Niall Horan: „Es gibt eine Grenze, wie viel man von sich geben kann“
Der Singer-Songwriter über neue Liebe, Trauer und ein Album, das beides vereint – „Dinner Party“ erscheint am 5. Juni.
Als Niall Horan an einem Sonntagsnachmittag sein Haus in Los Angeles verließ, standen ein paar Hundert Menschen vor dem Olive and James Cafe Tea, einem gemütlichen Coffeeshop auf der Melrose Avenue. Als er vorfuhr, reichte die Schlange bereits um den ganzen Block. Kein Matcha- oder Tiramisu-Latte der Welt rechtfertigt eine solche Wartezeit – aber die Leute waren auch nicht wegen des Kaffees da. Sie waren wegen ihm gekommen.
Horan, der seine Zeit zwischen London und L.A. aufteilt, hatte sich mit dem Laden zusammengetan, um sein viertes Studioalbum „Dinner Party“ zu feiern, das am 5. Juni erscheint. Die Einladung auf Social Media versprach Merch, Drinks und „ein paar Überraschungen“, deutete aber mit keinem Wort an, dass er selbst vor Ort sein würde. „Ich konnte nicht jeden begrüßen, weil ich mit so einem Andrang einfach nicht gerechnet hatte“, sagt Horan am nächsten Morgen.
Mit 32 Jahren erleben Fans seit dem größten Teil seines Lebens, wie sie für ihn auftauchen – seit One Direction 2010 bei „The X Factor“ zusammengestellt wurden. Der kometenhafte Erfolg der Band und seine anschließende Solokarriere sind der Beweis dafür. Doch er hält das für keine Selbstverständlichkeit; dass Hunderte von Menschen alles stehen und liegen lassen, um in einem Coffeeshop aufzutauchen, in dem er vielleicht gar nicht erscheint, überrascht ihn immer noch. „Es waren nur ein paar kostenlose Kaffees“, sagt er.
Fans mit alten Postern
Die Menge kam vorbereitet. Manche brachten alte „J-14“-Poster und Puppen aus seinen 1D-Zeiten mit. Andere trugen Merch von seiner Solotournee 2024, mit der er sein liebestrunkenes drittes Album „The Show“ begleitete. „Ich hatte nicht erwartet, wie viel Selbstvertrauen mir diese Tournee und dieses Album geben würden“, sagt Horan. „Das hat mich wirklich geerdet.“ Die Tour umfasste zwei ausverkaufte Nächte im New Yorker Madison Square Garden und brachte insgesamt mehr als eine Million Zuschauer in die Säle.
„Was mir heutzutage noch mehr bewusst wird: Jede einzelne Person hat ihre eigene Geschichte, wie sie zur Musik gefunden hat, welche Freundschaften dabei entstanden sind, woher sie das Geld für das Ticket hatte“, sagt Horan. „Das haut mich heute mehr um als je zuvor.“
Horan befindet sich seit einigen Jahren in einer nachdenklicheren Stimmung. Da ist die stürmische Romanze seiner aktuellen Beziehung, die das Album trägt. Er lernte seine Freundin auf einer Dinnerparty kennen, die er vor etwa sechs Jahren veranstaltete – ein Beweis dafür, dass die Liebe einem tatsächlich einfach vor die Haustür treten kann. Auf dem Album klingt er gefestigt und verliebt, auch wenn er mit der Trauer über den Tod seines ehemaligen Bandkollegen Liam Payne im Oktober 2024 umgehen muss. Vor allem aber ist „Dinner Party“ eine Feier des Lebens und der Liebe.
Über Liebe und Songwriting
Im Gespräch blickt der irische Singer-Songwriter gern auf die Vergangenheit zurück und schaut mit Begeisterung in die Zukunft – voller Vorfreude auf mehr Musik, größere Shows und jede Gelegenheit, Menschen zusammenzubringen.
Die erste Single des Albums, „Dinner Party“, zeichnet nach, wie sich Ihr Leben seit dem Kennenlernen Ihrer Freundin zum Guten verändert hat. In welcher Verfassung waren Sie vor diesem Abend?
Ich war sehr solo unterwegs. Wie ich das sehe: Ein Großteil meines Lebens – eigentlich mein ganzes Leben und das meiste, was ich tue – dreht sich um meinen Job. Die Lücken zwischen den Jobs habe ich damit gefüllt, zu Hause zu sein, nichts zu tun, zu entspannen und die Tage zu zählen, bis ich wieder auf Tour gehe. Ich war Mitte zwanzig, hatte eine gute Zeit, tourte, machte Musik, lebte alles aus, was dazugehört. Ich war ungebunden und auf der Suche nach gar nichts und niemandem. Und dann – wie auch immer die Welt so funktioniert – kam alles ganz anders.
Wessen Dinnerparty war es?
Meine. Es war nicht wirklich eine richtige Dinnerparty. Ehrlich gesagt war es eher Uber Eats als ich am Herd. Aber ein paar Leute waren zum Essen da, das war eigentlich alles.
In dem Song gibt es diese Zeile: „I’m done looking for somebody.“
Man hat das immer irgendwo im Hinterkopf, oder? Man findet die Idee verlockend, sesshaft zu werden und das ganze Programm durchzuziehen, macht aber auch ein bisschen beides. Man denkt nicht daran, und man denkt doch daran. Der Schalter ist nie vollständig ausgeschaltet. Man sitzt also im Wartezimmer und hofft, dass der Arzt hereinkommt.
Pop, Hooks und Zweifel
Das ist Ihr zweites Album in Folge, das tief in Liebe und Romantik verwurzelt ist. Wie fühlt sich das für Sie als Songwriter an, im Vergleich zum Schreiben über Herzschmerz?
Das ist eine ganz andere Sache. Wenn ich ins Studio gehe und mir etwas ausdenken muss, ist das schwieriger. Manchmal schreibe ich beobachtende Musik, schaue auf die Situationen anderer Menschen, ihre Beziehungen oder Dinge, die ich auf der Straße gesehen habe. Aber wenn es um Liebe oder Herzschmerz geht, finde ich: Wenn man mittendrin steckt, lässt es sich viel leichter darüber schreiben. Diese letzten beiden Alben waren definitiv romantischer gefärbt, weil ich genau dort gerade stehe.
„Ich versuche immer, selbst in den zweifelnden Songs ein glücklicheres Ende zu finden.“
Trotzdem gelingt es Ihnen, auch eine gewisse Reibung und Spannung einzubauen. Da ist dieses Bewusstsein, dass etwas schiefgehen könnte.
Wenn alles nur rosig wäre, wäre es kein guter Hörgenuss. Alle meine Lieblingssongs haben einen Hauch von Zweifel. Und wenn kein Zweifel da ist, belügt man sich selbst. Wenn ich versuche, etwas zu Papier zu bringen, muss für mich beides drin sein. Ich versuche immer, selbst in den zweifelnden Songs ein glücklicheres Ende zu finden. Als ich „What a Time“ mit Julia [Michaels] gemacht habe, erinnere ich mich, wie ich den Song zum ersten Mal gehört habe und der ganze Refrain „What a time, what a time, what a time“ war. Und ganz am Ende sang sie: „What a lie, what a lie, what a lie.“ Da dachte ich nur: „Genau das ist es.“ Ich mochte es, den Song auf den Kopf zu stellen und daraus etwas anderes zu machen. „Better Man“ auf diesem Album funktioniert ähnlich. Da steckt ein bisschen böser Traum und Zweifel drin, und ein bisschen Songwriting-Handwerk.
Was macht für Sie ein großartiges Popalbum aus?
Es geht vor allem um Eingängigkeit und darum, so viele catchy Momente wie möglich in einen Song zu packen. Die großen Popplatten aller Zeiten haben starke Hooks – ob musikalisch oder als kleine Melodiefigur, die sich wiederholt. Deshalb hat „Dinner Party“ so viele Refrains, weil ich das Gefühl hatte, dass das der stärkste Teil des Songs ist.
Bridges kommen auch zurück. Pop hat sie eine Weile lang wirklich vermisst.
Schön, sie wieder zu hören. Ich glaube, Olivia Rodrigo hat da einen großen Einfluss auf Popsongwriter. „Red lights, stop signs …“ – das macht sie oft. Was ich an Olivias Musik mag: Man glaubt, man bekommt einen Song, und dann bekommt man einen völlig anderen. Er stellt sich musikalisch komplett auf den Kopf, geht woanders hin, führt zu einer Bridge, zu einem seltsamen musikalischen Breakdown. Was auch immer sie und Dan Nigro da zusammen machen – das ist ein gutes Team. Das beeinflusst definitiv die Leute, mich eingeschlossen.
Rock, Live-Shows und Blink-182
Die Rockeinflüsse sind auf diesem Album ebenfalls präsent – „Tastes So Good“ erinnert an Blink-182.
Blink, klar – dieser Drumsound ist etwas, dem wir nachgejagt sind, und der stammt aus dieser Spätneunziger-, Früh-2000er-Punkrockära. Rock ist seit meiner Kindheit ein großer Einfluss in meinem Leben. Ich schreibe Popsongs, aber sie manchmal anders einzukleiden ist ziemlich cool. Und jetzt, wie sich meine Karriere entwickelt, denke ich ständig an Live-Shows. Ich habe so viel gelernt, als ich auf der Straße war und jeden Abend gespielt habe. Man kann nur so lange auf Spotify sitzen und Kommentare lesen, bevor man wirklich ein Gefühl dafür bekommt, was die Leute denken. Im Saal sieht man es sofort. Das rockigere Zeug knallt bei den Shows richtig rein.
Ihre Tour für „The Show“ fühlte sich wie eine Heimkehr an, nachdem das Album davor, „Heartbreak Weather“, im März 2020 zum denkbar schlechtesten Zeitpunkt erschienen war. Sie und Lewis Capaldi sollten gemeinsam auf Tour gehen, dann war alles weg.
Ich bin immer noch nicht drüber hinweg. Das war schrecklich. Das Album kam raus, wir sollten touren, und dann kam natürlich Covid, also fiel das flach. Ich bin irgendwie froh, dass es nicht geklappt hat, weil wir sechs Wochen lang nur getrunken hätten. Aber ja, weil diese Tour ausgefallen war und ich seit 2018 nicht mehr getourt hatte, klaffte eine Lücke von fünf oder sechs Jahren. Die Fans waren 2024 bereit loszulegen, warteten mehr denn je in den Startlöchern. Selbst als ich mit meinen Agenten über Tourplanung sprach und sie von Arenen redeten, dachte ich nur: „Seid ihr wirklich sicher? Ich will nicht, dass das peinlich wird.“ Es war das verrückteste Jahr überhaupt. Wir haben weltweit zu so ungefähr 1,5 Millionen Menschen gespielt oder so einem irren Wert.
Sie gingen von diesen intimen Shows in Amphitheatern auf der Flicker-Tour 2018 dazu über, den Madison Square Garden zu headlinen.
Hineinzufahren und sein eigenes Gesicht an der Seite des Madison Square Garden zu sehen – das ist schon ziemlich verrückt. Selbst wenn ich das nie wieder täte: Dieser Haken ist gesetzt.
Bei der Show gab es Postkarten mit einem alten Tweet eines Fans, der behauptete, Sie könnten die MSG ausverkaufen. Das wird zu einer wiederkehrenden Sache – Sie beziehen sich auf Dinge, die Ihre Fans sagen. Das war auch der Ausgangspunkt für „Flowers“.
Ich scrolle nicht zwanghaft durch Social Media. Aber wenn ich es tue, fällt mir manchmal etwas auf. „Niall, folg mir.“ „Niall, ich liebe dich.“ „Ich hasse dich.“ „Deine Augen könnten Blumen wachsen lassen.“ Das war alles, was der Tweet sagte. Ich dachte: „Interessant.“ Ich saß neben Amy Allen, wir waren in Texas zwischen den beiden Wochenenden des Austin City Limits. Wir saßen auf dem Sofa und überlegten, was wir als Nächstes machen würden, und da tauchte dieser Kommentar auf. Es ist, als wäre diese Person in den kleinen Dingen so kraftvoll – in ihrer Persönlichkeit, in der Art, wie sie Menschen ein Gefühl gibt. So kraftvoll, dass ihre Augen Blumen zum Wachsen bringen könnten. Das lässt einen aufhorchen.
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Einflüsse und Dinnerparty-Playlist
Manche Künstler sind sehr in sich gekehrt – „Ich will nichts anderes hören.“ Aber Sie sind das genaue Gegenteil davon.
Der erste Singer-Songwriter, den ich je gehört habe, war Paul Simon, der mich zu Damien Rice führte. Oder die erste Rockband, die ich hörte, waren die Eagles, und die führten mich zu Bruce [Springsteen] und zu Fleetwood [Mac]. Man nimmt ständig Neues auf. Heutzutage ist es fast unmöglich, das nicht zu tun – wenn man mit Menschen zusammen ist und hört, was sie hören. Oder wenn man auf Spotify oder Apple Music geht und sich durch die verschiedenen Playlists klickt. Man kann gar nicht anders, als neue Einflüsse aufzusaugen, bewusst oder unbewusst.
„Es geht darum, so viele catchy Momente wie möglich in einen Song zu packen.“
Was läuft bei Ihnen auf der Playlist, wenn Sie eine Dinnerparty schmeißen?
Ich glaube, man hat immer dieses Konzept im Kopf: „Oh, es wird entspannt.“ Und dann endet es damit, dass alle betrunken sind. Aber das würde normalerweise mit einem frühen Billy-Joel-Album beginnen oder mit „O“ von Damien Rice, was dann in Fleetwood Mac übergeht. Und ehe man sich versieht, hört man alles Mögliche. Ehrlich gesagt höre ich die meisten Musikrichtungen. Nach ein paar Drinks: was auch immer einen zum Tanzen bringt.
Das ist im Grunde die Prämisse von „Little More Time“ – einfach etwas länger in diesem Zuhause-Gefühl bleiben wollen.
Diesen Rausch spüre ich noch vom ersten Moment an, als wir den Song in Nashville geschrieben haben. Er hat mich einfach wirklich gut fühlen lassen. Die Texte entstanden sehr schnell, weil es etwas ist, worüber ich die ganze Zeit nachdenke. Letztes Jahr zum Beispiel pendelte ich alle zwölf Tage oder so zwischen L.A. und London hin und her. Es gab Phasen, in denen ich den Koffer buchstäblich nicht ausgepackt habe. Ich ließ ihn einfach im Flur stehen. Ich wühlte darin herum, wusch Sachen und packte sie wieder rein, wühlte wieder darin. Und ehe ich mich versah, hob ich schon wieder ab. Irgendwann fing mich das an zu nerven. Normalerweise komme ich damit klar. Ich habe genug gereist. Ich habe genug British-Airways-Punkte. Aber ich kam an einen Punkt, wo ich dachte: „Nein, ich will jetzt einfach hier bleiben und zu Hause sein.“
Touren, Abstand und Balance
Sie schreiben diese Songs mit dem Gedanken, wie sie live funktionieren – aber der Song selbst handelt davon, nicht wegzugehen.
Wenn ich ein paar Wochen zum Schreiben wegfahre, kommt man irgendwann an einen Punkt, wo man denkt: „Okay, wir haben uns hier in eine Sackgasse manövriert. Die letzten zehn Songs, die wir geschrieben haben, sind Mist. Lass uns den Bus hier parken und einfach nach Hause fahren.“ Das ist ein bisschen nervig. Touren ist einfach etwas völlig anderes als alles, was wir sonst tun. Meine Freundin und ich hatten auf der letzten Tour eine gute Sache laufen. Wir hatten es auf eine Wissenschaft gebracht, wie viel Zeit ich unterwegs bin. Wir wissen, worauf wir uns bei der nächsten einlassen. Aber ich sehe das Touren als eine komplett eigenständige Sache und freue mich so sehr darauf.
Bei Ihnen und Künstlern wie Ed Sheeran, Lewis Capaldi, Noah Kahan zieht sich ein roter Faden der Normalität durch die Karrieren: Ihr spielt die großen Shows und könnt euch danach zurückziehen. Wann haben Sie gemerkt, dass das für Sie eine Option ist?
Es gibt eine Grenze, wie viel man von sich geben kann – körperlich, mental, in jeder Hinsicht. Es ist großartig, die Shows zu spielen, aber man braucht auch beides. Man kann nicht einfach ständig auf Hochtouren laufen. Ich verstehe nicht, wie Ed das macht. Er ist eine Maschine. Ich würde normalerweise neun oder zehn Monate auf Tour gehen und wissen: Das ist meine Zeit, danach entspannen wir. Je älter man wird, desto besser kann man Balance im Leben finden, weil sie so wichtig ist. Wenn Noah Kahan die letzten zwei Jahre nicht abtaucht, bekommt man „The Great Divide“ oder „Porch Light“ nicht. Ich habe den Rest des Albums gehört – es ist wahnsinnig gut. Aber man hat keine Zeit, darüber nachzudenken, was als Nächstes kommt, wenn man ständig im Hamsterrad läuft. Man muss rausgehen, sein Leben leben und dann zurückkehren.
Das Nervöseste am Zurückziehen ist der Gedanke: „Werden sie noch da sein? Wer wird der nächste große Künstler sein, zu dem sie vielleicht gewechselt sind?“ Man fängt an, Runden im Kopf zu drehen. Zum Glück war genau das das, was mich am meisten umgehauen hat. Ich habe die Treue über die Jahre gesehen, aber sie 2024 mit eigenen Augen zu erleben war die wildeste Erfahrung. Zu wissen, dass ich sechs Jahre nicht getourt hatte, und dann kommen sie zu diesen Festivals und füllen diese Arenen. Dieses Vertrauen der Fans zu spüren macht das Zurückziehen ein kleines bisschen leichter. Ich dachte: „Okay, es hat ihnen letztes Mal wirklich gefallen. Gebt mir einfach etwas Zeit.“
„Made in the A.M.“ und Liam Payne
„Meine Agenten redeten von Arenen. Ich dachte nur: ‚Seid ihr sicher?‘“
Was in der Zwischenzeit passiert: Die Menschen sitzen länger mit der Musik, und ihre Beziehung dazu verändert sich. „Made in the A.M.“ zum Beispiel ist jetzt schwer zu hören, weil das gesamte Album vom Abschiednehmen handelt.
Das ist lustig, denn es ist eines meiner Lieblingsalben.
Hat der Verlust Ihre Beziehung zu diesen Songs verändert? Für die Fans war es zumindest ein schweres Erlebnis, „Walking in the Wind“ nach Liams Tod zu hören.
Wissen Sie was? Daran habe ich noch gar nicht gedacht, aber ich bin froh, dass Sie das ansprechen, weil mich das dazu bringen wird, die Songs jetzt anzuhören. Ich habe es nie aus dieser Perspektive betrachtet, aber ich verstehe genau, warum – wirklich. Tolle Songs auf diesem Album, erst mal. Wir waren auch traurig, dass wir nie damit getourt sind. Das ist eine ziemlich wilde Sache, die Sie gerade angesprochen haben. Ich hätte nie daran gedacht. Was sind noch mal die anderen Songs darauf? Lass mich nachdenken. Ich liebe „Walking in the Wind“.
„Infinity“ ist ein großer.
Ich erinnere mich, wie ich die ersten Fotos sah – nach Liams Tod. Da war ein Bild eines Unendlichkeitszeichens an der Wand aus dem Musikvideo. Das war der erste Song, der mir in den Sinn kam.
Die Songwriter John Ryan und Julian Bunetta haben so viel an diesem Album gearbeitet, und diese Zusammenarbeit hat sich über die Jahre zu einer starken Partnerschaft entwickelt, bei der sie Ihren Werdegang begleiten konnten. Wie war es, gemeinsam den neuen Song „End of an Era“ zu schreiben?
Wir haben „End of an Era“ ungefähr viermal geschrieben, weil der Song für mich ursprünglich bedeutete: „Okay, wir ziehen weiter.“ In die Zukunft blicken, mit Nostalgie auf die Vergangenheit zurückschauen, dankbar für das sein, was man hatte, aufgeregt für das, was kommen wird. Wir hatten diesen Song schon vor langer Zeit geschrieben. Und dann hieß es: „Nein, wir müssen zurückkehren“, nach Liams Tod. John und Julian haben lange Zeit Tür an Tür mit Liam gelebt, und wir sind alle zusammen aufgewachsen. Für uns drei war es tatsächlich eine ziemlich verrückte Erfahrung, einen solchen Song schreiben zu müssen, weil man das nie erwartet. Ich erinnere mich, wie ich und John vor das Studio traten und zwanzig Minuten lang an diesen Texten schrieben. Wir fingen wieder von vorne an und behielten trotzdem den Refrain. Einfach eine sehr seltsame Erfahrung für uns alle – aber etwas, das wir alle das Gefühl hatten tun zu müssen: für uns selbst, für alle, die jemanden verloren haben, für die Fans, für alle, die Liam kannten. Es fühlte sich wie das Richtige an, etwas, das wir tun wollten – nur schrecklich, dass wir es tun mussten.
Erinnerungen und nächste Tour
Ich finde es toll, wie feierlich der Song klingt. Er ist kein niederschmetternder Song.
Ja, denn letztlich sind alle meine Erinnerungen glückliche. Wir haben darüber gesprochen, während wir ihn schrieben. Alle unsere Erinnerungen sind: die Welt bereisen, herumalbern, Spaß haben, Teenager sein. Ich habe keine negativen Erinnerungen. Es fühlte sich befreiend an, darüber zu schreiben. Ich glaube, das kommt im Song rüber. Die erste Strophe ist ziemlich traurig, aber dann heißt es: „Denk an all die guten Zeiten.“ Da steckt beides drin. Ich liebe es, wie er als eine Art Song beginnt und sich dann in eine andere Art verwandelt. Er erinnert mich auch an einige der 1D-Sachen.
Was stellen Sie sich für Ihre nächste Tour vor – diese Wiedervereinigung mit den Fans, die offenbar alle brauchen?
Ich kann es ehrlich gesagt kaum erwarten. Es ist das Beste an dem, was wir tun. Es ist auch das, was ich in den letzten 15 Jahren am meisten gemacht habe. Irgendwann war es für mich auf eine seltsame Art normal, vor Tausenden von Menschen zu spielen, und ich tauche da jetzt definitiv tiefer in meinem Kopf ein. Ich freue mich einfach auf die Aussicht, die größtmögliche Show auf die Bühne zu bringen. Ich habe die Setlist schon im Grunde zusammengestellt, und wir sind noch sechs Monate davon entfernt, dass es überhaupt losgeht. Ich habe alles im Kopf. Ich weiß genau, wie die Bühne aussieht. Den Leuten ein gutes Preis-Leistungs-Verhältnis zu bieten ist das, was mir am meisten am Herzen liegt. Weil wir am Anfang dieser Community-basierten Fangemeinden standen, fühlt sich das stärker an als je zuvor – was eine coole Sache für die Künstler auf der anderen Seite ist: dass man Songs schreibt und Menschen sich so tief damit verbinden, dass sie all diese Dinge für einen tun. Und sie tun es auch für sich selbst, was genauso wichtig ist.
Sie haben sich auch ein Publikum außerhalb davon aufgebaut – durch „The Voice“ und andere Künstler, mit denen Sie zusammengearbeitet haben.
Ich habe das besonders in Amerika auf der letzten Tour bemerkt: Das Publikum war sehr gemischt. Viele trugen buchstäblich „Voice“-T-Shirts und „Team Niall“-T-Shirts. Es ist trotzdem großartig. Die Leute kommen, trinken ein paar Drinks, hören Musik und kommen dann zur nächsten Show und zur übernächsten. Ich weiß, dass das nach den Festivals ein großes Wachstum ist, weil natürlich nicht jeder, der bei einem Festival in der Menge steht, dort ist, um einen zu sehen. Alle sind willkommen. Kommt alle. Lass uns das hier wachsen lassen. Das haut mich jeden Tag mehr um.
Sie spielen diesen Sommer zwei Co-Headline-Shows mit Thomas Rhett, mit dem Sie auch zusammengearbeitet haben. Ein bisschen Country und Nashville steckt in all Ihren Alben, oder?
Ich glaube, irische Folkmusik und Countrymusik sind miteinander verheiratet. Das steckt bei uns ein bisschen tiefer drin, vielleicht, als in Großbritannien. Ich habe das Storytelling immer geschätzt. Ich freue mich auf diese Shows mit ihm. Den Hersheypark haben wir 2013 bespielt. Ich erinnere mich nur an einen intensiven Schokoladengeruch und daran, wie Harry Runden auf den Treppen drehte, rauf und runter. Ich fuhr auf dem Segway hinter ihm her. Das sind meine Erinnerungen an dieses Stadion. Ich finde, das ist ein cooles Zusammenführen zweier Welten. Thomas ist natürlich sehr Country, aber auch ziemlich poppig. Eine gute Mischung.
Yacht-Rock und musikalische Evolution
„Boys Are Fun“ klingt, als gehörte der Song auf diese Setlist.
„Boys Are Fun“ ist so ein Spaßsong. Es ist lustig – die Leute fragen immer: „Spiegelt die Musik wider, wo du ihn geschrieben hast?“ Ich finde immer, das stimmt. „Gets It From Her Mother“ ist ein Nashville-Song. „End of an Era“ wurde auch in Nashville geschrieben, eigentlich. Aber dann andere Songs wie „Boys Are Fun“ oder „Tastes So Good“ wurden im Londoner Zentrum und in Soho geschrieben, mit Blick auf den Wahnsinn, der sich dort abspielt. Wir hatten ein paar Bier getrunken und schrieben dann „Boys Are Fun“. Der hat so ein Yacht-Rock-Gefühl.
„Dieses Gebrüll zu hören – ich denke: ‚Ja, ich verstehe diesen Schrei. Ich kenne ihn.‘“
Was treibt Sie musikalisch gerade an?
Ich liebe einfach die Entwicklung. Ich glaube nicht, dass ich mit diesem Album irgendjemanden verschrecken werde. Hoffe ich zumindest. Ich glaube nicht, dass man sich fragt: „Was macht er da?“ Das mag ich. Ich mag diese langsame Entwicklung, die wir gemeinsam durchmachen können. Das macht mich aufgeregt, wie die Musik in acht Jahren klingen wird. Aber ich glaube, der Kern aus Rock und fingerpicked Akustikgitarre wird immer da sein. Das ändert sich nicht. Das Touren bringt mich morgens aus dem Bett. Ich liebe es von Jahr zu Jahr mehr. Als ich die Tour und das Album ankündigte, konnte man es in der Luft spüren. Ich finde, das ist an sich schon aufregend.
Harry, Louis und Zayn touren alle in diesem Jahr. Konnten Sie schon eine ihrer Shows erleben?
Ich war vor ein paar Jahren bei Harrys Show, und das war einfach wild. Absoluter Wahnsinn. Es erinnerte mich an die 1D-Stadionshows, wo einfach Menschenmassen auf und ab sprangen. Die Dinge zu beobachten, die auf dem Floor passierten, all die Fans, die tanzten – ich liebe das. Man fühlt einen Stolz dabei, wenn man die Jungs dabei beobachtet, wie sie das tun, was sie lieben, und welche Gemeinschaften sie aufbauen können. Ich werde versuchen, in den nächsten Wochen irgendwie zu einer Louis-Show zu kommen.
Es ist verrückt, die Fans zu beobachten und zu sehen, wie sie erwachsen geworden sind, aber trotzdem diese jugendliche Energie mitbringen, und was sie bei den Shows einbringen. Dieses Gebrüll zu hören, wenn jeder von ihnen auf die Bühne kommt – ich denke: „Ja, ich verstehe diesen Schrei. Ich kenne ihn.“ Es klingt, als würde gleich eine Rakete abheben.
