Die 39 besten One-Album-Wonder
Die 39 besten One-Album-Wunder: Von Lauryn Hill über Jeff Buckley bis Sex Pistols – geniale Debütalben, nach denen nichts mehr kam
Einige der größten Geschichten des Rock sind kurze Geschichten. Nachdem sie ein einziges Studioalbum aufgenommen hatten, wurden diese Acts prompt durch Tod, interne Bandpolitik oder den einfachen Wunsch, etwas hinter sich zu lassen und nie wieder darauf zurückzukommen, aus der Bahn geworfen. Hier sind die besten One-Hit-Wonders.
39. Rites of Spring, „Rites of Spring” (1985)
Bevor Guy Picciotto und Brendan Canty zusammen mit ihrem Produzenten Ian MacKaye die Band Fugazi gründeten, waren die beiden Teil der einflussreichen, rauen und rohen Hardcore-Band Rites of Spring aus Washington, D.C.
Die Band tauchte ebenso schnell und aggressiv in der Hardcore-Szene auf und verschwand wieder, wie ihre Songs auf ihrer einzigen LP. Der schnelle und bis ins Mark erschreckende, frenetische Sound der Band gilt als Ursprung des „Emo“, aus dem sich schließlich Chartstürmer wie Fall Out Boy und Panic! at the Disco entwickelten. Rites of Spring lehnte diesen Begriff ab, aber was ist Hardcore-mäßiger als das Offenbaren von Liebe, Schmerz und Traurigkeit?
38. Thunderclap Newman, „Hollywood Dream“ (1970)
Pete Townshends Chauffeur und Mitbewohner John „Speedy“ Keen, der Jazzpianist und Postangestellte Andy „Thunderclap“ Newman und der jugendliche zukünftige Wings-Gitarrist Jimmy McCullough bildeten diese One-Hit-Wonder-Band. Am bekanntesten sind sie für „Something in the Air“, eine pulsierend perfekte Pro-Revolutionshymne. Aber auch der Rest des einzigen Albums des Trios ist ziemlich grandios.
Es dreht sich um die kontrastreichen Fantasien des Songwriters und Schlagzeugers Keen über die zwielichtigen Vergnügungen Hollywoods. Und um Oden an die sexy Annehmlichkeiten des Landlebens. Townshend, der das Album produzierte und unter dem Pseudonym Bijou Drains Bass spielte, war von Keens Songwriting (er schrieb auch den Opener „Armania City in the Sky“ von The Who Sell Out) und Newmans jazzigem Jangle begeistert.
Die Band hatte jedoch Schwierigkeiten auf der Bühne und löste sich sechs Monate nach der Veröffentlichung des Albums auf. Newman führte das Scheitern auf eine Kombination aus persönlichen und künstlerischen Differenzen zurück.
37. Silicon Teens, „Music for Parties” (1980)
Hätten sie einen Erfolg auf Gorillaz-Niveau erzielt, hätte diese fiktive Gruppe den Soundtrack zu „The Big Chill” für die „Blade Runner”-Generation machen können. Silicon Teens wurden als Quartett von Teenagern vermarktet, die rudimentären, nach Taschenrechnern klingenden Synth-Rock spielten und fröhliche Nostalgie à la „Dirty Dancing“ aus dem Jahr 1962 verbreiteten. Wie „Doo Wah Diddy Diddy“, „Let’s Dance“ und „Do You Love Me?“.
Tatsächlich wurde alles von Daniel Miller, dem Gründer von Mute Records, gespielt, während Frank Tovey von Fad Gadget „Gesicht“ für das begleitende Musikvideo und die Pressefotos. Der „Chip ‚n‘ Roll“-Sound des Projekts war ein perfektes Venn-Diagramm aus Respekt vor der Popgeschichte, trockenem Punk-Pranksterismus und der Begrüßung einer aufkommenden elektronischen Revolution.
Zu den frühen Fans des Projekts gehörte Depeche Mode, die bald selbst bei Mute unter Vertrag genommen wurden. Und – vermutlich – die Zeit monopolisierten, die Miller für eine Fortsetzung gehabt hätte.
36. Hermann Szobel, „Szobel“ (1976)
Nehmen wir einmal an, dieses verlorene Meisterwerk des Jazz-Fusion hätte niemals das Licht der Welt erblickt, wenn der in Wien geborene Hermann Szobel nicht der Neffe des Konzertveranstalters Bill Graham gewesen wäre. Davon abgesehen ist das Album in jeder Hinsicht ein umwerfendes Meisterwerk. Eine delirierende, virtuose Sammlung von zickzackförmigen Zappa-artigen Melodien und stimmungsvollen emotionalen Einbrüchen. Gespielt von einem obskuren Quintett, das vorübergehend die Autorität von Weather Report kanalisierte.
Der 18-jährige Pianist und Bandleader blieb jedoch nicht lange genug, um ein Folgealbum aufzunehmen. Szobel, der wahrscheinlich an einer psychischen Erkrankung litt, verschwand aus der Musikwelt. Seine Mutter meldete ihn 2002 als vermisst und gab an, dass er Hunde und Haschisch mochte.
Im Jahr 2015 tauchte Szobel jedoch in der Dokumentation „Looking for Jesus“ wieder auf, für die er der Regisseurin Katarzyna Kozyra erlaubte, ihn auf den Straßen Jerusalems, wo er offenbar als obdachloser Künstler lebte, aufzunehmen. Aber nicht zu filmen.
35. Convicts, „Convicts” (1991)
Die einzige LP der Convicts – dem Duo aus Big Mike und Lord 3-2 – ist eines der schmutzigsten und witzigsten Dokumente des Houstoner Shock-Rap, der Anfang der Neunzigerjahre in die Fußstapfen der Geto Boys trat. Veröffentlicht auf dem wegweisenden texanischen Label Def Jam, führten die Convicts die provokativen Texte von Ice Cube und 2 Live Crew in den Bereich des absolut Lächerlichen und völlig Verantwortungslosen.
„Fuck School“ ist die Hymne der Schulabbrecher und „1-900-Dial-a-Crook“ erklärt detailliert, wie man ein Auto stiehlt. Wie eine Andrew-„Dice“-Clay-Nummer mit funky Breaks gibt es übertriebene, absichtlich beleidigende Ausflüge in Sexismus („Woop Her Ass“) und Rassismus („Illegal Aliens“), die heute zu Recht als „problematisch“ bezeichnet würden. Aber „Convicts“ ist ein Artefakt einer anderen Ära. Ein historisches Dokument aus einer Zeit, in der Rapper Amerikas lautstärkste Verteidiger des ersten Verfassungszusatzes waren und als Sprachrohre ebenso daran interessiert waren, Knöpfe zu drücken wie Grenzen zu verschieben.
Zwischen den Witzen gibt es lebhafte und intensive Kritiken am Gefängnis-Industriekomplex. Kein Wunder, dass das ehemalige N.W.A-Mitglied Dr. Dre ein Fan war. Die Convicts hatten eine kurze Affäre mit Death Row. Aber die Gruppe löste sich schließlich auf, als Big Mike 1993 Willie D bei den Geto Boys ersetzte.
34. Scratch Acid, „Just Keep Eating“ (1986)
Nach den Bad-Trip-Bösewichten Butthole Surfers waren Scratch Acid der andere heiße und extrem nervöse Beitrag aus Texas zur lärmenden „Pigfuck”-Bewegung der Achtzigerjahre. Scratch Acid verbanden den Sumpf-Stumble von The Birthday Party mit dem Knirschen des amerikanischen Hardcore und waren auf Platte eine Pfütze voller Gift und auf Tour eine stählerne Kraft. Naja, wenn sie nicht gerade gefälschte Kacke auf das Publikum warfen oder Public Image Limited das Bier stahlen.
Eine lange Tournee im Jahr 1986 verschärfte die Spannungen innerhalb der Band, was zu einem Streit auf der Bühne zwischen dem Gitarristen Brett Bradford und dem Schlagzeuger Rey Washam führte. 1987 war es dann vorbei. Sänger David Yow und Bassist David Wm. Sims formierten später aus diesem Chaos die schlanke College-Rock-Band Jesus Lizard. Die schließlich in der Post-Nirvana-Blase einen Vertrag bei einem Major-Label unterschrieb.
33. Skip Spence, „Oar” (1969)
Alexander „Skip” Spence, Mitbegründer und Songwriter von Moby Grape, geriet in eine schwere Krise, als er in einer Nacht versuchte, sich mit einer Axt Zugang zu einem Hotelzimmer zu verschaffen, um seinen Schlagzeuger von sich selbst zu befreien. Nach einem sechsmonatigen Aufenthalt in einer psychiatrischen Klinik fuhr der 22-Jährige mit dem Fahrrad nach Nashville, wo er sein einziges, buchstäblich solo aufgenommenes Album aufnahm.
Spences gespenstisches, kaum verständliches Heulen, die verstimmten Gitarren und das snare-lastige Schlagzeug ergaben ein aufwühlendes und verstörendes Spiegelbild verzweifelter Einsamkeit und wildäugiger Folk-Rock-Ekstase. Was Spence als Demos betrachtete, hielt Produzent David Rubinson für akzeptabel für eine (minimal beworbene) Veröffentlichung. Was zu Columbias bis dato meistverkauftem Album führte.
Spence schrieb und trat zeitweise mit The Grape auf. Er versank jedoch allmählich in einem Sumpf aus psychischen Erkrankungen und Drogenmissbrauch, bis er 1999 im Alter von 52 Jahren starb.
32. Green River, „Rehab Doll” (1988)
„Rehab Doll” ist zu gleichen Teilen heruntergekommen und wild und das einzige Album der Supergroup Green River aus Seattle, zu der der spätere Mudhoney-Frontmann Mark Arm sowie Jeff Ament und Stone Gossard von Pearl Jam gehörten. „Rehab Doll” wurde in den Anfangsjahren von Sub Pop veröffentlicht und ist Proto-Grunge vom Feinsten, dessen schlammige Tracks sich in Echtzeit auflösen und wieder neu aufbauen.
Frontmann Mark Arm (später bei Mudhoney) klingt, als hätte er mit Lauge gegurgelt, bevor er Tracks wie das boogie-gone-bad „Together We’ll Never“ aufnahm, während die mitreißende Coverversion von David Bowies „Queen Bitch“ (ursprünglich nur auf der Kassettenveröffentlichung des Albums erhältlich) deutet auf den ironischen Humor hin, der viele der besten Momente der Seattle-Szene beleben sollte.
„Rehab Doll“ enthält auch die zweite Version von Green Rivers prahlerischem Single-Entendre „Swallow My Pride“, das während des ersten Aufstiegs der Grunge-Ära von anderen Größen aus Seattle wie Soundgarden und den Fastbacks gecovert wurde.
31. The Count Five, „Psychotic Reaction“ (1966)
Die großen britischen Bluesrock-Stars mögen mit ihrer ausgefeilten Virtuosität geprahlt haben. Aber dieses Quintett aus San Jose reduzierte R&B auf eine rohe, rudimentäre Prahlerei. Und sie trugen auch Dracula-Umhänge.
Garage Rock wird nicht essenzieller als der Titelsong, mit prahlerischen Strophen, die durch regelmäßige instrumentale Ausbrüche ausgeglichen werden, und John „Mouse“ Michalskis Gitarre, die wie eine wilde Mücke summt, die man ins Ohr gelassen hat. Sie dienen als psychedelische Reiseleiter auf „Double Decker Bus“, sabbern über ein Mädchen mit einem „Pretty Big Mouth“ und werden den beiden Who-Songs, die sie covern, mehr als gerecht.
Lester Bangs, vielleicht ihr größter Fürsprecher, konnte nicht umhin, sich eine Reihe noch ausgefallenerer Nachfolger vorzustellen. Aber im wirklichen Leben kehrten die Bandmitglieder einfach zurück zum College.
30. Operation Ivy, „Energy“ (1989)
Das vierköpfige Ensemble Operation Ivy aus Berkeley war nicht nur Dreh- und Angelpunkt der East Bay Punk-Szene. Sondern auch maßgeblich an der Entwicklung des amerikanischen Ska beteiligt. Die 1987 gegründete Band integrierte geschickt Reggae-Einflüsse in ihren frenetischen Hardcore-Sound. Zuerst auf der rauen 7-Zoll-Single „Hectic“, dann auf ihrem 1989 erschienenen Album „Energy“.
Die Sänger Jesse Michaels und der spätere Rancid-Frontmann Tim Armstrong – damals noch unter dem Namen „Lint“ bekannt – hämmerten ihre prinzipiellen Ansichten zu Bandenkriminalität („Unity“), Polizeibrutalität („Officer“) und Konsumismus („Artificial Life“) mit kaum verständlichen, rauen Schreien ein.
Op Ivy überlebte die Achtziger nicht und löste sich nur zwei Monate nach der Veröffentlichung von „Energy“ auf. Ihr letzter Auftritt war am 28. Mai 1989. Ein Datum, das auch als Green Days erster Auftritt in der Berkeley D.I.Y.-Hochburg 924 Gilman St. bekannt ist.
29. The Pulsars, „Pulsars“ (1997)
Als eines der Juwelen des Alternative-Rock-Goldrauschs Mitte der Neunzigerjahre ist das einzige Album des Bruderduos The Pulsars eine schillernde Sammlung von glückseligen Synthie-Pop-Songs, gespickt mit Anspielungen auf lange Autofahrten nach Wisconsin, Haustierroboter und S&M.
Dave und Harry Trumfio arbeiteten seit ihrer Jugend musikalisch zusammen. Dave hatte in seinem Chicagoer Studio Kingsize Soundlabs mit Indie-Größen wie den Mekons und der Handsome Family zusammengearbeitet. Pulsars – erschienen auf Herb Alperts kurzlebigem Label Almo Sounds – war eine wunderschöne Liebeserklärung an die dunkle Seite der frühen New-Wave-Ära, mit Tracks wie „Suffocation“, die mit unwiderstehlichen Refrains und sanften Synthesizern das Elend überwinden.
28. Margo Guryan, „Take a Picture“ (1968)
Die jazzgeschulte Margo Guryan veröffentlichte „Take a Picture“ 1968 nach etwa einem Jahrzehnt des Songwritings. Mit Credits unter anderem für Ornette Coleman, Don Cherry und Harry Belafonte. Das einzige Album der Anhängerin von „Pet Sounds“ ist ein früher Prototyp für unzählige Lounge- und Dream-Pop-Exkursionen und schlägt eine Brücke zwischen Burt Bacharach und Belle & Sebastian.
Die verschwommene Produktion ist voller Blasinstrumente, Streicher und üppiger Harmonien. Das herausragende „Sunday Morning“ wurde zu einem Duett von Bobbie Gentry und Glen Campbell.
Das Album wurde von den Kritikern gelobt. Aber Guryan hatte keine Ambitionen, auf Tournee zu gehen. „Ich wollte keine Performerin sein”, sagte sie 2011 in einem Interview. „Ich wollte Songwriterin sein. Man brauchte einen Manager, einen Agenten, einen Anwalt, einen Buchhalter. Leute, die einem sagten, was man anziehen, was man sagen und wer man sein sollte. Das Ganze hat mich einfach nicht gereizt.”
27. The United States of America, „The United States of America” (1968)
In den Sechzigern scheuten sich einige mutige Punks nicht, mit den kreischenden, blipenden Klängen der noch in den Kinderschuhen steckenden Elektronik für Aufsehen zu sorgen. Damals war die amerikanische Elektronikmusik hauptsächlich Komponisten und Akademikern vorbehalten, die im Columbia Music Center an wandgroßen Synthesizern herumtüftelten.
Aber das Sextett United States of America aus Los Angeles war eine trippige, psychedelische, kommunistisch angehauchte Rockband. Ein Gegenpol zur protoindustriellen Paranoia von Silver Apples. Im Gegenzug ließen sie Kaliforniens Acid-Rock-Gegenwart in die Acid-House-Zukunft einfließen. Die Band vermischte alle Arten früher Elektronik – Oszillatoren, Kontaktmikrofone, Synthesizer, Kassettendecks – zu ihrem Revolutionsrock. Und schuf damit ein Zukunftsmodell für Fans wie Portishead und Animal Collective.
Ein Molotowcocktail aus internen Bandstreitigkeiten, Drogen, musikalischen Differenzen und Plattenlabel-Politik zerstörte diese einzigartige Band noch vor Beginn der 70er Jahre.
26. CRU, „Da Dirty 30” (1997)
Das einzige Album des Trios Rhythm Blunt Cru aus der South Bronx – veröffentlicht in den schwierigen Jahren von Def Jam zwischen Warren G und DMX – ist eine Momentaufnahme des East Coast Hip-Hop der Neunzigerjahre. Das Trio aus der South Bronx hat einen rauen und unverfälschten Charakter (siehe Hypeman und ODB-Soundalike The Mighty Ha in „Lisa Lipps”), tauscht Mikrofone mit dem Y2K-Verschwörungstheoretiker Ras Kass, schwelgt in skurrilen Sketchen und unterstreicht das Ganze mit den butterweichen Loops von Jeremy „Yogi” Graham.
Neulinge, die Yogis und Chaddios von Tribe Called Quest inspirierte Mikrofon-Tausch-Routine auf dem kleinen Rap-City-Hit „Just Another Case“ nicht akzeptieren konnten, verpassten eines der skurrilsten und unterhaltsamsten Rap-Alben dieser Ära. Zumindest Puff Daddy erkannte seinen Charme. Er holte Yogi in das Produktionsteam von Bad Boy, was zu G. Deps Harlem-Shake-Klassiker „Let’s Get It“ führte.
25. Cassie, „Cassie“ (2006)
Als Cassie Ventura in ihrem Videoclip zu „Me&U“ vor einem Spiegel im Tanzstudio posierte und sich wiegte, sorgte sie für Furore auf den Titelseiten der Magazine und für Gerüchte über ihre Romanze mit ihrem Mentor Sean Combs. Ein Jahrzehnt nach enttäuschenden Verkaufszahlen (und kaum verhüllten sexistischen Behauptungen, sie sei eine vorgefertigte One-Hit-Wonder) erwies sich diese Zusammenarbeit mit dem damals aufstrebenden Produzenten Ryan Leslie jedoch als das brillanteste minimalistische R&B-Album seiner Zeit. Ihr zurückhaltender, fast gesprochener Gesang beeinflusste zukünftige Stars wie Kelela, The xx und Jhene Aiko, während Leslies eindringliche elektronische Arrangements nächtliche Pop-Perlen wie „Kiss Me“ und „Call U Out“ perfekt ergänzen.
24. Frankie Lymon & the Teenagers, „The Teenagers Featuring Frankie Lymon“ (1956)
Als Frankie Lymon and the Teenagers 1956 mit ihrem Nummer-1-Hit „Why Do Fools Fall in Love“ die R&B-Szene eroberten, konzentrierte sich die Musikindustrie noch auf den Verkauf von Singles. Lymon hatte jedoch in so kurzer Zeit so viele Hits („I Want You to Be My Girl“, „I Promise to Remember“, „The ABC’s of Love“), dass Gee Records sie auf einer LP mit dem einfachen Titel „The Teenagers Featuring Frankie Lymon“ veröffentlichte.
Die meisten seiner Fans waren sehr jung und hatten nicht genug Taschengeld, um sich etwas Teureres als eine 45er-Single zu kaufen, sodass die Platte kein Bestseller wurde. The Teenagers trennten sich 1957 und Lymon versuchte sich als Solokünstler. Aber seine Stimme wurde nach der Pubertät tiefer.
Wie viele Kinderstars musste er feststellen, dass das Publikum kein Interesse mehr an ihm hatte, als er älter wurde. Er begann einen teuflischen Abstieg in die Drogenabhängigkeit. Er starb 1968 im Alter von nur 25 Jahren an einer Überdosis Heroin.
23. Dennis Wilson, „Pacific Ocean Blue” (1977)
Dennis Wilson war der einzige Beach Boy, der tatsächlich surfte. Er war auch der charismatischste und lebenslustigste, obwohl sein ununterbrochener Party-Lebensstil Mitte der 1970er Jahre langsam seinen Tribut forderte. Der Schlagzeuger war Anfang 30, sah aber zehn Jahre älter aus, und jahrelanger Alkohol- und Drogenmissbrauch hatten seiner einst makellosen Singstimme deutlich zugesetzt.
Da sein Bruder Brian jedoch weitgehend außer Gefecht gesetzt war, begann er, eigene Songs zu den Alben der Beach Boys beizusteuern. Da er nicht gerne Anweisungen von seinen Bandkollegen entgegennahm, die ihn nie als ernsthaften Songwriter angesehen hatten, begann er, Songs für ein Soloalbum zu sammeln. Die Aufnahmen dauerten zwei Jahre. 1977 war er endlich bereit, das eindringliche Album „Pacific Ocean Blue“ zu veröffentlichen.
Titel wie „Farewell My Friend“ und „River Song“ spiegeln seinen labilen Zustand wider und zeigen, wie sehr er sich als Komponist und Texter weiterentwickelt hatte. Die Arbeit an einem Nachfolgealbum begann. Aber Wilsons Drogenmissbrauch geriet außer Kontrolle. Das Album blieb unvollendet, als er 1983 ertrunken ist.
22. New Radicals, „Maybe You’ve Been Brainwashed Too” (1998)
Das Projekt des Songwriters Gregg Alexander, New Radicals, traf genau den Sweet Spot zwischen Adult Contemporary und „Alternative“, der gerade erst entdeckt wurde, als „Maybe You’ve Been Brainwashed Too“ 1998 herauskam. Als brodelnder Mix aus Einflüssen, der eine glänzendere Produktion und pointiertere Texte über das amerikanische Unternehmenswesen hatte als seine Alt-Rock-Radio-Kollegen, hätte „Brainwashed“ der Beginn einer neuen Pop-Ordnung sein können.
„You Get What You Give“ mit seinem triumphalen Refrain und seinem Bootstrapping-Spirit ist eine der einzigartigsten Singles der Neunziger, während Tracks wie „Flowers“ rasanten Rock und leidenschaftlichen Soul auf eine Weise miteinander verschmolzen, die versierte Hörer auf Alexanders breites Spektrum an Einflüssen aufmerksam machte. Aber Alexander löste die Band auf, bevor das reflektierende „Someday We’ll Know“ als zweite Single des Albums veröffentlicht werden konnte.
Er wurde Songwriter und schrieb Titel wie „The Game of Love“, eine Zusammenarbeit von Santana und Michelle Branch, und tat sich erneut mit seiner Kollegin Danielle Brisebois von Radical zusammen, um den Soundtrack für den Liebesfilm „Begin Again“ aus dem Jahr 2013 zu schreiben.
21. The Monks, „Black Monk Time” (1966)
Mitte der 1960er Jahre hatte Deutschland genug von den amerikanischen Besatzungstruppen. Ebenso wie die fünf entlassenen GIs, die als The Monks durch das Land zogen und rohen Neandertaler-Rock spielten. Die Band, die früher als „The 5 Torquays“ bekannt war, wurde von ihrem Management neu konzipiert, einem zwielichtigen deutschen Werbefachmann-Duo, das das Arbeiterquintett dazu überredete, Roben, Tonsuren und enge Krawatten zu tragen.
Nihilismus rockt. Farfisa-Orgel und skronky E-Banjo begleiteten Songs wie „Shut Up“ und „I Hate You“. Polydor veröffentlichte „Black Monk Time“ aufgrund der Live-Popularität der Gruppe. Als jedoch die amerikanische Niederlassung des Unternehmens das Album ablehnte, ging die verärgerte und entmutigte Combo getrennte Wege. Und erfreute sich schließlich nach ihrer Wiederentdeckung in den frühen Neunzigern verspäteter Anerkennung.
20. Life Without Buildings, „Any Other City” (2001)
Sue Tompkins von Life Without Buildings war Malerin. Keine Sängerin. Sie näherte sich Worten mit einem experimentellen Sinn für Wunder und testete, wie ihre gesprächige Melodie eine einfache Phrase wie „look around“ beeinflussen könnte, wenn sie sie in dem beruhigenden Tonfall von jemandem wiederholte, der ein schüchternes Kaninchen streicheln möchte.
Die anderen Kunststudenten aus Glasgow in dieser Band waren ähnlich neugierig und kanalisierten das Abenteuer des Post-Punk ohne dessen Aggressivität. Chris Evans’ Bass schlängelt sich unter Will Bradleys unruhigen Drum-Patterns hindurch, während Robert Johnsons Gitarre zwischen Jangle, Strum und klar gezupften Melodien wechselt. Das war Pop, betrachtet durch ein Prisma.
19. The Exploding Hearts, „Guitar Romantic“ (2003)
Das ausgelassenste Power-Pop-Album der Nullerjahre hat eines der traurigsten Nachspiele, die man sich vorstellen kann. Die im pazifischen Nordwesten gegründeten Exploding Hearts hatten gerade ihren Ruf mit ihrem Debütalbum „Guitar Romantic” aus dem Jahr 2003 gefestigt, als drei der vier Mitglieder auf der Rückfahrt von einem Auftritt bei einem Autounfall ums Leben kamen.
Die Band hinterließ mitreißende Hits wie „Modern Kicks” und „Sleeping Aides and Razorblades” zurück. Angeführt vom unbeschwerten Geist des verstorbenen Sängers und Gitarristen Adam Cox. Auf dem gesamten Album zollt die Band The Clash, Elvis Costello und den Buzzcocks Tribut, indem sie Pop-Hooks und Soul in die von Punk-Schreien zerrissene Kehle stopft.
18. Mother Love Bone, „Apple“ (1990)
Es ist schwer zu überschätzen, wie anders die Rockmusik im Jahr 2016 wäre, wenn das Quintett Mother Love Bone aus Seattle ein zweites Album hätte aufnehmen können. Ihre Kombination aus Northwest Grunge und runny-mascara glam klang wie eine Vorhersage dessen, wohin Hair Metal, der 1990 gerade seinen Niedergang begann, entwickeln würde.
Die magische Bühnenpräsenz von Leadsänger Andrew Wood, gekrönt von seinem unnachahmlichen Heulen, verwandelte den straffen, kantigen Rock seiner Bandkollegen in glitzernde Hymnen. Egal ob es sich um Chroniken verlorener Highways wie „Mr. Danny Boy“ oder um überirdische Powerballaden wie „Crown of Thorns“ handelte.
Wood starb an einer Überdosis Heroin, gerade als „Apple” veröffentlicht werden sollte. Die Band löste sich auf. Gitarrist Stone Gossard und Bassist Jeff Ament gründeten daraufhin Pearl Jam, deren chaotische Interpretation des Grunge nur ein Jahr später die Rocklandschaft veränderte.
17. The Shaggs, „ Philosophy of the World’ (1969)
Es dauert nur zwei Sekunden, bis das Rock-Meisterwerk „Philosophy of the World“ von The Shaggs in ein glorreiches, asynchrones Chaos zerfällt. Die Gruppe bestand aus drei Schwestern aus Fremont, New Hampshire, deren Vater und Manager an ihre bizarre, chaotische Musik über Katzen, Eltern, Halloween und darüber glaubte, dass „man es in dieser Welt niemals allen recht machen kann”, wie Dot Wiggins im Titelsong singt.
Obwohl die Shaggs für den Mainstream-Erfolg zu seltsam waren – was schließlich nach dem Tod ihres Vaters zur Auflösung der Band führte –, wurde ihre einzige LP zu einem Underground-Hit. Frank Zappa sagte, sie seien „besser als die Beatles“. Kurt Cobain nannte „Philosophy“ seine fünftliebste Platte aller Zeiten. Die Rockgruppe NRBQ glaubte so sehr an sie, dass sie 1999 zwei Drittel der Gruppe aus dem Ruhestand holte. Ihre Geschichte wurde zum Thema eines Off-Broadway-Musicals, das 2011 Premiere feierte.
16. Germs, „GI“ (1979)
Keine Studioaufnahme konnte jemals das Chaos der Live-Erfahrung von Germs einfangen, bei der Darby Crash überall außer ins Mikrofon sang und mindestens ein Bandmitglied auf der Bühne unter Drogen stand. Stattdessen fing Produzentin Joan Jett den Sound des Punk in seiner rücksichtslosesten und selbstzerstörerischsten Form ein, während Crashs poetische Spottverse den Nihilismus seiner britischen Punk-Helden zum Ausdruck brachten. Ohne deren Ironie.
Hier kann man hören, wie sich Punk zu Hardcore wandelt, mit dem beißenden, höhenreichen Klang des späteren Foo Fighter Pat Smear, der den Weg in die Achtzigerjahre weist, und der Rhythmusgruppe – Lorna Dooms melodischer Bass, Don Boiles, der auf die Trommeln einschlägt, als würden sie ihm an den Kopf geworfen – ein Tempo vorgibt, das die Ramones wie träge Trödler klingen lässt.
Die Germs hatten sich bereits aufgelöst, als Crash im Dezember 1980 durch eine absichtliche Überdosis Heroin sein Leben beendete.
15. Rockpile, „Seconds of Pleasure” (1980)
Rockpile machten Retro-Rock, der sich an Buddy Holly und Chuck Berry orientierte. Aber sie spielten ihn wie die Ramones. Schnell, laut und witzig. Dave Edmunds war ein Rockabilly-Fanatiker und Studio-Genie. Nick Lowe war ein Pub-Rock-Rebell und New-Wave-Guru, der fünf Elvis-Costello-Alben produzierte.
Rockpile begleitete sie auf Tourneen und bei Solo-Projekten („Tracks on Wax 4“ und „Repeat When Necessary“ für Edmunds; „Labor of Lust“ für Lowe), nahm aber nur ein einziges eigenes Album auf. „Seconds of Pleasure “ließ den Biss, das Knurren und die ungezügelte Lust des frühen Rock ’n‘ Roll mit moderner Kraft wiederaufleben, und sein Daseinszweck wurde durch eine Zeile aus Lowes „Play That Fast Thing One More Time” auf den Punkt gebracht. „Es macht etwas mit mir und fühlt sich auf jeden Fall gut an.” Unkompliziert und ziemlich nah an der Perfektion.
14. Blind Faith, „Blind Faith“ (1969)
Traffic und Cream lösten sich etwa zur gleichen Zeit auf, sodass Eric Clapton und Steve Winwood ohne Band und ohne klare Pläne für ihre Zukunft dastanden. Die beiden Freunde begannen, in Winwoods englischem Cottage zusammen zu jammen. Sie stellten schnell fest, dass sie eine unglaubliche Chemie hatten. Aber sie dachten nicht wirklich daran, eine richtige Band zu gründen.
Eines Abends tauchte Ginger Baker völlig unangekündigt auf. „Steves Gesicht hellte sich auf, als er Ginger sah“, schrieb Clapton in seinen Memoiren, „während mein Herz sank, denn bis zu diesem Zeitpunkt hatten wir einfach nur Spaß gehabt, ohne irgendwelche Pläne.“ Bakers Anwesenheit machte sie zu einer echten Band. Ric Grech am Bass vervollständigte sich die Gruppe. Bald entstanden unglaubliche Songs wie „Can’t Find My Way Home“ und „Presence of the Lord“.
Ihr selbstbetiteltes Debütalbum erschien im August 1969 und führte weltweit die Charts an. Doch nur wenige Wochen später spielten sie ihr letztes Konzert in Hawaii. Für Clapton fühlte es sich zu sehr wie eine neue Version von Cream an. Er wollte sich neuen Herausforderungen stellen: Als Delaney und Bonnie ihn baten, ihrer Gruppe beizutreten, löste er Blind Faith gerne auf. Und blickte nie zurück.
13. The La’s, „The La’s” (1990)
Ob es nun um Heroin oder einfach nur um unerwiderte Liebe geht. Die Single „There She Goes” der La’s aus ihrem selbstbetitelten Debütalbum ist bis heute ein Grundstein des Britpop geblieben. Lee Mavers’ eindringliches Falsett haucht dem traurigen Protagonisten des Songs Leben ein, während der endlose Gitarrenriff seine Verzweiflung noch verstärkt.
„There She Goes“ – später ein Hit für Sixpence None the Richer – war kein Zufallstreffer. Anderswo verbindet „Feelin” klassische Pop-Hooks und Harmonien, die an The Who und die Beatles erinnern, während „Way Out” einen moderneren Post-Punk-Spirit verkörpert.
Allerdings vergiftete ein langer, obsessiver Aufnahmeprozess die Wahrnehmung der Liverpooler Band von ihrer Arbeit und voneinander. „Wir [hassen] es”, sagte Mavers über The La’s, kurz nachdem es 1990 erschienen war. „Es hat nie etwas von dem eingefangen, worum es uns ging. Um es kurz zu machen: Zu viele Köche verderben den Brei.”
12. Temple of the Dog, „Temple of the Dog” (1991)
Bevor Grunge groß wurde, schlossen sich Mitglieder der Musikszene von Seattle zusammen, um einem verstorbenen Star aus ihrer Community Tribut zu zollen. Andrew Wood, Frontmann von Mother Love Bone und Malfunkshun, starb im Frühjahr 1990 im Alter von 24 Jahren an einer Überdosis Heroin. Genau an dem Tag, an dem sein Mitbewohner Chris Cornell von Soundgarden von einer Tournee zurückkehrte.
Zu Ehren seines Freundes schrieb Cornell mehrere Songs und gründete Temple of the Dog zusammen mit den überlebenden Mitgliedern von Mother Love Bone, Stone Gossard und Jeff Ament, dem Gitarristen Mike McCready, Soundgarden-Schlagzeuger Matt Cameron und Sänger Eddie Vedder, der gerade nach Seattle geflogen war, um für die Band Mookie Blaylock (später Pearl Jam) vorzuspielen.
Temple of the Dog war für die Musiker ein emotional schwerer Vorstoß, der eine Zärtlichkeit zeigte, die in ihren bald berühmten Auftritten nicht ganz so deutlich zum Ausdruck kam, und ihre Traurigkeit in ein Meisterwerk verwandelte.
11. Young Marble Giants, „Colossal Youth” (1980)
Kurt Cobain schwärmte von ihnen. Ohne sie wäre das bahnbrechende Label K Records aus Olympia undenkbar gewesen. Ob bewusst oder unbewusst, jede Indie-Band, deren Gitarrist absichtlich die Lautstärke herunterdrehte oder deren Sänger sich weigerte zu schreien, orientierte sich an der einzigen LP dieses walisischen Post-Punk-Trios.
Aber obwohl die Erben der Giants in der Regel Verfechter eines inspirierten Amateurismus und einer trotzigen Ruhe sind, zeichnet sich Colossal Youth durch ein unheimliches Gefühl der Kontrolle aus. Philip Moxhams minimalistische Bassfiguren, Stuart Moxhams nervöse Gitarre und dröhnende Orgel, die gelegentlichen Klicks und Knackser einer primitiven Drum Machine. Kein einziger Ton nimmt mehr Raum ein als nötig oder schwankt auch nur einen Millimeter aus seiner Position.
Und egal, wie nervös, unruhig oder aggressiv ihre Umgebung auch sein mag, Sängerin Alison Statton bleibt cool.
10. Madvillain, „Madvillainy“ (2004)
Madlib und MF Doom hatten Madvillain immer als Spaßprojekt gedacht, bevor sie zu ihren jeweiligen Karrieren als zwei der größten Namen im Underground-Hip-Hop zurückkehrten. Das Ergebnis war ein Meisterwerk aus elliptischen Beat-Salven wie dem selbsterklärenden „Accordion” und dem von Gras durchdrungenen „America’s Most Blunted” sowie mürrischen Street-Raps wie „Meat Grinder” mit mehr Wendungen als ein Roman von Elmore Leonard.
Seitdem sind die Erwartungen an ein Folgealbum gestiegen. Trotz gelegentlicher Versprechungen und Remix-Alben scheint es unwahrscheinlich, dass Madlib the Loop Digga und Doom the Supervillain versuchen werden, einen Gipfel zurückzuerobern, der für Hip-Hop-Fans vielleicht das ist, was Dizzy Gillespie und Charlie Parker während der Bebop-Ära mit ihren salzigen Jazz-Kommunikés erreicht haben.
9. The Postal Service, „Give Up“ (2003)
Im Jahr 2001 begannen Ben Gibbard von Death Cab for Cutie und Jimmy Tamborello (damals bekannt als IDM-Produzent Dntel) damit, Songideen über digitale Audiokassetten auszutauschen, die sie zwischen Seattle und Los Angeles hin und her schickten. Jenny Lewis, Frontfrau von Rilo Kiley, die im selben Wohnkomplex wie Tamborello lebte, ergänzte ihre Tracks mit Backing Vocals. Das Ergebnis war „Give Up“. Ein schwindelerregender Synth-Pop-Ausweg aus dem gitarrenlastigen Machismo des Indie-Rock.
In Anlehnung an die New Romantics der Achtzigerjahre versahen sie ihre computergenerierten Liebesballaden mit einer eisigen, orchestralen Atmosphäre. Aber nicht einmal die glänzenden, roboterhaften Gesangsstile von Gibbard und Lewis konnten das hohe Melodram der Texte abkühlen. Die Hit-Single „Such Great Heights“ wurde in mehreren Fernsehwerbespots verwendet und erhielt 2004 im Film „Garden State“ eine Hollywood-Behandlung durch eine akustische Interpretation von Iron & Wine.
Das Album wurde 2005 mit Gold ausgezeichnet und löste eine Flut von kunstvollen Indie-Pop-Acts wie Owl City, Matt & Kim und Passion Pit aus. Das Trio kam 2013 für eine kurze 10-jährige Reunion-Tournee wieder zusammen, versprach jedoch keine weiteren Veröffentlichungen unter dem Namen The Postal Service. „Dies wird nicht nur der letzte Song der Tournee sein“, sagte Gibbard dem Publikum bei ihrer Abschlussshow auf dem Lollapalooza-Festival. „Dies ist der letzte Song, den wir jemals spielen werden.“
8. Johnny Thunders and the Heartbreakers, „L.A.M.F. ‘ (1977)
Ein kreischendes, hungriges, gemeines und gebrochenes Durcheinander von Gitarrenklängen, unterlegt mit den beschleunigten Rhythmen des Fifties-Rock und R&B. Das einzige Studioalbum der Heartbreakers war ein Dokument über New Yorker Straßenkämpfer, die sich in London verirrt hatten und auf der Suche nach Liebe, Ruhm oder allem waren, was sie nicht an sich hatten und für Drogengeld verkaufen konnten.
Die Heartbreakers wurden 1975 gegründet, nachdem Gitarrist Johnny Thunders und Schlagzeuger Jerry Nolan die New York Dolls verlassen hatten. 1977 tourten sie mit den Sex Pistols und nahmen während ihres Auslandsaufenthalts „L.A.M.F.“ (für „Like a Mother Fucker“) auf. Der Mix des Albums war so hoffnungslos blechern, dass Nolan für eine Weile ausstieg.
Aber wie endlose Remixe (und Live-Aufnahmen) zeigten, waren Songs wie „Born To Lose“ und „Can’t Keep My Eyes On You“ Vorzeigestücke für Thunders’ Gitarrenspiel, das wie eine Rasierklinge auf einem Cupcake wirkte. Voller bösartiger Süße. „Chinese Rocks“, geschrieben von Dee Dee Ramone und Richard Hell, erzählte den Rest der Geschichte: alles ging den Bach runter wegen der Heroinsucht.
7. Buena Vista Social Club, „Buena Vista Social Club“ (1997)
Der Gitarrist Ry Cooder, der nach Havanna gelockt worden war, um einige malische Musiker aufzunehmen, die jedoch nie auftauchten, entwickelte einen Plan B, der sich schließlich mehr als 15 Millionen Mal verkaufte. Mit Hilfe des lokalen Bandleaders Juan de Marcos stellte Cooder eine solide Kerngruppe zusammen, die durch alternde lokale Legenden wie den 79-jährigen Pianisten Rubén González und den 89-jährigen Gitarristen Compay Segundo sowie die 60-jährige Sängerin Omara Portuondo ergänzt wurde.
Mit Cooders zurückhaltender Blues- und hawaiianisch angehauchter Begleitung entstanden in dem sechstägigen Projekt Boleros, Sones, eine Guajira und andere Songs von unbeschreiblichem Charme und nostalgischer Kraft. Und obwohl diese besondere Gruppe von Musikern nie wieder zusammenkam, entstand aus denselben Sessions ein weiteres Debütalbum, „Introducing… Rubén González“, das den Pianisten hervorhebt, den Cooder als eine Mischung aus Thelonious Monk und Felix the Cat betrachtete.
6. Minor Threat, „Out of Step“ (1983)
„Out of Step“ ist kein typisches Debütalbum in voller Länge. Seine neun Titel haben eine Gesamtlaufzeit von weniger als 22 Minuten. Es handelt sich eher um eine Abschiedsbotschaft eines Quartetts, das die soziopolitischen Ideale des amerikanischen Hardcore darlegt. Damals sagten die besten Punkbands, was sie zu sagen hatten, und erneuerten sich dann entweder durch Besetzungswechsel oder lösten sich auf.
Minor Threat hatte bereits die Punk-Szene in Washington D.C. mit „Straight Edge“ erobert. Einem Weckruf, der in der Folge die alkohol- und drogenfreie D.I.Y.-Ideologie hervorbrachte. Persönlichkeitskonflikte und Geldprobleme sorgten dafür, dass sich die Gruppe bald darauf auflöste.
Jahrzehnte nach ihrem vorzeitigen Ende hallt Ian MacKayes legendärer Schrei im Titelsong immer noch nach, mit dem Urgeist einer ungezügelten Jugend, die auf mehr hofft. „Ich rauche nicht! Ich trinke nicht! Und ich ficke nicht! Wenigstens kann ich verdammt noch mal denken!“
5. The Modern Lovers, „The Modern Lovers“ (1976)
Die explosive frühe Besetzung der Modern Lovers hielt gerade lange genug in den frühen Siebzigern zusammen, um einen Avant-Punk-Klassiker voller Spannung, Humor und Selbstreflexion aufzunehmen. Das sagen zumindest fast alle außer ihrem visionären, schrägen Sänger Jonathan Richman, der sich von dem kontrollierten Wahnsinn distanzierte, während dieser entstand.
„Jonathan schlug eine neue Richtung ein, und [Produzent John] Cale wollte die Angst und Gewalt im Sound, die uns in unseren Anfängen wirklich auszeichneten“, sagte Bassist Ernie Brooks, der bei den Sessions mit Keyboarder Jerry Harrison (der bald zu den Talking Heads kam) und Schlagzeuger David Robinson (der bald zu den Cars kam) spielte.
Hypnotische Freakouts wie „Roadrunner“ und „Old World“ signalisierten nicht unbedingt einen neuen Weg nach vorne. Sondern eher einen bösartigen Seitenangriff. Diese schrille Haltung rührte etwas bei den Sex Pistols an und ist auch heute noch bei aktuellen Punk-Experimentierern wie Parquet Courts zu hören.
4. Jeff Buckley, „Grace“ (1994)
Das Vermächtnis von Jeff Buckleys zart-herzzerreißendem Album „Grace“ lebt auch nach dem tragischen Tod des Sängers im Jahr 1997 weiter. Mit seiner zitternden Balance aus Kargheit und Verzweiflung war „Grace“ ein Meisterwerk des Songwritings, der Musikalität und der stimmlichen Brillanz, wobei Buckleys gequälte Engelsstimme jeden Song mit Drama erfüllte.
Besonders bemerkenswert war seine Coverversion von Leonard Cohens „Hallelujah”, die den Hymnus in eine langwierigere Reflexion über Liebe und Glauben verwandelte. Sie hat mit ihrer häufigen Verwendung als Soundtrack für klimatische Momente auf der Leinwand und nationale Tragödien fast das Vermächtnis von Cohens Version verdrängt.
Buckley konnte die Kraft des Songs nicht miterleben, da er zu seinen Lebzeiten nie offiziell als Single veröffentlicht wurde. Er war 30 Jahre alt, als er während der Arbeit an seinem zweiten Album bei einem spontanen Bad in einem ruhigen Kanal des Mississippi ertrank.
3. Lauryn Hill, „The Miseducation of Lauryn Hill“ (1998)
„The Miseducation of Lauryn Hill“ ist ein kolossales Album. Eine letzte, triumphale Darstellung des afrozentrischen Bohemianismus, für den einst Hills ehemalige Multi-Platin-Gruppe The Fugees eintrat, und des nationalbewussten Ethos, für das frühere Heldinnen wie Queen Latifah eintraten.
Vor allem aber ist es ein feministisch-politisches Statement zu Liebe, Politik und Moral, das eine Balance zwischen Karriere und Mutterschaft findet. Von der freudigen Hommage an ihren neugeborenen Sohn „To Zion” bis zu ihrer heftigen Battle-Rap-Ablehnung ihres ehemaligen Fugees-Partners Wyclef Jean in „Lost One”.
Ebenso wichtig für den Mythos von „Miseducation“ ist, wie Hill als erste Hip-Hop-Künstlerin einen Grammy für das Album des Jahres gewann, nur um sich dann auf einen herzzerreißenden, turbulenten Rückzug aus dem Rampenlicht zu begeben, sodass wir uns fragen, wie die Fortsetzung dieses Meilensteins aussehen würde, die es nie gab.
2. Derek & the Dominos, „Layla and Other Assorted Love Songs“ (1970)
Es ist natürlich Eric Claptons Meisterwerk. Aber weder seine Heroinsucht noch seine berüchtigte Verliebtheit in Patti Harrison verdienen die ganze Anerkennung dafür, dass sie ihn zu den intensivsten Darbietungen seiner Karriere getrieben haben.
Clapton war ausnahmsweise einmal der Erste unter Gleichen, ohne in einer Supergroup um Aufmerksamkeit zu konkurrieren oder als Begleitmusiker Anonymität zu suchen. Als Keyboarder, Sänger und Songwriting-Partner steht Bobby Whitlock Clapton durchweg zur Seite, die Rhythmusgruppe mit Bassist Carl Radle und Schlagzeuger Jim Gordon treibt das Album mit nuancierter Präzision voran. Duane Allmans hochfliegende Slide-Gitarre bildet einen perfekten Kontrapunkt zu Claptons eigenen prägnanten, schneidenden Phrasen. Die Band konnte jedoch nicht zusammenbleiben und löste sich während einer Folgesession auf.
1. Sex Pistols, „Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols“ (1977)
Als die Punk-Provokateure Sex Pistols ihr einziges Album voller Gift veröffentlichten, waren sie bereits die berüchtigtste Band Großbritanniens. Die Verantwortlichen der offiziellen britischen Popcharts weigerten sich sogar, den Namen der Band zu drucken, die als vulgäre Hooligans galten, als „God Save the Queen” im Mai 1977 Platz zwei der Charts erreichte.
Die LP war dazu bestimmt, ein kultureller Wendepunkt zu werden. Egal was darauf zu hören war. Aber weil Bollocks zwölf ausgesprochen wütende Salven enthielt, die nach Chaos verlangten („Anarchy in the U.K.”), sich in Faulheit ergötzten („Seventeen”) und das Obszöne umarmten („Fuck this and fuck that”), explodierte es auf eine Weise, die seitdem Nachhall in der Musik gefunden hat und alle inspirierte, von Axl Rose bis hin, indirekt, Neil Young. Die Lust der Band auf Chaos sollte ihnen letztendlich zum Verhängnis werden.
Denn Streitigkeiten mit ihrem Manager Malcolm McLaren und Antipathie gegenüber seinen Bandkollegen führten dazu, dass Johnny Rotten etwas mehr als zwei Monate nach Erscheinen des Albums auf der Bühne aus der Band austrat.
