Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
100. Frank Ocean, „Novacane”
2011
Es macht Sinn, dass Frank Ocean, bevor er berühmt wurde, auf Tumblr ein begeistertes Publikum um sich scharte, wo er Ausschnitte und Tagebucheinträge mit literarischem Flair teilte. Seine bahnbrechende Single „Novacane“ ist ein Paradebeispiel für seine Vorliebe für das Geschichtenerzählen. Die Frau, von der er singt, reicht ihm eine „eisblaue“ Bong, bevor sie ihm von ihren Ambitionen in der Zahnmedizin erzählt.
Wie in vielen von Franks besten Songs existiert Herzschmerz im Firmament der Welt, die er erschafft. Hier verleiht eine vergangene Liebe, für die diese neue Begegnung ihm nur helfen kann, sich taub zu fühlen, dem Song seine emotionale Textur. Darüber hinaus gelang es ihm, einen radiofähigen Hit mit seiner unverwechselbaren Schwindeligkeit zu versehen. —J.I.
99. The Hives, „Hate to Say I Told You So”
2000
The Hives brachen in passenden Smokings aus Schweden hervor, besorgt, dass sie als Garagenrock-Antwort auf ZZ Top abgetan werden könnten. Stattdessen löste „Hate to Say I Told You So“ – zwei Minuten freche Brillanz, aufgebaut um einen Riff, den Gitarrist Nik Arson als „striking gold“ bezeichnete – Vergleiche aus, die die Band überraschten.
„Die Leute fingen an, uns mit Bands zu vergleichen, von denen wir noch nie gehört hatten”, erklärte Frontmann Howlin’ Pelle Almqvist. „Wir konnten es uns nicht leisten, jede Band zu kennen. Es fühlt sich surreal an, dass wir noch nie von den Stooges und den MC5 gehört hatten, bis die Leute uns mit ihnen verglichen.”
Als sie ihre angeblichen Einflüsse hörten, ergab alles einen Sinn. Die Wiederholungen, die Riffs, die Haltung. „Mit Veni Vidi Vicious wurden wir zu der Band, die wir sein sollten.” —S.G.
98. Carrie Underwood, „Before He Cheats“
2005
Jeder gute Country-Song braucht ein bisschen Drama. Und eine Prise kitschiger Übertreibung schadet auch nicht. Carrie Underwood bietet beides in Hülle und Fülle in „Before He Cheats“, der Single, die sie von einer vielversprechenden Gewinnerin von American Idol zu einem echten Superstar machte. „Before He Cheats“ ist eine wilde, witzige Saga über eine Frau, die sich an ihrem untreuen Freund rächt.
Der Song wurde von zwei Männern (Chris Tompkins und Josh Kear) geschrieben, die eine unheimliche Melodie mit einem sofort einprägsamen Refrain über einen „ hübschen kleinen aufgemotzten Geländewagen“ handelt, der gnadenlos zu Schrott gefahren wird.
Underwood singt den Song, als wäre sie im dunklen Ann-Wilson-Modus, ein Tornado köstlich kleinlicher Zerstörung. Es ist eine Hymne, die perfekt für Mädelsabende und Karaokeabende geeignet ist. —J.F.
97. Lana Del Rey, „Video Games”
2011
Mit Lana Del Rey ist der Himmel ein Ort auf Erden. Ohne „Video Games” wäre Lizzy Grant nicht zu dem geheimnisvollen Popstar geworden, der sie heute ist. Ihr erster Durchbruch, „Video Games”, legte den Grundstein für ihr bahnbrechendes Debütalbum „Born to Die”. Und schuf die Grundlage für ihre Karriere als Kultstar, der eine ganze Generation von Fans und Künstlern inspirieren sollte, darunter Billie Eilish und Olivia Rodrigo.
Mit einer Mischung aus Jazz- und Rap-Elementen singt Del Rey einem Jungen vor, der zu sehr mit seinem Controller beschäftigt ist, um aufzublicken und sie zu bemerken, und liefert Zeilen wie „It’s you, it’s you, it’s all for you” mit einer eindringlichen Sehnsucht, die niemand jemals nachahmen konnte. —T.M.
96. My Chemical Romance, „Welcome to the Black Parade”
2006
„Ich weiß nicht, warum die Leute klein sein wollen”, erklärte Gerard Way von My Chem im Jahr 2006. Das war kein Problem auf dem bahnbrechenden „Death-Rock-Sgt. Pepper”-Opus „Welcome to the Black Parade“ der Band oder seinem massiven Titelsong.
Die Klavierakkorde von Produzent Rob Cavallo öffnen die Schleusen von der Beichte zur Katharsis. Hörner erklingen, Refrains schweben empor und Gitarren klingen wie Wasserfälle, bis „We’ll carry on“ sich von einem Liedtext zu einer Liturgie wandelt. Way verstand, dass Kinder, die in den USA nach dem 11. September erwachsen wurden, ein Spektakel brauchten, das ihrer besonderen Apokalypse angemessen war.
So waren es diese Gothics aus New Jersey, die die älteste Wahrheit des Rock weitergaben. Das beste Heilmittel gegen das Gefühl, klein zu sein, ist, sich unmöglich groß zu verhalten. —S.G.
95. Burna Boy, „Last Last“
2022
Es war spannend zu sehen, wie viele der R&B-Innovationen des 21. Jahrhunderts aus Westafrika kamen. Schließlich reichen die tiefsten Wurzeln dieses Stils bis in diese Region zurück. Burna Boy ist der Anführer der Afrobeats-Klasse. Und dieser Jam ist vielleicht sein bester.
Mit seinen brasilianisch angehauchten Beats und seinem westindisch angehauchten Flow mischt er Englisch, Yoruba und nigerianischem Pidgin-Slang auf eine Weise, die unwiderstehlich wirkt. Er erweitert damit die Popmusik musikalisch und textlich.
Als Highlight seines 2022 erschienenen Albums „Love, Damiani“ ist es eine Hymne auf den Kampf mit gebrochenem Herzen, die die neu eingeführte US-Afrobeats-Chart von „Billboard“ mit einem universellen, bewährten Rezept anführte. Zünde etwas Igbo an, hebe eine Tasse Shayo und tanze den Schmerz weg. —W.H.
94. Dua Lipa, „Levitating“
2020
Es gibt kein Regelwerk dafür, wie man einen Pop-Hit schreibt. Aber Dua Lipas Methode kommt dem wohl ziemlich nahe. Man versammelt seine besten Freunde in einem Raum (hilfreich, wenn es sich dabei um die hervorragenden Songwriter Clarence Coffee Jr., Sarah Hudson und Stephen Kozmeniuk handelt), isst Donuts, zieht Tarotkarten und nimmt sich Prince zum Vorbild.
„Wir schwebten buchstäblich vor lauter Zuckerrausch“, sagte Lipa. „Hier geht es darum, dass ich fröhliche Songs ausprobiere und etwas mache, das nicht ‚Dance Crying‘ ist … Es geht darum, Spaß zu haben, jemanden kennenzulernen und sich zu verlieben.“
„Levitating“ wurde im Frühjahr 2020 veröffentlicht, als Lockdowns das Nachtleben zum Erliegen brachten, und konnte somit nicht seinem Club-Schicksal folgen. Was es umso wichtiger machte. Als Disco-Glücksbombe für dunkle Zeiten dominierte es 77 Wochen lang die Charts. Niemand wusste, wann das normale Leben zurückkehren würde. Aber es schien, als hätten wir sie, wie es in dem Song heißt, zum perfekten Zeitpunkt getroffen. —S.G.
93. Eric Church, „Springsteen“
2011
Nostalgie hat schon viele großartige Songs inspiriert. Aber nur wenige Künstler haben es so gut geschafft, eine Melodie wie eine Erinnerung klingen zu lassen, wie der Country-Künstler Eric Church aus North Carolina mit seinem Durchbruchshit aus seinem Album „Chief“.
Mit einem sparsamen Gitarrenriff und einem leuchtenden Klavier, das weniger nach einem Nashville-Produkt als nach einer Wilco-Träumerei klingt (Church ist ein stolzer Jeff-Tweedy-Fan), trifft der Song genau den Punkt, wie Songs aus deiner Vergangenheit (in seinem Fall klassische Bruce-Springsteen-Hits) zerfledderte Jahrbuchbilder deiner glorreichen Highschool-Zeit – „der Soundtrack zu einem Samstagabend im Juli“ – wieder zum Leben erwecken können, die für immer in deinem Kopf nachhallen. Tief schön und lässig gewagt. „Springsteen“ legt den Grundstein für eine ambitionierte Karriere von Church, die bis heute andauert. —J.D.
92. Sean Paul, „Get Busy“
2002
Sean Pauls „Get Busy“ ist wohl die berühmteste Verwendung von Produzent Steven „Lenky“ Marsdens Diwali Riddim. Keine Kleinigkeit, wenn man bedenkt, dass der Dancehall-Beat Hunderte von Tracks inspiriert hat. Darunter große Pop-Hits von Rihanna („Pon de Replay“), Lumidee („Never Leave You (Uh Oooh, Uh Oooh)“) und Wayne Wonder („No Letting Go“).
Der Song führte drei Wochen lang die Billboard Hot 100 an und ist nach wie vor einer der Hymnen, die als Aufruf zum Tanzen dienen. „ It’s the ignition of those butterflies“, sagte Paul —M.R.
91. Tyler, the Creator, „Yonkers“
2011
Man kann fast nicht über „Yonkers“ sprechen, die bahnbrechende Single von Tyler, the Creator, die ihn als kulturelle Kraft einer Generation etablierte, ohne über das Musikvideo zu sprechen. Da sitzt er, in düstrem Schwarz-Weiß, auf einem Hocker und rappt über die dunklen Qualen seines Geistes.
Die zweite Single aus seinem Album „Goblin“, „Yonkers“, festigte Tylers Markenzeichen aus Verletzlichkeit und jugendlicher Provokation. „Threesomes with a fuckin’ triceratops Reptar“, rappt er und erwähnt dabei eine Figur aus „Rugrats“. Wie Tyler selbst sagt, hat er den Hype, den Tyler und seine Odd-Future-Kollegen damals aufgebaut hatten, als durchaus berechtigt bezeichnet. Und „Yonkers“ war nur der Anfang.–J.I.
