Ethan Hawke: Mein Leben in 10 Rollen
Ethan Hawke blickt auf zehn Rollen zurück – von „Dead Poets Society“ bis „The Lowdown“ – und spricht über Mentoren und Risiko.
Der zottelige Typ im ausgewaschenen Charley-Crockett-Konzert-T-Shirt, der an einem sonnigen Dienstagnachmittag in ein vollgestopftes Brooklyn-Café läuft, würde niemals mit einem frischgesichtigen Prep-School-Schüler verwechselt werden, der ein Pult vom Dach wirft. Niemand würde glauben, dass dieser Stammgast, der den Besitzer des Ladens mit einem Bro-Hug begrüßt, nebenbei so etwas spielt wie einen L.A.-Cop, der gerade dazu überredet wurde, Angel Dust zu rauchen. Oder einen Priester, der in einer existenziellen Krise feststeckt. Oder eine fünf Fuß große Broadway-Legende, die sich zu Tode säuft. Mit dem Bart könnte er notfalls vermutlich als Abolitionist des 19. Jahrhunderts durchgehen. Und was die Verkörperung von Generation-X-Schluffigkeit angeht? Dieser Typ hat das Gebäude vor Ewigkeiten verlassen.
Aber wie die meisten Schauspieler, mit denen die Menschen Jahrzehnte verbracht haben, die wir auf der Leinwand haben erwachsen werden sehen und die von Ingenues zu echten Künstlern wurden, bringt Ethan Hawke seine Vergangenheit mit, wenn er einen Raum betritt. Und in den nächsten zwei Stunden und mehreren starken Tassen Kaffee wird der 54-Jährige kurze Aufblitze all dieser zuvor erwähnten Typen zeigen, während er neun seiner Film- und TV-Rollen plus einen Bühnenauftritt auseinanderdröselt („einen wichtigen, und nicht nur, weil es Shakespeare ist“, sagt er). Eine Neigung seines Kopfes, und plötzlich hält Jesse aus „Before Sunrise“ Hof. Er senkt seine Stimme zu einem rauen Kehlenkratzen, und man hat das Gefühl, man spricht mit dem Songwriter Lorenz Hart.
Hawke kann in einem Sekundenbruchteil vom Everyman aus den Außenbezirken zu einem altmodischen Filmstar wechseln. „Ich hatte wirklich Glück“, gibt er zu, „dass ich Mentoren hatte und gefördert und umsorgt wurde, und früh begriffen habe, wie es sich anfühlt, Schauspiel nicht als Wettbewerb zu sehen, sondern als Teil der kollektiven Vorstellungskraft. Und dort wohnt die Magie.“
„Dead Poets Society“ (1989): Todd Anderson
Ich war vorher schon in einem Film gewesen, der hieß „Explorers“. Aber damit hier … also wissen Sie, wie man von Leuten hört, die um Kap Hoorn segeln – so nach dem Motto: Man hat es selbst noch nie gemacht, aber man hat gehört, dass es geschafft wurde, richtig? „Dead Poets Society“ war für mich, als würde ich diese Reise machen.
Ich war nicht der Kapitän, ich war nicht mal der Erste Offizier – ich war einfach nur auf dem Boot. Aber ich habe aus erster Hand gesehen, dass es gemacht werden kann, und wie ein gutes Schiff geführt wird. Ich durfte zusehen, wie [Regisseur] Peter Weir sich mit Studio-Bossen gestritten hat. Ich durfte einen echten Probenprozess beobachten. Ich durfte zusehen, wie ein komisches Genie [Robin Williams] von einem Meisterhandwerker inszeniert wurde. Ich wurde gefördert und umsorgt.
Ich erinnere mich, ich musste diese Rede halten, die mit dem Vater der Figur zu tun hatte. Und nachdem wir sie durchgespielt hatten, sagte ich zu [meinem Co-Star] Robert Sean Leonard: „Diese Szene ist so unfassbar scheiße.“ Peter Weir hörte das und fragte mich: „Warum haben Sie das gesagt?“ Und ich sagte ihm, ich würde einem anderen Mann niemals all diese Dinge sagen. Daraufhin meinte er: Was würden Sie sagen? Und wir redeten und redeten, und ich erzählte ihm davon, wie meine Eltern mir zum Geburtstag dasselbe Geschenk gekauft hatten, und dass sie nicht wussten, dass sie das getan hatten … Ich hatte mich noch nie in meinem Leben so unsichtbar gefühlt.
Mentoren, Proben, Wirkung
Und Peter sagte: Also wenn Ihnen das jetzt passieren würde, was würden Sie tun? Ich sagte, ich würde das Ding vom verdammten Dach werfen. Okay, meinte er, warum machen wir das nicht einfach so? Also saßen wir da, schrieben die ganze Szene um, und sie ist im Film! Das war meine Einführung ins Filmemachen. Deshalb wusste ich, als Richard Linklater mich fünf Jahre später anrief und sagte: „Lassen Sie uns zusammen etwas erschaffen“, wie ich ihm dabei helfen kann.
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Manchmal gibt es diese kleine Stimme in jedem Kopf, die sagt: „Alles ist scheiße. Alles verschwindet im Nichts. Nichts zählt.“ Und dann macht man 1989 einen Film, und 2024 zeigt Ihnen ein 18-Jähriger „Carpe Diem“, tätowiert auf seinem Arm, das er sich hat stechen lassen wegen etwas, das Sie getan haben. Und dann denkt man: Wissen Sie, es zählt. Es zählt, was wir in die Welt setzen.
„Reality Bites“ (1994): Troy Dyer
Anfang der 1990er habe ich überall Troys im echten Leben gesehen – der Typ, der ständig ein Exemplar von „Zen and the Art of Motorcycle Maintenance“ in der Gesäßtasche hat, den man irgendwie respektiert, aber über den man auch die Augen verdreht? Ich kannte diesen Typen.
Ich habe den Film wegen Winona [Ryder] gemacht. Sie war in dem Moment die beste Schauspielerin der Welt, lief auf allen Zylindern. Und sie liebte diesen Comedian, der für mich einfach der Typ war, der „The Ben Stiller Show“ machte, die ich nie gesehen habe. Sie so: „Vertrau mir, der Typ ist brillant.“ Und siehe da, sie hatte recht. Als Regisseur würde ich ihn auf eine Stufe mit Mike Nichols stellen. Aber ich habe mich trotzdem gesträubt: Wer will einen Film über vier jammernde weiße Leute sehen, von denen ich keinen mag?
Und Winona sagte: „Wir müssen keine Meinung darüber haben, ob wir sie mögen oder nicht. Lassen Sie uns sie einfach wahrhaftig spielen.“ Das, plus das Drehbuch hatte einfach Gold drin – ich meine, Helen Childress ist eine brillante Autorin. Also sagte ich ja. [Pause.] Und dann dachten jahrelang alle, ich wäre dieser Arsch!
Ruhm, Labels und die Zeitmarke
Ich glaube nicht, dass die Leute verstanden, dass ich eine Figur spielte. Und sie haben Troy leidenschaftlich gehasst. Erst war es so: Na ja, dann muss die Leistung wohl funktionieren, wenn sie so eine Reaktion auslöst. Aber ich ging von, wissen Sie, einfach einem der Poeten in „Dead Poets Society“ zu „dem Gesicht der Generation X“. Wie bitte? Nein! Ich hatte so Angst vor diesem Etikett, weil es so ist: „Wenn dieses Gen-X-Ding vorbei ist, bin ich es auch.“ Ich kann Ihnen nicht sagen, wie oft ich das nach dem Kinostart gelesen habe. So nach dem Motto: Sie stecken mich in dieselbe Schublade, in die sie Sean Cassidy gesteckt haben.
Heute bin ich wirklich stolz, Teil dieses Films gewesen zu sein, der wie eine Markierung in der Zeit ist. Ich erinnere mich, direkt nach der Veröffentlichung sagte jemand: „Das wird eine definierende Komödie für ihren Moment.“ Und ich machte nur so [verdreht die Augen]. Wissen Sie, wir haben eine okaye Komödie gemacht; machen Sie nicht mehr daraus, als sie ist. Und dann war ich vor ein paar Jahren bei der 25-Jahre-Jubiläumsvorführung, und wissen Sie was? Er hatte recht, und ich lag falsch.
Die „Before“-Trilogie (1995–2013): Jesse
Rick [Linklater] hatte kurz vor „Reality Bites“ „Slacker“ veröffentlicht, und sie wurden ständig in einen Topf geworfen. Ich war in einem Stück mit Anthony Rapp, der in „Dazed and Confused“ war, und er nahm mich mit, um einen frühen Schnitt davon zu sehen. Ich habe es so geliebt. Ich finde, es ist eine der großen Ungerechtigkeiten des Universums, dass ich einer der wenigen Schauspieler dieser Zeit bin, die nicht in diesem Film sind. Das können Sie drucken. [Lacht.]
Aber Rick kam, um das Stück zu sehen, und wir hingen schließlich zusammen ab. Als wir uns dann entschieden, etwas zu machen, war es so: „Okay, Troy und der Typ, der ‚Slacker‘ gemacht hat, tun sich zusammen, um den ultimativen Gen-X-Film zu machen – wenn sie lange genug aufhören können, Pot zu rauchen und allen anderen zu erzählen, wie sehr sie scheiße sind, um sich überhaupt zu bemühen, Mann!“ [Lacht.]
Das Lustige ist, Ricks großes Ziel mit „Before Sunrise“ war, überhaupt keinen Film zu machen, der an diesen Moment gebunden ist. Er wollte, dass es sich anfühlt, als könnte er 50 Jahre vor 1995 spielen oder 50 Jahre später. Ich habe durch diesen ersten Film gelernt, wie man auf der Leinwand redet. Viele Schauspieler mögen es nicht, mehr als ein paar Zeilen zu haben, dann reden sie endlos darüber, dass Film ein visuelles Medium sei, und all das. Ist es, aber es ist auch noch viel mehr. Und das Ding bei Jesse ist, dass er nicht versucht, Julie Delpys Figur, Céline, zu beeindrucken, wenn sie sich treffen. Er will eine Verbindung. Und Rick sagte: „Ich habe noch nie einen Film gesehen, in dem es die ganze Zeit nur connect, connect, connect ist.“
Linklater und das Langzeitprojekt Liebe
„Before Sunset“ und „Before Midnight“ zu machen – das hat Altern interessant gemacht. Wir drei haben viel von uns selbst und unseren Erfahrungen des Älterwerdens in beide Figuren gesteckt. Es wurde zu einem fortlaufenden Kunstprojekt, in dem wir all unsere Gefühle über Älterwerden und Enttäuschung unterbringen konnten und darüber, was passiert, wenn man seine Idee von Liebe auf andere Menschen projiziert. Wenn der erste Film von Verbindung handelt, dann handelt „Sunset“ von verpassten Verbindungen und „Midnight“ davon, wieder Verbindung aufzunehmen. Und der dritte war wirklich die Frage an uns selbst.
Könnten wir einen romantischen Film machen, der von Leuten handelt, die seit zehn Jahren zusammen sind und gemeinsam Kinder haben? „Before Sunrise“ beginnt damit, dass zwei Twentysomething-Kids einem Paar in den Vierzigern zuhören, das sich streitet. Und bis man am Ende des letzten Films ist, sind sie dieses Paar geworden.
„Training Day“ (2001): Jake Hoyt
Ich habe tatsächlich Filme angeschaut, die Denzel [Washington] gemacht hatte, um mich auf diese Rolle vorzubereiten, aber nicht unbedingt aus den Gründen, die die Leute denken. Es ging weniger um „wie kann ich mich gegen ihn behaupten?“ und mehr um: „Wer war darin besonders gut, ein wirklich guter Szenenpartner für ihn zu sein?“ Ich erinnere mich, wir machten den ersten Durchlauf des Drehbuchs, und auf dem Heimweg dachte ich: „Richtig, also wenn ich hier einfach einen okayen Job mache, dann gewinnt dieser Typ den Oscar.“ Wissen Sie, was ich meine? Es war wirklich: „Ich muss den Ball hier nur nicht fallen lassen, und dann sind wir gut.“ [Lacht.]
Ich musste ständig an Gene Hackman denken. Sie schauen viele Denzel-Filme, und Sie sehen Leute, die ihm aus dem Weg gehen. Dann schauen Sie „Crimson Tide“, und diese Typen gehen einfach Schlag auf Schlag. Keiner von ihnen geht dem anderen aus dem Weg. Mein Ziel war also, für ihn ein Szenenpartner auf Gene-Hackman-Niveau zu sein, und das heißt, die Figur zu ehren und dem anderen etwas zu geben, woran er sich abspielen kann. Ich dachte ständig: „Dieser Typ kann alles ab, was ich ihm hinwerfe. Also versuche ich einfach, meine Figur, Jake, so interessant und echt und verdammt dreidimensional wie möglich zu machen.“ Und wir hatten deshalb eine Menge Spaß.
Auf Augenhöhe mit Legenden
Jemand sagte mal, meine Leistung sei ein bisschen untergegangen bei dem, was Denzel macht. Meine Antwort darauf ist, dass sie so untergegangen ist, wie Scottie Pippens Leistung untergegangen ist – ich bin wirklich stolz auf das, was wir da gemacht haben, weil es so ist, als stünde ich in diesem Film mit Michael Jordan auf dem Court. Es gibt eine Handvoll Erfahrungen, bei denen ich mich an jeden Tag, jede Minute am Set erinnern kann. Das war eine davon. Es ist, als hätte ich in einem Team gespielt, das nur aus Hall-of-Famern bestand.
„Before the Devil Knows You’re Dead“ (2007): Hank Hanson
Wenn Sie davon träumen, ein New Yorker Schauspieler zu sein, heißt das, Sie versuchen, Al Pacino, Robert De Niro, Gene Hackman zu sein – das, was ich nicht nur als dynamischen Schauspieler sehe, sondern als einen Typen ohne Eitelkeit, der mit der Brotdose zur Arbeit geht. Und das heißt auch, Sie wollen mit Sidney Lumet arbeiten.
Man muss sich erinnern, Philip Seymour Hoffman hatte gerade den Oscar gewonnen [für „Capote“]. Die meisten Leute würden sofort Kasse machen – sie würden den Bösewicht in irgendeinem großen Film spielen für einen massiven Paycheck.
Und als Phil wusste, dass er gerade einen Moment hat, war das Erste, was er tat, zu Sidney zu gehen, der das seit Jahren hatte machen wollen, und zu sagen: „Ich habe jetzt gerade die Power, das finanziert zu kriegen, lassen Sie es uns möglich machen.“ Dann kamen er und Sidney zu einer Aufführung von „Hurlyburly“, in der ich war, gingen nach der Show backstage und sagten: „Wir schicken Ihnen morgen ein Drehbuch.“ Das war einer der größten Tage meines Berufslebens.
Lumet, Druck und Handwerk ohne Eitelkeit
Aber schauen Sie, es war nicht leicht. Sidney war wie ein guter Coach, der Sie an Ihre Grenzen bringt, um Sie zu der besten Arbeit zu pushen. Er war nicht der Typ, der jeden Tag reinkommt und sagt: „Hey Leute, super Job, es ist so ein Vergnügen, mit euch zu arbeiten!“ Ich erinnere mich an einen Tag, an dem er Phil wirklich stark drückte, und Phil schnappte irgendwann zurück: „Musste Al auch so eine Scheiße machen?“ Und Sidney antwortete: „Ja, musste er. Und mögen Sie die Filme, die er mit mir gemacht hat? Tun Sie? Großartig, können wir dann bitte aufhören, über Mr. Pacino zu reden, und wieder an die Arbeit gehen?“ [Lacht.]
„Macbeth“ am Lincoln Center (2013): Macbeth
Neben Peter Weir und Rick Linklater war einer der großen Mentoren in meinem Leben dieser Theaterregisseur namens Jack O’Brien, der mir die Chance gab, wie er es ausdrücken würde, „sich gegen das Beste zu messen, das die Menschheit zu bieten hat“. Das Ding mit dem schottischen Stück, und Shakespeare insgesamt, ist: Sie werden an die Wand Ihres Talents stoßen. Sie werden nicht besser sein als die verlangte Rolle; Sie werden nur zu kurz kommen. Die Frage ist: Wie kurz kommen Sie, und in wie vielen Fähigkeiten können Sie Ihr Potenzial erreichen?
Und anders als die meisten britischen Schauspieler bin ich dafür nie wirklich ausgebildet worden. Also war ich froh, dass ich etwa ein Jahr Zeit hatte, mich vorzubereiten. Ich hatte diese großartige Acting-Coachin, Liz Smith, die mir früh sagte: Hör auf, Ian-McKellen-Clips auf YouTube zu schauen. Du wirst nicht können, was er kann. Also arbeite mit deiner Art, Dinge zu machen, und du wirst einen Weg hineinfinden.
Shakespeare als Talentgrenze
Ich brauche keine Erlaubnis, um ein Sam-Shepard-Stück oder einen Tennessee Williams zu spielen. Aber für viele amerikanische Schauspieler gibt es dieses Gefühl, wir seien zweitklassige Bürger, wenn es um Shakespeare geht. Und Liz war im Grunde so: „Imitieren Sie niemanden. Lassen Sie uns eine Party machen, und Sie geben dem Ihren Spin.“
Ich wollte das in das Gespräch aufnehmen, weil ich irgendwie das Gefühl habe, dass es den Schauspieler gab, der ich vor „Macbeth“ war, und den Schauspieler, der ich nach „Macbeth“ war. Wissen Sie, das ganze Instrument hat sich danach verändert.
„First Reformed“ (2017): Rev. Ernst Toller
Ich bekam dieses Drehbuch und war buchstäblich nur so: „Was zur Hölle?!“ Ich meine, es war eindeutig vom selben Autor geschrieben, der uns „Taxi Driver“ gegeben hat. Es ist, als würde man sich vorstellen, man hätte 25 Jahre lang keinen Bob-Dylan-Song gehört, und dann legt jemand einen neuen Song auf und man sagt: „Oh, ja, das ist Dylan! Das ist der Dylan, den ich kenne!“
Wie viele Leute dachte ich, Paul [Schrader] wäre bereit, seine Lifetime-Achievement-Awards auf Festivals einzusammeln, wissen Sie, und dann zu unterrichten oder so. Aber als wir den Durchlauf machten, sah ich, dass seine Hände zitterten – man spürte einfach klar, man war in der Gegenwart eines großen Künstlers, der etwas Großes zu sagen hatte, und so dankbar war, dass er die Chance hatte, es zu sagen.
Es gab Momente, da spielte ich eine Szene, und man hörte so ein Geräusch irgendwie seitlich. Und es ist so: „Cut! Okay, wer zur Hölle macht so viel Lärm?“ Und es war Paul, der beim Kamerasitz saß und weinte. Er war von all dem so bewegt. Für diesen Menschen war das kein Job. Das war eine Berufung.
Schrader, Berufung und ein persönlicher Moment
Es gab eine Szene, in der ich diese Passage aus der Bibel lesen soll. Aber der Druck war zu klein, ich wollte meine Brille nicht tragen, und es war einfach zu lang, um es auswendig zu lernen. Ich wurde frustriert. Also bat ich jemanden, die Passage in größerer Schrift auszudrucken, und das taten sie, klebten sie in eine Bibel und gaben sie mir. Perfekt, ich brauche keine Brille, Problem gelöst.
Ich mache die Szene, lese aus dem Buch und beende die Einstellung. Ich bin gerade dabei, sie zurückzugeben, und ich schaue zufällig auf das Deckblatt, und da steht: „Dear Paulie, Merry Christmas! Love, Mom and Dad, 1956.“ Und Paul riss mir das Buch schnell aus der Hand. Er hatte mir seine eigene Bibel gegeben! Mir wurde klar, dass ich Teil von etwas wirklich Persönlichem für diesen Künstler war, den ich so sehr bewunderte. Ich hatte nur nicht begriffen, wie persönlich es war.
„The Good Lord Bird“ (2020): John Brown
Es liegt mir so nah am Herzen, diese Rolle. Diese Geschichte legt ihre Hände auf die große nationale Wunde und küsst sie irgendwie, und neckt sie, und sie ist total unsentimental – wie die Geschichte des Abolitionisten John Brown, erzählt von Redd Foxx oder so, wissen Sie? [Lacht.] Und ich liebe das. Es fühlte sich gefährlich an, wie eine Mutprobe. Als würde ich einen Sprung vom Zehnmeterbrett machen.
Brown war die verrückteste Performance, die ich je versucht habe. Ich wurde 50, und es fühlte sich an, als wäre es Zeit, aufs Ganze zu gehen, und dass dieses Thema es wert war, dafür aufs Ganze zu gehen. Ich würde so etwas nicht in irgendeinem großen, albernen Autojagd-Film machen. Und ich wollte es in etwas machen, das es verdient.
Schauen Sie, jeder will den ganz großen Schlag machen, und manchmal ist Ihr Job nicht, den ganz großen Schlag zu versuchen. Manchmal ist Ihr Job einfach, auf Base zu kommen. Aber das hier war eins, bei dem ich jedes einzelne Mal große, fette Swings gemacht habe. Ich meine, da gibt es ein paar Reden … Ich schaue sie mir jetzt an und denke: „Ich bin wirklich komplett wahnsinnig hier.“ [Lacht.] Ich hatte hier die Lizenz dafür. Also habe ich es gemacht.
Risiko, Depression, politischer Moment
Die Pandemie traf direkt, nachdem ich die Serie beendet hatte, und zum ersten Mal seit langer, langer Zeit hatte ich nichts in Aussicht. John Brown zu verabschieden und keinen Job in der Pipeline zu haben – ich fiel in die schlimmste Depression meines Erwachsenenlebens. Ich fühlte wirklich so: Okay, ich bin hier fertig. Packt mich weg. Nichts wird sich in Sachen Arbeit danach noch lohnenswert anfühlen. Und doch: weil die Show direkt nach dem Sommer von George Floyd herauskam, und all dem? Ich war nie glücklicher, Künstler zu sein und mich so ausdrücken zu können. Ich hatte auch nie mehr das Gefühl, nützlich zu sein, als in diesem Moment.
„Blue Moon“ (2025): Lorenz Hart
Die Geschichte von Hart und Rodgers … ich meine, stellen Sie sich vor, Sie schauen Lennon und McCartney zu, und sie stehen kurz davor, sich zu trennen. Einer von ihnen wird gleich eine Band starten, die die Beatles überrundet, und der andere wird ein paar Monate später in der Gosse sterben. Einer segelt zum Mond, der andere geht sechs Fuß unter die Erde. Das ist die Geschichte von einem Typen, der sich vor ein Erschießungskommando stellt, von jemandem, der buchstäblich an gebrochenem Herzen stirbt.
Sie können Larry Hart überhaupt nicht verstehen, wenn Sie nicht seinen grundlegenden Glauben verstehen – nämlich: Wenn er nicht am lautesten redet, das Klügste und Witzigste sagt, das Leben der Party ist, dann wird ihn niemand sehen. Er ekelt sich vor seinem eigenen Aussehen. Also, als ich das sofort wusste: Alles klar, ich muss mir den Kopf rasieren. Ich muss das bisschen, was von meinen Haaren übrig ist, färben und einen Combover machen.
Es gibt nur wenige Looks, die so unattraktiv sind wie ein erwachsener Mann, der sich die Haare färbt und sie über einen riesigen kahlen Kopf kämmt. Außerdem säuft er sich zu Tode, er ist arthritisch, und er hat eine schreckliche Haut, wissen Sie? Und die Leute schauen mir seit 30 Jahren beim Schauspielern zu, und sie wissen, ich bin nicht fünf Fuß groß! Ich kann die Leute so nicht täuschen. Außerdem wusste ich, ich muss es mit praktischen Effekten machen, weil Rick … sagen wir mal, er ist allergisch gegen Computer. [Lacht.] Es war so: Okay, Zeit, mich in all das reinzulehnen.
Verwandlung, praktische Effekte, Gegensätze spielen
Aber der eigentliche Trick war, dass ich wusste, ich muss dem Publikum die Seele dieses Typen sofort zeigen, weil all das Make-up und die Haare und das Größen-Ding einen nur so weit bringen. Ich musste ihn als eine Reihe von Gegensätzen spielen: Der kleinste Typ im Raum mit dem größten Mund. Er ist unglaublich verbittert und unglaublich unterstützend und empathisch.
Er fühlt sich zu Männern hingezogen, verliebt sich aber Hals über Kopf in eine unerreichbare Frau. Für jede negative Note musste ich eine positive spielen, und umgekehrt. Erinnern Sie sich, wie ich sagte, ich war nach „Macbeth“ ein anderer Schauspieler? Das ist ein gutes Beispiel. Da gab es viele Dinge, die in den letzten zehn Jahren meines Lebens passiert sind, die mir das Werkzeugset gegeben haben, um zu wissen, wie man das macht.
„The Lowdown“ (2025): Lee Raybon
Vor ungefähr einem Jahrzehnt oder so habe ich einen Graphic Novel über die Apache Wars geschrieben, der „Indeh“ heißt. Ich bekomme einen Anruf wegen dieses jungen Native-Filmemachers namens Sterlin, der wirklich mit mir darüber sprechen will. Also treffe ich ihn, und wir verstehen uns wie ein Haus in Flammen. Er hat die Idee, wir sollten zusammen ein Filmdrehbuch über das Buch schreiben. Aber das Drehbuch sollte beide unserer Blickwinkel enthalten und wirklich die Frage stellen: Ist es die Geschichte des weißen Amerika, die erzählt werden darf, oder ausschließlich eine Native-Geschichte? Wir waren beide in diesem Krieg verwickelt. Wessen Geschichte ist es, sie zu erzählen?
Jedenfalls waren wir etwa halb durch dieses verdammte Drehbuch, und er rief mich an und sagte: „Sorry, ich muss das droppen, Dude.“ Ich dachte nur: „Warum? Wir haben Spaß, wir haben keine Deadline oder so, wir versuchen nur, das möglich zu machen.“ Und er so: „Na ja, ich habe gerade die Chance bekommen, meine Traumshow zu machen.
„Ich hatte dieses Kribbeln eine Weile nicht mehr gespürt“
Ich muss das nehmen!“ Cut zu meinem Freund Sterlin Harjo, der „Reservation Dogs“ macht, und es ist so … das ist nicht TV. Das ist etwas anderes, komplett! Es ist magisch. Er fragte, ob er mir eine Rolle schreiben könne, und ich so: „Natürlich!“ Ich denke, es wird ein Verkäufer an einem 7-11 oder so. Und er schenkt mir dieses Geschenk einer Rolle, die teilweise auf meiner Figur aus der „Before“-Trilogie basiert. Ich hatte am Set die beste Zeit, die ich seit langem hatte. Gerade nach „Good Lord Bird“ – ich hatte dieses Kribbeln eine Weile nicht mehr gespürt.
Später bin ich mit Sterlin in Tulsa, er nimmt mich mit ins Philbrook Museum, und wir fangen an, total abzunerden über unsere Liebe zu „The Long Goodbye“. Er sagt: „Ich will ein Tulsa-Noir schreiben, das so ist wie ‚The Long Goodbye‘. Ich schreibe das für dich.“ Und das nächste, was ich weiß: Ich schaue auf dieses Drehbuch, und es ist so … Ich hatte dieses Gefühl, als ich anfing, mit Rick zu arbeiten.
So: Dieser Typ versteht mich. Ich habe so ein Glück, dass ich einen Kollaborateur gefunden habe, der mich so versteht, und noch bevor „Before Sunrise“ fertig war, wusste ich irgendwie, wir würden lange zusammenarbeiten. So fühle ich mich bei Sterlin. Ich lese „The Lowdown“ und es ist so: Oh mein Gott, es passiert wieder. Er versteht mich komplett. Ich hoffe, wir machen eine Million Dinge zusammen.
