Die 20 besten Duos aller Zeiten
Die 20 besten Duos aller Zeiten. Mit Daft Punk, Simon and Garfunkel, The Black Keys und The Carpenters
Die 20 besten Duos aller Zeiten
Weniger narzisstisch als Solokünstler, intimer als eine reine „Band“. Duos verkörpern eine besondere Chemie. Manchmal äußert sich diese in verbesserten Stimmen. Manchmal in einem subtilen Yin-Yang zweier Hälften, die ein Ganzes ergeben. Diese 20 Duos haben sich über die Zeit bewährt. Auch wenn ihre Beziehung nur vorübergehend war. Sie haben Klänge geschaffen, die nur ihnen gehören. Denn wie ein denkwürdiges Duo (Marvin Gaye und Kim Weston) und dann ein anderes (Rob Base und DJ E-Z Rock) bei verschiedenen Gelegenheiten feststellten: Es gehören immer zwei dazu. Von Richard Gehr und Julianne Escobedo Shepherd
20. The Black Keys
Als die anderen Mitglieder ihrer neuen Band 2001 nicht zu ihrer ersten Probe erschienen, waren Sänger und Gitarrist Dan Auerbach und Schlagzeuger Patrick Carney für die Dualität prädestiniert. Sie kamen aus einem feuchten Keller in Akron, Ohio, (wo sie ihr Debüt aufnahmen). Und wurden zu Bühnen-zerstörenden Blues-Rock-Helden.
Unermüdliches Touren und eiserne Entschlossenheit führten sie schließlich zu Nonesuch Records, für die sie in schneller Folge die Platin-Alben Brothers und El Camino aufnahmen. Diese Danger-Mouse-Koproduktionen erweiterten den rauen, schleifenden Blues-Sound, der auf den früheren Fat-Possum-Aufnahmen von Keys‘ zu hören war, zu etwas stilistisch Umfassenderem. Mit einem Hauch von Glam, Surf, Vintage-Pop, kommerziell. Oder wie Auerbach sein Publikum einmal charakterisierte: „Wir machen Musik für Hipster-Stripperinnen.“
19. Ashford & Simpson
Das Songwriter-Duo Nick Ashford und Valerie Simpson war magisch. in ihren Melodien, in den Charts und in ihren eigenen Songs, die auf ihrer echten Liebe und ihrem Gespür für das Evangelium beruhten. Als wichtige Songwriter für Motown in den 60er Jahren schufen sie einige der nachhaltigsten (und emotionalsten) Songs aller Zeiten.
„I’m Every Woman“ für Chaka Khan. „Ain’t No Mountain High Enough“ für Marvin Gaye und Tammi Terrell. Und „Is It Still Good to You“ für Teddy Pendergrass. Sie glänzten in glorreichen Höhen, was in ihrem größten Hit, dem Achtziger-Radiohit „Solid (As A Rock)“, über ihre eigene Beziehung deutlich wurde. Obwohl sie nicht so eitel waren, dass sie ihn nicht für Obamas erste Amtseinführung in „Solid As Barack“ umschreiben konnten.
18. Sonny & Cher
„I Got You Babe“: Was die junge Liebe und das Talent geschaffen haben. Die groovigsten Varieté-Show-Moderatoren der 60er und 70er Jahre, Sonny und Cher Bono hielten Pastelltöne im Geschäft und Flower-Child-Hymnen in Vorstadthäusern im ganzen Land. Sie lernten sich in einem Café kennen. Und sangen im Background bei einigen der größten Hits der frühen Sechziger. Darunter „Be My Baby“ von den Ronettes.
Aber ihr 50-Fuß-vom-Ruhm-Status wurde zur Realität, nachdem „Babe“ 1965 ein Hit wurde und ihre Alt-Harmonien zeigte, die immer ein wenig träge klangen, als wären sie von Ovomaltine und Liebesspiel gedämpft worden.
Ironischerweise sollte ihr „sauberer Spinner“-Image ihre Karriere beenden, als die sexuelle Revolution aufkam und „groovy“ gleichbedeutend mit „super high“ wurde. Aber ihr Vermächtnis in der amerikanischen Geschichte war gefestigt. Und sie schenkten uns Chaz Bono, der selbst ein großartiger Star bei Dancing With the Stars ist.
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17. Fripp & Eno
Der Prog-Rock-Gitarrist Robert Fripp und der Glam-Rocker der Kunstschule Brian Eno verließen ihre jeweiligen Bands, King Crimson und Roxy Music, um 1973 den Meilenstein No Pussyfooting aufzunehmen. Mit dem seitenlangen „Heavenly Music Corporation“ und seiner nervöseren und überladeneren Kehrseite, „Swastika Girls“, produzierte Eno das erste einer langen Reihe von „diskreten“ und „ambienten“ musikalischen Angeboten unter Verwendung eines Bandschleifensystems namens „Frippertronics“.
Eine spätere CD-Neuauflage enthielt beide Werke in umgekehrter Reihenfolge. Mit weniger Unterschieden, als man vielleicht vermuten würde. 1975 veröffentlichte das Duo Evening Star, eine Seite mit ruhig dröhnenden Tracks, die als Appetithappen für „An Index of Metals“ dienten. Eine herrliche 28-minütige Ansammlung von luftig-leichten Gitarren-, Klavier- und Synthesizerklängen.
Obwohl das Duo erst 2004 mit The Equatorial Stars ein weiteres Album zusammen produzierte, fügten ihre kissenweichen Prozessstücke dem Werkzeugkasten der Popmusik ein dauerhaftes neues minimalistisches Element hinzu.
16. The Righteous Brothers
Weder waren sie tatsächlich Brüder noch besonders rechtschaffen. Einer starb an einem mit Kokain in Verbindung stehenden Herzversagen. „You’ve Lost That Lovin‘ Feelin’“ von Tenorsänger Bobby Hatfield und Bill Medley mit seiner Grabesstimme, ein episches Beispiel für die Wall of Sound des Produzenten Phil Spector aus dem Jahr 1965, ist nach wie vor einer der meistgespielten Songs aller Zeiten im Radio.
Doch die Blue-Eyed-Soul-Brüder konnten nur eine Handvoll weiterer Hits verbuchen. Darunter das Faux-Wall-Stück „(You’re My) Soul and Inspiration“, bevor sie sich 1968 auflösten, sich einige Jahre später wieder vereinten. Und dann in relative Vergessenheit gerieten. Unterbrochen von nostalgischen Momenten wie dem optimistischen „Rock and Roll Heaven“ von 1974.
15. Steely Dan
Die 1970er waren eine Reise und Steely Dan beweisen es. Welche andere Ära würde zwei irgendwie bekiffte, entspannte Jazz-Typen mit Papa-Pullovern ehren, die lange, literarische Jams über Scheidung und das High-Sein und Besoffen-Sein und die Eagles schreiben? Aja ist das Album, das 1977 erschien. Und auf dem sich klassische Nummern von Donald Fagen und Walter Becker wie „Black Cow“ finden, die ihre coolen Harmonien und ihre Jazzgitarre zur Schau stellten. Und den Grundstein für den Yacht-Rock der kommenden Jahrzehnte legten.
Aber sie hatten über ein Jahrzehnt hinweg unzählige stoned-mäßige Gitarrenjams, die sowohl von ihrer turbulenten Beziehung als auch von Beckers Drogenabhängigkeit beeinflusst und behindert wurden. Was 1981 zu ihrer ersten Trennung führte. Aber wie in den Siebzigern brauchten sie nur Zeit, um den Kater zu kurieren. Und in den Neunzigern waren die Jungs wieder in der Stadt.
14. Sam & Dave
„Soul Man“ könnte schon ausreichen. Einer der größten R&B-Hits aller Zeiten. Der Song, der den Begriff ‚Soul‘ als Genre definierte. Und der das perfekte Beispiel für das Zusammenspiel von Tenor und Bariton der Stax-Superstars Sam Moore und Dave Prater darstellt.
Aber das coole Gesangsduo „Dynamic Duo“ brachte im Laufe seiner 20-jährigen Karriere eine Reihe von klassischen Songs heraus. „Hold On, I’m Comin’“, „I Thank You“, „Wrap It Up“. Viele hatte der junge Isaac Hayes mitgeschrieben. Es verlieh dem Rock’n’Roll einen Gospel-Einfluss, der sich auf die nächsten Jahrzehnte der nachfolgenden Musiker auswirken sollte. Einschließlich ihrer größten Anhänger, der Blues Brothers. Aber das sind nur materielle Fakten. Das reine Talent und die Energie von Sam & Dave waren phänomenal. Die Vehemenz und Wahrhaftigkeit ihrer Harmonien unübertroffen. Das brachte ihnen einen weiteren Spitznamen ein: „Double Dynamite“.
13. Suicide
Der Vokalist Alan Vega und der Keyboarder Martin Rev gründeten 1970 Suicide, erklärten ihre Musik kurz nach der Prägung des Begriffs durch Lester Bangs zu „Punk“. Und inspirierten eine ganze Generation verschiedener Electro-Duos, von Ministry bis Beach House. Vega, gekleidet wie ein Glam-Rocker, intonierte freie Skizzen des New Yorker Straßenlebens. Begleitet von den aufgedrehten Industrial-Keyboard-Grooves seines Partners.
Aufgenommen auf dem Höhepunkt des Punk im Jahr 1977, sind Suicide und der Nachfolger von 1980, Suicide: Alan Vega und Martin Rev, pulsierende Reflexionen der konfrontativen Live-Auftritte des Duos, bei denen Vega seinen Rockabilly-Twang mit Schrägstrichen einer Motorradkette untermalte. Bruce Springsteen erklärte: „Wenn Elvis von den Toten auferstehen würde, würde er meiner Meinung nach wie Alan Vega klingen“. Er gab zu, dass „State Trooper“ auf Nebraska „Frankie Teardrop“ viel verdankt. Dem erschreckenden 10-minütigen Einblick von Suicide in die Gedankenwelt eines armen Fabrikarbeiters, der seine Frau und seine Kinder ermordet.
12. Daft Punk
In Europa waren sie jahrzehntelang von entscheidender Bedeutung und leisteten mit ihren von Disco inspirierten, hochkonzipierten Knallern Pionierarbeit für den französischen House/„French Touch“ der Neunziger. Sie waren auch Vorreiter der Bewegung von Dance-Produzenten, die Masken trugen, nachdem sie ihre Gesichter zunächst mit Raumfahrthelmen bedeckt hatten. Alles, um den Fokus auf die Musik zu legen. Man muss ihnen auch das theatralische Stilelement zugutehalten.
Ihre Verschmelzung von Disco-Pop-Dance-House-Synth-Funk ist Ausdruck ihrer Musiknerdigkeit, die sich auch auf andere Musiknerds jenseits von Pharrell übertragen hat. Ihr Hit „Harder Better Faster Stronger“ aus dem Jahr 2001 lebt in Kanyes Hit „Stronger“ aus dem Jahr 2007 weiter. Während Generationen von Tanzanhängern ihr ganzes Leben lang danach streben, den Daft-Punk-Sound zu erreichen.
11. Otis Redding und Carla Thomas
Otis Redding, damals 26, und Carla Thomas, 25, sangen 1967 auf King & Queen so natürlich zusammen, dass man kaum glauben kann, dass es ihr einziges gemeinsames Album sein sollte. Inspiriert von Marvin Gayes beliebten Motown-Duetten, dauerte die Stax-Session des Paares im Januar 1967 weniger als eine Woche, während Carla ihre Semesterferien vom Aufbaustudium der Anglistik an der Howard University hatte.
Mit der hervorragenden Begleitband Booker T and the M.G.’s spielten die beiden zehn Soul-Standards ein. Von „Knock on Wood“ bis hin zu dem besonders ergreifenden „Bring It On Home“. Sowie ein Original von Redding, „Ooh Carla, Ooh Otis“. Die Stimmung ist entspannt, fast festlich. Reddings unverfälschte Soul-Power und berührende Einlagen bilden ein perfektes Gegengewicht zu Carlas frecher Anmut. Leider sollte es die letzte Aufnahme von Redding vor seinem tödlichen Flugzeugabsturz im Oktober sein.
10. The Carpenters
Da der musikalische Zeitgeist in den Siebzigern zu härterem, exzessiverem Rock tendierte, produzierten die zur Frontfrau gewordene Schlagzeugerin Karen Carpenter und ihr Songwriter-Keyboarder-Bruder Richard eine rekordverdächtige Reihe sanfter, melodischer Goldstücke. Von „(They Long to Be) Close to You“ aus dem Jahr 1969 (ihre Bacharach/David-Interpretationen sind durchweg großartig) bis hin zu „Top of the World“ aus dem Jahr 1973.
Eine authentische Alternative zu den vorherrschenden Trends. Aber jeder Silberstreif hat eine Wolke, und Karens dunkle Seite manifestierte sich zuerst in der subtilen Melancholie, die ihren wunderschönen Alt überschattete. Und später in der totalen Magersucht, die 1982 zu ihrem Tod im Alter von 32 Jahren führte.
9. Lee Hazelwood & Nancy Sinatra
Der tiefstimmige Songwriter und Produzent Lee Hazelwood belebte 1966 Nancy Sinatras schwächelnde Karriere mit „These Boots Are Made for Walkin’“ neu. Das ungewöhnliche Paar, das von Mai bis September zusammen war („Ich war schrecklich in ihn verknallt, aber er war damals verheiratet“, erinnerte sie sich Jahrzehnte später), arbeitete anschließend an zwei klanglich ambitionierten, ästhetisch ungewöhnlichen und kommerziell erfolgreichen Alben.
Während Nancy & Lee (1968) den schwungvollen Hit „Jackson“ und das Meisterwerk „Some Velvet Morning“ für den Morgen danach enthielt, war Nancy & Lee Again (1972) anspruchsvoller. Mit Antikriegstiteln wie „Congratulations“, die auf Norman-Rockwell-on-Acid-Schnitten des amerikanischen Lebens wie „Tippy-Toes“ treffen. Und Fans sexueller Spannung werden sicherlich Lees subtil sarkastische Improvisationen und Nancys mädchenhaftes Kichern zu schätzen wissen.
8. Richard und Linda Thompson
Wie ihre Ehe verlief auch die Karriere des amtierenden Paares der britischen Folk-Rock-Geschichte. 1974 begann sie mit dem leuchtenden I Want to See the Bright Lights Tonight. Und endete acht Jahre, fünf Alben und eine Scheidung später mit dem Trennungsmeisterwerk Shoot Out the Lights.
Dazwischen konvertierte der schillernde Gitarrist und Sänger mit dem silbernen Kehlchen zum Islam. Er schloss sich einer Sufi-Kommune an. Und ließ das karnevaleske Hokey Pokey, das oft gruselige Pour Down Like Silver, das spirituelle First Light und das eher rockige Sunnyvista fallen. Wie bei den meisten Ehen war die kreative Zusammenarbeit der Thompsons ein drittes Mal himmlisch. Ein drittes Mal höllisch. Und ein drittes Mal, um nur daran zu denken, den Toilettensitz unten zu lassen.
7. Outkast
Mehr als nur das „Hey Ya“-Duo, ist es unmöglich zu übertreiben, was diese beiden Rapper und Musiker für den Hip-Hop getan haben. Sie waren vor dem Wiederaufleben des Dirty South als dessen Herzschlag da. Und brachten supermusikalische Psychedelia in das Genre, als es noch in seinen G-Funk-Tagen verankert war.
Andre und Big Boi haben ihre Ästhetik in den Afrofuturismus eingebettet und unterscheiden sich in ihrem Rap-Stil voneinander. Big Boi ist als MC etwas klassischer, während Andre wildere Bars spuckt. Aber auf sechs Alben (und einem Konzeptfilm, Idlewild) hat jeder seinen eigenen Stil.
Sie sind eine der besten Hip-Hop-Gruppen aller Zeiten. Selbst ihre spirituellen Brüder (Goodie Mob, Dungeon Family, Purple Ribbon usw.) konnten nicht annähernd die ausgefallene, avantgardistische und schlichtweg exzellente Musik machen, die sie als einzigartige Mondeinheit machen.
6. The White Stripes
Als Jack und Meg White 1997 in Detroit ihre Band gründeten, war Minimalismus in der Rockmusik nicht gerade angesagt. Grunge war noch nicht ganz tot. Andere Rockbands versuchten ihr Glück mit elektronischen Fusionen.
Doch als das Jahrtausend begann, begann der Rock, in seine blecherne Vergangenheit zu blicken. Und als die seltsam konzipierte Biografie und der reine, fokussierte Garagen-Rocksong der White Stripes auf den Markt kamen, waren wir, bevor wir es wussten, schon mittendrin. Jack konnte seine reduzierte Gitarrenvirtuosität in gewaltige Riffs umsetzen. Während seine „Schwägerin“ Meg ihre steifen Schlagzeugkünste in einen wackeligen Effekt umwandelte. Was die Frage aufwirft: Bassisten, wer braucht die schon?
5. Eric B. & Rakim
Gab es jemals eine musikalischere Begegnung zwischen Mensch und Maschine als die Mischung aus MC Rakims geschmeidiger, autoritärer und jazzbeeinflusster verbaler Gewandtheit und DJ Eric Barriers samplelastigem Turntable-Können? Die beiden Long Islander brachten ihr Talent in der Zeit, die sie brauchten, von null auf unendlich. Sie komponierten ihre bahnbrechende Single „Eric B. Is President“ von 1986. Nahmen, „Paid in Full“ schnell auf. Und perfektionierten dann alles mit dem 1988 erschienenen, vollständig ausgearbeiteten „Follow the Leader“ .
„Der Mann so sanft, die Welt so rau“, rühmt sich Rakim im Titeltrack von „Leader“. Eine aufrichtige existenzielle Beobachtung und ein raffiniertee Eagles-Lift. Zwei weniger erfolgreiche Alben später war es jedoch vorbei mit der Harmonie für das meisterhafteste Duo der goldenen Ära.
4. The Louvin Brothers
Die in der Tradition der Baptisten-Sacred-Harp-Musik aufgewachsenen, hart arbeitenden Harmonikaspieler Ira und Charlie Louvin waren das fesselndste und einflussreichste der vielen denkwürdigen Brüderpaare der Country-Musik. Während ihrer Karriere, die sie von Billardhallen bis zur Grand Ole Opry führte, verkörperten die Söhne der Farmpächter aus Alabama die Dialektik der Countrymusik am Samstagabend und Sonntagmorgen in den 50er Jahren mit Alben wie Tragic Songs of Life und Satan Is Real.
Doch obwohl sie in der Lage waren, Oktaven zu überspringen und innerhalb eines einzigen Wortes die Haupt- und Harmoniezeilen zu vertauschen, konnten sie die irdische Schwäche des unbeständigen Mandolinisten Ira für Frauen, Wein und Prügeleien nicht überwinden. Also startete Charlie 1963 eine Solokarriere. Während Ira zwei Jahre später im Alter von 41 Jahren bei einem Frontalzusammenstoß mit seiner vierten Frau ums Leben kam.
3. Simon & Garfunkel
Paul Simon und Art Garfunkel verliehen einer turbulenten Zeit in den USA Ruhe. Zunächst die sexuelle Revolution und die Bewegungen für soziale Gerechtigkeit, dann der Sumpf von Vietnam. Das leise harmonisierende Duo aus Queens spiegelte das New Yorker Folk-Revival wider. Ihr erster großer Hit, „Mrs. Robinson“ (aus The Graduate), signalisierte die kommende Welle der sexuellen Befreiung.
Aber Songs wie „Bridge Over Troubled Water“ aus dem Jahr 1969 spiegelten nicht nur den Krieg wider. Sondern auch zwischenmenschliche Probleme des Duos, die Jahre künstlerischer Spannungen vorhersagten. Aber alles ist gut. Die Jungs bringen die Band immer wieder zusammen und spielen inzwischen seit über einem halben Jahrhundert.
2. Ike & Tina Turner
Es ist gut dokumentiert, warum diese beiden eine toxische Paarung waren. Ikes körperliche Misshandlungen waren so extrem, dass sie sich versteckte. Und sich eine Waffe zulegte, um sich zu schützen, als sie 1976 endgültig Schluss machte. Es ist ein schreckliches Vermächtnis, das ihre jahrzehntelange Zusammenarbeit überschattet. Die zufällig zu den unauslöschlichsten Werken der amerikanischen Musik gehört.
Stellen Sie sich „Proud Mary“ ohne Tina Tinas krächzende Stimme und Ikes baritonale Gegenmelodie vor?
Verdammt, stellen Sie sich die Musik der Rolling Stones vor, wenn sie nie mit ihnen auf Tour gewesen wären?
Ike & Tina wechselten so vielseitig zwischen den Genres wie niemand vor ihnen. Von Folk und Funk und Country bis hin zu Deep Soul, Psych und sogar Musicals. Und erfanden durch ihre Energie auf der Bühne (und Tinas tagelange Beinarbeit) neu, was eine Rock’n’Roll-Performance sein könnte.
Tina wollte verständlicherweise drei Jahrzehnte lang nicht mit Ike in Verbindung gebracht werden und. Un verzichtete sogar auf ihre Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame. Phil Spector nahm die Auszeichnung an ihrer Stelle entgegen. Aber ihre Beiträge zum Rock, sowohl gemeinsam als auch getrennt, werden nie vergessen werden.
Die Everly Brothers
Die echten Brüder Don und Phil wuchsen in Iowa und Tennessee auf und harmonisierten gemeinsam. Als ihr harmonischer Stil in den Fünfzigern die Radiosender eroberte, infiltrierte der Einfluss der Appalachen die aufkeimende Rockbewegung. Und verbreitete hübsche Gesangsstimmen an Legenden wie Buddy Holly.
Ein wenig Falsett, ein wenig Alt, ein wenig Liebeslied und Herzklopfen waren geboren. Aber noch wichtiger ist, dass es fast unmöglich ist, sich das Jahrzehnt ohne ihre größten Hits vorzustellen. „Bye Bye Love“, „Wake Up Little Susie“ und ‚All I Have to Do is Dream‘ verkörperten die ruhige Nachkriegszeit, als das Land sich in den Aufschwung, die Vorstädte und die grenzenlosen Möglichkeiten der amerikanischen Highways begab.
Sie vertonten einen Wendepunkt, wenn auch nur kurz. Aber ihr Einfluss erstreckte sich über Generationen. Die Beatles, die Byrds, Simon and Garfunkel, die Bee Gees, Green Day und darüber hinaus.
