David Bowie: Die 30 besten und wildesten Duette und Koops
David Bowies 30 stärkste Kooperationen: von Lou Reed über Queen bis Arcade Fire — Ikonen, Geheimtipps und kuriose Team-ups im Überblick.
David Bowie arbeitete mit den Besten und Klügsten der aufstrebenden Underground-Szene jeder Generation. Glam-Rockern, Punks, Art-Prog-Musikern, Disco-Meistern, Rappern, R&B-Stars, Industrial-Musikern, Electronica-Künstlern und zeitgenössische Indie-Rockern.
Hier sind 30 von Bowies Kooperationen – von den ikonischen über die unterschätzten bis hin zu den kuriosen.
Mott the Hoople, „All the Young Dudes” (1972)
Ian Hunter und seine Band waren 1972 bereit, ihre Rock-‚n‘-Roll-Karriere an den Nagel zu hängen, als ein berühmter Fan einschritt und der Band eine neue Chance gab, indem er ihr nächstes Album „All the Young Dudes” produzierte. Und den Titelhit schrieb, der ihre Karriere prägte.
Der Legende nach schrieb Bowie den Song – eine Glam-Rock-Hymne für junge und alte Teenager, damals wie heute – während er mit gekreuzten Beinen auf dem Boden in Hunters Wohnung saß. Es war sein zweiter Versuch, nachdem die Band seinen ersten Vorschlag, „Suffragette City“, abgelehnt hatte.
Lou Reed, „Transformer“ (1973)
„Ich wollte einfach nur Songs schreiben, mit denen sich jemand wie ich identifizieren konnte“, sagte Lou Reed. „Ich stand total auf die Beatles und all das. Aber warum sollte es nicht auch etwas für die Kids in der hinteren Reihe geben? “ Einer dieser Kids war David Bowie, der sich von den düsteren Erkundungen der dunklen Extreme der Boheme durch die Velvet Underground in den Sechzigern inspirieren ließ.
Anfang der Siebziger war Bowie bereits ein Star, während Reed noch auf der Suche nach seinem Soloerfolg war. Die Produktion von Bowie und Mick Ronson auf „Transformer“ machte das Album zu Reeds erstem Klassiker nach den Velvets. Ronsons Streicharrangement auf „Perfect Day“ und sein Gitarren- und Klavierspiel prägten den Sound des Albums. Bowie und Ronson fügten „Satellite of Love“ wunderschöne Backing Vocals hinzu.
„Das ist nicht die Art von Part, die ich mir jemals ausgedacht hätte“, sagte Reed später. „Aber David hört diese Parts. Außerdem hat er eine verrückte Stimme und kann so hoch singen und das machen. Das ist sehr, sehr schön.”
John Lennon, „Fame” (1975)
„John und David respektierten sich gegenseitig”, schrieb Yoko Ono, als sie von Bowies Tod erfuhr. „David war uns so nah wie ein Familienmitglied.” Ihr gegenseitiger Respekt kam in „Fame” zum Ausdruck, Bowies erster Nummer-eins-Single in Amerika. Der Song wurde kurz nach ihrem ersten Treffen Anfang 1975 in den Electric Lady Studios in New York aufgenommen.
Bowie war gerade dabei, sich aus seinem Vertrag mit seinem manipulativen Manager Tony DiFries zu befreien. Er nutzte den funkigen Song „Fame“ (den er als „wütendes kleines Lied“ bezeichnete) als scharfen Angriff auf den gesamten Prozess der Starproduktion. „Ich glaube, Ruhm an sich ist keine lohnende Sache“, sagte er. „Das Beste, was man sagen kann, ist, dass man dadurch einen Platz im Restaurant bekommt.“
Cher, „Can You Hear Me“ (1975)
1975 war ein dunkles Jahr für Bowie, der einen Großteil des Jahres damit verbrachte, Kokain zu konsumieren und sich mit Okkultismus zu beschäftigen, während er „Station to Station“ aufnahm. Aber er nahm sich Zeit für einen überraschend familienfreundlichen Auftritt in Chers CBS-Varieté-Show.
Er und Cher sangen ein melancholisches Duett der Ballade „Can You Hear Me?“ aus dem Album „Young Americans“ sowie ein Medley, das Songs von den Crystals, den Platters, Bing Crosby, Bill Withers, den Beatles und anderen zwischen „Young Americans“ selbst einfügte.
Luther Vandross, „Young Americans“ (1975)
Bowie war ein wichtiger früher Förderer von Luther Vandross und holte den jüngeren R&B-Sänger als Backgroundsänger für das soulige Album „Young Americans“ und als Hilfe beim Arrangieren der Vocals für den Titelsong. Als Vandross selbst zum Star wurde, revanchierte er sich, indem er Bowies Song bei einem Konzert coverte.
Iggy Pop, „The Idiot” und „Lust for Life” (1977)
Iggy Pop bezeichnete das erste Album, das er nach dem Ende der Stooges aufgenommen hatte, als „Album der Freiheit”. Diese Freiheit wäre ohne David Bowie, der „The Idiot” produzierte und den aggressiven, gitarrenlastigen Sound von Iggys alter Band in einen kühleren, synthlastigen Sound verwandelte, undenkbar gewesen.
Bowies Arbeit an dem Album war ein Vorbote seiner eigenen „Berliner Periode”. Wenige Jahre später landete er mit seiner Coverversion von „China Girl” aus „The Idiot” einen großen Hit. Im selben Jahr kehrte Bowie für „Lust for Life” hinter die Regietafel zurück und verfolgte einen eher zurückhaltenden Produktionsansatz, der Iggy half, sich wieder mit seiner ursprünglichen Punkrock-Seite zu verbinden.
Der Titelsong und „The Passenger” gehören nach wie vor zu seinen bekanntesten Songs. Als Bowie starb, twitterte Iggy: „Davids Freundschaft war das Licht meines Lebens. Ich habe nie einen so brillanten Menschen getroffen. Er war der Beste, den es gab.“
Klaus Nomi, „The Man Who Sold the World“ (1979)
Bowie lernte den deutschen Performancekünstler und Musiker Klaus Nomi Ende der 70er Jahre in New York kennen. Er lud ihn ein, bei seinem Auftritt in der Sendung „Saturday Night Live“ im Dezember 1979 als Backgroundsänger mitzuwirken.
Nomi war ein aufstrebender Star der New Yorker Kunstszene. Aber in der breiten Öffentlichkeit so gut wie unbekannt. Sie performten drei Songs aus Bowies Karriere in der „SNL“-Sendung. Darunter das unvergessliche „The Man Who Sold the World“ und „TVC15“ aus dem Album „Station to Station“. Für „TVC15” trug Bowie einen Rock und High Heels, während Nomi und sein Komplize Arias einen rosa Plastikpudel über die Bühne führten.
Dies ist ein klassisches Beispiel dafür, wie Bowie sich der Underground-Szene bediente, um einen Klassiker der Popkultur zu transformieren.
Robert Fripp, „Fashion” (1980)
„Fashion”, ein Meisterwerk aus dem Album „Scary Monsters” von 1982, wäre auch ohne Robert Fripps bissiges Gitarrenspiel ein elegantes, funkiges Biest gewesen. Aber sein Spiel hob den Song auf eine ganz neue Ebene.
Der Gitarrist von King Crimson war einige Jahre zuvor von Brian Eno für Bowies Album „Heroes” engagiert worden. Laut Fripp bat Bowie ihn, etwas „haarige Rock-’n’-Roll-Gitarre“ zu spielen. Auf „Fashion“ aus dem Jahr 1982 ist sein knirschender Sound die perfekte Ergänzung zu Bowies emotionslosem Gesang. Fripp beschrieb die Zusammenarbeit mit Bowie später so: „Man muss schnell sein.“
Queen, „Under Pressure“ (1981)
Wie so viele großartige musikalische Momente kam auch diese Zusammenarbeit der beiden Rockgrößen der 70er Jahre durch Zufall zustande. Sowohl Bowie als auch Queen nahmen gerade in einem Schweizer Studio auf. Bowie erklärte sich bereit, einige Backing Vocals zu einem Queen-Stück namens „Cool Cat“ beizusteuern. (Er war mit seinem Beitrag unzufrieden, der später gelöscht wurde.)
Dann begannen die Musiker, zu einer einfachen, sich wiederholenden, aber unvergesslichen Basslinie zu jammen, die alles zu verkörpern scheint, was das moderne Leben so aufregend und nervenaufreibend macht.
Auf der endgültigen Aufnahme hören wir zwei der einzigartigsten Stimmen des Rock, die sich von dieser Angst nähren und über sie erheben. Mercury schwebt mühelos dahin, Bowie klettert beharrlich empor.
Giorgio Moroder, „Cat People (Putting Out Fire)“ (1982)
In den Achtzigern war der Pionier der elektronischen Disco-Musik Giorgio Moroder ein gefragter Soundtrack-Komponist. Regisseur Paul Schrader beauftragte ihn mit der Musik für das Remake des Horror-Klassikers „Cat People“ aus den Vierzigern. Da kein Rockstar den Horror so gut einfängt wie Bowie, wurde er engagiert, um den Text und den Gesang für den Titelsong zu liefern, der in den USA ein kleiner Hit wurde. Sein erster seit Jahren. Die Version, die Sie auf „Let’s Dance “hören, ist eine Neuaufnahme. Moroders Plattenlabel MCA weigerte sich, ihm zu erlauben, auf einer LP von EMI America zu erscheinen.
Bing Crosby, „Peace on Earth/Little Drummer Boy“ (1982)
Bowie war sehr daran interessiert, 1977 an den Aufnahmen zu Bing Crosbys „Merrie Olde Christmas“ teilzunehmen. Er hoffte, ein bekannterer Popstar zu werden, und seine Mutter hatte Bing schon immer geliebt. Berichten zufolge war er weniger begeistert von der Wahl des Weihnachtsliedes. Offenbar eines seiner am wenigsten bevorzugten.
Nachdem es jahrelang als Bootleg im Umlauf war, wurde das Lied 1982 offiziell als Single veröffentlicht und ist seitdem ein Standard im Radio zur Weihnachtszeit. Das Urteil von Bingle über Herrn Bowie? „Ein gepflegter Junge und eine echte Bereicherung für die Show. Er singt gut, hat eine großartige Stimme und liest seine Texte gut. “
Nile Rodgers und Stevie Ray Vaughan, „Let’s Dance“ (1983)
In der Hoffnung, eine kommerziell erfolgreiche Party-Platte zu produzieren, bat Bowie Nile Rodgers, dessen Gitarrenspiel mit Chic den funkigeren Stil des Disco geprägt hatte, sein nächstes Album zu produzieren und die Rhythmusgitarre zu spielen.
Der Groove, den Rodgers kreierte, prägte den Sound der amerikanischen Popmusik der 1980er Jahre. Und verhalf Rodgers zu hochkarätigen Produktionsaufträgen mit Madonna und Duran Duran. Vaughans feurige Leadgitarre ist auf dem gesamten Album „Let’s Dance“ zu hören. Bowie hatte sich beim Montreux Jazz Festival 1982 mit dem jungen Virtuosen angefreundet, da sie beide eine Vorliebe für Texas Blues hatten.
Tina Turner, „Tonight” (1984)
Bowie war maßgeblich daran beteiligt, Tina Turner Anfang der Achtzigerjahre einen Plattenvertrag bei Capitol Records zu verschaffen, was schließlich zum Blockbuster-Erfolg von „Private Dancer” (1984) führte (auf dem sie seinen Song „1984” coverte).
Im selben Jahr war Turner auf dem beschwingten Titelsong von Bowies „Tonight” zu hören. „Tonight” war ursprünglich als düsterer, kraftvoller Song auf Iggy Pops „Lust for Life” erschienen. Mit Turner belebte er ihn neu und verlieh ihm einen beschwingten Reggae-Charakter. Als sie den Song gemeinsam auf ihrer „Private Dancer”-Tournee aufführten, sangen sie ihn bewegend, während sie langsam tanzten.
The Pat Metheny Group, „This Is Not America” (1985)
Bowie lieferte impressionistische Texte zu einer Melodie, die der Fusion-Gitarrist Metheny zusammen mit seinem Keyboarder Lyle Mays für den John-Schlesinger-Film „The Falcon and the Snowman“ geschrieben hatte.
Der Song war ein kleiner Hit und passte mit seiner düsteren Stimmung gut zur Geschichte eines ehemaligen CIA-Agenten (Timothy Hutton) und seines kokainsüchtigen Kumpels (Sean Penn), die zu sowjetischen Spionen wurden. Im Jahr 2001 sampelte P. Diddy den Track für „American Dream“, seinen desillusionierten Beitrag zum Soundtrack von „Training Day“.
Mick Jagger, „Dancing in the Street“ (1985)
„Ich habe früher davon geträumt, Mick Jagger zu sein“, sagte Bowie einmal laut dem Biografen Christopher Sandford in seinem Buch „Bowie: Loving the Alien“. Mitte der 80er Jahre tat sich Bowie mit seinem Helden zusammen, um eine Coverversion des Motown-Klassikers „Dancing in the Street“ von Martha and the Vandellas aufzunehmen und Geld für Live Aid zu sammeln.
Das exzentrische, energiegeladene Video hat die Aufnahme noch übertroffen. Denn die beiden Legenden tanzen ausgelassen und wild durch die Straßen.
Mickey Rourke, „Shining Star (Makin’ My Love)“ (1987)
Nach seinem echten Dance-Pop-Erfolg in den frühen 1980er Jahren dank „Let’s Dance“ kehrte Bowie für sein Soloalbum „Never Let Me Down“ aus dem Jahr 1987 zu einem relativ reduzierten Ansatz zurück. Das Album nahm einen seltsamen Platz in seinem Katalog ein. Es war mäandernd und nicht gerade kohärent. War kommerziell erfolgreich, wurde aber von den Fans unterschätzt.
Einer der Höhepunkte dieses Werks ist ein unerwarteter Gastauftritt des Schauspielers Mickey Rourke. In der Mitte von „Shining Star (Makin‘ My Love)“, einer Auseinandersetzung mit Angst und globaler Katastrophe über Proto-Big-Beat-Elektronik, liefert Rourke einen Gast-Rap(!), der wie eine jazzige Aufzählung der Missstände der Gesellschaft wirkt.
Queen Latifah, „Fame ’90“ (1990)
Bowie gab seinem ersten amerikanischen Chartstürmer 15 Jahre nach seiner Veröffentlichung ein neues Gesicht. Zeitgleich mit seiner „Sound+Vision Tour“ und dem Aufstieg des Hip-Hop in den Pop-Mainstream holte er Queen Latifah mit ins Boot, die einen Rap-Remix beisteuerte, der sich mit der Bedeutung von Ruhm und Anerkennung für eine schwarze Frau auseinandersetzt.
„‚Fame‘ deckt viele Themen ab“, sagte Bowie gegenüber dem „Q Magazine“. „Der Song hat sich über die Zeit sehr gut gehalten. Er klingt immer noch kraftvoll.“
Al B. Sure!, „Black Tie White Noise“ (1993)
Mit „Black Tie White Noise“ aus dem Jahr 1993 wandte sich Bowie vom Hardrock-Sound, den er mit Tin Machine gepflegt hatte, ab und wandte sich einem glänzenderen, R&B-beeinflussten Ansatz zu. Er engagierte erneut Chic-Mastermind Nile Rodgers, der ein Jahrzehnt zuvor „Let’s Dance“ produziert hatte, als Produzenten und holte für den Titelsong den New-Jack-Swing-Musiker Al B. Sure!, der nur wenige Jahre zuvor seinen Hit „Night and Day“ veröffentlicht hatte, für ein Duett als Sänger mit ins Boot.
Der Gesamtsound, reich an Backgroundsängern und Bläsern, war uptown funky. Aber die Texte, inspiriert von den Unruhen in L.A., waren eher aufrührerisch. Mit Bowie, der „durch afrikanische Augen blickt/Erleuchtet vom Schein eines Feuers in L.A.“.
Lester Bowie, „Jump They Say“ (1993)
Nachdem er zwei Rockalben mit der Band Tin Machine aufgenommen und eine publikumswirksame Greatest-Hits-Tournee namens „Sound + Vision“ absolviert hatte, tat sich Bowie erneut mit dem Produzenten Nile Rodgers zusammen, um 2003 mit „Black Tie White Noise“ zu seiner Solokarriere zurückzukehren.
Stark beeinflusst von seiner anhaltenden Faszination für zeitgenössische schwarze amerikanische Musik, verband die erste Single „Jump They Say“ einen drängenden Rhythmus und dichte Synthesizer-Streicher mit Bowies charakteristischem melodischem Gesang. Immer mit einem Ohr für die Welt des Jazz und der Avantgarde, holte Bowie den renommierten Trompeter Lester Bowie (keine Verwandtschaft) hinzu, um ein flirrendes Solo hinzuzufügen, das zur hektischen Stimmung des Songs passte.
Lenny Kravitz, „The Buddha of Suburbia“ (1993)
Bowie bezeichnete „The Buddha of Suburbia“ aus dem Jahr 1993 einmal als sein Lieblingsalbum unter seinen eigenen Alben. Was es umso bemerkenswerter macht, dass es zumindest hierzulande so gut wie unbekannt ist.
Das liegt vor allem daran, dass der Titelsong des Albums ursprünglich für eine BBC-Fernsehminiserie (ebenfalls mit dem Titel „The Buddha of Suburbia“ und basierend auf dem gleichnamigen Roman) komponiert wurde, die in Amerika nie ausgestrahlt wurde.
Das ist schade, denn der Song selbst – der in zwei Versionen auf dem Album erscheint, einmal als Original-Titelsong und einmal mit einem mitreißenden Gitarrensolo von Lenny Kravitz am Ende – ist einer der besten Songs von Bowie aus den Neunzigern. Eine luftige, von Akustikgitarren begleitete Klage eines Außenseiters.
Pet Shop Boys, „Hallo Spaceboy” (1996)
Laut einer Erklärung von Brian Eno nach der Nachricht von Bowies Tod hatten beide Künstler darüber gesprochen, ihr gemeinsames Album „Outside“ aus dem Jahr 1995 neu aufzulegen. Dieses Album, über das weit weniger gesprochen wurde als über andere Alben von Bowie, verdient eine Neubewertung. Es ist ein hochkonzeptionelles Werk, das in einer Science-Fiction-Dystopie spielt und einige der besten Themen seiner Arbeiten aus den 1970er Jahren fortsetzt.
Es enthält auch einige exzellente düstere Synth-Disco-Songs, wie diesen, der von den Pet Shop Boys für die Veröffentlichung als dritte Single des Albums remixt wurde.
Trent Reznor, „I’m Afraid of Americans (V1)“ (1997)
Nine Inch Nails waren 1995-96 die Vorgruppe von Bowie auf seiner Tournee zu seinem industriell geprägten Album „Outside“, und Nine-Inch-Nails-Frontmann Trent Reznor remixte später die Lead-Single des Albums, „The Heart’s Filthy Lesson“.
Für sein nächstes Album, „Earthling“ aus dem Jahr 1997, veröffentlichte Bowie Reznors knallharten Mix von „I’m Afraid of Americans” als Single. In dem Video spielt Reznor Jonny, einen amerikanischen Psychopathen, der einen erschöpften Bowie durch New York City verfolgt, bevor er ein Taxi mit Kugeln aus einer unsichtbaren automatischen Waffe zerstört.
Goldie, „Truth“ (1998)
Am Ende des letzten Jahrtausends schien Drum’n’Bass die Avantgarde der elektronischen Musik zu sein. Ein Sound, der bereit war, verschiedene musikalische Stränge – Reggae, Hip-Hop, Soul – aufzunehmen und sie, zersplittert, in die Zukunft zu tragen.
Ist es da verwunderlich, dass David Bowie mit einem der spannendsten Vertreter dieses Genres, Goldie, zusammenarbeiten wollte? Überraschenderweise verzichtet dieser Track – aus Goldies zweitem Album „Saturnz Return“ von 1998 – jedoch auf alle Breakbeats zugunsten atmosphärischer Klänge, klimpernder Klaviere und Bowies tieferem Timbre aus seiner Spätphase.
Placebo, „Without You I’m Nothing“ (1999)
Wenn es eine kommerziell erfolgreiche Gitarrenband gab, die dem geschlechtsübergreifenden, launischen Geist von David Bowies Glam-Rock-Stil nahe kam, dann war es Placebo. Daher musste dieser Titelsong aus dem zweiten Album der Band den ultimativen Traum verkörpern. Insbesondere für ihren stark geschminkten, unapologetisch toughen und hübschen Sänger Brian Molko.
Hier wird sein adenoidaler, liebeskranker Gesang durch Bowies beruhigenden Hintergrundgesang untermalt.
Rustic Overtones, „Sector Z” (2001)
Rustic Overtones, eine siebenköpfige Band aus Portland, Maine, unterschrieb 1999 bei Arista Records und gewann den langjährigen David-Bowie-Produzenten Tony Visconti für ihr erstes Major-Label-Album. Eines Morgens kam der Saxophonist der Band, Jason Ward, in den Avatar Studios in New York an und sah jemanden neben Visconti sitzen.
Es war Bowie. „Ich war total sprachlos und voller Ehrfurcht“, sagt Ward. Bowie blieb eine Weile und gab der Band Feedback zu ihrer Musik und bot sogar an, mit ihnen aufzunehmen. Er spielte auf zwei unterschätzten Perlen mit, „Sector Z“, das die Band als augenzwinkernde Hommage an Ziggy Stardust beschreibt, und dem kraftvollen Album-Closer „Man Without a Mouth“.
„David war so freundlich und bodenständig“, sagt Rustic-Frontmann Dave Gutter. „Er sprach von seiner Zusammenarbeit mit uns in einem Atemzug mit Lennon und Queen. Er behandelte unsere Band wie Gleichgestellte. David war der beste Rockstar, den man sich vorstellen kann.“
Bowie blieb sogar mit Gutter in Kontakt. „Er schickte mir E-Mails mit ekelhaften Nacktfotos alter Frauen und scherzte, dass es sich um seine Familienmitglieder handele, die mich kennenlernen wollten. Ich habe mir Zigaretten von ihm schnorrt, während unserer Session in seine Kopfhörer gefurzt und wir haben uns kaputtgelacht.“
Massive Attack, „Nature Boy“ (2001)
Die Trip-Hop-Pioniere Massive Attack zögerten zunächst, einen Beitrag zum Soundtrack von Baz Luhrmanns „Moulin Rouge“ aus dem Jahr 2001 zu leisten. Aber als sie hörten, dass sie mit einem begeisterten David Bowie zusammenarbeiten würden, waren sie überzeugt.
Nachdem sie bereits den Auftrag erhalten hatten, Nat King Coles Standard „Nature Boy” aus dem Jahr 1948 zu covern, verlieh Bowie dem Song eine beschwingte, nuancierte Interpretation vor dem stimmungsvollen und bedrohlichen Hintergrund von Massive Attack, der aus geloopten Streichersamples und Gitarrenriffs bestand.
Scarlett Johannson, „Anywhere I Lay My Head“ (2008)
2007 reisten Scarlett Johansson und Dave Sitek von TV on the Radio nach Lafayette, Louisiana, um ein Album mit Tom-Waits-Covers aufzunehmen. Auf einer Party in Los Angeles vor den Aufnahmen traf Johansson Bowie, der sie nach dem Projekt fragte.
Einige Wochen später, als Johansson in Spanien einen Film drehte, schaute Bowie während der Abmischung des Albums vorbei und nahm die Gesangsparts für „Falling Down” und „Fannin Street” auf. „Das war der beste Anruf, den ich je bekommen habe”, erzählte Johansson damals RS.
David Gilmour, „Arnold Layne” (2006)
Nachdem Bowie nach seiner Herzoperation im Jahr 2004 relativ ruhig geblieben war, überraschte er zwei Jahre später das Publikum in der Londoner Royal Albert Hall, indem er während des Auftritts seines Freundes David Gilmour auf die Bühne kam.
Er sang Pink Floyds erste Single, den Garage-Psych-Rock-Klassiker „Arnold Layne“. Der Song, der von einem Mann handelt, der Frauenkleider stiehlt, wurde bei seiner Veröffentlichung 1967 aus dem Radio verbannt. Zu dieser Zeit stand Bowie gerade am Anfang seiner Karriere. Und es gab keinen größeren Act in der englischen Underground-Rockszene als Floyd. (Bowie verehrte besonders den exzentrischen Syd Barrett.)
Bowie beendete seinen Auftritt in der Royal Albert Hall mit einer Version von „Comfortably Numb” unter psychedelischen Lasern. Er machte den Song unverkennbar zu seinem eigenen. Er bewies, dass er in den Jahren, in denen er nicht auf der Bühne stand, nichts von seinem Talent eingebüßt hatte.
Arcade Fire, „Reflektor” (2013)
Win Butler suchte nach einer weiteren Stimme für den hypnotischen Titelsong des vierten Albums von Arcade Fire. Er fasste den Mut, Bowie zu fragen, einen Fan der Band, der 2005 zu ihren Konzerten gekommen war und mit ihnen auf der Bühne gestanden hatte.
„Er war so freundlich, zu kommen und mitzumachen“, erzählte Butler 2013 dem ROLLING STONE. „Es war irgendwie einfach zu perfekt, denn als er hereinkam, war das letzte Mal, dass er dort gewesen war, als er mit John Lennon im Keller desselben Studios ‚Fame‘ aufgenommen hatte. Und irgendwie fühlte es sich in gewisser Weise verbunden an. John Lennon hatte für ihn den Hintergrundgesang gesungen, und jetzt sang Bowie für uns den Hintergrundgesang in demselben Raum.“
TV on the Radio, „Province“ (2006)
Bowie suchte TV on the Radio auf, eine der angesagtesten Bands in New York zu Beginn der 2000er Jahre. Laut TVOTR-Sänger Tunde Adebimpe rief Bowie Bandmitglied Dave Sitek an, während sie auf Tour waren.
„ Wir waren an einer Tankstelle, als Dave den Anruf erhielt und auflegte, weil er dachte, es sei unser Freund Julian, der wieder einmal einen Scherz machte: ‚Ja, du bist David Bowie, richtig?‘ Er rief ihn noch zweimal zurück und sagte: ‚Nein, ich bin wirklich David Bowie.‘“
Bowie hörte sich die Titel an, aus denen „Return to Cookie Mountain“ bestehen sollte, und entschied sich, bei „Province“ als Backgroundsänger mitzuwirken.
