Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
20. Steve Lacy, „Bad Habit”
2022
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Die zweite Single aus seinem zweiten Album, Gemini Rights, Steve Lacys „Bad Habit” hat das Geheimnis eines weltweiten Hits. Die lebhaften Trommeln, die unter ebenso wilden Gitarrenriffs klopfen, trugen dazu bei, die moderne Poplandschaft neu zu gestalten.
Der Song erschien gerade als die Covid-19-Beschränkungen gelockert wurden. Er führte uns mit dem perfekten Pop-Hit über unerwiderte oder vielmehr unerforschte Liebe aus unserer Post-2020-Malaise heraus. Wer von uns hat nicht zu spät erkannt, dass das Gefühl tatsächlich auf Gegenseitigkeit beruhte?
„Bad Habit“ wurde bei den Grammys 2023 für die Kategorien „Song des Jahres“, „Aufnahme des Jahres“ und „Beste Pop-Solo-Darbietung“ nominiert, zusammen mit Gemini Rights, für das Lacy den Preis für das beste progressive R&B-Album gewann. —J.I.
19. Adele, „Someone Like You“
2011
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Als Adele ihr zweites Album „21“ veröffentlichte, klangen Pop-Hits oft so überdimensioniert wie die Jumbotron-Bildschirme bei Konzerten. Aber überlassen wir es unserer größten modernen Kabarettsängerin, uns daran zu erinnern, dass auch Einfachheit funktioniert.
„Someone Like You“ wurde (zusammen mit Dan Wilson von Semisonic) nach einer schmerzhaften Trennung geschrieben. Er bietet kaum mehr als eine Stimme, ein Klavier und Herzschmerz. Aber es ist nicht nur eine weitere massenhaft produzierte Ballade über einen verlorenen Partner. Sondern ein sehr persönlicher Song, der dennoch universell ist.
Adeles Genialität als Sängerin zeigt sich jedes Mal, wenn sie im Refrain „Don’t forget me, I begged“ singt. Ohne zu übertreiben, schafft sie es, jedes Mal, wenn sie zu dieser Zeile zurückkehrt, noch verzweifelter zu klingen. Selbst wenn KI-Roboter die Welt übernehmen sollten, kann man sich leicht vorstellen, dass einer von ihnen sich mit diesem Song identifizieren könnte. —D.B.
18. Billie Eilish, „Bad Guy“
2019
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Billie Eilish stieg aus der typisch amerikanischen Teenager-Wüste empor und wurde zu jedermanns Lieblings-Pop-Albtraum. Mit „Bad Guy“ schenkte sie ihrer Generation eine neue Hymne für Außenseiter. Und erreichte drei Jahre, nachdem sie zur SoundCloud-Kultfigur geworden war, Platz eins der Charts.
Es ist der Sound einer 17-jährigen Sonderlingin, die zu Hause unterrichtet wird und ihre Tagebücher in makabren Electro-Goth-Pop verwandelt, während sie mit bösartigem Lachen spöttelt: „I’m the bad guy — duuuuh!“
Billie und ihr Bruder, Produzent und Wingman Finneas ließen mit „Bad Guy“ alle anderen langweilig klingen. Sie machten ihr Debütalbum „When We All Fall Asleep, Where Do We Go?“ zu einem Blockbuster-Hit. Aber es stellte der Welt eine Stimme vor, die auch in den kommenden Jahren die Avantgarde des Pop prägen würde. Duuuuh. —R.S.
17. Drake, „Hotline Bling“
2015
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Es gibt einen Grund, warum junge Menschen den Hip-Hop der Mitte der 2010er Jahre vergöttern. In dieser Zeit gab es eine Fülle von Veröffentlichungen, die eine ganze Generation prägten. Im Mittelpunkt stand der brandheiße Drake, der auf dem Höhepunkt seines kulturellen Einflusses stand, auf einem Gipfel, den nur Beyoncé, Taylor Swift und, wie er uns gerne erinnert, Michael Jackson erreicht haben.
Insbesondere 2015 war Drizzy auf dem Höhepunkt seiner Macht. Er wehrte erfolgreich Bedrohungen seiner Legitimität in seinem Streit mit Meek Mill ab. Er krönte die Affäre mit einem genreübergreifenden Hit. „Hotline Bling” sollte sich als ein tragfähiger Mikrokosmos für Drakes Karriere erweisen, ein unbestreitbarer Pop-Crossover, der in der Lage war, die Diskussion um ihn herum neu auszurichten. Wenn er diese Formel heute nur wiederfinden könnte. —J.I.
16. Mariah Carey, „We Belong Together“
2005
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Mariah Carey erholte sich mit einer neuen Einstellung von ihren schwierigen Anfängen in den 2000er Jahren. In diesem tränenreichen Slow Jam setzte sie nicht sofort auf die hohen Töne, für die sie bekannt war. Sondern legte blitzschnelle, bewusstseinsstromartige Texte über einen spärlichen, von Klavier begleiteten Hintergrund, sodass sich die Spannung und Sehnsucht in ihr aufbauten, bis sie nach oben explodieren mussten.
„We Belong Together” verdankt seine Erhabenheit der Art und Weise, wie es die musikalische Spannung mit Careys eindringlicher Beschreibung von Momenten unbehaglicher Einsamkeit ausgleicht. Das Gefühl der Verlassenheit, „hier neben mir selbst zu sitzen”, das Seufzen beim Hören von Bobby Womack und Babyface im Radio.
In gewisser Weise war dieses präzise ausgedrückte Wissen um die Kraft der Musik gleichzeitig ein Vorbote dafür, dass „We Belong Together” schließlich in der obersten Liga der Hits für gebrochene Herzen landen würde. —M.J.
15. OutKast, „B.O.B. (Bombs Over Baghdad)“
2000
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Für diesen Klassiker der Jahrtausendwende erhöhte OutKast das Tempo auf 155 Beats pro Minute und fügte feurige Gitarren, rasante, zungenbrecherische Texte und sogar einen verdammten Gospelchor hinzu. Das hätte eigentlich nicht zusammenpassen dürfen. Und doch klingt es verdammt gut.
Der bedrohliche Refrain „Bombs over Baghdad“ bekam eine seltsame Resonanz, als die USA einige Jahre später in den Irak einmarschierten, obwohl der Text eigentlich eine Metapher für die halbherzige Musik war, die um die Jahrhundertwende gemacht wurde. Hier ist nichts halbherzig – „B.O.B.” klang wie kaum ein anderer Hip-Hop-Song zu dieser Zeit, und das gilt auch heute noch. —C.H.
14. Daddy Yankee, „Gasolina“
2004
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Daddy Yankee entfesselte einen Reggaeton-Sturm mit einem Song, der sich von allen bisherigen Platten im Stil der „Latin Explosion“ unterschied. Dies war kein höfliches, mit Conga unterlegtes Liedchen über unerwiderte Liebe. Wie so viele klassische Hymnen, die aus dem Underground hervorgingen, drehte sich bei „Gasolina“ alles darum, jung zu sein und zu feiern, bis der Körper nicht mehr kann.
Daddys Gesang war schnell und wild. Aber es war auch die Produktion von Luny Tunes, die mit dieser plonkenden, cartoonartigen Synthesizer-Melodie in Moll, die wie eine Mischung aus Clavinet und afrikanischer Mbira klingt, Geschichte schrieb.
Hinzu kommt die nicht im Abspann genannte Stimme von Glory, die im Call-and-Response-Refrain beweist, dass Verlangen eine Einbahnstraße ist. Kein Wunder, dass „Gasolina“ zu einem globalen Meilenstein wurde. Auch zwei Jahrzehnte später springt es noch immer wie ein überkoffeiniertes Biest aus den Lautsprechern. —E.L.
13. SZA, „Snooze”
2022
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SZA hat gesagt, dass sie es hasst, als R&B-Sängerin generalisiert zu werden. Was Sinn macht, da ihre Musik eine prägnante Mischung aus Rock, Rap, Pop und mehr ist. Aber mit „Snooze”, ihrem bislang längsten Chart-Hit, hat sie einen perfekten R&B-Song geschaffen.
Dabei half es ihr, dass sie R&B-Impresario Kenneth „ Babyface” Edmonds und Gitarrenheld Leon Thomas mit einem klassischen Instrumentalstück unterstützt haben, das wie die Verkörperung von Sehnsucht klingt. Aber SZA hat es mit ihrem respektlosen Witz und ihren charakteristischen Widersprüchen gefüllt, um es absolut unvergesslich zu machen.
Die Leute loben Platten gerne als zeitlos. Aber diese sticht gerade deshalb hervor, weil sie eine so zeitgemäße Interpretation des uralten Dramas einer zerbrechenden Beziehung bietet – gepaart mit einem Gefühl, das so richtig ist. —M.C.
12. The Strokes, „Last Nite“
2001
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Der Hype um die New Yorker Garage-Rock-Revivalisten The Strokes war schon vor der Veröffentlichung ihrer ersten Single ohrenbetäubend – und das kraftvolle „Last Nite” wurde diesem Rummel mit der reflexartigen Coolness eines Lower East Side-Urgesteins gerecht. (Das schwindelerregende Gitarrensolo von Pop-Spross Albert Hammond Jr. trug ebenfalls dazu bei.)
Die Art und Weise, wie es den rauen Gesang von Frontmann Julian Casablancas inmitten kreischender Gitarren und eines vor sich hin rennenden Beats platzierte, machte „Last Nite“ zu einem der überzeugendsten Beweise dafür, dass es zumindest musikalisch einen klaren Gewinner in der Spaltung des Rock zur Jahrtausendwende in Post-Punk-Coolness und Post-Grunge-Angst gab. —M.J.
11. Bad Bunny, Ñengo Flow und Jowell & Randy, „Safaera”
2020
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2020 bewies Bad Bunny mit der Veröffentlichung seines zweiten Studioalbums „Yo Hago Lo Que Me da La Gana” Aber mit seinem herausragenden Titel „Safaera” ging der puertoricanische Musiker noch einen Schritt weiter und festigte seinen Ruf als ultimativer Innovator der lateinamerikanischen Musik.
Oberflächlich betrachtet ist der Song ein eingängiger karibischer Bash über Twerking und hemmungslosen Hedonismus, aber jeder Dembow-Schlag trifft härter und vertieft die historische Wirkung des Titels.
Mit einem Joint in der Hand läutet Bad Bunny hier eine neue, partyhungrige Musikgeneration ein – mit einer künstlerischen Meisterleistung, die sich durch Jahrzehnte von Referenzen zieht, darunter ein gut getimtes Sample von Missy Elliotts „Get Ur Freak On“, 10 verschiedene Rap-Flows und bombastische Bars von Reggaeton-Legenden wie Ñengo Flow und Jowell und Randy. —M.G.
