Riot Grrrl: Die 11 besten Alben
Unverzichtbare LPs aus der feministischen Revolution des Rock der Neunzigerjahre. Riot Grrrl: Die 11 besten Alben
Riot Grrrl: Die besten Alben
„Was ist Riot Grrrl?“, fragte ein Punk-Fanzine 1991. „Riot Grrrl gibt es, weil wir Mädchen Medien schaffen wollen, die uns ansprechen. Denn jedes Mal, wenn wir einen Stift oder ein Instrument in die Hand nehmen oder etwas fertigstellen, schaffen wir eine Revolution. Wir sind die Revolution.“ Anfang der Neunzigerjahre ergriffen junge Feministinnen auf der ganzen Welt die Gelegenheit, sich im Punkrock auszudrücken, und gründeten Bands. Unabhängig davon, ob sie spielen konnten oder nicht. Einfach weil sie etwas zu sagen hatten. Wie Tobi Vail, Schlagzeugerin von Bikini Kill, sagte: „Die Bedeutung unserer jungen, brennenden Herzen darf nicht heruntergespielt werden.“
Die Riot-Grrrl-Szene wurde zum wichtigsten Einflussfaktor für die Rock-Explosion der Neunzigerjahre. Das bekannteste Beispiel ist Nirvana. Kathleen Hanna sprühte die Worte „Smells Like Teen Spirit“ an die Wand ihres Freundes Kurt Cobain. Er verwandelte dies in einen recht populären Song. Die Riot Grrrls ließen sich von Punk-Pionierinnen der 1970er Jahre wie The Slits, The Raincoats und X-Ray Spex inspirieren.
Leitfaden zu den wichtigsten Songs des Riot Grrrl
Aber sie machten etwas Neues. Und die Welt schaute zu. (Wer könnte die Riot-Grrrl-Folge von „Roseanne“ vergessen?) Der Begriff verbreitete sich. Man konnte diesen Einfluss in der gesamten Popmusik der Neunzigerjahre hören. Er inspirierte alle, von Alanis Morrissette bis zu den Spice Girls. Dennoch ist sie nach wie vor eine wichtige Kraft. Bikini Kill, Sleater-Kinney und Team Dresch haben großartige Reunion-Tourneen gespielt. Und das Erstaunlichste daran war, wie jung das Publikum war.
Wie die meisten Punkrocker waren auch die Riot Grrrls chaotisch, nur noch viel mehr. Die Künstler arbeiteten gerne schnell und zogen weiter, wechselten von Band zu Band und verstreuten ihre großartigen Songs auf Compilations, Singles und zufälligen Nebenprojekten statt auf Alben. Aber das macht die Suche nach verborgenen Schätzen nur noch spannender. Hier ist also ein Leitfaden zu den wichtigsten Songs von Riot Grrrl. Es ist ein entscheidender Moment in der Musikgeschichte, die beste Rechtfertigung, die Punkrock je für sich selbst gefunden hat, und ein zeitloses Vorbild an Ehrlichkeit und Unabhängigkeit für alle Künstler in allen Bereichen. Wie Sleater-Kinney sagen würde: Turn it on, turn it on, turn it on.
MUST-HEAR: Bikini Kill, „Bikini Kill” EP (1992)
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In einem ihrer ersten Riot-Grrrl-Zines veröffentlichte Bikini Kill eine Einladung, die gleichzeitig eine Herausforderung war: „Finde die größte Schlampe der Stadt und gründe mit ihr eine Band.“ Bikini Kill kam in der College-Stadt Olympia im Bundesstaat Washington zusammen und verwandelte ihre feministische Wut in Punkrock-Kicks, ausgehend von dem Motto „Revolution Girl Style Now!“ Ihre Debüt-EP aus dem Jahr 1991 war roh, aber kraftvoll und wurde von Ian MacKaye von Fugazi produziert. Kathleen Hanna knurrte über Frauenfeindlichkeit, Missbrauch und Gewalt zu den wilden Riffs von „Suck My Left One“ und „Double Dare Ya“. „Feels Blind“ war ihr Zeugnis davon, wie sie in Geschlechterrollen gefangen aufgewachsen war: „Ich bin die Frau, die man mir immer beigebracht hat zu sein: hungrig.“ Damals war es schwer, eine Kopie zu finden, aber die EP wurde durch Mundpropaganda zu einem Sensationserfolg und wanderte von Freund zu Freund.
MUST-HEAR: Sleater-Kinney, „Call the Doctor“ (1996)
Der Schuss, der um die Welt ging: drei junge Frauen, die ihren eigenen heroischen Sound machten. Corin Tucker und Carrie Brownstein kannten sich aus der Olympia-Szene: Brownstein mit ihrer Band Excuse 17, Tucker mit Heavens to Betsy. Aber als sie zusammen spielten, sprang der Funke über. „Es fühlte sich an, als wären wir verschmolzen“, sagte Brownstein gegenüber Rolling Stone. „Dieser Blitz schlug von meiner Brust in ihre.“ Call the Doctor war ihre Geschichte darüber, jung und weiblich in einer feindseligen Welt zu sein: zum Schweigen gebracht in „Anonymous“, bereit zu explodieren in „I’m Not Waiting“. All das bricht in „I Wanna Be Your Joey Ramone“ hervor, wo sie alles Verstaubte und Selbstgefällige an Amerika herausfordern, während Tucker schreit: „I’m the queen of rock & roll!“
MUST-HEAR: Bikini Kill, „The Singles“ (1998)
Das definitive Bikini-Kill-Dokument. Wie so viele andere Punk-Rebellen blühten Bikini Kill am besten im prägnanten Format der zweiminütigen Vinyl-Knaller auf, und „The Singles“ versammelt die Bomben, die sie bis zu ihrer Trennung 1997 immer wieder gezündet haben. „Rebel Girl“ ist ihre Hymne – „in ihrem Kuss schmecke ich die Revolution“ – mit Produzentin und Fan Joan Jett, die an der Gitarre alles gibt. Auf „The Singles“ spielen Jett und Hanna auch das alte Klatschspiel „Miss Mary Mack“, zusammen mit den wilden Stücken „I Like Fucking“, „I Hate Danger“ und „New Radio“, in dem Hanna schimpft: „Ich bin das kleine Mädchen beim Picknick, das nicht aufhört, ihr Kleid hochzuziehen.“ The Singles ist eines der aufregendsten Artefakte des Punk.
HÖRTIPP: Bratmobile, „Pottymouth“ (1993)
Bratmobile fanden ihren Sound in den politischen und musikalischen Möglichkeiten von Kinderreimen: „Girl germs! Girl germs! Can’t hide out, they’re everywhere!“ Sie produzierten einige der wildesten und witzigsten Singles dieser Zeit, mit Allison Wolfe, die über Erin Smiths Surf-Gitarre und Molly Neumans Schlagzeug One-Liner zum Besten gab: „Cool Schmool”, „Queenie”, „Kiss and Ride”. (Wolfe und Neuman gaben das einflussreiche Zine Girl Germs heraus; Smiths Zine hieß Teenage Gang Debs.) Pottymouth ist ihr Lo-Fi-Debütalbum mit „P.R.D.C.T.” („Punk Rock Dream Come True”) und einer geschlechtervertauschten Version von „Cherry Bomb” von den Runaways. „Cherry Bomb“. Seitdem sind Bratmobile mit verschiedenen Bands aktiv geblieben, von Cold Cold Hearts bis Sex Stains. Heute betreibt Wolfe ihren unverzichtbaren Podcast „I’m in the Band“, in dem sie Musikerinnen interviewt.
HÖRTIPP: Team Dresch, „Personal Best“ (1995)
Diese Queercore-Pioniere aus Portland waren ihrer Zeit weit voraus, weshalb sie heute legendärer sind denn je. Donna Dresch spielte bei Dinosaur Jr. und Screaming Trees, bevor sie zusammen mit Jody Bleyle von Hazel und Kaia Wilson von Adickdid Team Dresch gründete, zu einer Zeit, als es für queere Kids in der Punkszene schwierig war, sich zu finden. Wie Bleyle sagte: „Wir haben die Band gegründet, weil wir dachten: ‚Ich will mit ein paar schwulen Leuten abhängen.’” Personal Best ist eine schmerzlich reale Momentaufnahme der LGBQT-Jugend, zusammengefasst in „Fagetarian and Dyke”, wo es heißt: „Ich habe die letzten 10 Tage meines Lebens damit verbracht, die Smiths zu kopieren.”
Captain My Captain war ebenso hervorragend, insbesondere „Uncle Phranc”, eine Hommage an die Suche nach queeren Vorbildern für die selbst gewählte Familie. („Sie sagte mir, ich solle mich nicht mit heterosexuellen Mädchen einlassen/Sie sagte mir, ich solle keine Pillen nehmen“ – damals wie heute ein guter Rat.) Team Dresch hat gerade einen neuen Protestsong veröffentlicht: „Your Hands in My Pockets“. „Du kannst niemals dem Klang einer Frau entkommen, die dich liebt“, erklärte Wilson letztes Jahr. „Das ist unsere Band. Unsere Band ist die Frau, die uns liebt.“
HÖRTIPP: Sleater-Kinney, „Dig Me Out“ (1997)
Niemand hätte erwartet, dass Sleater-Kinney Call the Doctor übertreffen würden; in den Neunzigern galt es als kitschig, zwei großartige Alben hintereinander zu veröffentlichen. Aber S-K wurden noch besser, als sie mit Janet Weiss ihre Traum-Punkrock-Schlagzeugerin fanden. Dig Me Out ist ihr selbstbewusstestes Album, auf dem Tucker und Brownstein sich in einem mitreißenden Wechselgesang die Stimmen abnehmen. Die Songs handeln vom Aufbrechen, Ausbrechen, sich befreien. „One More Hour” ist voller romantischer Qualen (Tucker und Brownstein waren kurzzeitig ein Paar), während „Turn It On” und „Words and Guitar” voller Tatendrang für die Zukunft klingen, wenn Tucker schreit: „Take the noise in my head/Come on and turn it, turn it up!”.
HÖRTIPP: Le Tigre, „Le Tigre” (1999)
Nachdem Bikini Kill sich mit „Reject All American” verabschiedet hatten, gründete Kathleen Hanna zusammen mit der Zine-Autorin Johanna Fateman und der Indie-Filmemacherin Sadie Benning Le Tigre. Ihr Album, das im November 1999 erschien, überraschte alle – ein frischer Inspirationsschub, voller Synth-Pop-Beats und verspielten Girl-Group-Vocals. „Deceptacon“ wird mit seiner zeitlosen Frage „Who took the bomp from the bomp-a-lomp-a-lomp?“ für immer auf den Tanzflächen zu hören sein. Wer hat den Ram aus dem Rama-Lama-Ding-Dong genommen?“ „Hot Topic“ ist eine Hommage an einige ihrer Helden, bei der alle drei Frauen über einen Drum-Loop im Motown-Stil Namen rufen: „Gertrude Stein!“ „Yoko Ono!“ „James Baldwin!“ „Sleater-Kinney!“ „Billie Jean King!“.
TIEFER EINTAUCHEN: Slant 6, „Soda Pop Rip Off“ (1994)
Slant 6 hatte all den Glanz, den man von einem Power-Trio erwarten würde, das nach einem legendären Chrysler-Muscle-Car-Motor benannt ist. Ein Großteil der frühen Riot-Grrrl-Kultur entstand aus der landesweiten Verbundenheit zwischen Washington, D.C., und dem pazifischen Nordwesten: Slant 6 hielt die Hauptstadt mit Grooves wie „Time Expired“ am Laufen, indem sie sich über den Nuggets-artigen Garagenrock der Sechziger lustig machten, aber mit einem Hauch von Bedrohung. Christina Billotte war zusammen mit Mary Timony von Helium Mitglied der Pionierband Autoclave. Sie redet hart („Du denkst, du bist Robert De Niro/Und du denkst, ich bin ein Nichts”), aber ihre Gitarre redet noch härter.
TIEFER EINTAUCHEN: Heavens to Betsy, „Calculated” (1994)
Schon vor Sleater-Kinney hatte Corin Tucker in ihrem Duo mit der Schlagzeugerin Tracy Sawyer ihre eigene unverwechselbare Stimme. Heavens to Betsy scheute sich nicht, bis zum Äußersten zu gehen – „My Red Self“ ist immer noch der beste Rocksong, der je über das Surfen auf der roten Welle geschrieben wurde. („What is the color of shame? Ist es rot? Blutrot?”) Ihr einziges Album, Calculated, erreicht seinen Höhepunkt mit „Axemen”, einem Song über eine Highschool-Schülerin, die nicht zur Pep-Rally gehen will. Tucker erreicht eine Art Raserei, als sie singt: „Ich werde verrückt! Willst du zusehen? Willst du mitkommen?”
TIEFER EINTAUCHEN: Lois, „Infinity Plus“ (1996)
Wenn man in den Neunzigern eine Mixtape für Regentage zusammenstellte, musste man gesetzlich mindestens einen Song von Lois darauf haben. Mit ihrer Akustikgitarre, ihrer Teetasse und ihrem schiefen Grinsen wirkte Lois Maffeo wie die kluge Tante der Szene, mit Songs, die einem unter die Haut gingen („Capital A“) oder einen zum Lachen brachten („Indie“, das sowohl im musikalischen als auch im sexuellen Sinne DIY ist), oder beides.
Sie hatte eine Band in Olympia namens „Courtney Love“, was eine clevere Idee zu sein schien, bis jemand anderes mit diesem Namen berühmt wurde. (Snail Mail covert gerne ihre B-Seite „The 2nd Most Beautiful Girl in the World“ aus dem Jahr 1990. Ihr vielleicht riot-grrrl-mäßigstes Album ist „Strumpet“ aus dem Jahr 1995, auf dem Mitglieder von Bratmobile und Team Dresch mitwirkten, aber sie übertraf es noch mit „Infinity Plus“, einem verlorenen Klassiker der 90er Jahre mit herzzerreißenden Balladen, darunter ihr Duett mit Elliott Smith „Rougher“.
WEITERFÜHREND: Sleater-Kinney, „The Woods“ (2005)
Irgendetwas begann seltsam zu werden bei den Live-Shows von Sleater-Kinney. Sie fingen an zu jammen. Sie hatten schon immer eine unverhohlene Vorliebe für Classic Rock und coverten „Fortunate Son“ von Creedence und „The Promised Land“ von Bruce Springsteen.Aber auf „The Woods“ ließen sie ihrer megaheavy psychedelischen Seite freien Lauf, bis hin zum elfminütigen Höhepunkt „Let’s Call It Love“.
Brownsteins reduzierte Ballade „Modern Girl“ wurde mit dem traurigen Refrain „My whole life is like a picture of a sunny day“ zum Titelsong. (Sie gab auch ihren gefeierten Memoiren aus dem Jahr 2015 den Titel „Hunger Makes Me a Modern Girl“.) Sleater-Kinney legte nach „The Woods“ eine Pause ein, kehrte aber 10 Jahre später mit „No Cities to Love“ zurück. Brownstein fand auch in ihrer Comedy-Show mit Fred Armisen, „Portlandia“, das richtige Medium für ihren satirischen Witz. Auf ihrer Tournee 2019, auch ohne Weiss, rockten „Entertain“ und „The Fox“ so laut wie eh und je.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Mecca Normal, „I Walk Alone“ aus „Mecca Normal“ (1986)
Ein schockierender Sound in den Achtzigern: Die Vancouverer Dichterin Jean Smith geht die Straße entlang, begleitet von David Lesters skelettartiger Gitarre. Sie will doch nur alleine spazieren gehen, warum muss sie dann ihr Leben riskieren? Rocker prahlen immer gerne damit, dass sie alleine unterwegs sind, von Whitesnake bis Green Day, aber niemand hat das jemals so beängstigend klingen lassen. Ein großer Einfluss auf Bikini Kill und alle, die danach kamen.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: L7, „Shove” aus „Smell the Magic” (1990)
Die großartigen Grunge-Queens aus L.A. waren Wegbegleiterinnen der Riot-Grrrl-Bewegung. (Donita Sparks stellte außerdem einen neuen Rekord für schlechtesten Benehmen auf der Bühne auf, als sie bei einem Festival in Großbritannien einen Tampon in die feindselige Menge warf.) Diese Single von Sub Pop aus dem Jahr 1990 lässt den Drang heraus, die ganze Welt aus dem Weg zu schubsen: „Meine Nachbarn sagen, ich spiele zu laut/Amerika findet, ich sollte stolz sein.” L7 bleiben mit ihrem aktuellen Album „Scatter the Rats” weiterhin authentisch. Hier anhören.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Fifth Column, „She Said Boom” aus „All Time Queen of the World” (1990)
Fifth Column begann in den 1980er Jahren als Kollektiv queerer Kunststudenten aus Toronto, die das Patriarchat zerschlagen wollten. (Ein früher Albumtitel: To Sir With Hate.) „She Said Boom“ ist ihre klassische Ode an einen Graffiti-Tagger. Als sie 1994 36C veröffentlichten, waren sie bereits Teil der Szene geworden, die sie mitbegründet hatten. Wie Caroline Azar sagte: „‚She said boom‘ sind drei einfache Worte, die für uns bedeuten, Verantwortung für die eigene kleine Revolution zu übernehmen.”
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: 7 Year Bitch, „Dead Men Don’t Rape”, aus der Compilation „There’s a Dyke in the Pit” (1992)
Ein unverblümtes Manifest der Band aus Seattle und ein Highlight der klassischen 7-Zoll-EP „There’s a Dyke in the Pit“, auf der auch Bikini Kill und Tribe 8 zu hören sind. 7 Year Bitch hatten einen fulminanten Auftritt in dem Teenager-Drama „Mad Love“ von 1995, als die Band Drew Barrymore heimlich besucht – vielleicht die typischste Szene der 90er Jahre in einem Film.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Huggy Bear, „Her Jazz” aus „Taking the Rough With the Smooch” (1993)
„Das passiert ohne eure Erlaubnis”, verkündet Huggy Bear in diesem britischen Broadside – einem frühen Beispiel dafür, dass Bands auf der ganzen Welt den Riot-Grrrl-Spirit aufgriffen.
„Her Jazz“ war die Split-Single der Band aus Brighton mit „Yeah Yeah Yeah Yeah“ von Bikini Kill, die zu einer „Girl/Boy-Revolution“ aufrief.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Mary Lou Lord, „Some Jingle Jangle Morning“, Single (1993)
Hier gibt es keine Wut oder Lärm – nur eine wehmütige Folk-Stimme, die sich das Herz aus der Seele singt, begleitet von Vail und Wilcox von Bikini Kill sowie Donna Dresch. „Some Jingle Jangle Morning“ fängt das Gefühl ein, wie es ist, durch die Zwanziger zu stolpern, zu sehen, wie sonnige Menschen düster werden, wie alte Freunde auseinanderbrechen oder sich entfernen. („They’ve all moved to Seattle or L.A.“ – zu real.) Es ist die Antwort der Generation X auf „Bob Dylan’s Dream”.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Excuse 17, „Sevenwhateverteen”, aus der Compilation „Periscope” (1994)
Carrie Brownsteins erste Band war dieses Pop-Punk-Trio, das zwei vielversprechende Alben veröffentlichte, bevor Sleater-Kinney groß rauskamen. Ihr bester Moment: „Sevenwhateverteen“ aus der wichtigen YoYo-Compilation „Periscope“, eine trügerisch eingängige Klage über ein Mädchen, das dich nur liebt, wenn ihr Freund nicht da ist.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: C.W.A., „Only Straight Girls Wear Dresses“ aus der Compilation „Stars Kill Rock“ (1993)
Das C in „C.W.A.“ steht nicht für „closeted“ (im Schrank). „Only Straight Girls Wear Dresses“ ist ein schmutziges Spoken-Word-Gedicht über einen billigen Beatbox-Beat und Casio-Synthesizer, das die Stereotypen der damaligen Zeit über queere Kultur mit einer Geschichte über eine Butch/Femme-Romanze auf den Kopf stellt.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Emily’s Sassy Lime, „Hello Yucko” aus der Compilation „A Slice of Lemon” (1995)
Die beiden Teenager-Schwestern Amy und Wendy Yao aus Südkalifornien beschlossen, eine Band zu gründen, nachdem sie in Schwierigkeiten geraten waren, weil sie sich heimlich aus dem Haus geschlichen hatten, um Konzerte von Bratmobile und Bikini Kill zu sehen. Emily’s Sassy Lime (man beachte den palindromischen Namen) hatten ihren eigenen fantastischen Stil des fragmentierten Brat-Punk. „Hello Yucko” ist ihr Abschiedsgruß an einen Loser, den sie höhnisch verspotten: „Hang your head in shame/You’re all the same.”
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Sleater-Kinney, „More Than a Feeling” aus der Compilation „Move Into the Villa Villakula” (1995)
Eine frühe B-Seite, die den Stoner-Klassiker der Band Boston aus den Siebzigern vandalisiert. Sie greifen den Riff auf, der damals unzählige Camaro-Fahrten begleitet hat, spielen aber mit den Worten, schreiben die Melodie um und verwandeln sie in ihr eigenes zerbrechliches Geständnis: ein brillantes Stück Classic-Rock-Revisionismus.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Kathleen Hanna, „I Wish I Was Him“ aus der Compilation „Rock Stars Kill“ (1994)
Der jugendliche Indie-Wunderkind Ben Lee schrieb diese Ode an Evan Dando von den Lemonheads. (Das ultimative Kompliment der Neunziger: „Er versteht sogar die Texte von Pavement-Songs.”) Aber Hanna verleiht dem Ganzen eine ganz neue Ebene der Gender-Ironie, indem sie auf hinterhältige Weise singend seufzt: „Er glaubt, er kann besser ein Mädchen sein als ich.”
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Verschiedene Künstler, „Target Practice“ aus der Compilation „Free to Fight“ (1995)
Free to Fight war mehr als ein Album. Es war ein „interaktives Selbstverteidigungsprojekt“, das auf Candy Ass Records veröffentlicht wurde. Und Comics, Gedichte und Geschichten über sexuelle Gewalt sowie Songs von Heavens to Betsy, Excuse 17, Lois und anderen enthielt. „Target Practice“ ist eine unverblümte Lektion in Selbstverteidigung. Mit Stimmen, die „Augen, Knie, Leistengegend, Kehle!“ skandieren.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Julie Ruin, „Radical or Pro-Parental“, aus „Julie Ruin“ (1998)
Was würde Kathleen Hanna nach Bikini Kill als Zugabe versuchen? Diese exzentrische, elektrisierende Solo-Platte unter dem Namen Julie Ruin. Inspiriert von der französischen Feministin Helen Cixous und den B-52s.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Cadallaca, „Pocket Games“, aus „Introducing Cadallaca“ (1998)
Die Mitglieder von Sleater-Kinney schrieben Songs schneller, als die Band sie aufnehmen konnte, sodass alle drei mit Nebenprojekten beschäftigt waren. Während Brownstein mit Mary Timony die Spells gründete – sie haben eine explosive Version von „Can’t Explain“ von The Who –, gründete Tucker diese Band mit Sarah Dougher an der Farfisa-Orgel. „Pocket Games“ ist eine kraftvolle Ballade über einen chaotischen Abschied am Flughafen.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: Wild Flag, „Romance“ aus „Wild Flag“ (2011)
Nachdem die Fans von Sleater-Kinney die Hoffnung schon fast aufgegeben hatten, tauchten zwei Drittel der Band plötzlich mit ihrer großartigen neuen Band Wild Flag wieder auf. Brownstein und Tucker schlossen sich Mary Timony von Helium für „Romance“ an. Und schrien: „Sound is the blood between me and you“ (Der Sound ist das Blut zwischen dir und mir). Das klingt wie ein Credo, nach dem sie ihr ganzes Leben lang gelebt haben.
AUSGEWÄHLTE STÜCKE: gSP, „Social Death“ aus „gSp“ (2017)
Der Name wird „girlSperm“ ausgesprochen, wie „Theme from girlSperm“ hilfreich verrät. Ein Trio aus Bikini Kill und Skinned Teens zeigt allen, wie es geht. Mit Gitarrengewitter über Tobi Vails rockigen Beach-Party-Drums. „Social Death“ handelt davon, das Leben nicht aufzugeben. Sich zu zwingen, das Haus zu verlassen und irgendwo aufzutauchen. Genau darum ging es bei Riot Grrrl schon immer. Wie es in dem alten Song heißt: Widerstehe dem psychischen Tod.
