man sie überhaupt so nennen kann, sind 0:22, 0:35, 1:26 und 1:27 lang. C.E.
49. Mr. Big, „Lean Into It“ (1991)
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Nach seiner Zusammenarbeit mit Steve Vai in der David Lee Roth Band tat sich Bassist Billy Sheehan mit einem weiteren Gitarristen mit unglaublich flinken Fingern zusammen, Paul Gilbert von den L.A. Shreddern Racer X, um Mr. Big zu gründen. Die Gruppe, zu der auch Sänger Eric Martin und der ehemalige Tina-Turner-Schlagzeuger Pat Torpey gehörten, veröffentlichte 1989 ihr solides Debütalbum bei Atlantic Records, doch erst 1991 gelang der Band mit „Lean Into It“ der künstlerische und kommerzielle Durchbruch.
Das Album beginnt mit „Daddy, Brother, Lover, Little Boy (The Electric Drill Song)“, einem Double-Time-Shuffle, bei dem Gilbert und Sheehan – Sie haben es erraten – Soli mit Gitarrenplektren als Power-Tools spielen. Aber „Lean Into It“ findet schließlich zu einem melodiösen Midtempo-Groove, der letztlich viel befriedigender ist. Gilberts getappte Intro zum psychedelischen „Green Tinted Sixties Mind“ ist geradezu hypnotisch, während „CDFF – Lucky This Time“ auch auf einer Foreigner-Greatest-Hits-Compilation nicht fehl am Platz wäre.
Und dann ist da natürlich noch die erfolgreiche Akustikballade „To Be With You“, die es auf Platz eins der Billboard-Single-Charts schaffte – der letzte Song der Hair-Metal-Ära, der diese Position erreichte. Wie Martin kürzlich Songfacts.com erzählte, hatte er diesen Song seit seiner Jugend in der Hinterhand. „Ich habe ‚To Be With You‘ geschrieben, als ich 16, 17 Jahre alt war“, sagte er. „Hauptsächlich, um die Freundinnen meiner Schwester zu beeindrucken.” T.B.
48. Precious Metal, „Right Here Right Now” (1985)
Vielleicht würden diese fünf kalifornischen Mädchen aus allen Teilen des Landes nicht zählen, wenn sie nicht „Metal” im Namen hätten – aber hey, ein großes Label (Mercury) hat ihr Album veröffentlicht, auch wenn es niemand gekauft hat. Und es waren die Achtziger, da war alles möglich. „Girls Night Out“ („wanna do what the boys been doin‘ for years“) ist Girlschool-Glamabilly-hart, aber der Rest verbindet den Burundi-Beat der Go-Go’s und die frühen Poison – Hardrock mit einem modernen K-Pop-Lächeln.
Leslie Knauer hatte Ende der Siebziger mit der Familienband Promises ein paar interkontinentale Hits im Europop-Stil, und hier singt sie laut und dünn, verkündet ihre Liebe zu einer gleichgeschlechtlichen Freigeistin namens „Emily“ und macht schwer atmende, sinnliche Annäherungsversuche über den Diddley-Glam von „Cheesecake“. Und obwohl der Schlagzeuger und ein Gitarrist auf schwarzes Leder und Metal-Mienen setzen, entscheiden sich die anderen drei für leuchtende Farben und sehen sehr glücklich aus. C.E.
47. Lita Ford, „Lita“ (1988)
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Die nach Joan Jett am häufigsten erzählte Erfolgsgeschichte nach den Runaways ist das genaue Gegenteil des reduzierten Punk-Pop der „I Love Rock & Roll”-Sängerin. Das dritte fulminante Album von Lita Ford war ein Platin-Hit, der auf großen Frisuren, großen Gitarrensoli und großen Ideen basierte (ihre neue Managerin war Sharon Osbourne). Der große Hit „Kiss Me Deadly” erinnert an die wilde Attitüde ihrer alten Band („I went to a party last Saturday night/I didn’t get laid, I got in a fight”), lässt aber im eingängigen Refrain einen Synthesizer mit der E-Gitarre um die Wette spielen.
Ford arbeitete auch mit Stars wie Lemmy Kilmister, Nikki Sixx und Ozzy Osbourne zusammen. Ford und der Prince of Darkness schrieben nach einer Nacht mit Billard und Wein gemeinsam die Akustikballade „Close My Eyes Forever“ – Ozzy’s einziger Top-10-Hit. Aber haben sie ihr Hit-Duett jemals live gespielt? „Nein“, sagte Ford, „weil er sich nie an den Text erinnern konnte.“ R.F.
46. Kik Tracee, „No Rules“ (1991)
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Kik Tracee aus L.A. wirkten unbegrenzt optimistisch, obwohl ihr Sound größtenteils an die negativen Nellies GN’R erinnerte und ihr Subgenre eindeutig auf dem absteigenden Ast war. Sie veröffentlichten nur ein einziges Album, aber was für ein durchdachtes, hörenswertes Album das ist.
Das klare Herzstück, „Big Western Sky“, wirkt so weitläufig und voller Möglichkeiten wie sein Titel und ist von großartigen Songs umgeben: ein Call-and-Response-/Cheerleader-Opener, der die Fans mitreißt („Don’t Need Rules“); ein Cover von „Mrs. Robinson“, das die Lemonheads hätte verhindern sollen; ein Dance-Groover, der von „Stranded in the Jungle“ Dolls zu funky GN’R („Soul Shaker”); ein damals passender Zugtrack mit „My Generation”-Stottern („Generation Express”); die beste Van-Halen-Imitation der Neunziger („Velvet Crush”); Oden an seltsame Freundinnen und schmutzige Städte. In „Tangerine Man” und „Rattlesnake Eyes (Strawberry Jam)” gibt es sogar Obst! C.E.
45. Pretty Boy Floyd, „Leather Boyz With Electric Toyz” (1989)
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Benannt nach dem berüchtigten Bankräuber und mit genug Haarspray bewaffnet, um ein Loch in die Ozonschicht zu reißen, stammte dieses Quartett von glamourösen Überfliegern natürlich aus Hollywood. Der Sound ihres Debüts spiegelte ihr übertriebenes Aussehen wider und verwandelte die Ästhetik des „mehr ist mehr“ in überlebensgroße Hooks – „Whoa-oh-oh”-Rufe klangen wie von einem Milizchor, die Texte handelten davon, mit der Kraft des Rock ’n’ Roll die Welt zu erobern.
Eine originalgetreue, wenn auch etwas aufgepeppte Coverversion von Mötley Crües früher Nummer „Toast of the Town” bewies, dass sie ihre Geschichte kannten; die zuckersüße Ballade „I Wanna Be With You” bewies, dass sie wussten, wie man Frauen um den Finger wickelt. Leather Boyz ist Glam Metal in seiner extremsten Form, in jeder Hinsicht auf die Spitze getrieben. M.J.
44. Kiss, „Lick It Up” (1983)
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Allein durch ihre Dominanz in der Popkultur übte die Band Kiss aus den Siebzigern einen gewissen Einfluss auf alle Bands aus, die es wagten, sich die Haare zu toupieren und im folgenden Jahrzehnt zuckersüße Gitarrenriffs zu spielen. Und doch stand das New Yorker Quartett Anfang der Achtzigerjahre kurz vor dem Aus. „Lick It Up“ jedoch belebte die Band durch eine Neuerfindung wieder.
Kiss, die nie eine gute Idee ausließen, legten ihre Kabuki-Schminke ab und ersetzten sie durch … nun ja, einfach eine andere Art von Make-up. Musikalisch holten Gene Simmons und Paul Stanley den Songwriter und Shredder Vinnie Vincent an Bord, der Kiss mit Albumtiteln wie „Exciter” und dem unvergesslichen Titelsong mit einem härteren, metal-beeinflussten Sound in die Moderne führte. Simmons erinnerte sich in seiner Autobiografie „Kiss and Make-Up” aus dem Jahr 2001 daran, wie er die Gesichtsbemalung entfernte: „Wir haben das Beste daraus gemacht, aber ich hatte eine Heidenangst.” R.B.
43. Vixen, „Vixen” (1988)
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Die erfolgreichste rein weibliche Hair-Metal-Band hatte zumindest auf diesem einen glatten, wenn auch stimmlich etwas dumpfen Album fast die gleichen Frisuren wie ihre männlichen Zeitgenossen – vielleicht nur mit weniger Make-up. Die Mitglieder kamen alle aus kälteren Gegenden nach L.A. und mussten sich ständig vor dummen Typen beweisen, obwohl Gitarristin Jan Kuehnemund die Band bereits 1981 in Minnesota gegründet hatte und Roxy Petrucci hatte schon seit ihrer Zeit mit ihrer shreddenden Schwester Maxine in Detroits überdrehtem Madam X die Drums malträtiert.
Abgesehen vom Girlschool-würdigen Road-Raver „Cruisin’“ wurde der Großteil ihres Debüts von einem beeindruckenden Team von Songwritern geschrieben: Der aufgepeppte Schlock-Balladen-Hit „Edge of a Broken Heart“ stammte von Fee Waybill von den Tubes und Co-Produzent Richard Marx; „I Want You to Rock Me”, das wie Billy Squier via Sly Fox‘ „Let’s Go All The Way” funkig klang, wurde teilweise von Co-Produzent und späterem C+C Music Factory-Techniker David Cole geschrieben; und „American Dream”, ein vage protestierender Song, der „Jesus Loves the Little Childen” („red and yellow, black and white”) zitiert, stammt von Jon Butcher, einem Blues-Rock-Mittelständler aus dem AOR-Bereich. C.E.
42. D-A-D, „No Fuel Left for the Pilgrims” (1989)
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Disneyland After Dark, wie sie hießen, bevor Walt Disney ihnen einen Riegel vorschob, kamen aus Dänemark und führten damit die großartige kontinentale Sleaze-Glam-Tradition von Hanoi Rocks fort. Aber sie klangen eher australisch – nicht so sehr im Sinne der Riffs von AC/DC, die viele Bands kopieren, sondern dank Jesper Binzers Bon-Scott-ähnlichem Gesang, was viel seltener ist.
Sie waren Bon-würdig philosophisch und auch witzig – sie beginnen mit ihrem bekanntesten Song, „Sleeping My Day Away“, der nicht so faul klingt wie sein Text und möglicherweise Slaughter zu „Up All Night“ inspiriert hat (in dem es ebenfalls darum geht, den ganzen Tag zu schlafen). Als nächstes kommt „Jihad“, der aus irgendeinem Grund von Benzinbomben in Vietnam handelt und dem Album seinen Titel gibt. „Rim Of Hell” erzählt von wirklich stinkenden Partys dort unten, aber es ist „zu heiß für den DJ”. Und „ZCMI”, was auch immer das bedeuten mag, ist schnell genug, um den unglücklichen Andrew „Dice” Clay-Song „Siamese Twin” fast zu entschuldigen. C.E.
41. Winger, „Winger” (1988)
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Winger mag von den Geschmacksrichtern Beavis und Butt-Head verrissen worden sein (ganz zu schweigen von Lars Ulrich von Metallica, der im Video zu „Nothing Else Matters“ einen Dartpfeil auf ein Bild von Frontmann Kip Winger warf), aber die musikalische Herkunft der Band war im Metal der Achtzigerjahre praktisch unübertroffen.
Kip und Keyboarder Paul Taylor hatten als Begleitmusiker für Künstler wie Alice Cooper gearbeitet; der in Berklee ausgebildete Gitarrist Reb Beach spielte mit allen von Chaka Khan bis zu den Bee Gees; und Schlagzeuger Rod Morgenstein stammte von den Jazz-Fusion-Pionieren Dixie Dregs. Zusammen schuf die Band ein Album, das Hard-Pop-Melodien mit, wenig überraschend, jeder Menge progressiver, technisch brillanter Instrumentalarbeit kombinierte.
All das wurde jedoch von dem gutaussehenden Sänger und der anzüglichen Unterströmung von Songs wie „Seventeen“ in den Schatten gestellt. Aber Kip erklärte später: „Seventeen war in Colorado [seinem Heimatstaat] legal, also habe ich den Witz nicht verstanden, Mann. Ich habe ihn nicht kapiert.“ R.B.
40. Stryper, „To Hell With the Devil“ (1986)
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To Hell With the Devil hits wie „Calling on You“ und die Klavierballade „Honestly“ klangen wie ultra-melodische Oden an einen geliebten Menschen, und das waren sie auch – nur dass dieser geliebte Mensch im Fall von Stryper Jesus war. To Hell With the Devil wurde das erste christliche Metal-Album, das mit Platin ausgezeichnet wurde. Einer der Schlüssel zu ihrem Erfolg lag darin, wie Stryper Elemente des härteren Metal – harmonische Gitarrenlinien, opernhafte Vocals – übernahm und sie in Vehikel für eingängige Pop-Hooks verwandelte.
Die Brüder und Bandgründer Michael und Robert Sweet kamen durch die Predigten von Jimmy Swaggart zum Christentum. Ironischerweise wurde der bald darauf in Ungnade gefallene Fernsehprediger nach dem Mainstream-Erfolg von „To Hell With the Devil“ zu einem ihrer schärfsten Kritiker. „Das tat weh, weil wir ihn respektierten“, sagte Michael Sweet. „Aber die Bibel sagt ganz klar: Wer urteilt, wird selbst gerichtet werden.“ R.B.
39. Vinnie Vincent Invasion, „Vinnie Vincent Invasion“ (1986)
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Nach einer Zeit als Songwriter für „Happy Days“ und als Leadgitarrist bei Kiss machte sich Vinnie Vincent (geb. Vincent John Cusano) sich selbstständig und gründete Vinnie Vincent Invasion. „Meine eigene Band zu gründen, war für mich das ultimative Mittel, mich selbst zu verwirklichen“, sagte Vincent gegenüber dem kanadischen Sender Much Music zum Zeitpunkt der Veröffentlichung von „Invasion“. „Es gibt mir die Möglichkeit, die Songs zu schreiben, die ich will, und sie so zu spielen und zu produzieren, wie ich will.“
Wie er es wollte, war offensichtlich eine kompromisslose Feier des klanglichen Exzesses. Wenn Vincents blitzschnelles Gitarrensolo den Albumopener „Boyz Gonna Rock“ durchzieht, kann man tatsächlich hören, wie die Mikrofone durch die schiere Lautstärke seiner Verstärker im Studio verzerren.
Der kraftvolle Sopran des ehemaligen Journey-Sängers Robert Fleishman schafft es, sich in vollwertigen Rocknummern wie „I Wanna Be Your Victim“ und „Shoot U Full of Love“, während er im poppigen „No Substitute“, das Vincents professionelles Songwriting unter Beweis stellt, sogar die Gelegenheit bekommt, seine melodischen Fähigkeiten zu zeigen – bis er natürlich von einer weiteren Salve Vincents wahnsinniger Gitarrenriffs unterbrochen wird. T.B.
38. Britny Fox, „Britny Fox” (1988)
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Noch mehr als ihre Kollegen aus Philadelphia, Cinderella und die aus Zentral-Pennsylvania stammende Band Poison, waren Britny Fox spirituelle und musikalische Anhänger der völlig unbekannten, aber lokal allgegenwärtigen Bar-Band Dead End Kids aus Berks County, die um die Wende der 80er Jahre aktiv war – sozusagen Pennsylvanias Antwort auf die New York Dolls. Britny coverte später denselben Song der Sensational Alex Harvey Band, aber auf ihrem Debütalbum blieben sie Slade treu, zu denen sie besser passten als Quiet Riot jemals.
Ihr größter Moment bleibt jedoch der massiv riffige, AC/DC-artige Opener „Girlschool”, der von Zigaretten rauchenden jungen Damen handelt, die sich nicht an Regeln halten. Die „Hot For Teacher“-Atmosphäre dieses Songs (sogar mit Schulglocken) kehrt später inmitten der gigantischen Drumbeats wieder, die den offensichtlichen PMRC-Konter „Rock Revolution“ einleiten. „Fun in Texas“, ihr ZZ-Boogie mit fettem Bass, ist ebenfalls großartig. Aber vor allem waren sie lächerlich, von den Shag-Teppichen auf ihren Köpfen bis zu den Spinal Tap-artigen Texten über hungernde Kinder in „Save the Weak“. Auf liebenswerte Weise. C.E.
37. Bang Tango, „Psycho Café“ (1989)
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Man könnte meinen, dass mehr Hair-Metal-Sänger den Weg des schlüpfrigen Billy Idol/Ian Astbury eingeschlagen hätten, aber nein, nur Joe Lesté von Bang Tango aus L.A. – siehe zum Beispiel die Art, wie er in zwei verschiedenen Songs „Shotgun!“ ruft, als würde er eine Hochzeit planen.in zwei verschiedenen Songs. Er behauptete auch, Bang Tango wolle The Cure oder Gene Loves Jezebel den Rang ablaufen. und der Puls von „Love Injection” und die tropischen Breakbeats, die „Sweet Little Razor” eröffnen, beweisen, dass sie keine Angst vor Disco hatten, der diese Jungs über Prince und INXS erreicht hatte.
Bis zum ausgereifteren Dancin‘ on Coals von 1991 hatten sie den Goth- und Funk-Anteil noch weiter erhöht, während sie den Seattle-Stil als „psychedelischen Mist, der durch die Vordertür hereinkommt” beklagten , noch bevor Nirvana überhaupt auftauchte. Aber das Debütalbum enthält ihren einzigen MTV-Hit „Someone Like You”, einen echten Klagelied, sowie „Breaking Up a Heart of Stone”, das an den eisigen Duft des französischen Pop der frühen Neunziger erinnert – und das alles in einem Post-Aerosmith/GN’R-Kontext, nicht weniger. C.E.
36. Alice Cooper, „Trash“ (1989)
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Nachdem er Jahrzehnte der Dekadenz überstanden hatte, wurde die Schockrock-Ikone Alice Cooper nüchtern, tat sich mit einem langhaarigen Bassisten namens Kip Winger zusammen und feierte Mitte der Achtzigerjahre ein ruhiges Comeback mit ein paar mittelmäßigen Hardrock-Alben, die sich unterhalb der Top 50 bewegten. Aber erst als er sich mit dem Glam-Metal-Songwriting-Guru Desmond Child und einer mit Stars gespickten Gästeliste (Jon Bon Jovi, Steven Tyler und Kip Winger, der sich zu diesem Zeitpunkt bereits eigene Hits verdient hatte) für „Trash“ zusammen.
Die Hit-Quasi-Ballade „Poison“ enthielt Texte, die lasziv genug für Kiss-Fans, aber auch bissig genug für Alice-Fans waren. „House of Fire”, das Joan Jett mitgeschrieben hat, ist ein perfekter Song über Männerbeziehungen; „„Bed of Nails“ wird von einem Chor mit „ow-ow-ow“ gesungen, und „Only My Heart Talkin’“ ist die Art von Hair-Metal-Ballade, die Nikki Sixx schreiben würde, wenn er reumütig sein könnte. „Ich stieg in meine Corvette, schaltete das Radio ein und hörte all diese großartigen Songs von Bon Jovi und Aerosmith“, erzählte Cooper 1989 in Raw. „Als ich herausfand, wie viele Songs Desmond geschrieben hatte, wusste ich, dass er der Richtige war.“ K.G.
35. Badlands, „Badlands“ (1989)
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Nachdem er kurzerhand aus Ozzy Osbournes Band entlassen worden war (per Telegramm, nicht weniger), leckte Gitarrist Jake E. Lee seine Wunden und gründete zusammen mit einem anderen ehemaligen Black Sabbath-Sänger, Ray Gillen, die Band Badlands. Trotz der beruflichen Vergangenheit ihrer Hauptakteure verzichtete die Gruppe auf Gothic-Themen und -Texturen auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum und wandte sich stattdessen dem bluesigen Swagger von Led Zeppelin und Montrose zu.
Schon in den ersten Sekunden des Albumopeners „Live Wire“ wird klar, dass Lee und Gillen eine kluge stilistische Entscheidung getroffen haben, denn das swingende Riff des Gitarristen und der raue Gesang des Sängers passen elektrisierend gut zusammen. Das kinetische Zusammenspiel zieht sich durch alle elf Tracks von Badlands, besonders beim schnellen Boogie „Hard Driver“ und der ersten Singleauskopplung „Dreams in the Dark“.
Vielleicht wegen seiner Rohheit – selbst „Winter’s Tale“, der einzige Verweis des Albums auf das Power-Balladen-Genre, verwandelt sich schnell in einen vollwertigen Rocksong – konnte Badlands die kommerziellen Erwartungen nicht erfüllen, und Gillen und Lee nahmen nur noch ein weiteres Album zusammen auf, das 1991 erschienene, eher laue Voodoo Highway, bevor sie sich im Streit trennten. T.B.
34. Junkyard, „Junkyard“ (1989)
„Als Guns N‘ Roses unter Vertrag genommen wurden, suchten alle anderen Labels nach dem nächsten großen Ding, und wir waren einfach zur richtigen Zeit am richtigen Ort und spielten die richtige Musik“, sagte Junkyard-Frontmann David Roach 2012. „Wir waren etwas härter und etwas hässlicher, aber immer noch Rock ‚n‘ Roll.“ Die weniger bekannten Geffen-Labelkollegen von GN’R – Axl Rose trug bei mehreren Fotoshootings ein Junkyard-T-Shirt – hatten ihre Sporen in einigen der angesehensten Bands des amerikanischen Hardcore verdient, darunter Minor Threat, The Big Boys und Decry: Die Band war nicht nur ein Zeichen für die Blütezeit des Hair Metal, sondern auch ein Symbol für die Identitätskrise des Punk am Ende der Achtzigerjahre. Mit Roachs zerfetzter Kehle und Chris Gates‘ rasanten Gitarrenriffs hat das 1989 erschienene Album „Junkyard“ einige knochenbrechende Momente, insbesondere „Hollywood“. Aber „Simple Man“ zeigt eine ebenso starke Vorliebe für Slide-Gitarren im Stil von ZZ Top und Blues-Riffs. R.F.
33
Saigon Kick, „The Lizard“ (1992)
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Das Quartett Saigon Kick aus Florida war eine der vielen Bands dieser Zeit, die fälschlicherweise als „Hard Rock” eingeordnet wurden – schließlich enthielt ihr erstes Album auch ein Kazoo-Solo. Auf ihrem zweiten Album, „The Lizard”, wurde Gitarrist und Hauptsongwriter Jason Bieler noch seltsamer.
Er frönte seiner verdrehten Beatles-Vibe mit dem fröhlichen, aber boshaften Abschiedssong „Chanel“, wurde in „Peppermint Tribe“ progressiv und mischte im Titelsong stampfende Thrash-Riffs mit schrägen Harmonien. Die kehlige Generationshymne „Hostile Youth“, die Bieler gemeinsam mit Frontmann Matt Kramer schrieb, hätte den Sprung zum Lollapalooza-Publikum schaffen können, wären die Genregrenzen zwischen melodischem Rock und dem damals noch jungen „Alternative“ nicht so streng gezogen gewesen.
Die majestätische, wehmütige Ballade „Love Is on the Way“ schaffte es jedoch dank ihrer glitzernden Gitarren und schwebenden Backing Vocals in die Popcharts. M.J.
32. Great White, „…Twice Shy“ (1989)
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Von den Tausenden von Metal-Sängern, die versuchten, Robert Plant nachzueifern, waren nur wenige so erfolgreich wie Jack Russell von Great White. Bevor ein tragischer Brand 2003 in Rhode Island 100 Great-White-Fans das Leben kostete, konzentrierte sich das Vermächtnis der Los Angeleser Band mit ihren perfekten Frisuren auf ihr viertes Album „…Twice Shy“ aus dem Jahr 1989.Russells raue Stimme, gepaart mit Michael Lardie am Keyboard, sorgte für melodramatische Feuerwerke. Ihr Signature-Song, ein Cover des 1979er Glam-Hits „Once Bitten, Twice Shy” von Mott the Hoople-Frontmann Ian Hunter, schaffte es in die Top Five.
„Unser Manager kam mit diesem Song zu uns”, erzählte Gitarrist Mark Kendall dem Magazin Guitar World. „Wir spielten und nahmen ihn auf, ohne zu ahnen, dass er die erste Single werden würde. Aber die Plattenfirma bestand darauf, dass es der ‚große Song’ sein sollte. „Unser Manager kam mit diesem Song zu uns“, erzählte Gitarrist Mark Kendall dem Magazin Guitar World. „Wir spielten ihn und nahmen ihn auf, ohne zu ahnen, dass er die erste Single werden würde. Aber die Plattenfirma bestand darauf, dass es der ‚große Song‘ sei, und tatsächlich wurde er ein Riesenerfolg.“ R.F.
31. Slaughter, „Stick It to Ya“ (1990)
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„Es war 1990, als unser Album veröffentlicht wurde“, sagte Slaughter-Sänger Mark Slaughter, „und es war bereits im Wandel begriffen. Wir waren wirklich der letzte große Teil dieser ganzen Welle.“ Slaughter, die aus den Überresten von Vinnie Vincent Invasion von dem gleichnamigen Sänger und Bassisten Dana Strum gegründet wurden, tauchten erst auf, als das Hair-Metal-Genre bereits in seiner dritten Phase war.
Aber Stick It to Ya, das im Januar 1990 veröffentlicht wurde, ergriff die letzten Momente und holte jeden letzten Tropfen Multiplatin aus ihnen heraus. Das Album brachte drei Hit-Singles hervor, darunter das knackige „Up All Night“ und das akustische „Fly to the Angels“, die beide Mark Slaughters Robert Plant-artigen Gesang mit einem geradlinigen – und im Gegensatz zu VVI weniger shred-verrückten – Hardrock-Angriff kombinierten. Als sie zwei Jahre später mit „The Wild Life“ nachlegten, waren die glorreichen Tage des Hair Metal – und Slaughters – vorbei. R.B.
30. BulletBoys, „Freakshow“ (1991)
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Nachdem sie sich mit ihrem selbstbetitelten Debütalbum bereits als Erben von Van Halen etabliert hatten, beschlossen die BulletBoys, auf ihrem Nachfolger etwas verrückter zu werden. „Wir weigern uns einfach, uns dem Geschmack anderer anzupassen“, erklärte Gitarrist Mick Sweda 1991 gegenüber der Zeitung „St. Louis Post-Dispatch“. Tracks wie das freche „Do Me Raw“ und das heulende „Good Girl“ zeigten, dass der vulgäre Humor nach wie vor ein wichtiger Bestandteil ihres Repertoires war, aber sie hatten auch künstlerischere Dinge im Sinn.
Die erste Single des Albums, das paranoide, schleppende „THC Groove“, hatte ein Video, das mit einer Hommage an Panzerkreuzer Potemkin begann – und von einem drogenresistenten MTV hastig als „The Hard Core Groove“ in Klammern versehen wurde. Anstatt den Weg der Powerballaden zu gehen (ein sicherer Ticket für Dial MTV), veröffentlichte die Band Coverversionen des Tom-Waits-Growlers „Hang On St. Christopher“ und J.B. Lenoirs nervtötenden „Talk to Your Daughter“ als Singles. Beide wurden dank des schmierigen Charismas von Frontmann Marq Torien zu kleinen Hits. M.J.
29
Dangerous Toys, „Dangerous Toys“ (1989)
Wie viele ihrer Kollegen aus der Headbangers Ball-Szene hatte auch dieses blutrünstige Quintett aus Texas nur Sex im Kopf – der sleaze-rompige „Teas’n Pleas’n” enthielt einen Sprechgesang-Breakdown, in dem sich Leadsänger Jason McMaster hastig bei einem Ehemann entschuldigte, der ihn in flagranti mit seiner Geliebten erwischt hatte, und der ähnlich verkürzte „Sport’n a Woody” ist, naja, irgendwie selbsterklärend. Aber wo McMaster und seine Bandkollegen ihre Sex-, Drogen- und Riff-Kollegen übertrafen, war in der Alice-Cooper-Hommage „Scared”, einem ausgeflippten Blick auf das Leben am Boden einer Flasche, der sich anfühlt wie eine explodierende Lokomotive. Seine Unruhe spiegelt sein Thema so effektiv wider, dass er als eine der besten Singles dieser Ära gilt. M.J.
28. Black ‘N Blue, „Black ‘N Blue“ (1984)
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Die Portlander, die ganz natürlich ihren Weg nach L.A. fanden, bevor sie ihren Durchbruch schafften, Black ‚N Blue sind der beste Beweis dafür, dass 1984 „falscher Metal“ und „echter Metal“ noch nicht wirklich in zwei Lager gespalten waren. Sie hatten definitiv die wunderschönen Locken und Schmollmund, und sie coverten „Action“ von den Glam-Rockern The Sweet aus den Siebzigern, aber ihr Debütalbum ist knallharte, brutale Musik. „I’m the King“ und der perfekt betitelte „Autoblast“ sind im Grunde Thrash Metal mit einem besseren Beat, und der letzte Song „Chains Around Heaven“ wurde vor einigen Jahren von den supercoolen Thrash-Retro-Rockern Cauldron aus Toronto gecovert.
Auf der alberneren Seite kündigt „School of Hard Knocks” (das sich auf „rock your socks off” reimt) den Gitarrenriff der Beastie Boys „(You Gotta) Fight for Your Right (to Party!)” an, während „Hold On to 18” (das sich auf das ambivalente „I know what I might be” reimt) seinen Titel von John Cougars „Jack & Diane” abwandelt. C.E.
27. L.A. Guns, „Cocked and Loaded” (1989)
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Nachdem sie sich mit ihrem selbstbetitelten Debütalbum als eine der aggressiveren Hardrock-Bands etabliert hatten, erweiterten L.A. Guns auf ihrem zweiten Album ihre Palette. Das stampfende Dröhnen von „Rip & Tear“, die Drag-Race-Anfeuerungsrede „17 Crash“ und das prahlerische „Give A Little“ besaßen alle die kugelsichere Prahlerei, die L.A. Guns von 1988 zu einem Nervenkitzel machte. Aber Cocked & Loaded hörte damit nicht auf: Das schlüpfrige Märchen vom gefallenen Engel „Sleazy Come Easy Go“ nickte in Richtung der harten Erfahrungen, die die Band während ihrer ersten Reise durch die Major-Label-Welt gesammelt hatte, während das wirbelnde „Magdalaine“ und das abgrundtiefe „Malaria“ es der Band ermöglichten, sich auszubreiten und ihrer progressiveren Seite zu frönen.
Cocked & Loaded bescherte L.A. Guns ihre höchstplatzierte Single, den süß-traurigen Mansfield-Nachruf „The Ballad of Jayne“, aber „Never Enough“, ein Stück Blue-Balls-Blues, das die Telefonleitungen von Dial MTV zum Glühen brachte, fühlte sich wie der Hit an, dessen frustrierter Power-Pop-Punch durch Phil Lewis‘ raue Stimme noch zusätzlich angeheizt wurde. M.J.
26. Poison, „Open Up and Say… Ahh!“ (1988)
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Allein schon das Albumcover und der Titel lassen „Open Up and Say… Ahh!“ als typischen Hair-Metal-Song erkennen. Dazu kommen noch die Wochenend-Hymne „Nothin‘ But a Good Time“ und die Nummer-1-Single „Every Rose Has Its Thorn“ dazu, und schon hat man einen Klassiker des Genres. Der letztere Song ist von den ersten akustischen Gitarrenklängen über den Refrain, zu dem alle Feuerzeuge in die Luft gereckt werden, bis hin zu Sänger Bret Michaels‘ sehnsüchtigem Seufzer, als er zu Beginn des Musikvideos aus dem Bett rollt, eine Meisterleistung der 80er-Jahre-Metal-Powerballaden und wurde seitdem von Miley Cyrus bis Tom Cruise gecovert.
Und die weibliche Protagonistin, die Michaels das Herz gebrochen hat? Natürlich eine Stripperin. „Ich war unterwegs, um meinen Lebensunterhalt mit Musik zu verdienen, das war die Rose“, sagte Michaels. „Aber dann war da meine exotische Tänzerin in L.A., von der ich fest überzeugt war, dass sie mich niemals betrügen würde – zumindest dachte ich das. Das war der Dorn.“ R.B.
25. David Lee Roth, „Eat ‘Em and Smile“ (1986)
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„Eat ‚Em and Smile. Der Titel ist sowohl positiv als auch aggressiv … und vielleicht ist es sogar eine Lebenseinstellung.“ David Lee Roth hatte viel Grund, positiv und aggressiv zu sein, als er 1986 in einem Promo-Video über den Titel seines bald erscheinenden Debütalbums riffte. Nachdem er kurz zuvor Van Halen verlassen hatte (oder rausgeworfen worden war, je nachdem, wen man fragt), wollte sich der Sänger nicht nur als Solokünstler etablieren, sondern auch, und das war vielleicht noch wichtiger, seiner alten Band eins auswischen.
Zu diesem Zweck holte er sich „die Power Twins“ an Bord, den ehemaligen Alcatrazz- und Frank-Zappa-Gitarrenguru Steve Vai (einer der wenigen Musiker, die Eddie Van Halen in den Startlöchern stehen lassen konnten) und den in Buffalo geborenen Bassisten Billy Sheehan sowie den ehemaligen Big-Band-Schlagzeuger Gregg Bissonette. Zusammen produzierten sie zehn Tracks mit unerbittlich ausgelassenem Hardrock. Nummern wie „Elephant Gun“, „Shy Boy“ und „Yankee Rose“ zeigen nicht nur die freche Art des Sängers, sondern auch die atemberaubende Virtuosität von Vai und Sheehan, deren Licks und Riffs von einer unbeschwerten Schlauheit profitieren, von der viele andere Shredder dieser Zeit nur träumen konnten. T.B.
24. Enuff Z’Nuff, „Enuff Z’Nuff“ (1989)
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Mit einem Sound, der stark von ihren Landsleuten Cheap Trick beeinflusst war, lieferten Enuff Z’Nuff aus Blue Island, Illinois, eines der beeindruckendsten Debüts des Glam Metal. Alle obligatorischen Merkmale dieser Ära – explosive Drums, von Halen inspirierte Whammy-Bar-Gitarren – sind in Songs wie dem hymnischen „New Thing“, „For Now“ und der Hitballade „Fly High Michelle“ vorhanden, aber es ist die tiefe melodische DNA von Lennon/McCartney, die diese Werke von einigen der weniger entwickelten Songwritings dieser Zeit unterscheidet.
„Wir waren echter Power-Pop, aber wir wurden zum ungünstigsten Zeitpunkt in der ganzen Metal-Begeisterung unter Vertrag genommen“, sagte Z’Nuff-Sänger Donnie Vie 2011 in einem Q&A mit Legendary Rock Interviews. „Ich schrieb etwas, und bis die Produktion fertig war, hatte es 20 Sekunden lang unsinniges Gitarrengeklimper und all diese verrückten Gesangs- und Drum-Effekte.“ Es ist schwer, Vies Einschätzung zu widersprechen, dass Enuff Z’Nuffs übertriebene Produktion das Album auf eine bestimmte Seite der Rockgeschichte verbannt, aber es ist ein einzigartiges Dokument dafür, was passiert, wenn man die Lehren der Fab Four in eine Full-Metal-Jacke steckt. T.B.
23. Hanoi Rocks, „Self Destruction Blues“ (1982)
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Finnlands fehlendes Bindeglied zwischen den New York Dolls und Guns N‘ Roses hatte zwar nicht die stimmliche und instrumentale Kraft der beiden, aber das hat Buckcherry auch nicht, und die haben nie ein so unterhaltsames Album aufgenommen. Außerdem hat W. Axl Rose im Gegensatz zu Michael Monroe von Hanoi nie ihre Frisur geklaut.
Der Rest der Band wollte alle wie Johnny Thunders aussehen, und ihre Punk-Wurzeln sind überall zu erkennen: „Kill City Kills” ist eine Anspielung auf Iggy mit James Williamson, „Nothing New” klingt genau wie die Buzzcocks mit Steve Tyler-Schreien, „Problem Child” ist purer Speed-Rock und „Taxi Driver” mit seinem wolfsähnlichen Garageabilly-Travis-Bickle-Tribut könnte leicht mit den schwedischen Nomads verwechselt werden. Und obwohl die trügerisch fröhlichen Titel „Love’s an Injection“ und „Dead by Xmas“ offensichtlich den romantischen Fatalismus des Proto-GN’R-Albumtitels widerspiegeln, hat eine Band, deren Vorstellung von einem schäbigen, aber guten Leben eine Straße mit vielen Cafés ist, etwas charmant Naives an sich. C.E.
22. White Lion, „Pride“ (1987)
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Federleicht, mit einer Vorliebe für Balladen und angeführt von einem Poster-Hunk aus einem fremden Land, waren White Lion der Drake der Glam-Metal-Ära. Die A-Seite ihres Durchbruchs, „Pride“, ist klebriger Marshmallow-Metal, mit mehrspurig aufgenommenen Vocals, die zu überschwänglichen Kissen aus Harmonie und Hall verschmelzen, Synthesizern, die ein großartiges New-Age-Album abgeben würden, und Brücken, die sich stark auf Akustikgitarren stützen – alles unterbrochen von flinken, klopfenden, whammy-verrückten Gitarrensoli von Vito Bratta. (Kein Geringerer als Zakk Wylde sagte: „Vito Bratta ist der einzige Gitarrist, den ich kenne, der Taps cool spielen kann.“)
Die B-Seite – auf der alle drei Chart-Singles des Albums zu finden sind – geht jedoch gelegentlich über das hinaus, was man noch als „Metal“ bezeichnen kann. „Tell Me“ ist im Grunde überproduzierter Big Star, „Wait“ ist glitzernder Pop und das fingergepickte „When the Children Cry“ ist ein stimmbrechender Anti-Kriegs-Schmachtfilm. „Stell dir vor, du bist ein Kind aus Kopenhagen, Dänemark, sitzt in Staten Island und schreibst ‚No more presidents, and all the wars will end‘, zu einer Zeit, als Ronald Reagan Präsident ist“, erinnerte sich Sänger Mike Tramp gegenüber Guitar World. „Aber so habe ich mich damals gefühlt.“ C.W.
21. Dokken, „Under Lock and Key“ (1985)
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Obwohl Dokkens Album „Back for the Attack“ aus dem Jahr 1987 dank eines Hits aus dem dritten Freddy-Krueger-Film höhere Chartplatzierungen erreichte, bleibt „Under Lock and Key“ ihr Meisterwerk. Es ist eine Reihe verwirrender Liebeslieder, darunter der Rocker-Song „In My Dreams“, in dem ein harter Kerl weich wird, das Manifest der Ablehnung „It’s Not Love“ und die wörtliche Frage „Werde ich jemals Liebe finden … in diesen einsamen Straßen?“ Hymne „The Hunter“.
Der Frontmann Don Dokken mit seiner heliumartigen Stimme klingt auf jedem Takt eindringlich, während Gitarrist George Lynch einige der besten Hardrock-Riffs der Achtziger spielt. Allerdings waren diese harten Jungs im wirklichen Leben genauso zerbrechlich wie die Figuren, über die Dokken in seinen Songs schrieb: Auf dem Höhepunkt ihrer Karriere, als sie bei der Monsters of Rock-Tournee vor Metallica auftraten, trennten sie sich 1989. K.G.
20. Love/Hate, „Black Out in the Red Room“ (1990)
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Auf ihrem Albumcover stellten sie sich als kubistische, psychedelische Hippies dar, die um eine mit Klapperschlangen besetzte Wasserpfeife herum campierten. Love/Hate schwelte wie eine juckende, aber unvermeidliche Kreuzung zwischen den frühen Guns N‘ Roses und den frühen Jane’s Addiction – allerdings mit einer Rhythmusgruppe, die ihren verkrampften, ruckartigen Funk in Stücke zerhackte wie einige Briten Mitte der Achtziger, die mit Gang Of Four aufgewachsen waren und dem traditionellen Rock den Tod wünschten.
Fast jeder Song auf ihrem Debütalbum handelt davon, sich zu betrinken (und tatsächlich nannten sie ihr ebenfalls erstaunliches Folgealbum von 1992 „Wasted in America“); ihre Welt ist eine einzige große Bad-Trip-Party, zu der Mama dir gesagt hat, dass du nicht hingehen sollst, und man hat Mitleid mit der „Gang-Bang-Sklavin“, den „kleinen versauten Flittchen“ und der „Rock-Queen, 13, vollbusige Blondine“, die nicht weggeblieben sind. Aber ihr Sound ist anders als jeder andere Hair Metal – bis hin zum Surf-Thrash-Beach-Boys-Finale „Hell, Ca., Pop. 4“. C.E.
19. Warrant, „Cherry Pie“ (1990)
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Obwohl der MTV-dominierende, jungfräuliche Mädchen entjungfernde, Baseballschläger schwingende, Pompon-Reime mit süßem Titel unvermeidlich dazu führten, dass Warrant als frivol abgestempelt wurden, ist Cherry Pie das Album, mit dem die ewig unterschätzten L.A.-Boys aus dem Mittleren Westen ernst machten.
Noch ernster wurden sie später auf ihren grungigen nächsten Alben, die fast niemand hörte, aber das eigentliche Highlight hier ist der Kleinstadt-Krimi „Uncle Tom’s Cabin”, der weniger an Harriet Beecher Stowe erinnert als an ihre Antwort auf Charlie Daniels‘ „The Legend of Wooley Swamp”. Warrant invertieren Johnny Paycheck („You’re the Only Hell Your Mama Ever Raised“), covern Blackfoot („Train Train“) und imitieren auch die Power-Pop-Ära von .38 Special („Mr. Rainmaker“), sodass Southern Rock definitiv Teil der Gleichung ist – „Love In Stereo“ hat sogar etwas Boogie-Woogie-Piano. Außerdem: Kein Hair-Metal-Sänger klang jemals so herzzerreißend wie Jani Lane in „I Saw Red“. C.E.
18. Cinderella, „Night Songs“ (1986)
Das Debütalbum von Cinderella ist sowohl in seiner Ökonomie als auch in seiner Fähigkeit, Stimmung zu erzeugen, meisterhaft. Tom Keifers Jaulen hatte die Schärfe von Brian Johnson und die Sehnsucht von Janis Joplin, während die kraftvolle Interpretation des bluesigen Hardrocks durch seine Bandkollegen dazu beitrug, dass der druckvolle „Somebody Save Me“ und der hämmernde Titeltrack in einer zunehmend überfüllten Landschaft hervorstachen.
Was den Titel angeht, so ist selbst das freche „Shake Me“ einen Hauch von After-Hour-Stimmung, obwohl das verbitterte, von verschmierter Wimperntusche gezeichnete „Nobody’s Fool“ vielleicht das beste frühe Beispiel dafür ist, wie die Hingabe des Hair Metal an seine latenten Goth-Tendenzen zu etwas Erhabenen führen kann. M.J.
17. Def Leppard, „Pyromania“ (1983)
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Anfangs wurden sie als Teil der New Wave of British Heavy Metal mit ihren Jeans bekleideten Teenagern in einen Topf geworfen, obwohl sie später beteuerten, dass sie mit dem Glam Rock der 70er Jahre aufgewachsen waren. Def Lep waren noch jung und spritzig genug, um mit ihrem dritten Album, einem der meistverkauften Alben des Jahres, den Durchbruch des-Metal in den USA mit ihrem dritten Album, einem der meistverkauften Alben des Jahres in allen Genres.
Mit „Hysteria“ aus dem Jahr 1987 wurden sie noch größer, aber hier sind sie noch eher eine Arbeitsband als Mutt Langes Studio-Konstruktion. Beide Seiten enden mit mythischem Mini-Zep-Power-Prog, und „Stagefright“ hat immer noch diesen NWOBHM-Overdrive. Allerdings waren es drei große Hits, die das Album verkauften: der hübsche Power-Pop-Song „Photograph“, die stotternde Bombast-Ballade „Foolin’“ und die AC/DC-Anleihe „Rock of Ages“, die natürlich mit falschen deutschen Worten und einem Neil-Young-Zitat beginnt.
Man vermutet jedoch, dass Mutt all die sonnigen Harmonie-Refrains gefördert hat – ganz zu schweigen von den zufälligen Soundeffekten wie Wind, Hubschraubern und seltsamen Industrial-Loops. C.E.
16. Twisted Sister, „Stay Hungry” (1984)
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Twisted Sister sahen immer weniger wie maskarierte, geschlechtsverwirrende Haarfarmer aus als vielmehr wie eine mit Steroiden vollgepumpte Version der New York Dolls. Aber dank einer Mischung aus Songs, die härter rockten als ihre Zeitgenossen, und wirklich mitreißenden Pop-Metal-MTV-Hymnen wie „We’re Not Gonna Take It“ und „I Wanna Rock“ führten sie 1984 mit Stay Hungry die Glam-Metal-Szene an.
Das Ganze war so verwirrend, dass Tipper Gore und das Parents Music Resource Center die Band damals in ihre Liste der „Filthy 15 Songs“ aufnahmen (weil sie angeblich Teenager zu Gewalt inspirierten), woraufhin Frontmann Dee Snider vor dem US-Senat gegen „Parental Advisory“-Aufkleber protestierte. „Das Video zu ‚We’re Not Gonna Take It‘ sollte einfach ein Cartoon sein, in dem menschliche Schauspieler Variationen des Road Runner-Wile E. Coyote-Themas spielen“, sagte Snider 1985. „Jeder Stunt wurde aus meiner umfangreichen persönlichen Cartoon-Sammlung ausgewählt.“ K.G.
15. Quiet Riot, „Metal Health“ (1983)
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Metal Health war der perfekte Cocktail aus den Metal-Meilensteinen der Achtziger: ein Song über Headbanging („Metal Health“), eine eingängige Hymne, die „den Lärm“ feierte (ein Cover des Originals „Cum on Feel the Noize“ der Glam-Rocker Slade) und eine Ode an rücksichtsloses Autofahren („Slick Black Cadillac“). Kein Wunder, dass es das erste Heavy-Metal-Album war, das Platz eins erreichte. Die Band existierte von 1975 bis 1980 und veröffentlichte nur in Japan zwei Alben, bevor sie sich auflöste, als Ozzy Osbourne den Gitarristen Randy Rhoads zu den Majors holte.
Nach Rhoads‘ tragischem Tod brachte Sänger Kevin DuBrow die Band wieder zusammen, um ein Tributalbum für ihren verstorbenen Kameraden aufzunehmen. Metal Health, die an Elton John auf Steroiden erinnert, „Thunderbird“ – und erst dann wurde ihnen klar, dass sie es noch einmal versuchen konnten. Mit Condition Critical aus dem Jahr 1984 landeten sie einen weiteren Hit (dank einer weiteren Slade-Coverversion, „Mama Weer All Crazee Now“), aber im Laufe des Jahrzehnts ließ die Qualität nach.
„Der Text lautet ‚Bang your head‘, was meiner Meinung nach die neue rebellische Aussage der Achtzigerjahre ist“, sagte DuBrow über einen ihrer großen Hits aus dem Jahr 1983. „Das bezieht sich indirekt auf das, was die Beatles und Elvis Presley sagen wollten, nämlich: ‚Wir sind die Band, die Eltern lieben zu hassen und Kinder lieben zu lieben, und es ist Zeit für eine Party.‘“ K.G.
14. Warrant, „Dirty, Rotten, Filthy, Stinking Rich“ (1989)
Warrant erlangte erstmals durch die melancholische Ballade „Heaven“, die Platz zwei der Hot 100 erreichte. Ihre Berühmtheit verdankte sie der Libido ihrer Mitglieder – insbesondere der ihres Frontmanns Jani Lane, dessen süße Singstimme im Widerspruch zu seinen salzigen Bonmots stand. Ihr erstes Album ist eine gelungene Einführung in den Strebsamkeitsgeist des Hard Rock, der durch die Haarsprayfrisuren und Lederklamotten der Band noch deutlicher zum Ausdruck kam.
Der Titelsong handelt von Rockstar-Träumen, „meinen Körper in Grün zu isolieren“ und „meine Zigaretten mit 100-Dollar-Scheinen anzuzünden“; „32 Pennies“, der das Album eröffnet, schwingt mit, wenn Lane seinen Mangel an materiellen Gütern bekundet; und „Big Talk“ bringt mit seinen großen Refrains die Lektionen wieder zum Leben, die Lane von seinem Vater gelernt hat. M.J.
13. Extreme, „Extreme II: Pornograffiti“ (1990)
Das zweite Album von Extreme wurde vor allem wegen „More Than Words“ mit Doppelplatin ausgezeichnet, dem zarten Duett zwischen Sänger Gary Cherone und Gitarrist Nuno Bettencourt, das die Hot 100 anführte und die Band zu einem festen Bestandteil von MTV machte. Aber das „funkige Märchen“ um diesen Megahit war eine groovige, prahlerische Geschichte über den Verlust der Unschuld, voller Unbehagen gegenüber dem Planetarischen („Pornograffiti“, „When I’m President“) und dem Persönlichen („Li’l Jack Horny“, „It(’s A Monster)“). „Das war ziemlich subversiv von uns, oder?”, sagte Cherone Anfang des Jahres gegenüber Rolling Stone.
Als wahrscheinlich erfolgreichstes Konzeptalbum der Hair-Metal-Ära, sowohl was die Verkaufszahlen als auch die Umsetzung angeht, wird Pornograffiti von Cherones majestätischer Stimme und den flotten Soli des späteren Rihanna-Begleitmusikers Bettencourt getragen, wobei selbst die paranoideren Momente durch weltumspannende Hooks versüßt werden. Der Höhepunkt des Albums sind das optimistische „Song for Love“ und das luftige „Hole Hearted“, das vielleicht davon handelt, von höheren Mächten gerettet zu werden, oder einfach nur ein Ende ist, bei dem man in den Sonnenuntergang geht. M.J.
12. Whitesnake, „Whitesnake“ (1987)
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Bis 1987 hatte der ehemalige Deep Purple-Sänger David Coverdale mit Whitesnake ein Jahrzehnt lang blutigen, sexuell aufgeladenen Pub-Rock produziert und dafür in Amerika kaum mehr als ein kollektives Achselzucken geerntet. Mit dem siebten Album seiner Band ging er jedoch voll auf Bon Jovi und tauschte Jeans und Leder gegen verspieltere Klamotten und glatter produzierte Rocknummern und Powerballaden.
Bezeichnenderweise war der große Hit des Albums, „Here I Go Again“, eigentlich eine Neuauflage aus Whitesnakes 1982er Album Saints & Sinners – nur dass die sprudelnde Orgel und die abgehackten Riffs des Originals durch glänzende Synthesizer, süßlich übersteuerte Gitarren und ein Video ersetzt wurden, in dem Coverdales damalige Freundin Tawny Kitaen auf der Motorhaube seines Jaguar XJ trocken rummacht. „Wie George Harrison sagen würde: ‚Es wurde ein Evergreen‘“, sagte Coverdale dem Boston Herald über den Erfolg des Songs. „Und Gott sei Dank, denn das hilft bei der Hypothek.“ R.B.
11. Tesla, „The Great Radio Controversy“ (1989)
Ein Rätsel, mariniert in einem Paradoxon: Die Band Tesla aus Sacramento war nicht nur irgendwie eine angesehene Hair-Metal-Band (vielleicht sogar ein Vorläufer der Black Crowes), sondern auch seltsam zwiespältig in Bezug auf Technologie: Benannt nach dem Radio-Pionier Nikola Tesla, prahlten sie auf ihren Albumcovern damit, keine „Maschinen“ in ihrer Musik zu verwenden – womit sie offenbar Synthesizer meinten, nicht E-Gitarren, zumindest bis sie 1990 ein Akustikalbum (das erste in der Geschichte des Metal?) veröffentlichten.
Ihr zweites Album geht leicht runter, ohne einen bitteren Nachgeschmack zu hinterlassen, ähnlich wie die Band U.F.O. in den Siebzigern (aber genau wie bei U.F.O. viel Glück dabei, sich an die Songs zu erinnern)Bei genauerer Betrachtung offenbart sich jedoch ein komplexes, auswegloses Werk mit Slide-Gitarren („Heaven’s Trail [No Way Out]”), einer moralischen Lektion über Männlichkeit („Be a Man”), etwas gestresstem Power Metal („Flight to Nowhere”), einer Top-Ten-Pop-Powerballade („Love Song”) und jeder Menge epischer Traurigkeit. C.E.
10. Cinderella, „Long Cold Winter“ (1988)
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Nur ein halbes Jahrzehnt nach ihrer unglaublichen Werbung für Pat’s Chili Dogs in Philly schufen Cinderella dieses akribisch ausgearbeitete Meisterwerk. Erst mit dem deutlich nahrhafteren Heartbreak Station aus dem Jahr 1990 wurde der Intellektuellen klar, dass sie mehr waren als nur Pudelhunde, aber rückblickend kann Long Cold Winter mit jedem Bluesrock der Achtziger mithalten. Das instrumentale Picking auf der Veranda, das jede Seite eröffnet, geht überzeugend in die Tiefe, aber die Band lässt die Hooks – zunächst in vier Chart-Singles – ganz natürlich aus dem Slide und der Pedal Steel entstehen.
Der heimliche Auftakt mit „Bad Seamstress Blues”/„Falling Apart at the Seams” entfaltet sich nahtlos zwischen weltmüden Janis-artigen Weepers und aufgeputschten Nazareth-artigen Raves. Sänger Tom Keifer sehnt sich sichtlich danach, nach Hause zurückzukehren, aber sein Zigeunerleben lässt ihn nicht. Also lässt er sich die Haare bis zum Himmel wachsen und fordert dich heraus, dich darüber lustig zu machen, und fährt die ganze Nacht durch, nur um im Rennen zu bleiben. C.E.
9. Motley Crue, „Too Fast for Love” (1981)
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Die Anfänge von Mötley Crüe sind legendär – die Kakerlakenplagen, die wilden Partys, die Eier-Burritos (fragt nicht). Das Debütalbum der Band aus dem Jahr 1981, das zunächst auf ihrem eigenen Label Leathür Records erschien und dann von Elektra neu aufgelegt wurde, zeigt, wie sie die Einflüsse von Los Angeles – ob musikalisch oder sinnlich – nutzten, um ein Rockgenre zu beleben, das schließlich zu einer wichtigen kulturellen Kraft werden sollte.
Der rasante Song „Live Wire“ verdeutlicht Loves Anziehungskraft auf den Punkt: Vince Neils Stimme vermittelt eher seine aufgestaute Unruhe als dass er die richtigen Töne trifft, während Mick Mars‘ kratzende Gitarrenriffs und Tommy Lees Schlagzeugattacke die Prahlerei des Glam mit der schnellen „Get-‚er-done“-Einstellung des Punk verbinden. Der freche Groove von „Come On And Dance” und Mars‘ kontrapunktische Schreie in „Piece of Your Action” lassen die späteren Welthits der Crüe erahnen. M.J.
8. Kix, „Blow My Fuse” (1988)
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Kix, eine Gruppe von Hinterwäldlern aus Hagerstown, Maryland, die davon besessen waren, Dinge in die Luft zu jagen und schmutzige Metaphern dafür zu finden, veröffentlichten zwischen 1981 und 1994 sechs fröhlich rockige und oft urkomische Pop-Metal-Alben. Vor allem dank des erschütternden Selbstmordpräventions-Songs „Don’t Close Your Eyes”, einer für Kix untypischen Powerballade, die nur knapp die Pop-Top-10 der Billboard-Charts verpasste, ist dies zweifellos das Album, das sich am besten verkauft hat.
Es ist auch das Album, auf dem AC/DC zu ihrer wichtigsten Inspirationsquelle wurde (zuvor hatten sie noch zwischen The Who, The Knack und Foreigner hin und her geschwankt), und es ist wahrscheinlich ihr solidestes Album. „Red Lite, Green Lite, TNT” und „She Dropped Me the Bomb” tanzen den Explosions-Tanz, ebenso wie der Titelsong, in dem die gezündete Zündschnur durchaus ein Körperteil sein könnte. „Red Lite, Green Lit, TNT” und „No Ring Around Rosie” (man beachte die AC/DC-Referenzen) sind ebenfalls von Kinderspielen inspiriert, einer Bubblegum-Tradition seit den Sechzigern. C.E.
7. Faster Pussycat, „Faster Pussycat” (1987)
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Das Debütalbum von Faster Pussycat kam sogar ein paar Wochen vor dem Debüt von Guns ‚N Roses in die Läden, und obwohl sich heute niemand mehr daran erinnert, wurden die zukünftigen Rock & Roll Hall of Famers und die zukünftigen Fußnoten damals häufig zusammen rezensiert, wobei ihr von Aerosmith beeinflusster Sleaze irgendwie gleichzeitig als weiterer L.A.-Hair-Metal und als authentischere Trash-Alternative dazu wahrgenommen wurde.
Beide Bands hatten ihre ersten Gigs im World Famous Cathouse von Riki Rachtman (späterer MTV-VJ und gescheiterter Angry-Samoan-Kandidat) und Taime Downe (Pussycat-Sänger) gespielt, sodass „the best Cathouse in town” in einem der besten Songs des Albums vielleicht nicht unbedingt ein Bordell ist. Rachtman wird für das „Scratchen” auf dem seinerzeit bahnbrechenden Rock-Rap-Song „Babylon” verantwortlich gemacht, der gleichermaßen den New York Dolls und den Beastie Boys verpflichtet ist. C.E.
6. Ratt, „Out of the Cellar” (1984)
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Hat jemals ein Produzent mehr Echo auf den Schrei eines Rocksängers gelegt als Beau Hill auf Stephen Pearcy in Ratt’s „Out of the Cellar”? Zunächst wirkte das so aufdringlich wie all der Lidschatten und die Wimperntusche, aber selbst dann war die Kraft von „Round and Round” nicht zu leugnen, einem tight groovenden Ball aus Post-Nuggets-Street-Punk-Rotz für alle Zeiten. Außerdem war Milton Berle im Video zu sehen, der sich schon seit Ewigkeiten in Frauenkleidern verkleidete!
Van Halen- und Aerosmith-Fans und Mötley Crüe-Kumpels, die es von San Diego nach L.A. geschafft hatten, bezahlten die ehemaligen Mickey Ratt dafür, dass sie viel spielten, nur um so weit zu kommen. Und obwohl es leicht wäre, den Großteil ihres ersten Albums als Füllmaterial abzutun, entwickeln „She Wants Money“ und „I’m Insane“ eine beneidenswerte Dynamik, und „Lack Of Communication“ und „The Morning After“ stehen in Sachen Songstruktur und Gitarrensound in nichts nach. C.E.
5. Skid Row, „Skid Row” (1989)
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Nachdem sie sich Mitte der Achtzigerjahre mit einem anderen Sänger in den Clubs von Jersey durchgeschlagen hatten, engagierten Skid Row den bahamaischen Brüllorgan Sebastian Bach und schossen sofort zum Erfolg. Drei rebellische Hymnen im Stil von Mötley Crüe – „Youth Gone Wild”, „18 and Life” und „I Remember You” – wurden von MTV rauf und runter gespielt und verhalfen ihrem Debütalbum noch vor Ende des Jahrzehnts zu über zwei Millionen verkauften Exemplaren, auch wenn die Band damals nicht glaubte, dass dies ihr Reiz war.
„Ich will nicht irgendeinem dummen Label gerecht werden müssen, das mich als ‚Bad Boy‘ oder Anführer einer Gruppe von Halbstarken bezeichnet“, sagte Bach 1989. „Wir wollen einfach nur richtig singen, aber das ist uns nicht so wichtig. Wir wollen so gut wie möglich spielen und darauf achten, dass unsere Haare im Fernsehen gut aussehen.“ K.G.
4. Mötley Crüe, „Shout at the Devil“ (1983)
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Wenn man sich erst einmal an das schockierende Pentagramm auf dem Plattencover und das Zitat von Nazi-Pädagogen („Wer die Jugend hat, hat die Zukunft“) im Opener „In the Beginning“ gewöhnt hat, ist das zweite Album von Mötley Crüe eine Fundgrube melodischer Hardrock-Songs, angeführt von „Looks That Kill“. „Wir sind genau wie Journey, oder?“, sagte der stets zitierfähige Nikki Sixx nach der Veröffentlichung des Albums.
„Wir könnten einen Punkrock-Song auf Speed schreiben und er hätte trotzdem eine Melodie. Dann wäre es immer noch ein Song, immer noch gut. Wir glauben nicht, dass Melodie nur auf langsame Beatles-Songs oder Journey-Songs oder Liebeslieder beschränkt ist. Das muss nicht so sein.“ Apropos Beatles: „Helter Skelter“ kommt hier mit geschmolzenen Mick-Mars-Riffs und Vince Neils durchdringenden Schreien daher. R.F.
3. Bon Jovi, „Slippery When Wet“ (1986)
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Mit „Slippery When Wet“ stieg Bon Jovi von mäßig erfolgreichen Hardrockern aus New Jersey zu einer der größten Bands der Welt auf, innerhalb und außerhalb der Spandex-Hosen. Das Album ist voller Geschichten („Wanted Dead or Alive“) und Richie Samboras Gitarrenwänden („Raise Your Hands“) und wurde bis heute über 12 Millionen Mal verkauft. Mit wichtigen Songwriting-Beiträgen von Desmond Child (Aerosmith, KISS, Cher) bei „You Give Love a Bad Name“ und dem Leitfaden zur Trickle-Down-Ökonomie für Stadien bei „Livin‘ on a Prayer“ ist „Slippery“ bis heute ein Karaoke-Klassiker.
„Es ist Arbeiterklasse und es ist echt“, sagte Bon Jovi über „Livin‘ on a Prayer“, wahrscheinlich einer der wenigen Hair-Metal-Songs, in denen Gewerkschaftsstreiks erwähnt werden. „Das ist es, womit sich die meisten unserer Fans identifizieren können, nicht die Limousinen und Groupies. Dort finde ich immer noch mein Herz.“ R.F.
2. Poison, „Look What the Cat Dragged in” (1986)
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Bret Michaels mag behaupten, dass seine Inspirationen Zeppelin und Skynyrd waren und seine Band nichts mit dem Glitzer der Siebziger zu tun hatte, aber Poison kam dennoch aus dem Nichts wie die Bay City Rollers, die versuchten, die New York Dolls zu sein – und genau das machte sie so unterhaltsam.
Ihr 1988er Nachfolger Open Up And Say . . Ahh!“ gewinnt wahrscheinlich in Sachen Konsistenz, Kraft und Intelligenz, aber ihr schnell aufgenommenes Indie-Label-Debüt war der Inbegriff von Kindergarten-Metal, vom „Be My Baby“-Schlagzeugbeat des Openers „Cry Tough“ bis zu den Bubblegum-Sex-Pistols-Riffs im großartigen „Talk Dirty to Me“. „I Won’t Forget You“ war ein verträumter Liebesbrief an die Fans, „I Want Action“ ihre Antwort auf „Looking For a Kiss“ von den Dolls. Und bis sie ein paar Jahre später kalte Füße bekamen und die pinken Gitarren wegwarfen, sah keine Boy-Hair-Band mädchenhafter aus. C.E.
1. Def Leppard, „Hysteria” (1987)
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Mit „Hysteria” wollten Def Leppard und Produzent Mutt Lange nach den Worten von Gitarrist Phil Collen „eine Hardrock-Version von „Thriller” schaffen. Das bedeutete, sich stark auf die „Pop”-Seite der Pop-Metal-Gleichung zu konzentrieren und den Fokus eher auf Rhythmus und Gesang als auf Gitarren zu legen. Das Ergebnis? Mehr als 20 Millionen verkaufte Exemplare.
Am beeindruckendsten war jedoch die überraschende Vielfalt der Songs, die vom Burundi-Beat der Glitzer-Ode „Rocket“ über den Kinderreim-Elektro-Rap von „Pour Some Sugar on Me“ bis hin zur Cyborg-Country-Ballade „Love Bites“ reichte. Collen erinnert sich gegenüber Guitar World: „Als Hysteria raus kam, sagten viele Leute: ‚Das ist kein Rock. Das ist Weichei-Musik.‘ Aber es hatte genau die Wirkung, die es haben sollte. Denn es ging nicht darum, nur das Rockpublikum anzusprechen, sondern alle. Und das haben wir geschafft.“ R.B.
