EDM: Die 30 besten Alben aller Zeiten
Die 30 besten EDM-Alben aller Zeiten. Mit Daft Punk, Kraftwerk, Skrillex, Underworld und vielen mehr. Die Liste.
Superstars wie Skrillex und Deadmau5 haben dazu beigetragen, dass EDM größer ist als je zuvor. Aber Partygänger auf der ganzen Welt haben sich schon Jahrzehnte vor diesen Jungs zu programmierten Beats verausgabt. Im weitesten Sinne kann EDM alles abdecken. Von Chicago House über Dutch Gabber bis hin zu Drum ’n‘ Bass und Dubstep. Von den visionären Pieptönen von Kraftwerk über den Ambient-Blues von Mobys „Play“ bis hin zum synthetisierten Indie-Rock von LCD Soundsystem. Mit dieser Liste der 30 besten EDM-Alben aller Zeiten haben wir versucht, alle Höhepunkte dieser unglaublich vielfältigen, sich ständig weiterentwickelnden Mischung zu erfassen.
Die 30 besten EDM-Alben aller Zeiten
30. Various Artists, „Make ‚Em Mokum Crazy“ (Mokum, 1996)
Sie finden Dubstep nervtötend? Dann haben Sie offensichtlich noch nie Gabber gehört. Den Sound der niederländischen Skinheads der Neunziger, die ihre Drogen schnell und ihre Musik noch schneller mochten. Gabber nahm harten Minimal Techno wie Jeff Mills und blies ihn mit entwendeten Metal-Riffs, verzerrten Kick-Drums bei 180 BPM und fröhlich gewalttätigen Bildern in absurde Proportionen auf. Das niederländische Label Mokum begann mit der Veröffentlichung von Ultra-Fuck-Yous wie Annihilators „I’ll Show You My Gun“. Wandte sich aber schließlich dem urkomischen, schwindelerregenden „Happy Gabber“ zu, der auf dieser albernen, lustigen Zusammenstellung zu hören ist.
Stellen Sie sich Chucky vor, der sich wie Ronald McDonald kleidet, und Sie haben den richtigen Vibe. „Ich will stoned werden. Mit Marihuana!“. Das jault ein verrückter Kobold in Technoheads ‚I Wanna Be a Hippy‘. An anderer Stelle gibt es rasante Coverversionen von Olivia Newton-Johns ‚Have You Never Been Mellow‘ und den Standards ‚Happy Birthday‘ und ‚Hava Nagila‘. Wenn Sie jemals eine Kinderparty in ein WWE-Event verwandeln wollen, ist dies Ihre Eintrittskarte.
Die 30 besten EDM-Alben aller Zeiten
29. Deadmau5, „4×4=12“ (Ultra Math, 2011)
Er mag vielleicht schlecht in Mathe sein. Aber der kanadische EDM-Superstar Joel Zimmerman ist definitiv mehr als nur ein fröhlicher Typ, der in einem LED-Maus-Hut herumhüpft. Sein fünftes und bestes Album zeigt seine Fähigkeit, seinen typischen Gute-Laune-Progressive-House in verschiedene Richtungen zu entwickeln. Von dem schnellen Groove und der zwanghaften Autoalarmanlagen-Melodie von „Bad Selection“ bis hin zum dicken Daft-Punk-ähnlichen Vocoder-Funk von „Animal Rights“. „Raise Your Weapon“ ist eine typische Deadmau5-Hymne. Langsam plätschernde Synthie-Wellen. Ein sanft triumphierender Beat. Und die Aufforderung der Sängerin Greta Svabo Bech, „zuzusehen, wie es brennt“, gefolgt von einem harten, aber nicht zu harten Derwisch-Bass. Wenn Skrillex Metallica ist, dann ist dieser Typ Bon Jovi.
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28. The Orb, „The BBC Sessions 1991-2001“ (Island, 2008)
The Orb, ein wandelbares Konglomerat, das um den DJ, Produzenten, Musiker und Witzbold Alex Paterson kreist, blickte mit einem sehnsüchtigen Grinsen auf die Prog-Rock-Ansprüche der Siebziger zurück. Während es sich ihnen voll und ganz hingab. Epische Titellängen. Wolkenküssende Launen. Schwelgerische Live-Alben. (Die Schafe auf dem Cover von Live 93 parodierten sogar Pink Floyds „Animals“.) Diese Doppel-CD mit ihren vollständigen Aufnahmen für den britischen Rundfunk reicht von dem kristallklaren 21-minütigen „A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From the Centre of the Ultraworld (Loving You)“ bis hin zu dem schelmischen Bass-Roll von „Towers of Dub“. Es gibt sogar ein Percussion-Spektakel namens „EDM“. Das Jahre vor der Zeit aufgenommen wurde, als noch niemand EDM sagte. Visionär!
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27. Orbital, 20 (Rhino, 2009)
Paul und Phil Hartnoll benannten ihre Gruppe nach den britischen Orbital Motorways. Dem Straßensystem, das ein Netzwerk von Party-Spots für die frühe britische Rave-Szene bildete. Es ist also ironisch, dass Orbital eine der ersten Bands war, die über die Grenzen dieser Szene hinausgingen. Sie schätzten Komposition und Subtilität und strebten gleichzeitig danach , großartige Alben zu machen und stadionreife Live-Shows zu veranstalten. Ihr Auftritt in Glastonbury 1994 ist einer der legendärsten Momente des Festivals.
Diese gut geordnete Doppel-CD-Übersicht zeigt das Talent der Brüder für anmutig geschwungene Hooks. Die federleichte Figur im Herzen von „Lush“. Die Neon-Videospiel-Programmierung von „Omen“ und „Chime“, dessen Keyboard-Riff ein Boogie-Woogie ist, der zum Mars führt. Und mit Titeln wie „Belfast“, „Impact – the Earth Is Burning“ und dem besinnlichen ‚Are We Here (Who Are They?)‘ widerlegten sie die Auffassung, dass Techno keine Inhalte haben könne, indem sie über Politik, Umwelt und die Rolle der Menschheit in der Gesellschaft nachdachten.
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26. 4 Hero & DJ Marky, „Kings of Drum + Bass“ (BBE, 2010)
Dubstep war nicht der erste in London entstandene EDM-Stil, der auf schweren Sub-Bass und nervöse Beats setzte. Drum & Bass, der anfangs Jungle genannt wurde, als er in den frühen Neunzigern aufkam, teilte seine Instrumentierung in schnelle (zerhackte Breakbeats) und langsame (dubbige B-Lines) auf. Eine einzigartige Dynamik, die oft nervös und beruhigend zugleich war.
Drum & Bass brachte eine Reihe großartiger Alben hervor. Roni Size & Reprazents Doppelalbum „New Forms“, Spring Heel Jacks „68 Million Shades“. Aber eigentlich war es ein Medium für Singles. Dieses Doppel-DJ-Set – die erste Hälfte wurde von den 90er-Jahre-Stars 4 Hero gemixt, die zweite vom brasilianischen DJ Marky, der in den 2000er-Jahren auftauchte – bietet einen guten Überblick über die rauen, fieberhaften Anfangsjahre. Tracks von Nasty Habits, Nookie und Terminator II, auch bekannt als Goldie. Und die jazzigeren, kurvigeren Richtungen, die es seitdem eingeschlagen hat.
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25. Sasha & John Digweed, „Northern Exposure“ (Ultra, 1997)
Gute DJs nehmen einen mit auf eine Reise. Und die englischen Ikonen Sasha und John Digweed – ob sie nun zusammen oder getrennt voneinander arbeiten – haben sich darauf spezialisiert, den Zuhörer durch die bukolischsten Landschaften des EDM der Neunziger zu führen. Ihre beliebteste Mix-CD ist ein trippiger Streifzug durch die grüne Welt des Progressive House. Ein Genre, das mit einem Fuß im Rave und mit dem anderen irgendwo im Jenseits steht.
Titel wie „Raincry“ (von God Within) und „Out of Body Experience“ (von Rabbit in the Moon) verraten viel darüber, wo diese Musik ihren Ursprung hat. Ebenfalls auf dieser Naturwanderung dabei: William Orbit, lange bevor er Madonna kennenlernte.
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24. Justice, The Cross (Ed Banger, 2007)
Das französische EDM-Duo Justice rockte die 2000er-Jahre, indem es den simpelsten Disco-Sound und den kitschigsten Euro-Trash in Songs verwandelte, die Daft Punk wie Folk-Muffel aussehen ließen. „Stress“ setzte wimmelnde Psycho-Streicher über einen stürmischen Jaws-Bass. ‚D.A.N.C.E.‘ setzte einen Kinderchor und eine Chic-Basslinie ein. ‚Waters of Nazareth‘ hatte einige der dreckigsten Synthie-Quietscher, die je aufgenommen wurden, eine Kirchenorgel und einen Beat, der wissenschaftlich erwiesenermaßen den IQ um fünf bis zehn Punkte senkt, wenn man es durch den ganzen Song schafft.
Die katholische Symbolik ihres Kreuzlogos und Songtitel wie „Genesis“ trugen nur noch mehr zur Mystik bei. Diese Typen waren die Hohepriester des Big Dumb Fun.
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23. Paul Oakenfold, Tranceport (Kinetic, 1998)
Der Gründervater des britischen Rave, Paul Oakenfold, war in den Neunzigern der angesagteste DJ überhaupt. Er eröffnete für U2. Remixte die Smashing Pumpkins. Und verkaufte 100.000 Exemplare dieser definitiven Sammlung. Eine erstaunliche Verkaufszahl für einen DJ-Mix. Wenn Sasha und Digweed die klare, treibende Kraft des Trance auf das Tanzpublikum übertrugen, zementierte Tranceport dies als eine neue Art von Pop. Die ihren Höhepunkt in den zuckersüßen Synthie-Klängen und den Snare-Rolls von Binary Finarys „1998“ und Energy 52s „Café Del Mar (Three N One Remix)“ fand. Manchmal schmeckt Sirup wirklich gut.
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22. LCD Soundsystem, Sound of Silver (Capitol/EMI, 2007)
James Murphy von LCD Soundsystem verschmolz 80er-Jahre-Synthie-Pop, Dance-Punk und Detroit-Techno zu einem atemberaubenden Werk herzzerreißender Genialität. Zu Beginn des Jahrzehnts hatte sein Label DFA mit Songs wie „House of Jealous Lovers“ von The Rapture dazu beigetragen, Indie-Rock-Kids auf die Tanzfläche zu bringen.
Hier brachte er dieselben Kids dazu, ihre Converse zum Electro von „Get Innocuous“ zu schlurfen. Sich beim Euro-Boogie von „North American Scum“ totzulachen. Und bei „All My Friends“ und „Someone Great“ in ihren Craft-Bieren zu weinen. Reflexionen über das Altern und Bedauern, die zu herrlich pochenden Synthie-Grooves vertont wurden. Sound of Silver erinnerte an Alben wie „Introspective“ von den Pet Shop Boys, die Dance-Grooves verwendeten, um komplexe Gefühle von Verlangen und Verpflichtung zu erforschen.
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21. Madonna, „Ray of Light“ (Maverick, 1998)
Madonnas Herz hing schon immer am Club. Vom New Yorker Electro ihrer frühesten Hits bis zum House-Groove von „Vogue“. Mit Ray of Light drehte sie bei den Pieptönen, den Breakbeats zum Einschlafen und dem Euro-Trance-Synthie-Splash so richtig auf.
Der britische Rave-Veteran William Orbit sorgte für den schimmernden Puls, der Madges Erkundung der neuen Mutterschaft als spirituelle Transformation untermalt. Das Schlaflied „Little Star“ ist erstklassiger Mom & Bass. Und die chillige Ballade „Frozen“ und das gigantische „Drowned World“ gehören zu ihrem gewagtesten Pop der Neunziger. Sicher, es war keine topaktuelle Tanzmusik. Aber das war Teil ihrer Majestät. Sie hat der elektronischen Musik ein neues Gesicht gegeben, nicht umgekehrt.
Die 30 besten EDM-Alben aller Zeiten
20. The Avalanches, „Since I Left You“ (Modular, 2001)
„Willkommen im Paradies“, lädt uns eine Stimme zu Beginn des Debüts der Avalanches ein. Ja, so ziemlich. Das australische Trio knüpfte an die Tradition der Beach Boys/De La Soul an, die für das vielleicht glücklichste Album der Dance-Music-Geschichte steht. Mit schätzungsweise 3500 Samples – von Klassikern wie Madonnas „Holiday“ und „Stool Pigeon“ von Kid Creole and the Coconuts bis hin zu schwer erkennbaren Hip-Hop-, Funk-, Easy-Listening- und Cheese-Jazz-Platten – schufen sie ein Konzeptalbum über das Überwinden einer Trennung durch eine Kreuzfahrt auf einer Insel. Man könnte es als EDMs „Forgetting Sarah Marshall“ bezeichnen.
In „Flight Tonight“ und „Stay Another Season“ verleiht das Gefühl der Flucht in etwas Exotisches. Aber auch etwas Unheimliches. Drr hellen, wirbelnden Musik gibt das die nötige emotionale Spannung. Während Stücke wie der schmetterlingsleichte Lounge-Pop von „Two Hearts In 3/4 Time“ perfekte Serotoninschübe sind.
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19. Underworld, „Anthology, 1992-2002“ (JBO/V2, 2003)
Es ist keine Überraschung, dass Underworld für die Musik der Eröffnungsfeier der Olympischen Spiele 2012 in London angeheuert wurde. Wenn es darum geht, unglaublich grandios zu sein, können nur wenige sie übertreffen. Karl Hyde und Rick Smith waren Londoner House-DJs, die ihre Tracks mit einer Arena-Rock-Pracht versahen.
Doch selbst wenn sie Rock-Instrumente verwendeten (wie bei dem von Mundharmonika angetriebenen „BigMouth“, das dieses Greatest-Hits-Set eröffnet), versuchten sie nie, ihren Sound über die wesentlichen Bausteine von EDM hinauszutreiben. Die von Gott berührten Keyboard-Stiche. Einen stampfenden Four-on-the-Floor-Groove. Und Hydes Gesang mit dem Klang eines Megafons. Am besten kam das alles im völlig übertriebenen „Born Slippy“ zusammen. Dem inneren Dialog eines Betrunkenen über einem Balearic-Brontosaurus-Beat, der von Danny Boyle in der Schlussszene von „Trainspotting“ auf brillante Weise verwendet wurde.
Die 30 besten EDM-Alben aller Zeiten
18. Michael Mayer, „Immer“ (Kompakt, 2002)
Die Rave-Kultur geriet Anfang der 2000er Jahre in eine Flaute. Da war das luftige, liebevolle Gefühl, das die Veröffentlichungen des Kölner Labels Kompakt Records durchzog, der logische nächste Schritt für langjährige Partygänger, die auf die Dreißig zugingen. Auf diesem Mix-Album aus dem Jahr 2002 hat Kompakt-Star Michael Mayer eine üppige, eindringliche Suite geschaffen.
Im Gegensatz zu vielen DJs lässt Mayer die Tracks selbst nie von seinem Mix in den Schatten stellen, sodass die Musik organisch fließt und sich frei entfalten kann. Selbst wenn sie beim Remix von „Perfect Lovers“ von Phantom/Ghost durch Superpitcher und Tobias Thomas an Gothic grenzt. Mayer weiß, dass Melodramatik nur eines von vielen Dingen ist, für die eine Tanzfläche gut ist.
Die 30 besten EDM-Alben aller Zeiten
17. Aphex Twin, „The Richard D. James Album“ (Warp, 1996)
Warnung: Das Tanzen zu diesem Album kann Kopfschmerzen, vorübergehenden Appetitverlust, verschwommene Sicht oder eine geschwollene Blase verursachen. Wenn die Symptome anhalten, legen Sie bitte eine Jewel-CD ein.
Der aus Cornwall, England, stammende Richard James ist der große ruhelose Innovator der elektronischen Musik. Ein produktiver verrückter Wissenschaftler, der die Grenzen zwischen Dance Music, Ambient und Avantgarde-Komposition verwischt. Und eine Generation von „intelligenten“ Dance-Music-Künstlern beeinflusst hat, ebenso wie alles, was Radiohead nach „OK Computer“ gemacht hat.
Sein selbstbetiteltes Album aus dem Jahr 1996 könnte der Höhepunkt der untanzbaren Tanzmusik sein. Weil es üppige viktorianische Streicherarrangements und pastorale Keyboard-Texturen über brutal harte, vierfache Breakbeats und giftige Elektro-Squelches legt.
Es gibt verrückte Neuheiten (das von einer Slide-Pfeife getriebene „Logi/Rock Witch“), akustischen Terrorismus („Inkeys“) und abstrakte Launen („Finger Rib“). Das Herzstück des Albums, „Boy/Girl Song“, vereint all diese Elemente und klingt wie der fieseste Dschungel-DJ der Welt, der eine Teeparty in Downton Abbey veranstaltet.
Die 30 besten EDM-Alben aller Zeiten
16. Verschiedene Künstler, „Journey Into Paradise: The Larry Levan Story“ (2006)
Der New Yorker Disco- und House-Tempel Paradise Garage, der 1977 eröffnet wurde, wird oft als der beste Club aller Zeiten bezeichnet. Sein Resident-DJ Larry Levan perfektionierte die Rolle des DJ-als-Schamanen. Lange bevor Rave oder EDM auch nur in den Augenwinkeln auftauchten.
Jedes Wochenende, bis die Garage 1987 schloss, vollbrachte Levan alchemistische Kunststücke. Mit einer gigantischen, frei wählbaren Auswahl an Vinyl. Von klassischen Etüden über The Clash und Talking Heads bis hin zu seinen eigenen, wunderschön herausgeputzten 12-Zoll-Remixen von Taana Gardners „Heartbeat“ und Inner Lifes „Ain’t No Mountain High Enough“.
Beide sind auf dieser hervorragend ausgewählten und zusammengestellten Doppel-CD-Kompilation von Levans Favoriten zu finden – einige hat er selbst gemixt, viele nicht – die das überschäumende Temperament und das Gespür des DJs für großes Drama einfängt. Die Tanzkultur, wie wir sie heute kennen, beginnt hier.
