Die 50 besten Songs von Billy Joel
Über fünf Jahrzehnte voller Klassiker aus der gesamten Karriere des Billy Joel, von Chart-Hits bis hin zu beliebten weniger bekannten Songs.
Billy Joel ist eine der größten Pop-Legenden aller Zeiten. Der Pianist, der seit über fünfzig Jahren und an Tausenden von Samstagabenden die Welt zum Mitsingen bringt. Er ist ein Songwriter mit einem Dachboden voller Klassiker. Ganz zu schweigen von seinen Weltklasse-Live-Auftritten. Aber er ist sich immer treu geblieben. Ein Mann aus der Innenstadt, der nicht zu hübsch und nicht zu stolz ist. Billy war bereits ein hartgesottener Veteran, als er 1977 mit Klassikern wie „Movin‘ Out (Anthony’s Song)” und „Scenes from an Italian Restaurant” zum Rockstar wurde. Doch er produzierte einfach weiter Hits, auf Alben wie 52nd Street, An Innocent Man und River of Dreams, mit experimentellen Abstechern wie The Nylon Curtain.
Schauen wir uns also die fünfzig besten Songs von Billy Joel aus seiner gesamten Karriere an. Einige dieser Songs sind Klassiker, die auf der ganzen Welt bekannt sind und gesungen werden. Andere sind weniger bekannte Songs, Kult-Hits oder Favoriten der Hardcore-Fans. Einige stammen aus seinen frühen Tagen, als er noch jünger war.
Aber alle zeigen Billy Joel von seiner besten Seite. Jetzt, da wir im Sommer 2025 sind – Brenda und Eddies fünfzigster Hochzeitstag! – lasst uns diese Legende und sein erstaunliches Songbuch feiern. Von den Hits bis zu den verborgenen Schätzen. Von Miami über Hollywood bis zu einem Greyhound auf der Hudson River Line. Wir sind alle in der Stimmung für eine Melodie. Und er sorgt dafür, dass wir uns wohlfühlen.
50. „Turn the Lights Back On”
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Billy Joel überraschte die Musikwelt bei den Grammy Awards 2022 mit etwas, das man schon lange nicht mehr gehört hatte: einem neuen Billy-Joel-Song. „Turn the Lights Back On” war sein erster neuer Song seit 2007, als er die Singles „All My Life” und „Christmas in Fallujah” veröffentlichte. Der Song handelt von einem Paar, das versucht, seine Liebe wieder aufleben zu lassen, bevor es zu spät ist. Joel verleiht ihm jedoch eine herbstliche emotionale Resonanz, sodass er wie das Liebeslied eines erfahrenen Pianisten an sein Publikum im Herbst seines Lebens klingt. „Ich bin spät dran, aber jetzt bin ich da“, singt er. „Früher war ich romantisch, aber irgendwie habe ich es vergessen.“ Es klingt wie seine Antwort auf Frank Sinatras „My Way“.–Rob Sheffield
49. „Sleeping With the Television On“
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Joels Album „Glass Houses“ aus dem Jahr 1980 war beeinflusst vom Aufkommen der New Wave und des Punk, konfrontativen Klängen, die zu seiner aggressiveren, kraftvolleren Seite als Songwriter passten. Die Singles „You May Be Right“ und „It’s Still Rock and Roll To Me“ haben eine reduzierte Härte, die an New Wave erinnert, ebenso wie das exzellente „Sleeping With the Television On“, eine scharfe Analyse der heiklen romantischen Zweideutigkeit, die in ihren treffenden Texten, der beißenden und gehetzten Kadenz in Joels Vortrag und einem Orgel-Solo, das direkt aus Costellos „This Year’s Model“ stammen könnte, besonders an Elvis Costello erinnert. Joel-Fans haben sich oft gefragt, warum dieser Song nicht als Single veröffentlicht wurde, und sie haben durchaus Recht damit.–Jon Dolan
48. „She’s Got a Way“
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Der erste Titel seines ersten Albums ist nach wie vor eine der beliebtesten romantischen Balladen von Joel; seine Ode an seine zukünftige Frau Elizabeth Weber wird bis heute bei Hochzeiten zum ersten Tanz gespielt. Ironischerweise war Joel selbst von der Qualität des Songs nicht überzeugt. „Ich fand ihn jahrelang kitschig“, sagte er 1981 gegenüber Associated Press. „Anfangs fiel es mir schwer, ihn zu singen. Aber dann habe ich mich darauf eingelassen und beschlossen, dass wohl jeder eine kitschige Seite hat.“
Der schlichte Text des Songs verbirgt einige täuschend poetische Zeilen („I have to laugh when she reveals me“ – „Ich muss lachen, wenn sie mich entlarvt“), während Joels Klavier die einzige Begleitung ist, die er braucht. Jahre später sollte Weber einen anderen Weg einschlagen und sich in eine äußerst umstrittene Scheidung mit Joel verwickeln, aber nicht bevor sie ihn zu vielen seiner beliebtesten Songs inspiriert hatte.–Jason Newman
47. „The Stranger“
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Als Billy Joel den Titelsong zu seinem 1977 erschienenen Album The Stranger aufnahm, sagte er dem Produzenten Phil Ramone, dass er ein Intro brauche, etwas, das den Klang eines mysteriösen Mannes evoziert, der nachts in einem Film wie Der dritte Mann durch eine schattige europäische Straße geht. Um ihm eine Vorstellung davon zu geben, wie das klingen sollte, pfiff er eine Melodie aus dem Stegreif. „Ich sah ihn an und fragte: ‚Mit welchem Instrument soll das gespielt werden?‘“, erinnerte sich Joel Jahrzehnte später.
„Er sah mich an und sagte: ‚Das hast du gerade gemacht.‘ Das war mir gar nicht aufgefallen.“ Die Pfeife bildete den Auftakt zu „The Stranger“, das tatsächlich wie der Soundtrack zu einem verlorenen Film noir klingt. Es war mit Abstand die erfolgloseste Singleauskopplung des Albums, aber dieser Song war auch nicht für das Radio gedacht. Es ist ein typischer Albumtrack, den nur echte Fans kennen. –Andy Greene
46. „Scandinavian Skies“
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„Scandinavian Skies“ ist Joel in seiner kühnsten Form, ein unheimlicher psychedelischer Reisebericht aus seinem experimentellsten Album, The Nylon Curtain. Er setzt auf einen trippigen Beatles-Sound, irgendwo zwischen „Strawberry Fields Forever“ und „I Am the Walrus“, aber mit einem New York State of Mind.
Er erzählt von einer albtraumhaften Drogenerfahrung in einem Flugzeug während einer Europatournee – es klingt, als würde er mit etwas Stärkerem als seinem Tonic und Gin Liebe machen. Aber es gibt auch ein existentielles Gefühl der Entfremdung, als wäre er dazu verdammt, sich überall, wo er hingeht, wie ein Fremder zu fühlen. Brenda und Eddie, das ist der Eggman.–R.S.
45. „Honesty“
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Diese schwankende, streichergeladene Ballade aus „52nd Street“ ist eine der besten Gesangsdarbietungen von Joel, unter anderem wegen der Art und Weise, wie er die langgezogenen, vibrato-reichen Vokale mit raueren Momenten ausbalanciert, die seine Leidenschaft und Aufrichtigkeit unterstreichen.
Das mag allerdings ironisch sein: „‚Honesty‘ ist der bullshit-igste Song, den ich je geschrieben habe“, sagte er 2016 auf SiriusXM. „Ich meine, wer bin ich, dass ich den Leuten predigen kann: ‚Ihr müsst ehrlich zu mir sein‘?“ Diese Zurückhaltung könnte daran liegen, dass Schlagzeuger Liberty DeVitto den Song in „Sodomy“ umbenannte – „Ich dachte: ‚Heilige Scheiße, ich muss mir schnell etwas einfallen lassen‘“, sagte Joel 2016 – aber so oder so, Joels Fähigkeit, die Stimmung des Songs zu verkaufen, überdeckt jede Unsicherheit, die er vielleicht hatte. –Maura Johnston
44. „I Go to Extremes“
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Billy Joel ist der Erste, der zugibt, dass er aufgrund seines Alkoholkonsums und seiner Stimmungsschwankungen nicht immer ein idealer Ehemann für seine zweite Frau, Supermodel Christie Brinkley, war. Sein 1989er Hit „I Go to Extremes“, produziert von Mick Jones von Foreigner, ist im Wesentlichen eine Entschuldigung an sie in Form eines Songs.
„Manchmal liege ich Nacht für Nacht wach“, singt er. „Ich zerbreche innerlich / Will gefallen, bin bereit zu kämpfen / Warum gehe ich bis zum Äußersten?“ Der Song brachte ihm Platz sechs der Hot 100 und vielleicht noch ein paar Jahre Ehe, aber die Extreme wurden Brinkley schließlich zu viel. Sie ließen sich 1994 scheiden, sind aber weiterhin gute Freunde geblieben.–A.G.
43. „Big Man on Mulberry Street“
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Billy im Jazz-Swing-Modus wird im Vergleich zu seinen anderen Facetten nicht ausreichend gewürdigt. „A Matter of Trust“ und „This Is the Time“ stehen im Mittelpunkt des Albums „The Bridge“ aus dem Jahr 1986, aber dieser brassige Big-Band-Titel ist ein einzigartiger Moment in seinem Repertoire. Joel hat den Protagonisten des Songs, der große Träume hat, als „nebbish“ bezeichnet, aber in seiner eigenen Vorstellung ist er der ‚König der Mulberry Street‘“.
Er ist eine fiktive Figur, die Joel auf seinen Spaziergängen in der Nähe seines New Yorker Aufnahmestudios erfunden hat. Doch das Bild von jemandem, der cool sein will, aber „außen vor bleibt“, ist auch eine treffende, wenn auch paradoxe Beschreibung für Joel selbst, einen manchmal unsicher wirkenden Mann, der es geschafft hat, einer der beliebtesten Musiker aller Zeiten zu werden.–J.N.
42. „Don’t Ask Me Why“
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Joels langjähriger Percussionist Liberty DeVitto griff für diesen luftigen, flamencoartigen Top-20-Single aus Glass Houses zu den Kastagnetten – und der Legende nach zu einigen High Heels, die eine Studio-Rezeptionistin getragen hatte. Als Antwort an jemanden, der seine Wurzeln vergessen hat, erinnert der Song an Paul McCartneys luftige Soloarbeiten und setzt Joels Reihe von Songs fort, die, wie er am Ende seiner Shows sagt, „sich von niemandem etwas gefallen lassen“ und ihren Höhepunkt in einem Klaviersolo finden, einem glorreichen, tanzbaren Stomp, der mit einer pretentiösen Geste dargeboten wird.–M.J.
41. „You’re My Home“
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„You’re My Home“ war eine Ballade aus „Piano Man“, die weder im Radio noch in den Charts Fuß fassen konnte – aber sie wurde die B-Seite seines ersten Hits, dem Titelsong. Später belebte er sie in der Live-Version von 1980 auf „Songs in the Attic“ wieder. Wie er in den Liner Notes schrieb: „Kitschig, aber wahr: Ich war damals (1973) pleite, also schrieb ich das für meine Frau als Valentinstagsgeschenk.“
Es ist das romantische Versprechen eines Wanderers – oder eines jungen Rock ‚n‘ Rollers, der sich auf der Straße durchschlägt. „Home can be the Pennsylvania Turnpike“, singt er. „Der frühe Morgentau in Indiana/Hoch oben in den Hügeln von Kalifornien/Zuhause ist nur ein anderes Wort für dich.“–R.S.
40. „Pressure“
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„Pressure“ ist das musikalische Äquivalent zu einer Drogenkombination à la „The Wolf of Wall Street“ und einem Blick in den Spiegel – einer der nervösesten Songs der Rockgeschichte. Die frenetische, in Moll gehaltene Angst, mit der Joel über den Stress des Schreibens nachgrübelt, ist eine seltsame Kuriosität – ein nervöser Ausreißer, der wie ein Nervenzusammenbruch klingt, der in einem Faustschlag auf den Tisch gipfelt.
Der Titel und die Idee für den Song stammen von Joels Sekretärin, die bemerkte, unter wie viel Druck er stand, um „The Nylon Curtain“ fertigzustellen. „Ich gebe ihr die Ehre, aber nichts von den Veröffentlichungsrechten“, sagte er. Bonuspunkte gibt es für das passend beunruhigende Video, das an „A Clockwork Orange“ und „Poltergeist“ erinnert.–J.N.
39. „An Innocent Man“
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Joel begab sich unter die Promenade, um den Titelsong zu diesem Trip in die Vergangenheit aus dem Jahr 1983 aufzunehmen, eine schwungvolle Hommage an die Songwriter Jerry Leiber und Mike Stoller, die ihm gleichzeitig die Gelegenheit bot, die Höhen seines Falsettos zu demonstrieren – von denen er wusste, dass sie nicht ewig halten würden.
„Ich hatte den Verdacht, dass es das letzte Mal sein würde, dass ich diese Töne treffen würde, also warum nicht in einem Feuerwerk der Ehre abtreten?“ Joel überließ diese hohen Töne schließlich den Backgroundsängerinnen bei Konzerten. Aber auf der Platte verleihen sie dem Plädoyer auf „nicht schuldig“, das an eine Richterin gerichtet ist, deren Geist von zu vielen schlechten Männern gebrochen wurde, zusätzliche Dringlichkeit.–M.J.
38. „The River of Dreams“
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Joels zwölftes Album „The River of Dreams“ war sein letztes Rockalbum. (Sein nächstes Album, „Fantasies & Delusions“ aus dem Jahr 2001, war ein Klassikalbum.) Der einzige Hit der LP war der gospelartige Titelsong, der mit einem großen Chor unterlegt ist, der dem Song eine erhebende, gefühlvolle Energie verleiht.
Joels Falsett harmoniert perfekt mit seinen Backgroundsängern und schafft eine tiefe spirituelle Atmosphäre, während er Texte voller lebhafter Naturbilder („Berge des Glaubens“, „Tal der Angst“) singt, die unsere inneren Kämpfe und die Suche nach Sinn symbolisieren; die Wasserbilder des Songs dienen als Metapher für Glauben, Taufe und das Unterbewusstsein. „The River of Dreams“ ist ein Popsong, der zeitlos wirkt, weil er es wagt, unbeantwortbare Fragen zu stellen.–Alison Weinflash
37. „Sometimes a Fantasy“
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Joel war noch nie jemand, der die Wahrheit beschönigt hat, und 1980 war die Wahrheit, dass er sehr, sehr geil war – zumindest laut „Sometimes a Fantasy“. Fünf Jahre bevor die Village People mit „Sex Over the Phone“ das zugegebenermaßen nischenhafte Genre „Phone Sex Rock“ perfektionierten, sang Joel, dass es „schrecklich schwer ist, eine Fernbeziehung zu führen“, und griff daher auf alle Mittel zurück, um sich zu befriedigen, begleitet von treibenden Gitarren und Synthesizern.
Es ist einer der härtesten Songs in Joels Repertoire (in mehrfacher Hinsicht), und das Video, in dem Joel eher wie Philip Seymour Hoffman in Happiness als wie Don Juan DeMarco wirkt, ist ein unterschätztes Meisterwerk der sleazigen Achtzigerjahre.–J.N.
36. „Keeping the Faith“
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Joel sagte, der letzte Song seines 1983 erschienenen R&B-Hommages An Innocent Man sei „eine Art Zusammenfassung des gesamten Albums“ und richte sich an alle, die durch seine Hinwendung zum Rock und zur Soul-Vergangenheit nach Nylon Curtain verwirrt waren.
Er verwebt Geschichten aus seiner Jugend als Greaser mit stampfender, blechbläsriger Musik und einem Skip-Step-Beat (eine Hommage an Betty Wrights Soul-Seite „Clean Up Woman” aus den frühen Siebzigern) setzt Joel „An Innocent Man“ die Krone auf, bevor er sich verabschiedet, um „ein kühles Bier im Schatten zu trinken“ und auf sein sehr persönliches Projekt anzustoßen.
„Ich verdanke dieser Zeit in meinem Leben, den wilden Jungs, mit denen ich damals rumhing, und dem alten Rock ’n’ Roll, der mich wirklich inspiriert hat, sehr viel“, sagte er gegenüber SiriusXM.–M.J.
35. „Leningrad“
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Billy Joel und Viktor Razinov wuchsen in verschiedenen Ländern auf, die sich während des Kalten Krieges gegenüberstanden, und hätten sich nie kennengelernt, wenn Joel nicht 1987 auf seiner historischen Tournee in die UdSSR gekommen wäre. Razinov litt sehr darunter, Sohn eines Soldaten aus dem Zweiten Weltkrieg zu sein, der während der Belagerung Leningrads ums Leben gekommen war, und wurde Clown, um in seinem verzweifelten Land Freude zu verbreiten.
Joel schrieb die düstere Ballade „Leningrad“, nachdem sie sich hinter der Bühne einer Show getroffen hatten und Razinov Joels kleine Tochter zum Lachen gebracht hatte. „Und so kamen mein Kind und ich an diesen Ort“, singt Joel. „Um ihm Auge in Auge und von Angesicht zu Angesicht zu begegnen / Er brachte meine Tochter zum Lachen, dann umarmten wir uns / Wir wussten nie, welche Freunde wir hatten, bis wir nach Leningrad kamen.“–A.G.
34. „A Matter of Trust“
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Dies war ein Song, in dem Joel sich dem Gitarrenrock der Achtzigerjahre zuwandte, ohne dabei seinen charakteristischen melodischen Touch zu verlieren. Er singt darüber, was nötig ist, damit eine Beziehung über die anfängliche Leidenschaft hinaus Bestand hat – wobei er den Schwerpunkt auf Loyalität, Verlässlichkeit und gegenseitiges Vertrauen legt.
Die Dringlichkeit der Musik spiegelt seine Botschaft wider und geht von spannungsgeladenen Strophen in einen emotional aufgeladenen Refrain über, der zeigt, wie viel es kostet, etwas Bleibendes aufzubauen. Dieser Titel war die zweite Singleauskopplung aus „The Bridge“, seinem letzten Album mit dem legendären Produzenten Phil Ramone, der seit „The Stranger“ 1977 mit Joel zusammengearbeitet hatte und ihn zum Superstar gemacht hatte.–A.W.
33. „The Entertainer“
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Joels scharfer Blick auf das Musikgeschäft war nach dem Erfolg von „Piano Man“ fest verankert, und in diesem Stück aus „Streetlife Serenade“ lässt er seiner Verachtung freien Lauf. Inmitten wirbelnder Synthesizer, funkelnder Akustikgitarren und ein wenig Banjo zeichnet Joel das Bild eines Mannes, der das Unglück hatte, seinen Traum zu leben – der sich in den Albtraum eines Jobs verwandelte. Er nimmt sich auch einen Moment Zeit, um sich über die von der Industrie vorgeschriebenen Single-Bearbeitungen lustig zu machen.
„Es war ein wunderschöner Song, aber er war zu lang/Wenn du einen Hit haben willst/Musst du ihn kürzen/Also haben sie ihn auf 3:05 gekürzt“, spottet er gegen Ende und spielt damit auf die zwei Minuten und 35 Sekunden an, die aus „Piano Man“ herausgeschnitten wurden, um den Song für Radioprogrammgestalter attraktiver zu machen, und nimmt damit vorweg, dass auch dieser Track, der Platz 34 der Hot 100 erreichte, gekürzt werden würde. –– M.J.
32. „Allentown“
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„Ich habe nur versucht, über Menschen in meinem Alter zu sprechen“, sagte Joel über die Inspiration hinter dieser bissigen Ode an die gebeutelte Rust Belt-Stadt Allentown in Pennsylvania. „Viele Menschen in meinem Alter fragen sich: ‚Mensch, mein Vater hatte einen Job an diesem bestimmten Ort, ist es nicht mein Geburtsrecht, denselben Job zu bekommen?‘.“
Der Song erschien 1982, als die „Reagan-Rezession“ Orte wie Allentown besonders hart traf, und fasst in beeindruckend einfühlsamer und nuancierter Weise die Wut und Apathie der zurückgelassenen amerikanischen Arbeiterklasse der Nachkriegszeit in einem perfekt komponierten Single-Hit zusammen. Das Ergebnis ist ein dreiminütiger Pop-Rock-Hit mit genug Geschichte, um eine dreiteilige Dokumentarserie von Ken Burns zu füllen.–J.D.
31. „All for Leyna“
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Mit Joels Klavier, das wie Migräne hämmert, und Achtelnoten, die sich wie ungelesene Textnachrichten stapeln, ist „Leyna“ ein empörtes, dreiminütiges Manifest darüber, dass man jemanden, der objektiv gesehen schrecklich ist, nicht aufgeben darf. „Sie hat mir nicht gesagt, dass es unter den Wellen Felsen gibt/ direkt vor der Küste“, singt er. Joel verstärkt die Dramatik mit einem ausgefeilten, aber dennoch rasanten Arena-Rock-Track, der von der Spannung zwischen Brill-Building-Handwerkskunst und hyperventilierendem Chaos lebt. „Leyna“ war zwar nicht der kommerzielle Hit, der er hätte sein können, aber er bleibt das Ventil in Joels Live-Set. Vierzig Jahre später wollen sie nur noch einmal Leyna.–Sarah Grant
30. „Los Angelenos“
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Angesichts seiner Vorliebe für großartige Melodien, die man ohne Weiteres in einem Broadway-Musical hören könnte, ist ein verärgerter Billy Joel nie eine schlechte Sache – Wut und Ressentiments führen ihn zurück zu seinen punkigen Wurzeln auf Long Island. Wie er schon oft erzählt hat, waren die paar Jahre, die er an der Westküste lebte, bevor er den Karriere-Jackpot knackte, nicht seine glücklichsten.
Und in einem der empörtesten Songs seiner frühen Karriere nimmt er die Stadt – und ihre „Midwestern Ladies, high-heeled and faded” (Frauen aus dem Mittleren Westen, in High Heels und verblasst) und die „electric babies, blue-jeaned and jaded” (elektrische Babys, in Bluejeans und abgestumpft) – aufs Korn. Während seine Band versucht, mitzuhalten, hämmert Joel auf sein E-Piano und macht deutlich, dass er niemals nur ein überempfindlicher Singer-Songwriter sein wollte.–David Browne
29. „The Downeaster ‘Alexa”
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Joels Verbeugung vor seinen Wurzeln auf Long Island ist einer der filmischsten Songs in seinem Repertoire; man könnte aus all den konkreten Verweisen auf diesen Teil des Landes eine Landkarte erstellen. Er schlüpft in die Rolle eines hart arbeitenden Fischers, der darum kämpft, seinen Lebensunterhalt zu verdienen und seine Familie zu ernähren („I know there’s fish out there“), und verkörpert diese Figur so authentisch, wie es ein Popstar nur kann.
Der Star des Songs sind jedoch das Arrangement und die Produktion (von Joel und Mick Jones von Foreigner): Während die Rhythmen wippen und krachen, fühlt man sich fast wie auf einem Boot, das gegen die Wellen, die Gezeiten und die einsame Not kämpft.–D.B.
28. „Streetlife Serenader“
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„Streetlife Serenader“ ist eher eine Skizze als ein Song auf einem Album, das nach „Piano Man“ in aller Eile entstanden ist. Joel sagte, er sei von „den unbekannten A-cappella-Straßenchören“ inspiriert worden, und diese Ehrfurcht ist unter dem Schleier aus Moog-Crescendi und schleichenden Gegenmelodien zu hören. Die Tatsache, dass „Serenader“ nie ganz die filmische Größe erreicht, die es offensichtlich anstrebt, macht es zufällig wunderschön.
Seine wortlose Atmosphäre erinnert an eine leere Stadt, einen regenschweren Himmel, durch den sich ein seltenes Joel-Gitarrensolo seinen Weg durch den Lärm in seinem Kopf bahnt. Er nahm 1981 für „Songs in the Attic“ eine Live-Version neu auf und bezeichnete sie als eine seiner emotional befriedigendsten Kompositionen: „Es hat Spaß gemacht, ein französischer Expressionist zu sein“, schrieb er in den Liner Notes. „Ich habe Debussy ordentlich vermöbelt. Er hat gewonnen.“–S.G.
27. „Leave a Tender Moment Alone“
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„Leave a Tender Moment Alone“ war im Sommer 1984 ein Hit, wurde aber seltsamerweise unterschätzt – nicht zuletzt von Joel selbst, der vor vierzig Jahren fast aufgehört hat, ihn zu singen. Dabei ist es eine bittersüße Ballade, die frühe Stevie Wonder und Brian Wilson mischt und das Pet Sounds-mäßigste ist, was er je aufgenommen hat.
Die Mundharmonika stammt vom Jazzmusiker Toots Thielemans – man kennt seinen Sound aus der Sesamstraße. Wie auch in anderen Songs auf An Innocent Man gibt Billy den ahnungslosen Männern in der Innenstadt ein paar praktische Ratschläge, mit ehrlichen Tipps, was man in einer romantischen Situation tun und lassen sollte. (Goofus: „Sag dem Mädchen einen Witz.“ Gallant: „Lass einen zärtlichen Moment einfach sein.“) Sag ihnen das, B.J.–R.S.
26. „Stiletto“
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„Stiletto“ war nie ein Hit, aber es ist ein Dauerbrenner unter den Fans und hat einen der funkigsten Grooves in Joels Repertoire – ein Riff in tiefer Tonlage, gekrönt von spritzigen Piano-Verzierungen und Fingerschnipsen. Er singt über eine messerschwingende Femme fatale und spottet: „She’s so good with her stiletto/You don’t even see the blade.”
Es ist die Kehrseite von „She’s Always a Woman”, wo seine Muse ihn achtlos schneidet und lacht, während er blutet – Billy hat wirklich etwas für rasiermesserscharfe Frauen. „Stiletto“ war einer der ersten Joel-Songs, der zu einem Hip-Hop-Klassiker wurde, als Kool G Rap und DJ Polo den Groove 1988 in ihren Gangster-Stolz „Road to the Riches“ verwandelten.–R.S.
25. „My Life“
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„Ich hatte schon immer etwas für Unabhängigkeit“, sagte Joel 1978 gegenüber Rolling Stone. „Das ist ein Thema, zu dem ich immer wieder zurückkehre. Sich losreißen, seine Unabhängigkeit erklären, von zu Hause wegziehen, auf eigenen Beinen stehen.“ Dieser mitreißende Song aus „52nd Street“ hat eine Sitcom-artige Eingängigkeit – eine Coverversion davon wurde als Titelsong für die Primetime-Hit-Serie „Bosom Buddies“ mit Tom Hanks und Peter Scolari verwendet – und gibt Joel gleichzeitig die Möglichkeit, alle zu kritisieren, die seine Entscheidungen in Frage stellen.
Über einer eindringlichen Klaviermelodie, die den Puls des Songs bildet, legt Joel seinen Wunsch dar, sein eigener Herr zu sein, und zwar auf eine Weise, die dank der täuschend einfachen Melodie wie eine Provokation klingt. Wenn er in der Bridge ausbricht und „Versteh mich nicht falsch!“ brüllt, wird die Schwere seiner Beschwerde deutlich.–M.J.
24. „The Ballad of Billy the Kid“
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Wenn Sie etwas über den historischen Billy the Kid erfahren möchten, ignorieren Sie diesen Song komplett. Denn entgegen Joels Behauptungen wurde Henry McCarty (alias Billy the Kid) nicht in Wheeling, West Virginia, geboren, war nie in Utah oder Oklahoma, hat nirgendwo eine Bank ausgeraubt und starb nicht durch den Strang, sondern durch einen Schuss.
Wenn Sie jedoch einen fantastischen imaginären Westernsong hören möchten, der von einem Barkeeper aus Long Island inspiriert wurde, den Joel in den 70er Jahren kannte, dann ist „The Ballad of Billy the Kid“ genau das Richtige für Sie. Und Billy the Kid ist heutzutage mehr Mythos als Realität. Außerdem wäre ein Song über einen Viehdieb in Arizona langweilig gewesen…-A.G.
23. „Just the Way You Are”
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Joel hat den Titel dieser Ballade, in der er sein Herz auf der Zunge trägt, aus einer Zeile aus „Rag Doll” von den Four Seasons geklaut „Rag Doll“ und schuf damit einen echten Pop-Standard, der von Barry White bis Frank Sinatra von allen gecovert wurde. Es ist ein herrlich kitschiger Elektropiano-Song mit einem Yacht-Rock-Saxophon-Solo von Phil Woods, der die Bitte des Erzählers an seine Geliebte untermalt, nichts zu tun, nur um „mich glücklich zu machen“.(Das schließt unter anderem den Versuch, „eine neue Mode“ auszuprobieren oder „die Haarfarbe zu ändern“, ein.) Die Lead-Single aus dem Album „The Stranger“ von 1977, „Just the Way You Are“, ist süßer als Ahornsirup im Herbst, aber gerade diese klebrige Süße macht sie zu einem der unvergesslichsten Hits von Joel.–Joseph Hudak
22. „Prelude/Angry Young Man“
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Die Klavier-Pyrotechnik, mit der dieser zweiteilige Track aus dem Album „Turnstiles“ beginnt, wurde ursprünglich von dem Surf-Rock-Klassiker „Wipe Out“ inspiriert, der Joel und seine Klassenkameraden in der Highschool beeindruckt hatte. „Alle haben in der Klasse den Schlagzeugpart gespielt“, erzählte Joel Howard Stern 2015, „und der Lehrer sagte: ‚Seid still!‘ Also hat man das genommen und auf das Klavier übertragen.“
Von dort aus improvisiert Joel eine Reihe von Stilen, bevor er sich in ein rasantes Porträt eines gerechten Rebellen stürzt, dessen Rebellion einen Grund hat: „Er wurde hintergangen, er wurde missverstanden/ Es ist ein Trost zu wissen, dass seine Absichten gut sind.“ Obwohl seine rebellische Haltung bewundernswert ist, merkt Joel in der Bridge an, dass sie vielleicht nur eine begrenzte Haltbarkeit hat – genau wie bei ihm selbst. –M.J.
21. „Where’s the Orchestra?“
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Billy Joel basierte sein 1982 erschienenes Opus The Nylon Curtain auf dem Thema Kapitulation. „Jeder muss sich damit auseinandersetzen“, sagte er gegenüber Rolling Stone. „Nicht totale Kapitulation, sondern vorübergehende Niederlage. Ich denke, es ist eine sehr amerikanische Eigenschaft, hoffnungsvoll zu sein.“ „Where’s the Orchestra?“ ist sein Monolog über die Unzufriedenheit eines Mittdreißigers, der sich fragt, warum sein Leben statt eines glamourösen Musicals zu einem traurigen Theaterstück geworden ist.
Er erklärte: „Die ganze Metapher dieses Songs ist, dass das Leben ein Theaterstück ist, und alles ist eine Tragödie, und – auch wenn man die komischen, ironischen Elemente dessen, was man erlebt, genießen kann – das Leben wird immer wieder auftauchen und einem einen Schlag auf den Kopf versetzen.“ –-R.S.
20. „Big Shot“
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Wer ist der „Big Shot“ und warum macht Billy Joel ihn so fertig? Vom ersten „Weeeeellll“ an trieft jedes Wort vor Verachtung und Verärgerung über das Ziel des Songs – eine Halston-Kleid tragende, Kokain schnupfende, geschwätzige Cathy, die nicht weiß, wann sie die Party verlassen muss. Jahre später sagte Joel, der Song sei von einem Abendessen Ende der 1970er Jahre mit Mick Jagger und seiner damaligen Frau Bianca Jagger inspiriert worden.
„Sie hat sich ein bisschen aufgespielt, und ich glaube, das hat ihn ziemlich genervt“, erzählte Joel 2010 Howard Stern. „Ich habe mir vorgestellt, wie Mick das Bianca Jagger vorsingt.“ Joel ahmte Jagger in seinem Gesang sogar ein wenig nach. „Ich habe mir einfach vorgestellt, wie Mick das singt.“ –Lisa Tozzi
19. „Uptown Girl“
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Der Charme von „Uptown Girl“ liegt in seiner romantischen Hintergrundgeschichte und seinem Retro-Sound. Inspiriert vom Doo-Wop-Stil von Frankie Valli und den Four Seasons schuf Joel eine Hommage an den Pop der 1960er Jahre mit modernem Flair. Die Geschichte eines Mannes aus der Arbeiterklasse, der das Herz einer Frau erobert, die eigentlich eine Nummer zu groß für ihn ist, wurde ursprünglich von einem surrealen Moment in der Karibik inspiriert, als er sich plötzlich vor Christie Brinkley, Whitney Houston und seiner damaligen Freundin Elle Macpherson wiederfand und für sie Klavier spielte.
Als der Song veröffentlicht wurde, passte diese Stimmung perfekt, denn zu diesem Zeitpunkt war Joel mit Brinkley zusammen, die auch in dem legendären Video zu dem Song mitspielte. „Uptown Girl“ ist eine der großartigsten Hymnen der Popmusik an das Glück eines ganz normalen Mannes und wurde Nummer 3 in den US-Charts und seine einzige Nummer 1 in Großbritannien.–A.W.
18. „Say Goodbye to Hollywood“
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Aufbauend auf dem Schlagzeugbeat von „Be My Baby“ von den Ronettes schafft Joel eine perfekte Hommage an Phil Spectors Wall of Sound-Pop mit einem seiner größten Refrains. Trotz der pastichen Konstruktion ist der Song vollkommen aufrichtig und autobiografisch – Joel schrieb ihn über das Ende seines Exils in Kalifornien und seine Rückkehr nach New York. „Das Leben ist eine Abfolge von Hallos und Auf Wiedersehens“, singt er, und wer könnte ihm da widersprechen? „Ich war wirklich froh, aus L.A. wegzukommen“, erinnerte er sich. „Im ersten Jahr dort war ich irgendwie verführt vom schönen Wetter, den Palmen und der Aussicht von den Hollywood Hills, dem Pacific Coast Highway und all dem. Nach etwa einem Jahr war das vorbei.“–Brian Hiatt
17. „The Longest Time“
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Ein Moment sanfter konträrer Brillanz – die Musik der frühen Achtzigerjahre wurde immer glatter und überproduzierter, aber Joel bewies, dass man auch nur mit Gesang und Fingerschnipsen einen Hit landen konnte (und ein wenig Bassgitarre von Doug Stegmeyer). Er griff auf seine Liebe zu Vokalgruppen der Fünfzigerjahre wie Frankie Lymon and the Teenagers zurück, sang alle Parts des reichhaltigen Gesangsarrangements selbst und lieferte einen Doo-Wop-Valentines-Song, der damals durch seine unverhohlene Nostalgie auffiel.
„Ich habe das gemacht, was ich Method Singing nenne“, erinnerte er sich Jahre später. „Ich stellte mir vor, ich wäre ein dünner italienischer Junge aus Newark, dann nahm ich eine andere Stimme und stellte mir vor, ich wäre ein großer schwarzer Footballspieler mit einer wirklich tiefen Bassstimme. Und dann stellte ich mir vor, ich wäre ein Sänger wie Pat Boone.“–J.D.
16. „And So It Goes“
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In seiner Musik, seinen Live-Shows und manchmal auch in seinem Leben ist Joel nicht gerade dafür bekannt, sich zurückzuhalten; er hat ein Gespür für das glorreich Übertriebene und Theatralische. Umso bewegender ist diese Reflexion über seine zum Scheitern verurteilte Beziehung zu einem Model (vermutlich Elle Macpherson). (Wie er Howard Stern erzählte: „Es hätte nicht funktioniert und es hat nicht funktioniert. Wir passten nicht zusammen.“)
Joel hält sich eng an die straffe Melodie des Songs und singt, als sei er voller Bedauern, aber nicht wütend, und präsentiert damit einen seiner subtilsten Songs über Trennung. Er gibt zu, dass er mit seiner Ex „in hartherzigen Tönen“ sprechen könnte, aber was „And So It Goes“ so beeindruckend macht, ist, wie mitfühlend und akzeptierend es gegenüber dem ist, wie das Leben manchmal eben ist.–D.B.
15. „You May Be Right“
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„Vielleicht ist es ja ein LOOOO-natic, den du suchst!“, singt Billy in diesem Top-Ten-Hit, der das Album „Glass Houses“ eröffnet und offiziell seine Leder-Rocker-Ära einläutet. Er macht deutlich, dass er ein gefährlicher Verrückter ist, weil er verdorbene Dinge tut, wie zum Beispiel mit seinem Motorrad im Regen zu fahren.
(Meine Güte, Lemmy muss Angst gehabt haben.) „You May Be Right“ ist seine wildeste Rockhymne, mit einem passenden wilden Saxophon-Solo. Er spielte eine denkwürdige Live-Version mit Garth Brooks in der TV-Sondersendung „Live from Central Park“ des Country-Superstars aus dem Jahr 1997. Aber „You May Be Right“ ist so kraftvoll, dass es Billy jahrelang als regulären Live-Abschluss diente, zusammen mit einem Ausschnitt aus „Rock and Roll“ von Led Zeppelin.–R.S.
14. „Zanzibar“
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„Zanzibar“ ist ein jazziger Höhepunkt von „52nd Street“ und einer seiner beliebtesten Live-Showstopper. Im Grunde genommen ist es Billy Joel, der Steely Dan in seinem eigenen unverwechselbaren Stil interpretiert, mit einer Mischung aus Alkohol, Sex und Baseball. Er ist ein junger Träumer mit einer Jazzgitarre, aber er sitzt in einer Spelunke namens Zanzibar fest – schicker als die Bar in „Piano Man“, aber schäbiger als Mr. Cacciatore’s in der Sullivan Street. Es ist seine „Deacon Blue“-artige Fantasie, ein echter Künstler zu sein, ein Made Man, oder zumindest die Kellnerin so zu beeindrucken, dass sie ihm eine Runde gratis spendiert. „Zanzibar“ erfüllt seine Fantasie mit Trompetensoli der Bebop-Legende Freddy Hubbard. –R.S.
13. „It’s Still Rock and Roll to Me“
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Verärgert über Musikkritiker, die seine kunstvollen Kompositionen manchmal als mittelmäßig abtaten, während sie trendige, vergleichsweise einfache Sounds wie Punk und New Wave lobten, antwortete Joel mit einem Song, der einen straffen, harten, New-Wave-ähnlichen Track geschickt in eine saxophonlastige Rock-‚n‘-Roll-Hymne verwandelte und damit seinen Standpunkt verdeutlichte, dass jeder neue Stil aus derselben klassischen Quelle stamme.
„Manchmal hat mir die Presse das Leben schwer gemacht“, erzählte er Howard Stern. „Und ich habe es genossen, ihnen das Leben schwer zu machen.“ Der Song bewies, dass es sich oft auszahlt, sich gegen die Medien zu stellen, und wurde seine erste Nummer-1-Single.–J.D.
12. „She’s Always a Woman“
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Ohne Percussion und ohne Schutz wurde dieser Klavierwalzer zum Durchbruchshit auf „The Stranger“ und zu einem der beständigsten Liebeslieder der Popgeschichte. Joel schrieb ihn für Elizabeth Weber, seine Frau und Managerin, die stahlharte, brillante Kraft hinter seinem frühen Erfolg. Weber galt in der von Männern dominierten Branche als „schwierig“, und Joel würdigte diese Härte mit der Zeile „She’ll carelessly cut you and laugh while you’re bleeding“ (Sie wird dich achtlos verletzen und lachen, während du blutest), die er mit Zuneigung, ohne Angst und vielleicht sogar mit ein wenig Stolz sang.
In seinen Memoiren gab Joel zu, dass er sich zuerst in die Melodie des Songs verliebt hatte und sich daran erinnerte, dass es einen Platzhaltertext gab: „the view from the 35th floor“ (der Blick aus dem 35. Stock), eine Anspielung auf seine damalige Wohnung. „Ich werde nicht über die Aussicht schreiben“, sagte er, „denn ich schaue im Grunde genommen auf Queens.“–S.G.
11. „We Didn’t Start the Fire“
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Als er von einem kleinen Jungen konfrontiert wurde, der behauptete, in den 1950er Jahren sei nichts passiert, schrieb Joel eine rasante Aufzählung historischer Ereignisse, die den politischen und kulturellen Weg seiner Generation nachzeichnet, beginnend mit dem Beginn des Kalten Krieges und endend mit den „Cola-Kriegen“ der 1980er Jahre.
Joel verglich die Melodie später mit einem „Zahnarztbohrer“, und sie wurde im Laufe der Jahre endlos parodiert, aber „We Didn’t Start the Fire“ traf einen Nerv bei den Zuhörern, die einen Monat vor der Veröffentlich des Songs, der Joels dritte Nummer-1-Single wurde, den Fall der Berliner Mauer erlebt hatten. Eine Version von Fall Out Boy aus dem Jahr 2023, die versuchte, den historischen Faden wieder aufzunehmen, floppte total und zeigte, dass nur wenige Künstler Joels generationsübergreifende Gravitas und sein angeborenes Gespür dafür haben, wie man Massen von Menschen durch ihre eigenen gemeinsamen Geschichten führt – selbst wenn er dabei auf absurd groß angelegte Weise vorgeht.–J.D.
10. „Miami 2017 (Seen the Lights Go Out on Broadway)“
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Als er den Song um 1975 schrieb, stellte sich Joel diesen ungewöhnlichen Ausflug in dystopische Science-Fiction als Erinnerungen eines älteren ehemaligen New Yorkers vor, der sich im damals weit entfernten Jahr 2017 nach Florida zurückgezogen hatte. Der Text, der nach der Insolvenz der Stadt New York in den 1970er Jahren geschrieben wurde, sagt eine apokalyptische Zukunft für die Metropole voraus – der Erzähler „sah die mächtige Skyline fallen“.
Das Ganze ist jedoch seltsam mitreißend, wobei das kraftvolle Arrangement der Erzählung einen starken Hauch von Trotz verleiht. Der Song erhielt eine unerwartete neue emotionale Wucht, als Joel ihn bei einem Benefizkonzert nach dem 11. September sang, nachdem die Lichter am Broadway tatsächlich für eine Weile gedimmt worden waren. –-B.H.
9. „Only the Good Die Young”
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In Joels unverblümtem Rockerlied bittet er – manche würden sagen, er drängt – ein noch minderjähriges katholisches Mädchen, mit ihm zu schlafen. Joel argumentiert, dass es früher oder später sowieso passieren wird, also „kann ich es genauso gut sein“. Doch trotz seines überzeugenden Charmes bleibt Virginia so rein wie ihr Name und bestätigt Joels Axiom, dass „katholische Mädchen viel zu spät anfangen“.„Ich wollte einen Song schreiben … über einen Mann, der versucht, ein katholisches Mädchen zu verführen“, erzählte der Songwriter 2008 der Zeitung USA Today.
„Ich weiß nicht mehr, warum das so viel Aufsehen erregte, denn sie blieb keusch.“ „Only the Good Die Young“ wurde 1977 auf dem Album The Stranger veröffentlicht, zufällig im selben Jahr, in dem ein ähnlich thematischer bombastischer Pianosong auf den Markt kam: „Paradise by the Dashboard Light“ von Meat Loaf.–J.H.
8. „Captain Jack“
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Joel spielt diesen Song selten live, und man kann fast verstehen, warum. Jahrzehntelang wurde darüber diskutiert, ob dieser Song von Piano Man von Drogen, Alkohol, Masturbation oder von allem zusammen handelt. (Joel selbst stellte schließlich klar: „Ich habe damit keine bestimmte Droge gemeint, sondern alles, was die Leute nehmen mussten, um der Realität zu entfliehen. Es ging um Drogen im Allgemeinen.”)
Und es besteht kein Zweifel, dass es einer seiner typischsten Billy-Downer-Texte ist, der eine Welt voller toter Väter in Swimmingpools und drogenabhängiger Vorstadtkinder beschreibt, die versuchen, hip zu sein, und dabei kläglich scheitern. Aber die Art und Weise, wie Joels Stimme und die Musik im Refrain zu theatralischer Übersteuerung anschwellen, ist kaum zu übertreffen. Selbst wenn einige der Menschen in den Arenen und Stadien aus den falschen Gründen mitsingen, ist „Captain Jack“ süchtig machend übertrieben. –D.B.
7. „Piano Man“
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Am Ende jedes Bill-Joel-Konzerts, ohne Ausnahme, schnallt er sich eine Mundharmonika um, stößt einen langen, übertriebenen Seufzer aus und sieht zu, wie der Saal explodiert, während er die ersten Töne von „Piano Man“ spielt. Er mag nach 52 Jahren und Tausenden von Interpretationen dieses Songs erschöpft sein, aber die Welt wird nie müde werden von der Geschichte von „John an der Bar“, „Davy, der immer noch bei der Marine ist“ und Paul, dem „Immobilien-Romanautor“, die Joel während seiner kurzen Zeit in der Executive Room Bar in Los Angeles um 1972/73 erfunden hat, kurz nachdem sein Debütalbum „Cold Spring Harbor“ floppte und er Zeit brauchte, um sich zu erholen, bevor er über seine nächsten Schritte nachdenken konnte.
Der Song bescherte ihm seine erste Hit-Single, den Titelsong seines zweiten Albums, gerade genug Schwung, um Sony davon abzuhalten, ihn aus dem Label zu werfen, und einen Spitznamen, der möglicherweise auf seinem Grabstein stehen wird.–A.G.
6. „Goodnight Saigon“
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Die erste Seite von „The Nylon Curtain“ endet mit einem der ambitioniertesten Songs aus Billy Joels Repertoire, einer siebenminütigen Ode an die Vietnam-Veteranen, die in einen Krieg gezogen sind, den Joel selbst vermieden hat. „Ich wollte das für meine Freunde tun, die nach Vietnam gegangen sind“, sagte Joel. „Sie wurden nie wirklich willkommen geheißen, und egal, ob man mit dem Krieg einverstanden war oder nicht, diese Jungs haben wirklich viel einstecken müssen.“
Der Song beginnt sanft mit dem Zirpen von Grillen und dem Geräusch eines Hubschraubers, steigert sich dann langsam und berührt alles von Bob Hopes USO-Shows bis hin zu Playboy- und Doors-Kassetten, ohne auch nur im Entferntesten politisch zu werden. Stattdessen ist es ein Song über Brüderlichkeit und Opferbereitschaft. „Goodnight Saigon“ war jahrelang ein Live-Favorit, und Joel lud oft Angehörige der Streitkräfte auf die Bühne ein, um den Refrain mitzusingen. In den letzten Jahren ist der Song jedoch seltener bei Konzerten zu hören.–A.G.
5. „Summer, Highland Falls“
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„The Stranger“ machte Joel zum Arena-Star, aber „Turnstiles“, das Album, das ihm vorausging, war der Moment, in dem sein Songwriting, seine melodische Größe und seine weniger übertrieben melodramatischen Seiten miteinander verschmolzen. „Summer, Highland Falls“ wurde angeblich während seiner Zeit im Bundesstaat New York geschrieben, nachdem er eine unzufriedene Phase in L.A. verbracht hatte, und versucht, manische Depressionen durch wechselnde Tempi und Texte einzufangen.
Zeilen wie „Now we are forced to recognize our inhumanity/Our reason coexists with our insanity” (Jetzt sind wir gezwungen, unsere Unmenschlichkeit anzuerkennen/Unsere Vernunft koexistiert mit unserem Wahnsinn) klingen aus seinem Mund noch etwas unnatürlich. Aber die eleganten Klavierakkorde und wechselnden Tempi kennzeichnen den Sound eines Komponisten, der wirklich zu sich selbst gefunden hat. Für einen Song über psychische Konflikte ist es ironischerweise einer seiner entspanntesten. –D.B.
4. „Vienna“
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„Vienna“ ist ein klassischer Fall eines Nicht-Singles, der langsam zum Fan-Favoriten wird und wie ein guter Wein altert (eine Flasche Rotwein, wenn man so will). Die atemberaubende Ballade wurde als B-Seite von „Just the Way You Are“ veröffentlicht, einer der fünf Hitsingles aus The Stranger. Mit Joels funkelndem Klavier und Dominic Cortese an der Akkordeon ist es ein Song, den jeder auf sich selbst beziehen kann. Joel sagt uns allen verrückten Kindern, wir sollen langsamer machen, das Telefon aus der Halterung nehmen und für eine Weile verschwinden (Jennifer Garner tut dies buchstäblich, während der Song in einer Szene aus „13 Going on 30“ spielt).
Joel wurde durch Besuche bei seinem Vater in Wien und ein Gespräch über das Älterwerden inspiriert. „Du musst nicht dein ganzes Leben in deine Zwanziger und Dreißiger quetschen, um etwas zu erreichen, um den amerikanischen Traum zu verwirklichen, dich in den Konkurrenzkampf zu stürzen und dich umzubringen”, sagte Joel. „Du hast ein ganzes Leben vor dir. Ich habe „Vienna” gewissermaßen als Metapher verwendet: Es gibt einen Grund, alt zu sein, einen Sinn.” –Angie Martoccio
3. „New York State of Mind”
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Joel schrieb seine Hommage an den Big Apple, nachdem er aus Kalifornien weggezogen war. Die Idee kam ihm ganz spontan: 2010 erzählte er Howard Stern, dass er zu diesem gefühlvollen Song inspiriert wurde, als er – ja, tatsächlich – mit einem Greyhound-Bus auf der Hudson River Line unterwegs war. Nach dem Aussteigen schrieb Joel den Song in etwa 15 Minuten.
Der letzte Song auf der ersten Seite des 1976 erschienenen Albums „Turnstiles“ wurde zwar nicht als Single veröffentlicht, hinterließ aber dank Joels leidenschaftlichem Gesang und einem Saxophon-Solo, das wie eine Straßenlaterne um 3 Uhr morgens leuchtet, einen bleibenden Eindruck. Als Rolling Stone Joel 2017 nach seinem Lieblingssong von Billy Joel fragte, antwortete er: „‚New York State of Mind‘. Ich glaube, es ist zu einem Standard geworden. So wie Hoagy Carmichaels „Stardust“ oder „Georgia on My Mind“. Es ist einer dieser Songs geworden.“–M.J.
2. „Movin’ Out (Anthony’s Song)“
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Joel scheute sich nicht, sein Klavier komplett aus dem Mix zu nehmen, wie in diesem straffen sozialrealistischen Klassiker, der in einer lebhaft skizzierten New Yorker Landschaft spielt – wenn Mr. Cacciatore’s in der Sullivan Street gegenüber dem medizinischen Zentrum kein echtes Restaurant war, hätte es eines sein sollen. Angetrieben vom metronomischen Rhythmus der Rhythmusgitarren, die sich mit Liberty Devittos Hi-Hat verflechten, behandelt der Song ein Thema, das nur wenige andere Rock-Songwriter überhaupt in Betracht ziehen würden – Mittelklasse-Aufsteiger, die die Sinnlosigkeit des „Aufstiegs“ erkennen. Und Dr. Joel hat Recht: Zu hart zu arbeiten kann tatsächlich zu einem Herzinfarkt führen.–B.H.
1. „Scenes From an Italian Restaurant“
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Billy Joels größter Song ist das einzige bekannte Beispiel für Long Island Prog, ein Bastardkind von Chuck Berrys „You Never Can Tell“ und dem Abbey Road-Medley, das beweist, dass es auf der L.I.E. genauso viel Oper gibt wie auf der Jersey Turnpike. Musikalisch ist es eine täuschend skurrile, über siebenminütige Reise, die allen Widrigkeiten zum Trotz funktioniert und seltsame rhythmische Schnörkel, jazzige Elemente, Akkordeonklänge, Soli auf Tenor- und Sopransaxophon und die unvergesslich hyperaktiven Basslinien des verstorbenen Doug Stegmeyer vereint.
Insgesamt knüpft der Song an die gleiche Post-Sixties-Melancholie an, die „Fire and Rain“ und „Running on Empty“ hervorgebracht hat, mit mehr als nur einem Hauch von American Graffiti-Nostalgie. Brenda und Eddie konnten nicht zu den Greasers zurückkehren, und niemand sonst auch. –-B.H.
