Bob Mould: Mein Leben in 15 Songs
Bob Mould kommentiert 15 Schlüsselsongs von Hüsker Dü bis Solo: Hardcore, Pop-Hooks, Electronica und Gegenwart.
Aufgewachsen im Norden des Bundesstaats New York, zog Bob Mould Ende der Siebziger nach St. Paul, um am Macalester College, einer Liberal-Arts-Hochschule, Urban Studies zu studieren. Dort traf er Schlagzeuger Grant Hart und Bassist Greg Norton, und das Trio (anfangs ergänzt um einen Keyboarder, Charlie Pine) probte im Keller von Norton.
Schließlich nannten sie ihre Band Hüsker Dü (Schwedisch für „Erinnerst du dich?“) nach einem alten Brettspiel.
Zwischen rasendem, tobendem Hardcore und melodischem Songwriting balancierend – wie ein Hurrikan mit Pop-Hooks – machten Hüsker Dü einige der unauslöschlichsten Musik der Achtziger, bevor sie 1988 implodierten (eine Geschichte, die in Moulds Memoiren „See a Little Light: The Trail of Rage and Melody“ von 2011 offen und direkt erzählt wird).
Nach Hüsker Dü
In den Jahrzehnten seit der Trennung dieser Band hat Mould eine Reise unternommen, die ihn hinein und wieder heraus aus Power-Trios (darunter das kurzlebige Sugar) führte und hinein in elektronische Musik – und er ist alles mit derselben Intensität und demselben Vorwärtsdrang angegangen.
„Ich hätte vier Jahre lang ‚Copper Blue‘ touren können, aber oh Gott“, sagt er. „Ich habe nicht vor, langsamer zu werden oder aufzuhören.“ Wir bremsten ihn gerade genug aus, um ihm seine Gedanken zu 15 Höhepunkten aus seiner Musik und Karriere zu entlocken.
Hüsker Dü, „Guns at My School“ (1982)
Hüsker Dü gab es seit etwa zwei Jahren, und „Land Speed Record“ wurde im August 1981 im 7th Street Entry in Minneapolis aufgenommen. Wir hatten gerade die erste nationale Tour beendet, die wir je gemacht hatten, und das war ein ziemlich erstaunlicher Heimkehr-Gig. Das erste Set war völlig verrückt. Wir zeigten Minneapolis, was wir in diesen drei Monaten unterwegs gesehen hatten. In Minneapolis war die Hardcore-Szene gutmütig, netter Hardcore. In Nordkalifornien gab es weniger Regeln und die Drogen waren härter.
![Zen Arcade [Vinyl LP]](https://m.media-amazon.com/images/I/6140dcThMYL._SL500_.jpg)
„Guns at My School“ war eines dieser kleinen Hardcore-Juwelen, die ich wahrscheinlich in zweieinhalb Minuten schrieb. Die konkrete Inspiration kann ich nicht erinnern, aber es könnte irgendwo unterwegs in San Francisco oder Vancouver oder Seattle gewesen sein, und vielleicht sah ich nach einer Schulschießerei etwas in den Lokalnachrichten – was 1981 sehr, sehr selten gewesen wäre im Gegensatz zu heute. Es ist einer dieser verrückten, blindwütigen Hardcore-Songs, die ich mit 20 alle halbe Stunde hätte schreiben können, wenn ich es gebraucht hätte.
Hüsker Dü, „Everything Falls Apart“ (1983)
Titelsong einer feinen kleinen Platte, die an zwei Abenden entstand. Wir waren damals so eine produktive Band. Kreativität passierte die ganze Zeit. Viele Ideen und der Versuch, Dinge voranzutreiben. In dieser Zeit schrieb ich, schrieb, schrieb. Dieser Song war kein Spiegel eines bestimmten Ereignisses. Es war einfach einer dieser „Weiterschreiben“-Songs. Wenn ich auf den Text zurückblicke, wirkt er simpel: Den Titel immer wieder hämmern, den Titel immer wieder hämmern.
Musikalisch war er sehr eingängig, aber auch harmonisch sehr, sehr kompliziert. Manche dieser Akkordwechsel gingen weit über alles hinaus, was ich zuvor geschrieben hatte. Wenn ich ihn neben die anderen Songs auf der Platte halte, sticht er wirklich heraus. In gewisser Weise ist dieser Song – eine sonnige Melodie mit dunklerem Text – etwas, das ich bis heute mache. Ich sollte wahrscheinlich darüber nachdenken, ihn auf dieser Tour wieder hervorzuholen. Er ist komplizierter als einige der Songs, die ich im Moment schreibe!
Hüsker Dü, „Chartered Trips“ (1984)
Ich erinnere mich nicht, welches Fanzine es war, aber wenn man zu „Metal Circus“ von 1983 zurückgeht, sagte ich: „Die nächste Platte wird noch größer. Etwas, das im Hardcore noch niemand gemacht hat.“ Ich sagte das, ohne zu wissen, was zum Teufel ich da sagte oder was wir taten. Dann sagt man es – und es passiert einfach. Es gab keine Vorstandssitzungen oder PowerPoint-Präsentationen für „Zen Arcade“. Es ist einfach Zeug, das man macht: „Oh, lass uns eine Konzeptplatte machen! Lass uns fiktive Figuren erschaffen und einen Bogen erzählen.“ Es ist eine weniger strukturierte Version eines Broadway-Musicals.
„Zen Arcade“ war ziemlich kühn. Ich war die ganzen verdammten Regeln leid, die alle aufstellten. Ich sagte: „Ich gehe da rüber mit meinen Byrds- und H.P.-Lovecraft-Platten“, die ich damals in Goodwill-Läden fand. So persönlich und autobiografisch die Leute „Zen Arcade“ auch gern machen, es gab auch viel verspieltes psychedelisches Kauderwelsch darauf, das ihm Farbe und Textur gab, die 1983, als wir es aufgenommen haben, in der Musik vieler Leute nicht vorkamen.
Zu diesem Zeitpunkt waren wir Jahre tiefer in unserer Reise. Ständig auf Tour durch die USA. Runter nach Texas und Oklahoma, und dabei ein tiefes Gefühl für amerikanischen Regionalismus bekommen. Unterwegs auf langen offenen Strecken von Phoenix nach Austin oder so schaute ich aus dem Fenster und sah diese großen Busse vorbeifahren. Und statt eines Stadtbusses mit einem Ziel oben stand da „Chartered Trip“. Ich dachte: „Oh, das ist ein Bus voller Ich-weiß-nicht-wem, aber sie fahren gemeinsam irgendwohin auf dieser Reise, und es hat nichts mit der Reise zu tun, auf der ich bin. Ich frage mich, ob es fantastischer ist als in diesem Van – und wo sie anhalten, um zu essen?“ Einfache Sachen.
Hüsker Dü, „I Apologize“ (1985)
Hüsker Dü blieb bis „Zen Arcade“ unter dem Radar, und auf einmal waren wir ganz oben auf dem Radar, und Leute sagten: „Wow, dieses unglaubliche Werk – wie sollen sie das übertreffen?“ Das ist ein großartiges Problem, aber es schafft eine andere Art von Selbstwahrnehmung. Für mich war es: Mache ich weiter dasselbe, das die Leute mögen? Fordere ich mich selbst heraus? Gehe ich off-grid? Man wird ein bisschen selbstbewusster.
„Zen Arcade“ war unsere Coming-of-Age-Platte: „Okay, ich bin jetzt erwachsen.“ Mit „New Day Rising“, mit „Celebrated Summer“ und „I Apologize“ kam ich ans Ende meiner Trinkphase und merkte, dass ich nicht immer die einfachste Person war. Ich konnte mit 23 oder 24 ein voll funktionierender, aber widerspenstiger Alkoholiker sein.
Also sind Songs wie „I Apologize“ eindeutig ich, der sich wie ein schlechter junger Mann fühlt, als müsste ich mich global für etwas entschuldigen, das ich wahrscheinlich getan habe, dessen ich mir aber nicht wirklich bewusst war, weil ich oft betrunken war. „I Apologize“ ist eine sehr einfache, häusliche Entschuldigung dafür, den Müll nicht rausgebracht zu haben und beim Trinken ein bisschen rage-y gewesen zu sein. Ich sang: „I said I’m sorry, said I’m sorry“, und es ist nicht so schwer, es jeden Abend zu singen. Es war das Beste, was ich damals konnte.Hüsker Dü, „Makes No
Sense at All“ (1985)
„Flip Your Wig“ war meine Lieblingsplatte dieser Band. Es waren die besten Zeiten, die beste Kameradschaft. Das Songwriting war auf einem Allzeit-Hoch. Kein externer Produzent. Es wurde nach einem Beatles-Brettspiel benannt! (lacht) Leute spekulieren, es wäre viel größer geworden, wenn es bei Warner Brothers erschienen wäre (statt bei SST, dem früheren Label der Band), weil es poppiger war als „Candy Apple Grey“.
„Makes No Sense at All“ fasst all die Ambitionen zusammen, die ich als Songwriter damals hatte: „Wie mache ich weiter damit, diese eher pessimistische Sicht aufs Leben auszuschöpfen? Wie hell ist die Farbe des Bands, das dieses fantastische Geschenkpapier um dieses wunderschön dunkle Paket wickelt? Wie weit kann ich das treiben?“
Es ist ein super simpler Song, und ich spiele ihn immer noch jeden Abend. Es ist einer dieser wenigen Songs in meinem Katalog, die bisher den Test der Zeit bestanden haben, und ich werde nie müde, ihn zu spielen. Die Leute im Publikum werden auch nie müde, ihn mir zurückzusingen. Was für ein cooler Song. Es ist verdammt seltsam, das über die eigenen Sachen zu sagen, aber es gibt ein paar, bei denen ich denke: „Wow, den mag ich!“
Hüsker Dü, „Hardly Getting Over It“ (1986)
Der Text ist sehr wörtlich. Es ist ein sehr klares Bild von Familie und Sterblichkeit in ihren verschiedenen Formen – Familie, die stirbt, und wie man damit umgeht, wenn es passiert. Meine Eltern haben mir monatelang nicht mal erzählt, dass mein Großvater gestorben ist, aus welchem Grund auch immer. Vermutlich, weil es mich aufregen würde.
Ich spiele diesen Song fast jeden Abend, und er ist jetzt komplett anders, weil alle Figuren daraus gestorben sind. Nicht oft müssen Menschen das Tempus eines Songs ändern. Also muss ich jeden Abend, wenn ich diesen Song spiele, kurz innehalten, sobald die dritte Strophe vorbeikommt, weil es keine Frage mehr ist, was ich tun werde, wenn meine Eltern sterben.
Das ist so eine aufwühlende kleine Information für mich, jede Nacht. Live nimmt er all diese unterschiedlichen Formen an. Manchmal spiele ich ihn ganz leise, manchmal ist es ein irrsinniges Feuerwerk, manche Nächte ist es ein Trauermarsch.
Hüsker Dü, „Bed of Nails“ (1987)
Ich muss klar irgendeinen Schmerz gespürt haben, um auf so eine Idee zu kommen wie ein ganzes Nagelbett statt nur ein paar Nägel und Holzstücke – ich habe offensichtlich irgendein Leiden übersteigert. Ich hatte mit dem Trinken aufgehört, aber fairerweise kann man sagen, der Song war eine Reflexion über die Endphase der Band. Er ist auch definitiv ein Vorzeichen für Endzeiten in meiner wichtigsten persönlichen Beziehung damals.
Ich bezweifle, dass ich ihn mit irgendwelchen Hoffnungen auf Versöhnung geschrieben habe! Ist es nicht lustig, wie wir jetzt darüber lachen können? „Oh mein Gott, wie trostlos war das?“ (musikalisch) da steckt ein bisschen Neil Young in dem Song – das ist nicht zu leugnen.
Die Trennung (bei Hüsker Dü) war auf ihre Weise schon passiert. Das einzige Mal, dass alle für dieses Album gemeinsam im Raum waren, war, um die Mixe der Songs abzunehmen. Grant (Hart) und ich kamen und gingen, und (Toningenieur) Steve (Fjelstad) versuchte, alles zusammenzukleben. Also keine besonders hellen Erinnerungen. Die prägnanteste positive ist das Arrangieren der Landschaft fürs Cover und wie Grant Spaß daran hatte, die Säulen mit Taschenlampe und Flutlicht anzumalen. Es wurde ein großartiges Albumcover. Das ist die glücklichste Erinnerung an diese Platte, an die ich mich erinnern kann.
„See a Little Light“ (1989)
Das fiel einfach vom Himmel. Nach der Trennung von Hüsker Dü und einem Jahr auf dem Bauernhof (in Pine City, nördlich von Minneapolis), in dem ich nonstop schrieb, meist allein, war das einer der helleren Momente dieses Schreibprozesses. Ich weiß nicht, ob es ein sonniger Tag war oder eines der Hühner auf dem Hof. Aber was für ein optimistischer Song, wenn man bedenkt, wie isoliert ich war und wie schockierend das Leben nach Hüsker Dü für mich war.
Ich lebte ein einzelnes, einsames Dasein. Ich würde nicht sagen, meine Beziehung damals war hoffnungslos, aber es war ziemlich weit hergeholt, dass etwas Positives passieren würde. Also sehe ich ein kleines Licht. Nicht viel! (lacht) Nur ein Schimmer Hoffnung.
Eine positive Akkordstruktur, und der Refrain ist so oben, so jangly und hell. Ich spielte mit alternativen Stimmungen herum. Ein heller Moment auf einer ansonsten ziemlich bedeckten Platte.
Ich erinnere mich daran, dieses Video gemacht zu haben. So ein schöner Song und so ein kitschiges und teures Video. Nicht böse gemeint gegenüber den Filmemachern, aber mein Gott. Es war so: „Garderobe, was ist das?“ „Hair Stylist? Was?“ „Das macht dann 5.000 Dollar!“
„Stop Your Crying“ (1990)
„Black Sheets of Rain“ ist eine sehr dunkle Platte, eine der dunkelsten, die ich je gemacht habe. Ich stand direkt am Rand vom Ende meiner ersten langen Beziehung. Das Leben ist nicht immer eine Party, und jede Party endet irgendwann. Ich glaube, das Gefühl „Stop your crying“ bedeutete nicht, dass ich buchstäblich wegen des Endes dieser Beziehung Tränen vergossen habe.
Ich saß nicht wochenlang herum und weinte. Es war vorbei, und ich stieg ins Auto und zog nach Hoboken. Ich habe nicht wirklich viel Leben verpasst, als die Beziehung vorbei war. Es ging ums Weitergehen. Das ist ein starker, persönlicher Song und ein wirklich spaßiger Song zu spielen. Ich mag die Kadenz. Es ist wie ein lächerlicher Trauermarsch-Party-Song, bei dem alles vorbei ist und man irgendwie lacht.
Sugar, „JC Auto“ (1993)
Mit Sugar ging ich von einem Dreier zu einem Dreier zu einem weiteren Dreier. Aber es fühlte sich nicht wie Hüsker Dü an, und es fühlte sich nicht wie Anton (Fier) und Tony (Maimone, seine Rhythmussektion auf „Workbook“) an.
Anton und Tony waren Weltklasse-Spieler, und ich hatte das Gefühl, das wollten sie auch. Das kostete mich viel. Sugar war zurück zu einer ökonomischeren Herangehensweise, zurück dazu, mit einem Bassisten und einem Drummer zu arbeiten, die mit Schlafsäcken auf dem Boden und Herumtouren klar kamen. Sugar zeigte mir, dass es okay war, es eine Band zu nennen, obwohl ich der Hauptautor war.
Ich brachte Dave (Barbe) und Malcolm (Travis) diesen Stapel von 30 Songs, und in den Sessions machten wir „Copper Blue“, und dann kamen wir auf diese Suite von Songs, die viel schwerer und viel selbstgeißelnder war.
Ein sehr selbstzerstörerisches Motiv im Gegensatz zu „Copper Blue“, das pessimistisch war, aber mit Splittern von Helligkeit. „Beaster“ war definitiv dunkler, wie in „JC Auto“ – Jesus-Christ-Autobiografie. Ablage: „Hören, wenn Sie ‚Bed of Nails‘ mögen!“ Es ist definitiv autobiografisch. Es greift viel von dem weniger gebremsten, stärker selbstzerstörerischen Teil meines Lebens auf. Aber es hat ein Killer-Riff. Es killt und lässt nie nach.
„I Hate Alternative Rock“ (1996)
Das war der Beginn von mir, der fühlte: „Scheiße, Mann, das wird müde.“ Nach „Teen Spirit“ – was ist passiert? Es waren im Grunde unterdurchschnittliche Variationen desselben Themas. Ich erspare allen die Namen, aber man muss sich nur Modern Rock 1995 anschauen, dann kann man es raten. Es war so: „Verdammt!“ Eine Band hat es so richtig getroffen, dass sich die ganze Welt verändert hat, und in vier Jahren hat jeder es zu Tode geritten. 1995, als ich diesen Song schrieb, gab es viele Bands, bei denen ich dachte: „Ich hasse diese Band und wünsche mir, sie würde verschwinden.“ Der ursprüngliche Titel war „I Hate Fucking Alternative Rock and Wish It Would Go Away“. Der war ein bisschen lang, also kürzte ich.
Das „Hubcap“-Album war für mich so eine spaßige Platte, weil ich Leute wie Sebadoh mochte, die einfach ihrer Muse folgten, ohne Rücksicht auf kommerziellen Erfolg, zuhause Platten machten und jede lose Idee auf Tape einbauten und in einen Song steckten. Ein bisschen Spaß zu haben war für mich der Trost dieser Platte.
Ich glaube nicht, dass die Platte wie Sebadoh oder Folk Implosion oder Guided By Voices klingt, aber das war es, was mich an Musik noch begeisterte in dieser ansonsten faden, flachen, farblosen Landschaft des Modern Rock. Ich will nicht so vernichtend sein, aber ich hatte es satt. Dass ich mein nächstes Album „The Last Dog and Pony Show“ nannte, sagte allen: Ich steige aus diesem Ding aus. Also setzt dieser Song das Thema für das, was kommt.
„Paralyzed“ (2005)
Ich hatte eine großartige Zeit in Austin (wohin Mould Mitte der Neunziger zog), aber es war Zeit, nach New York zurückzugehen. Ich ging Ende der Neunziger zurück und lebte mein schwules Leben voll aus. Elektronische Musik war der Soundtrack dieses neuen Lebens. Beim ersten Versuch mit „Modulate“ (2002) war ich ein bisschen naiv, ein bisschen enttäuschend.
Ich wusste nicht, was ich tat. Aber das entmutigte mich nicht. Ich lernte einfach, wie man elektronische Musik macht. 2003, als ich nach D.C. zog, ging ich tiefer in elektronische Musik hinein. Ich wurde ein guter DJ und traf Tausende großartige Leute. Es war ein komplett anderes Universum, und zeitweise war es wichtiger als mein Gitarrenjob. Ich verstehe: Es ist keine Gitarre, also haben Leute ein Problem damit. Verstehe ich. Aber keine Instrumente und DJs, 1.200 Leute, die die ganze Nacht ihren Arsch abtanzen – das ist ein unglaublicher Anblick, und der Dirigent dieser Party zu sein ist verdammt cool.
„Paralyzed“ berührt das Ende meiner zweiten Beziehung, meiner 14-jährigen Beziehung mit einem Mann. „Body of Song“ sollte das dritte Album der Trilogie mit „Modulate“ und dem LoudBomb-Projekt sein. Was ich an „Body of Song“ mag, ist: Es war nicht nur zurück zur Gitarre, sondern ich trug auch meine Faszination für Electronica und das Basteln an zusätzlichen Farben in Songs weiter. Viele Bells-and-Whistles darunterzulegen, um mein Interesse an Progressive House auszudrücken.
„Shelter Me“ (2008)
Einer meiner Lieblingssongs, die ich zusammengestellt habe. Ich begann ihn am Keyboard und ging dann zur Gitarre, um ihn mit viel Synthesizer fertigzustellen. Textlich ist es nicht der persönlichste Song. Es steckt nicht viel Super-Bedeutung in den Worten. Aber jedes Mal, wenn ich ihn höre oder daran denke, wirkt er viel tiefer nach als einige der anderen Songs, die wir hier berührt haben.
Ich lebte damals in D.C., und ich hatte jede Woche eine Routine. Jeden Donnerstag traf ich mich mit meinen Freunden und wir gingen aus. Bevor ich losging, war das der Song, den ich anmachte – der Song, bei dem man sich fertig macht, um fabulous zu sein. Es ist wie diese Szene in „Hedwig“, mit der Perücke in der Kiste. Ich machte „Shelter Me“ an, hörte es und sagte: „Ich will rausgehen und Spaß mit meinen Freunden haben. Ich stutze den Bart und mache mich fertig, um rauszugehen und eine gute Zeit zu haben.“ Es geht um einen dieser Momente in meinem Privatleben. Nicht genug verzerrte Gitarre? Keine Ahnung. Ist mir egal. Es gab mir dieses „Rausgehen und Spaß haben“-Gefühl.
„Silver Age“ (2012)
Ich hatte im Herbst 2008 mit meinem Buch begonnen, und es kam 2011 heraus. Es war eine verrückte Zeit für mich. Ich machte Lesungen, und es kam von überall her eine verrückte Menge Liebe auf mich zu. Mit „Life and Times“ (2009) begann eine Phase der Reflexion. Viel Zurückschauen. Es war in derselben Denkweise wie bei „Workbook“. 1988 gab es viel Reflexion – und jetzt war es 20 Jahre später. Im Nachhinein habe ich es ein bisschen forciert, aber es war kein Zufall, dass es 20 Jahre waren.
„Silver Age“ kam sehr schnell zusammen, mit viel Liebe und Energie. Aber es hielt mich nicht davon ab, in „Silver Age“ oder „Star Machine“ trotzig zu sein. Dankbar, eine weitere Platte machen zu können – aber immer noch ein Besserwisser. „Silver Age“ (in dem Mould singt: „Stupid little kid wanna hate my game/I don’t need a spot in your hall of fame“) geht um jede Hall of Fame, jede Art von Legendenstatus.
Da stehen genug Leute vor mir in der Schlange. Es war, mich selbst auf die Schippe zu nehmen und ein bisschen Spaß zu machen über diesen Prozess: „Wer sind wir, dass wir so etwas entscheiden?“ Es ist ein echtes Fuck-you-Lied, so ein „Scheiß auf alles, was auch immer!“ Man denkt: Das Leben ist kurz, und ich kann mich nicht um Dinge sorgen, die ich nicht beeinflussen kann – ob Hall of Fame oder irgendein Kram dieser Art.
„The End of Things“ (2016)
Gerade jetzt in San Francisco zu leben, ist, als würde man auf irgendeinem unbestimmten Abgrund leben. Es ist verdammt irre. Kalifornien war immer ein Goldrausch, aber jetzt ist es Data Mining statt Gold Mining. Es kann jederzeit auseinanderfallen. Früher gab es Erdbeben, und Dinge können sich sehr schnell ändern, wenn so etwas passiert. Beziehungen können jederzeit beginnen und enden. Es gibt Tage, da wandert mein Kopf in Gegenden wie: „Was passiert, wenn es sozusagen tatsächlich auseinanderfällt? Was, wenn alles kollabiert?“
Und ich mag auch die Idee, dass Leute herumlaufen und sagen: „Oh, das ist das Internet der Dinge.“ Dieses ganze neue Protokoll – Smartphones und so. Und ich dachte: „Wie wäre es mit dem Ende der Dinge?“
Es ist ein wirklich cooler Song, und er hat diesen Raum zwischen den Strophen, damit ich beim Live-Spielen zweieinhalb Sekunden vom Mikro wegkomme, kurz die Beine strecke und ein bisschen herumhüpfe. Und ähnlich wie bei „Makes No Sense at All“ oder „Everything Falls Apart“: Wenn ich singe „It’s the end of things, the end of everything“, kann man in Sachen Dunkelheit kaum besser werden. Aber ich kann es nicht viel eingängiger machen als so, wie ich es singe. Es ist der aktuelle Inbegriff dieses Kontrasts, den ich in meiner Arbeit benutze: der hellste Refrain mit dem dunkelsten Titel. Natürlich!
