Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
120. Destiny’s Child, „Survivor“
2001
„Survivor“ beginnt mit anschwellenden Streichern, bevor es in eine mantraartige Hymne übergeht, die die Dominanz von Destiny’s Child als Trio festigte. Beyoncé, Kelly Rowland und Michelle Williams rappen-singen Affirmationen, die sich an ihre Zweifler richten. Seien es Kritiker, Ex-Partner oder ehemalige Mitglieder der Gruppe. Von denen einige nach der Veröffentlichung sogar klagten.
„Du dachtest, ich wäre ohne dich schwach, aber ich bin stärker“, erklärt Beyoncé. Williams liefert ebenfalls eine herausragende Bridge. „Nach all der Dunkelheit und Traurigkeit kommt bald das Glück.”
Inspiriert durch Vergleiche mit der Reality-Show „Survivor” aufgrund ihrer wechselnden Besetzung, wurde die Single zu einer Grammy-prämierten Hymne und einem entscheidenden Moment für Beyoncé als Produzentin und Songwriterin. —T.M.
119. Sky Ferreira, „You’re Not the One”
2013
Sky Ferreira stellt sich in „You’re Not the One“, einem der unzähligen Juwelen aus dem Debütalbum (und bislang einzigen Album) der Popsängerin aus dem Jahr 2013, all den Versuchungen und Frustrationen, die eine „Werden wir, werden wir nicht?“-Romanze ausmachen.
Mit seiner markerschütternden Rhythmusgruppe und dem kristallklaren Kreischen des Leadgitarrenriffs erinnert der Song an den Goth-Rock der Achtzigerjahre und David Bowies „Low“. Doch Ferreiras dröhnender, sehnsüchtiger Gesang verleiht dem Song seinen zeitgenössischen Pop-Charakter.
Entstanden in Zusammenarbeit mit einer Reihe von Songwriting- und Produktionstalenten – Ariel Rechtshaid, Justin Raisen und Dan Nigro – ist „ You’re Not the One” das perfekte Symbol für den Moment in den 2010er Jahren, als die Grenzen zwischen Indie und Pop zu fallen begannen. —J. Blistein
118. Childish Gambino, „Redbone”
2016
Für den glitzernden, betörenden Song „Redbone“ verzichtete Childish Gambino auf die Wortspiele und Pointen seiner Hip-Hop-Vergangenheit und startete stattdessen mit dem P-Funk Mothership zu einer unvergesslichen Spritztour.
Mit Vintage-Mellotron, Rhodes und Telecaster – ganz zu schweigen von jeder Menge moderner Software – schuf Co-Produzent Ludwig Göransson eine samtige Atmosphäre, die gleichzeitig retro und zeitgemäß war. Gambinos psychedelischer Aufruf, „wach zu bleiben“, der mitten in der Ära der sozialen Gerechtigkeit veröffentlicht wurde, fand weitaus mehr Resonanz als die Erzählung des Songs über misstrauische Liebhaber. Er wurde schließlich zum Soundtrack einer Flut von Memes und zu einem kulturellen Ereignis, das nicht weniger bahnbrechend war als der Vorspann zu Jordan Peeles Meilenstein „Get Out“. – C.W.
117. The Shins, „New Slang“
2001
James Mercer schrieb den Song, der sein Leben veränderte, während er in Albuquerque, New Mexico, herumkrabbelte, sich fragte, ob Musik seine Karriere werden würde. Und sich an den Musikern um ihn herum ärgerte. „Ich war ehrlich in Bezug auf diese Melancholie, die ich am Ende meiner Zwanziger empfand“, sagte er ROLLING STONE im Jahr 2012.
„Ich musste mich vom Kindsein verabschieden, wusste aber nicht, wohin mich mein Weg führen würde.“ Auf der ersten Single aus dem Sub-Pop-Debütalbum „Oh, Inverted World“ von The Shins aus dem Jahr 2001 kombiniert Mercer seine singende Anomie mit zielstrebigem Gitarrenspiel, das seine Entschlossenheit widerspiegelt, mit dem „Blick auf das gute Leben“ abzuschließen. Eine hartnäckige Wehmut, die ihnen half, in die oberen Ränge des Indie-Rock der Y2K-Ära aufzusteigen. —M.J.
116. Bruce Springsteen, „Land of Hope and Dreams“
2012
Als Bruce Springsteen 1999 mit der E Street Band für ihre erste Tournee seit elf Jahren wieder zusammenkam, wollte er den Fans mehr als nur Nostalgie bieten. Deshalb tauchte er bei den Proben mit einem fröhlichen, optimistischen, gospelartigen Song über die Kraft des Glaubens und der Freundschaft mit dem Titel „Land of Hope and Dreams“ auf.
Zwölf Jahre später saß Springsteen neben Clarence Clemons in einem Krankenhaus in Florida, kurz nachdem der Saxophonist einen Schlaganfall erlitten hatte, der ihm bald das Leben kosten sollte. „Ich hatte das Gefühl, dass er mich hören konnte, weil er deine Hand drücken konnte“, sagte Springsteen 2023. Später im selben Jahr nahmen Springsteen und die E Street Band endlich eine Studioversion des Songs auf, in die sie eine Archivaufnahme von Clemons‘ Saxophonsolo einmischten. —A. Greene
115. Little Big Town, „Girl Crush“
2014
Nur wenige Monate bevor Chris Stapleton „Tennessee Whiskey“ veröffentlichte, eroberte Little Big Town die Country-Radiosender im Sturm mit einer weiteren langsam brennenden R&B-Ballade, die als Country-Song getarnt war. Die Prämisse war ein klassisches Wortspiel aus der Music Row. Kommen Sie wegen der queeren Anspielung im Songtitel. Bleiben Sie wegen der qualvollen Geschichte einer Erzählerin, deren herzzerreißende Eifersucht auf die Frau, die ihr den Mann gestohlen hat, so allumfassend geworden ist, dass sie sich in etwas wie Begierde verwandelt.
Karen Fairchild von Little Big Town verkauft den Song mit einem minimalistischen Arrangement, das sofort Coverversionen von Miranda Lambert und Kelly Clarkson hervorbrachte. „Sie … wurde“, sagte Kimberly Schlapman über die gequälte und überzeugende Gesangsdarbietung ihrer Bandkollegin, „ich würde sagen, eine Schauspielerin in diesem Song.“ —J. Bernstein
114. Taylor Swift, „Blank Space“
2014
„Ich dachte nur, wie unglaublich komplex und interessant diese Figur ist. Was für einen Song würde sie schreiben?“, sagte Swift über die Heldin in „Blank Space“. Max Martin und Shellback schufen ein präzises Gerüst aus trockenen Drums und Luft zwischen den Noten, das einen unheimlich hohlen Rahmen für Swifts fröhlich verzerrtes Selbstporträt bildet, während sie Einzeiler wie „Darling, I’m a nightmare dressed like a daydream“ (Liebling, ich bin ein Albtraum, gekleidet wie ein Tagtraum) von sich gibt.
Sie stützte sich auf ihre damals allgegenwärtige Legende als „Serien-Daterin“. Und nähte Sticheleien aus ihren alten Tagebüchern zusammen, um eine Lösegeldforderung einer verrückten Frau zu erstellen, die in makellose Couplets gegliedert war. Als „Blank Space“ „Shake It Off“ auf Platz eins ablöste, war es das erste Mal, dass eine Frau sich selbst überholte, um die Spitze der Billboard Hot 100 zu erreichen. —S.G.
113. Natalia Lafourcade, „Hasta La Raíz“
2015
Natalia Lafourcade hat in ihrer Musikkarriere schon einige verschiedene Phasen durchlaufen, von einer fröhlichen Girlgroup bis hin zu beschwingtem Indie-Pop. Die mexikanische Singer-Songwriterin schien jedoch eine tiefe künstlerische Ader zu finden, als sie ihr Album „Hasta La Raíz“ aufnahm, das stark von Folk-Einflüssen aus ganz Mexiko geprägt ist.
Zuvor hatte sie eine Hommage an Agustín Lara, den legendären Bolero-Interpreten, aufgenommen. Die Idee, sich wieder mit der Vergangenheit zu verbinden, beeindruckte sie sehr. Der Titelsong des Albums wirkt wie eine Art Leitgedanke. Lafourcade schafft einen Ausgleich zwischen Standhaftigkeit und Zerbrechlichkeit, untermalt von einem gitarrenlastigen Huapango. Und fordert alle auf, ihren Wurzeln treu zu bleiben. —J.L.
112. Panic! at the Disco, „I Write Sins Not Tragedies“
2005
Die Teenager-Pop-Punk-Rocker Panic! At the Disco haben mit dieser Geschichte über verdammte Türen, die skandalöserweise nicht geöffnet wurden, und betrügerische zukünftige Bräute einen neuen Geschmack von Vaudeville-inspiriertem Emo kreiert. Und damit einen der unwahrscheinlichsten Hits der 2000er Jahre gelandet.
Das Pizzicato-Cello und die theatralische Darbietung von „I Write Sins Not Tragedies“ funktionieren nur, weil sie eigentlich nicht funktionieren sollten. „Sie sind eine Laune der Natur“, sagte Pete Wentz von Fall Out Boy gegenüber Rolling Stone im Jahr 2007. „Sie machen genau das Gegenteil von allem, was ein Label empfehlen würde, und sind trotzdem erfolgreich.“
Das übertriebene Musikvideo zu dem Song schlug sogar Madonnas „Hung Up“ und Shakiras „Hips Don’t Lie“. Und gewann den Preis für das Video des Jahres bei den VMAs 2006. Was beweist, dass diese Theaterfreaks es mit den größten Namen der Popmusik aufnehmen können. —M.G.
111. Calle 13, „Querido FBI“
2005
Calle 13 stand 2005 gerade am Anfang ihrer Karriere, als die Nachricht bekannt wurde, dass das FBI den puertoricanischen Unabhängigkeitsführer Filiberto Ojeda Ríos bei einer missglückten Razzia ermordet hatte. Für die Band, die ihre Karriere auf unerschütterlichen politischen Botschaften aufbaute, die in wild mitreißende Rhythmen eingebettet waren, Ojedas Tod tief und sehr persönlich.
So sehr, dass sich Frontmann und Rapper Residente in einem Zimmer einschloss, um „Querido FBI“ zu schreiben. Eine unapologetische Tirade, die die US-Regierung und eine Geschichte des Imperialismus, der Unterdrückung und des Kolonialismus vehement verurteilt. Residente überzeugte sein Label, den Song nur 30 Stunden nach Ojedas Tod zu veröffentlichen. Und sofort verbreitete er sich in ganz Puerto Rico und machte Calle 13 zu Helden. —Julyssa Lopez
