Elton John: Mein Leben in 20 Songs – aufgezeichnet von Cameron Crowe
Cameron Crowe zeichnet Elton Johns Weg in 20 Songs nach: von Reginald Dwight bis Reha, Familie und den jüngsten Alben
(Anmerkung: Dies ist ein Text aus dem Jahr 2013). „Sie haben nichts dagegen, wenn ich es laut spiele, oder?“ Es ist Morgen in Las Vegas, und Sonnenlicht füllt das Condo, das während seiner jüngsten Reihe von Shows im Caesars Palace als Elton Johns Zuhause dient, als Teil der Residency, die als „The Million Dollar Piano“ bekannt ist. In einem weißen Frottee-Bademantel bewegt er sich zum Stereo-System wie ein Athlet, die Arme schwingen knackig an seinen Seiten. Bald hat er sein neues Album „The Diving Board“ eingelegt. Viele, die gerade das letzte eineinhalb Jahre an einer Aufnahme gearbeitet haben, würden dann den Raum verlassen und dem Hörer sein eigenes Erlebnis erlauben. Nicht Elton John. Er setzt sich auf ein kleines Sofa vor den Lautsprechern, schließt die Augen und hört zusammen mit Ihnen. Und ja, es ist laut.
„The Diving Board“: ein Wendepunkt
Das Album ist für ihn ein Game-Changer. Es ist spärlich, anspruchsvoll und zutiefst persönlich. Nennen Sie es Elton Johns „Sketches of Spain“, nach Miles Davis’ eigener tiefer Karriere-Entdeckung einer weltläufigen neuen kreativen Stimme. Um das Stereo herum liegen andere CDs – von neuen Künstlern sowie Nina Simone in „Town Hall“. Elton ist ein Fan, der sich weigert, seine Musik herunterzuladen. Musik ist für ihn eine haptische Erfahrung – er will die Liner Notes lesen, sich die Bilder anschauen und die Reise machen.
Er schließt die Augen, während er „The Diving Board“ hört, sein Bein wippt und sein Kopf fängt die Rhythmen auf. Sie könnten sogar vergessen, dass er schon ein paar Platten gemacht hat: Das ist seine 30. Diese begann als Trio-Aufnahme, produziert von T Bone Burnett. Der erste Durchlauf von Songs war entspannt und vielversprechend. Eine zweite Session, befeuert von einem inspirierten neuen Satz Lyrics von Langzeit-Kollaborateur Bernie Taupin, schob das Album in tiefere Gewässer.
Das Gefühl, das sich festsetzte, war erinnerungswürdig an Eltons früheste Aufnahmen, als seine Band ein loderndes Trio war, mit einem Höhepunkt beim Live-Album „11-17-70“. Aber Eltons Stimme ist jetzt resonanter; die Songs klingen nach Erfahrung und einem Leben voller epischer Höhen, Tiefen und Plateaus. Jetzt in seinen Sechzigern ist er endlich Vater von zwei Kindern, Familienmensch und arbeitender Künstler.
Eine Playlist der persönlich wichtigsten Songs
Im Geist der intimen Natur seines Albums trafen wir uns ein paar Monate später wieder, um eine Fan-Playlist seiner eigenen persönlich am stärksten wirkenden Songs zusammenzustellen. Es war der perfekte Spätsommer-Nachmittag, um zu reflektieren und etwas Zeit zu schlagen, bevor ein Arzttermin anstand, um die Stiche einer jüngsten Blinddarm-Operation zu entfernen. Beim Durchgehen all seiner Aufnahmen wählte Elton die Songs – nicht unbedingt die Hits –, die ihm noch immer am meisten bedeuten.
„Empty Sky“
„Empty Sky“ (1969)
Ein großartiger Rock-&-Roll-Track. Ich liebe ihn zu Tode. Ich erinnere mich, dass ich den Gesang im Treppenhaus gemacht habe, um dieses Echo zu bekommen, in einem sehr kleinen Studio in London. [Caleb Quayes] Gitarrensolo wurde ebenfalls im Treppenhaus gemacht. Ein anderer Song auf dieser ersten Platte, „Skyline Pigeon“, war der erste gute Song, den Bernie und ich geschrieben haben. Aber „Empty Sky“ hat etwas Magisches. Er kam so brillant zusammen und klingt immer noch so gut. Es ist schwer für einen Piano-Spieler, einen Rock-&-Roll-Song zu schreiben. Er klang wie ein Stones-Song. Ich dachte: „Ich kann das.“
„Your Song“
Elton John (1970)
Was soll ich sagen, es ist ein perfekter Song. Er wird jedes Mal besser, wenn ich ihn singe. Ich erinnere mich, dass ich ihn in der Wohnung meiner Eltern in North London geschrieben habe, und Bernie mir die Lyrics gegeben hat, ich mich ans Piano gesetzt habe, draufgeschaut und gedacht habe: „Oh, mein Gott, das ist so ein großartiger Text, ich darf diesen hier nicht verkacken.“ Er kam in etwa 20 Minuten heraus, und als ich fertig war, rief ich ihn rein, und wir wussten beide. Ich war 22, und er war 19, und es gab uns so viel Selbstvertrauen. „Empty Sky“ war schön, aber es war sehr naiv. Wir machten weiter mit esoterischerem Zeug wie „Take Me to the Pilot“, natürlich, aber musikalisch war das ein großer Schritt nach vorn. Und je älter ich werde, desto mehr singe ich diese Lyrics, und desto mehr resonieren sie mit mir.
„Come Down in Time“
„Tumbleweed Connection“, 1971
Ich liebe das Melancholische, und ich liebe die Traurigkeit. Ich liebe es, traurige Songs zu schreiben. Nicht, dass ich als Person traurig bin – weil ich es nicht bin –, aber sie gehen mir nahe. Dylan, Joni Mitchell, Neil Young haben so viele davon geschrieben. Peter Gabriel, „Don’t Give Up“. Das sind die, die mir fürs Leben bleiben, und wenn man einen von denen schreibt, oh, fühlt sich das gut an! Wenn es nach mir ginge, würde ich die Art Scheiß die ganze Zeit schreiben! Ich liebe „Come Down in Time“. Es war erst unser drittes Album, und es ist so etwas, das ein Jazzsänger aufnehmen würde. Akkordmäßig war es wie nichts, was ich zuvor geschrieben hatte. Unverzichtbar für diese Liste? Absolut.
„Burn Down the Mission (including My Baby Left Me/Get Back)“
„11-17-70“, 1971
Die erste FM-Radio-Übertragung live aus einem Studio, mit 300 eingeladenen Gästen, darunter Mary Travers. Wir waren alle im Studio und trugen Kopfhörer, als würden wir ein Album aufnehmen, aber wir spielten live. Und wir konnten uns alle extrem gut hören. Wir haben einfach gejammt, und die 18-minütige Jam-Session ist eines der feinsten Drum-, Bass- und Piano-Spiele, das ich je gemacht habe. Wir waren eine verdammt gute Band.
Persönlich entwickelte ich mich gerade, wie ein Schmetterling, der aus einem Kokon kommt. Musikalisch war Reg Dwight weg. Sobald ich meinen Namen zu Elton John änderte, wurde ich Elton. Reg war als Person noch da, und das verursachte später eine Menge Probleme, weil mein persönliches Leben nicht mit meinem professionellen Leben Schritt hielt. Ich war immer noch der schüchterne, zurückgezogene Junge abseits der Bühne. Aber auf der Bühne war ich so viel selbstbewusster. Ich war gerade nach Amerika gekommen, traf Leute, die ich liebte, wurde von Neil Diamond vorgestellt, traf The Band, traf Dylan, traf Leon Russell.
Leute wie George Harrison schickten mir Telegramme und sagten: „Was du machst, ist großartig.“ Das gab mir so viel Selbstvertrauen. Es kickstartete, was ich schon in meinem Tank hatte, nämlich: „Ich habe hier einen Riesenspaß, ich kann mit diesen Jungs konkurrieren.“ Das ist es, was ich heutzutage für junge Bands zu tun versuche. Wenn ich etwas höre, das wirklich fantastisch ist, muss ich sie anrufen, um zu sagen: „Das ist absolut brilliant.“ Ich glaube, ich habe Fountains of Wayne in Skandinavien aufgespürt. Der Typ von den Shins hat nicht geglaubt, dass ich es bin [lacht].
„Madman Across the Water“
„Madman Across the Water“, 1971
Das Album „Madman Across the Water“ war das Ende einer Ära, die letzte Platte, die ich mit Session-Musikern gemacht habe. Es war überhaupt nicht kommerziell. Ich denke immer, dass man uns in meiner Karriere zu wenig zugestanden hat. Wir haben bei jedem Album ein Risiko genommen. Wir machten und schrieben ernsthafte verdammte Songs. „Levon“ und „Tiny Dancer“ waren die Singles vom Album – sie liefen chartmäßig nicht besonders. „Tiny Dancer“ ist ein komplexer Song – er ist nicht leicht zu singen –, aber das Album lief brillant.
Das war das Ende der Dreier-Ära auf der Straße, weil wir so weit gekommen waren, wie wir gehen konnten, und ich beschloss, einen Gitarristen in die Band zu holen. Davey Johnstone brachte eine neue Essenz. Diese drei Stimmen waren von da an so symbolisch für meine Platten. Persönlich war ich am stärksten mit dem Titelsong verbunden.
