ROLLING STONE hat gewählt: Die 500 besten Alben aller Zeiten
Die 500 besten Alben aller Zeiten – vom ROLLING STONE gewählt. Ein Überblick über Musikgeschichte, Meisterwerke und Kultklassiker.
Hunderte Ausgaben des Rolling Stone sind erschienen, seit wir zuletzt im November 2004 die berühmt-berüchtigte Frage nach den größten Alben der Pop-Geschichte stellten. Es war das Jahr, in dem Kanye West, Arcade Fire und Joanna Newsom ihre Debüts veröffentlichten – Künstler:innen, die die folgenden zwei Dekaden entscheidend mitprägen sollten. Aber es sind nicht nur die seit unserer letzten Umfrage veröffentlichten Alben, die unsere aktuelle Liste, für die wir 135 Künstler:innen, Labelbetreiber:innen, Promoter:innen, Kolleg:innen aus dem Rundfunk und Musikkritiker:innen um ihre Bestenlisten gebeten haben, von der damaligen unterscheiden.
Auch der Blick auf die Geschichte hat sich durch die Themen und identitätspolitischen Diskurse unserer Zeit verändert. War die Top Ten 2004 noch ausschließlich von weißen männlichen Künstlern besetzt, finden sich nun Marvin Gaye, Patti Smith, Fleetwood Mac und Amy Winehouse auf den vorderen Plätzen. „Blonde On Blonde“ von Bob Dylan, 2004 noch auf Platz 1, ist auf den 8. Platz gefallen. Den dramatischsten Absturz legten allerdings überraschenderweise die Rolling Stones hin. 2004 noch mit zwei Alben in den Top 20, tauchen sie nun zum ersten Mal auf Platz 51 auf. Die Steinzeit scheint vorbei zu sein.
Beastie Boys
Paul’s Boutique
Capitol, 1989
Auf die Bubenstreiche von „Licensed To Ill“, unter Anleitung von Fähnleinführer Rick Rubin, folgte die Neuerfindung als Wortakrobaten und Überhipster, im Team mit den Sample-Meistern The Dust Brothers. „Shake Your Rump“ zeigt den Vorsprung der Beasties vor dem Rest der Welt.
Elvis Costello
My Aim Is True
Stiff, 1977
Dass Nick Lowe es geschafft hat, Gift und Galle dieses Debütanten mit einer in London gestrandeten Westcoast-Band (Clover) zu verheiraten, bleibt ein großes Low-Budget-Wunder. Die Anmutung war Punk. Stücke wie „Red Shoes“ und „Alison“ waren die Visitenkarten eines Top-Songwriters.
Os Mutantes
Os Mutantes
Polydor, 1968
Ende der Sixties spielten Os Mutantes als Teil der Tropicália-Bewegung eine mutig aktive Rolle im Kampf gegen die brasilianische Militärdiktatur. Drei Jahrzehnte später inspirierte der farbenfrohe Rasselbanden-Sound ihrer Debüt-LP die Lo-Fi-Ästhetik von Beck und Konsorten.
Live
Throwing Copper
Radioactive, 1994
Selling the drama: Das konnte Ed Kowalczyk! Auf dem dritten Album von Live gehen mächtige Melodien, sehnsüchtige Texte und inbrünstiger Gesang eine unwiderstehliche Verbindung ein. Pathos? Na klar! In College-Rock-Hits wie „I Alone“ war es aber nie Selbstzweck.
Vampire Weekend
Vampire Weekend
XL, 2008
Reiche New Yorker inszenieren sich als noch reichere New Yorker, mischen europäischen Barock, westafrikanische Gitarrenmusik und kalifornischen Surf-Pop und singen über Feinheiten der englischen Grammatik. Kulturelle Aneignung, done right, kann magisch sein.
Meat Loaf
Bat Out Of Hell
Cleveland Intl./Epic, 1977
Dem Produzenten Jim Steinman und der Urgewalt Meat Loaf gelang ein makelloses Album, das Pop, Operette und Rock-Spektakel zugleich war, mit sensationellem Spannungsbogen. Alle Sehnsüchte der Jugend, all der Herzschmerz und die Verzweiflung, eingefangen in Bombast-Hits für die Ewigkeit.
Le Tigre
Feminist Sweepstakes
Mr. Lady, 2001
„Feminist, we’re calling you/ Please report to the front desk.“ Gern, dabei schreien wir großartige Slogans über den Fuzz-Punk-Elektronik-Teppich dieser erwachsenen Riot Grrls und grooven zum (extra dafür produzierten) Lesbenbar-Tanzhit „Dyke March 2001“. Resist!
AC/DC
Let There Be Rock
Albert, 1977
Das vierte Album von AC/DC ist ein Mittelfinger in Richtung ihres unkooperativen US-Labels Atlantic. Von Erfolgstourneen in Europa und England heiß gespielt, betet die Band einen Riff-Rosenkranz mit Hits wie „Whole Lotta Rosie“ und dem Titeltrack herunter.
Jens Friebe
Vorher Nachher Bilder
ZickZack, 2004
Plötzlich war da ein deutschsprachiger Songwriter, der präzise beobachten, Emotionen sprachlich fassen und Melodien schreiben konnte. Jens Friebe konnte klug sein, ohne dabei grüblerisch rüberzukommen. Mit seinem Debüt läutete er die Post-Hamburger-Schule-Zeit ein.
The Postal Service
Give Up
Sub Pop, 2003
Was als Fingerübung für nebenbei gedacht war, wurde zu einem stilprägenden Album: Death-Cab-For-Cutie-Sänger Ben Gibbard und Elektronik-Tüftler Jimmy Tamborello verbanden digitale Glitches, Beeps und Boops mit Indie-Pop-Songwriting. Die Computer erwachten zum Leben.
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R.E.M.
Up
(Warner, 1998)
Nach „Murmur“ und „Green“ war das elfte Album so etwas wie das dritte Debüt von R.E.M., nun als Trio. Ein zerschossenes, fragiles und genau deshalb so berührendes Werk voll zauberhafter Höhepunkte – von der Liebesballade „At My Most Beautiful“ bis zur Hymne „Walk Unafraid“.
Eric B. & Rakim
Paid In Full
Island, 1987
Ein großer Wurf der Neuen Schule des Mittachtziger-HipHop. Im Studio von Marley Marl entstehen symphonische Sounds. DJ Eric B. ist für die handgemachten Scratches verantwortlich, über die MC und Internal-Rhyme-Erfinder Rakim seinen ambitionierten Rhyme-Flow legt.
Kendrick Lamar
Damn
(TDE, 2017)
Das Gegenteil zum Jazz-Rap und Social Commentary von „To Pimp A Butterfly“: harter Trap, industrielle Sounds, Tracks für die Tanzfläche und zum Aufdrehen des Autoradios. Kein Kendrick-Song wird auf Konzerten vehementer mitgerappt als der Piano-Banger „Humble“.
Johnny Cash
At Folsom Prison
Columbia, 1968
Den Man in Black, der zur Legende wurde, brachte Johnny Cash erstmals im Folsom State Prison konsequent auf die Bühne. Sein Repertoire-Kalkül verschwindet im Angesicht der Knastkulisse hinter einer Performance aus Zuckerbrot und Peitsche.
Phoenix
United
Astralwerks, 2000
College-Rock wie aus einer John-Hughes-Dramedy, Retro-Pop, wie er Anfang des Jahrtausends die Welt verzauberte. Vier schluffige Franzosen feiern mit ihrem Debüt die ewige Jugend („Too Young“), aber auch Herzschmerz, der natürlich nie enden wird („If I Ever Feel Better“).
Led Zeppelin
Houses Of The Holy
Atlantic, 1973
Zwischen den Monsterplatten „IV“ und „Physical Graffiti“ liegt Led Zeppelins schönstes und lustigstes Album. Folk-Epen („The Rain Song“) und Psych-Rock („No Quarter“) treffen auf überkandidelten Funk („The Crunge“) und Reggae-Ulk („D’yer Mak’er“).
Ezra Furman
Perpetual Motion People
(Bella Union, 2015)
Mit seinem dritten Studioalbum wuchs Ezra Furman in die Rolle als Solokünstler:in hinein. Diese Art der Rockmusik kommt ohne Klischees aus, und doch geht es ganz klassisch um Aufbrüche und Ausbrüche. Zorn und Verwirrung entladen sich in grandiosem Rabatz.
Bunny Wailer
Blackheart Man
Island, 1976
Der 2021 verstorbene Neville O’Riley Livingston lieferte ein frühes Meisterwerk, das parallel zu „Exodus“ von Kumpel Bob Marley erschien. All-Star-Besetzung mit Peter Tosh, die Wailers als Rhythmussektion. Marihuana, Gospel und Jamaika-Classics.
Robyn
Robyn
Konichiwa, 2005
Mitte zwanzig und bei einem Major-Label, sollte Robyn die schwedische Britney Spears werden. Wollte sie aber nicht. Sie kaufte sich frei, kontaktierte die Avant-Pop-Exzentriker The Knife und machte diese wegweisende Synth-Platte, die Indie-Electro in den Pop brachte – und umgekehrt.
Elastica
Elastica
DGC, 1995
Während andere Britpop-Acts die Sixties plünderten, initiierten Elastica ein monochrom-minimalistisches Post-Punk-Revival, das von London bis Brooklyn nie wieder ganz aus der Mode kommen sollte. Dass Wire und The Stranglers daran kräftig mitverdienten, war nur gerecht.
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The Velvet Underground
White Light/White Heat
Verve, 1968
Lou Reed ließ seine Pop-Ambitionen auf dem zweiten Album endgültig hinter sich. Der Einfluss des Avantgardisten John Cale wuchs. Die Texte wurden (inspiriert von William S. Burroughs) expliziter, alles klang rau und verzerrt. Die Geburt des Punk.
The Monks
Black Monk Time
Polydor, 1966
Die irrste und visionärste Band in der deutschen Beatmusik. Fünf G.I.s, die hier hängen geblieben sind und mit repetitiv-primitivistischem Krach alles vorwegnehmen, was später bedrohlich und lustig erscheinen wird, von The Velvet Underground bis zu The Fall.
Kraftwerk
Radio-Aktivität
Kling Klang, 1975
Alle sagten: AKW, nee. Kraftwerk sagten: „Radio-Aktivität“, Fritz Lang, Zukunftsglauben, Future-Denken, Elektronik. Auf dem Cover der Volksempfänger. Auch das sollte schrappeln. Gegen den Strich, und trotzdem mussten es alle hören, auch die in den Wollpullis. Jeder!
Sleater-Kinney
Dig Me Out
Kill Rock Stars, 1997
Die neue Schlagzeugerin Janet Weiss gab den Songs der als Paar frisch getrennten Carrie Brownstein und Corin Tucker mehr Wucht und Struktur und ließ die dritte Sleater-Kinney-Platte wie ein großes Rock-Album klingen, das in den Texten zugleich alle Rock-Klischees dekonstruierte.
Daft Punk
Discovery
Virgin, 2001
Ein Pionier der Retromania: Daft Punk paarten EDM mit John Paul Youngs „Love Is In The Air“, Future Pop mit City Pop sowie House mit Hardrock der Siebziger, den wir später Yacht Rock nennen würden und der von dem Duo schon Anfang des Jahrtausends wieder cool gemacht wurde.
Bilderbuch
Schick Schock
Maschin, 2015
Dieses Album war das Gegenprogramm zum verschwitzten, bierseligen Austro-Rock von Wanda. Funk und Disco, Pop und HipHop, Dekadenz und Style, Falco und Prince. Und die Single „Maschin“ war das größte Monster, das es je über die Radiowellen auf diese Seite der Alpen schaffte.
Supertramp
Crime Of The Century
A&M, 1974
Das Album, das Supertramp berühmt machte. Rick Davies und Roger Hodgson hatten je vier Songs für die Platte geschrieben, aber unter Hodgsons Beiträgen sind „School“ und „Dreamer“. Davies’ „Rudy“ und „Bloody Well Right“ muten dagegen, well, etwas bieder an.
Chet Baker
Chet Baker Sings
Pacific Jazz, 1954
Die Platte, die jeder Balladensänger und jeder Trompeter machen wollte. Chet Baker sah unverschämt gut aus und sang Songs von Jimmy Van Heusen, Jerome Kern und Frank Loesser, vor allem aber „My Funny Valentine“, „I Fall In Love Too Easily“ und „The Thrill Is Gone“.
No Doubt
Tragic Kingdom
Trauma, 1996
Das Album mit „Don’t Speak“ und „Just A Girl“, aber Gwen Stefanis Band hatte mehr drauf als nur diese zwei Hits. Ihre ziemlich kalifornische Mischung aus Pop, Rock und Ska zog damals einige ähnliche Bands nach, doch keine war so perfekt auf den Punkt wie No Doubt.
Led Zeppelin
Physical Graffiti
Swan Song, 1975
Es sollte ihr „Sgt. Pepper“ werden. Acht neue Songs, darunter ihr Meisterwerk „Kashmir“, und Leftovers aus vergangenen Sessions füllen ein kunstvoll verpacktes Doppelalbum, das den überflüssigen Beweis antritt, Rock als Kunstform ernst zu nehmen.
Silver Jews
The Natural Bridge
Drag City, 1996
Ohne Gründungsmitglied Stephen Malkmus bewegte Songwriter David Berman seine Silver Jews immer weiter Richtung Alt-Country und entwickelte sich zum größten Lyricist seiner Generation: „No, the stars don’t shine upon us – we’re in the way of their light.“
Sun Kil Moon
Benji
Caldo Verde, 2014
Eine Sprühdose entzündet sich, die Explosion tötet die junge Mutter, die den Müll rausbringt. Der alte Mann ermordet seine kranke Frau, aus Liebe, will sich danach selbst umbringen, aber das klappt nicht. Die Welt in Mark Kozeleks Folk-Autofiktion: eine absurde Lotterie.
The Fall
The Frenz Experiment
Beggars Banquet, 1988
Unter dem Einfluss der Pop-affinen Brix Smith klangen The Fall auf „The Frenz Experiment“ so aufgeräumt und diszipliniert wie nie zuvor und schafften es sowohl mit dem Album als auch mit der ersten Single, einem Cover des Kinks-Hits „Victoria“, in die britischen Top 40.
Dr. Dre
2001
(Aftermath, 1999)
Dieser zweite Solostreich zeigt den Doktor erneut auf der Höhe seines Könnens. Eminem und Snoop Dogg, die Dre zu Superstars gemacht hat, sind hier ebenso im Team wie Xzibit, Nate Dogg und andere Kiffer mit schwierigem Verhältnis zu Frauen. „What’s The Difference“ ist leider trotzdem geil.
Creedence Clearwater Revival
Cosmo’s Factory
Fantasy, 1970
Das fünfte Album innerhalb von zwei Jahren. Mit dieser Platte voller Hits waren CCR auf dem Zenit angekommen. Es konnte nur noch bergab gehen. Bald verließ Tom Fogerty die Band, weil er keine Lust mehr auf die Alleinherrschaft seines Bruders John hatte.
Syd Barrett
The Madcap Laughs
Harvest, 1970
Outsider-Musik vom größten Insider. Obwohl Pink Floyd, so Gilmour, das Album nur produziert haben, um Barrett zu „bestrafen“, wird kein fühlender Mensch, der sie je gehört hat, die manisch-traurige, zerbrechliche Verstrahltheit dieser Songs missen wollen.
Neil Young & Crazy Horse
Ragged Glory
Reprise, 1990
Old Neil hatte mit „Freedom“ seine dritte goldene Phase erreicht. Aber das wütende Crazy-Horse-Glühen fehlte noch. Hier sind es neben Youngs zornigen Gitarrensoli die Improvisationen seiner Band, die den brennenden Wagen vorantreiben und den aufziehenden Grunge Rock umarmen.
Beck
Sea Change
Geffen, 2002
Von der Freundin getrennt und bei Scientology gelandet, schüttet Beck wehmütig sein Herz aus. Die Welt scheint ihm ein öder Ort geworden zu sein. Die schlunzigen Eklektizismen der Vergangenheit sind aus dem Spiel, dafür gibt es Akustikgitarre und Orchesterbombast.
Neil Young
Freedom
Reprise, 1989
Die Wiederkehr des Meisters nach den komischen 80er-Jahren. Am Ende der Dekade waren Neil Young lauter grandiose Songs eingefallen: „Rockin’ In The Free World“, „Eldorado“, „Too Far Gone“, „Crime In The City“, „Wrecking Ball“. Bald wurde er als Godfather of Grunge gefeiert.
Lizzy Mercier Descloux
Mambo Nassau
Philips, 1981
Sie lebte gemeinsam mit Patti Smith in einer Wohngemeinschaft und entwickelte ein Interesse für das, was später als World Music bezeichnet wurde. Michel Esteban, Mitbegründer von ZE Records, produzierte ihr zweites Album in Nassau. Kommerziell war es kein Erfolg, doch in den Szeneclubs von New York wurde es zum Hit.
The Cure
The Head On The Door
Fiction, 1985
Nach vereinzelten Indie-Hits und Jahren der düsteren Selbstfindung bauten sich The Cure eine Treppe in den lukrativen Mainstream. Mit der optimistischen Leichtigkeit und dem durchgängigen Pop-Appeal nimmt das Album eine Sonderstellung im Werk der Band ein.
Laurie Anderson
Big Science
Warner, 1982
Die für eine multimedia-Performance komponierten Electro-Haiku klingen, als würde eine künstliche Intelligenz mit mütterlicher Gleichmut dem Zerfall der Menschheit zusehen: „This is your Captain – and we are going down.“ Mit „O Superman“ kam die Kunstmusik in die Charts.
The Hold Steady
Boys And Girls In America
Vagrant, 2006
Ein wunderbares Storyteller-Album, das Craig Finn, Tad Kubler und Franz Nicolay gemeinsam schrieben. Alltagsgeschichten aus Amerika, in so trockenen wie effektiven Rock verpackt, mit Kraft erzählt. Ob „Chillout Tent“ oder „Party Pit“: Man sieht alles vor sich.
Wir sind Helden
Die Reklamation
EMI, 2003
Dieser Band gelang auf ihrem Debütalbum etwas, das hierzulande nur alle Jubeljahre vorkommt: eingängige Popmusik mit intelligenten Texten, mit Witz und Nonchalance. Wir sind Helden waren die Ausnahme von der Regel, eine deutsche Version von Rilo Kiley.
Missy Elliott
Miss E... So Addictive
Elektra, 2001
Niemand groovt, niemand rappt (und niemand produziert) besser als Missy „Misdemeanor“ Elliott: „Get Ur Freak On“, mit Tabla-Rhythmen zum Niederknien und einem japanischen Intro, spiegelt die Genialität dieser großen Künstlerin und ihres Best Buddy Timbaland.
Prefab Sprout
Swoon
Kitchenware, 1984
Die späteren Meisterwerke lassen leicht vergessen, dass „Swoon“ eines der besten Debütalben der Achtziger ist. Sieben Jahre hatte Paddy McAloon an den Stücken gefeilt, die Bossa nova, New Wave und Great American Songbook zu Musik verbinden, wie man sie noch nicht gehört hatte.
Cyndi Lauper
She’s So Unusual
Portrait, 1983
Cyndi Laupers Debüt erschien im selben Jahr wie das von Madonna. Sie hatte mindestens genauso gute Popsongs („Girls Just Want To Have Fun“! „Time After Time“!) und diese herrlich krächzende Stimme. Und während Madonna es nur andeutete, sang Cyndi „She Bop“.
The Kinks
Something Else By The Kinks
Pye, 1967
Damals war das Album ein Ladenhüter (weil „Waterloo Sunset“ und „Death Of A Clown“ schon Monate zuvor als Singles erschienen waren), heute beglückt es als Fundgrube verlorener Kleinode wie „Two Sisters“, „Lazy Old Sun“ oder „End Of The Season“.
Aretha Franklin
Aretha Now
Atlantic, 1968
Das ideale Medium des Sixties-Soul war zwar die Single, aber diese LP ist eine Jukebox für sich, nicht zuletzt dank Arethas epochalen Vokal-Duellen mit den Sweet Inspirations („Think“, „I Say A Little Prayer“) sowie Tom Dowds und Arif Mardins knackigen Bläser-Arrangements.
The Cure
Three Imaginary Boys
Fiction, 1979
Ende der Siebziger erfindet das Trio um Robert Smith den Melo-Sound der New Wave. Tracks wie „Grinding Halt“ marschieren zackig voran. Wem das Anarchy-Gebolze des Punk zu stumpf war, der konnte hier eine sensiblere Heimat finden.
The Byrds
Sweetheart Of The Rodeo
Initiiert von Gram Parsons, nahmen die Byrds ein Country-Rock-Album auf, das in Nashville auf wenig Gegenliebe stieß. In der eklektischen Songauswahl von Dylan über Haggard bis William Bell verwirklicht sich Parsons’ Vision einer „Cosmic American Music“.
Beastie Boys
Licensed To Ill
Drei postpubertäre Punks aus Brooklyn, von Produzent Rick Rubin zum Rap bekehrt, lassen es krachen. Statt „Fight The Power“ kämpfen sie für das „Right To Party“, sie sampeln Aerosmith und Led Zeppelin – und landen als erster Hip-Hop-Act überhaupt prompt auf der Nummer 1 der US-Charts.
Weyes Blood
Titanic Rising
Sub Pop, 2019
Ein majestätisches Album voller opulenter Arrangements – erhaben und elegant. Natalie Mering thront über diesen dramatischen Songs, ihre Stimme ist warm und kräftig und voll. Der schönste Seventies-Pop seit den Seventies, von Jonathan Rado mit viel Liebe und Sorgfalt produziert.
John Cale
Music For A New Society
ZE, 1982
Vielleicht das beste Soloalbum von Cale – jedenfalls dasjenige, in dem er musikalische Ambitionen und melodische Kunstfertigkeit am besten miteinander verbindet, aber auch New-Wave-Ideen mit gälischer Folkmusik. „Close Watch“ ist seine allzeit schönste Ballade.
Prince And The Revolution
Around The World In A Day
(Warner, 1985)
Nach „Purple Rain“ verabschiedete Prince sich vom Rock und spielte exotische Instrumente wie Oud und Darbuka. Das Album beginnt mit einer Schlangenbeschwörerflöte und endet in einem Zwiegespräch mit Gott – Prince in einer Doppelrolle.
Beck
The Information
Interscope, 2006
Beck singt über unbekannte Welten und Zeitreisen. Das Klangdesign verdient alle Preise der Galaxis: In bedrohlicher Pracht hallt die Band, als würde sie im weiß beleuchteten Louis-seize-Schlafzimmer aus Kubricks „2001: Odyssee im Weltraum“ spielen.
Bill Withers
Still Bill
Sussex, 1972
Auf seinem zweiten Album gelingt dem ehemaligen Flugzeugmechaniker einfach alles: tighter Funk, bluesiger Southern und süßlicher Philly Soul. Aber nicht nur der Songwriter hat hier eine Sternstunde – die von Charles Wright übergelaufene Band um Schlagzeuger James Gadson spielt göttlich.
Bright Eyes
Lifted Or The Story Is ...
Saddle Creek, 2002
Conor Oberst verbat sich alles Schrille früherer Aufnahmen, um mit Streichern und einem (allerdings doch schrillen) Chor seine Reifung als Musiker zu feiern. Der verzagte Songwriter verließ sich dabei ganz auf die großen Melodien und haderte dennoch mit so ziemlich allem.
The Who
My Generation
Brunswick, 1965
Am Wendepunkt von einer aufregenden Rhythm-&-Blues-Cover-Band zur Pop-Art-Schocktruppe liefern The Who späteren Generationen Anleitungen zu Punk (im Titelsong), Jangle-Pop („The Kids Are Alright“) und der Dynamik des Power-Trios (plus Pianist Nicky Hopkins in „The Ox“).
Nico
The Marble Index
Elektra,
Auf ihrem Debüt, „Chelsea Girl“, sah man Nico im Jahr zuvor mit den Augen ihrer männlichen Verehrer: als romantisch verklärte Muse. Auf dem von John Cale produzierten „The Marble Index“ zeigt sie, wie sie sich selbst sieht: als Todesengel und moderne Bänkelsängerin.
Sault
5
Forever Living Originals, 2019
Seit ihrem Politalbum „(Black Is)“ sind Sault der omnipräsenteste Geheimtipp, den es je gegeben hat. Antidot gegen Überdruss: ihr Debüt, „5“. Wie spielerisch-souverän sich Cleo Sol, Inflo & Friends durch die Geschichte von Funk und Soul grooven, bringt im Nu die Liebe zurück.
Nina Simone
Sings The Blues
RCA Victor, 1967
„Mr. Backlash“, singt Nina Simone im „Backlash Blues“, „du behandelst uns wie Menschen zweiter Klasse und schickst unsere Söhne nach Vietnam, aber deine Stunde, weißer Mann, hat geschlagen.“ Militant, entschlossen, nicht mehr zu besänftigen, schlägt sie dazu die Akkorde an.
Tori Amos
Under The Pink
Mit ihrem zweiten Album etablierte sich Tori Amos schon als große Songschreiberin. Ihr „Cornflake Girl“ kam fast in die amerikanischen Top Ten. Mit Streichern spielte die Sängerin immer gern, doch ihre zarten bis wilden Stücke brauchten eigentlich nur sie und ein Klavier.
The Chemical Brothers
Dig Your Own Hole
Freestyle, 1997
Die Erfindung von Stadion-Techno. Eine Rave-Signal-Liga mit The Orbital, Prodigy oder Underworld. Was einst DJ-basiert in Kellerclubs bollerte, mutiert ins Bandformat. Das Big-Beat-Duo Tom Rowlands und Ed Simons zieht und zerhackt Ideen aus der Psychedelia.
Neutral Milk Hotel
In The Aeroplane Over The Sea
Merge, 1998
G-Dur, E-Moll, C-Dur, D-Dur, so beherzt geklampft, dass die Mikrofone knacken. Dazu Posaunen und Trompeten auf einem Trauermarsch und Jeff Mangum, der surreale Gedichte über das Schöne und Schreckliche, das Fleischliche und Jenseitige bellt.
Whitney Houston
Whitney
Arista, 1987
Nie war das Stimmwunder besser als auf dieser quintessentiellen Eighties-Platte. „I Wanna Dance With Somebody“ singt sie so, als würde sie schon längst tanzen. Wer könnte dieser vor Charme und Charisma strahlenden Pop-Soul-Queen einen Tanz verwehren?
Cream
Disraeli Gears
Atco, 1967
Der Einfluss des Produzenten Felix Pappalardi wird deutlich. Er hilft der Supergroup, den Blues des Debüts in Richtung Psychedelic zu erweitern. Eric Clapton zapft endlich sein Potential als Songwriter an („Strange Brew“!) und macht sich mit dem Wah-Wah-Pedal vertraut.
The Beach Boys
Smiley Smile
Capitol, 1967
Brian Wilsons Meisterwerk, seine „teenage symphony to God“, war an der Psyche ihres Schöpfers und den Widerständen der anderen Beach Boys gescheitert. Die prächtigen Scherben kehrte man inklusive der Singles „Good Vibrations“ und „Heroes And Villains“ zu „Smiley Smile“ zusammen.
Betty Davis
They Say I’m Different
Just Sunshine, 1974
Die zweite Platte der fulminanten Soul-Sängerin, die kurze Zeit mit Miles Davis verheiratet (und womöglich für seine Neuorientierung um 1968 verantwortlich) war. Die Songs formulierten scharf Zeitgeist sowie schwarzes und weibliches Selbstbewusstsein.
Black Sabbath
Black Sabbath
Vertigo, 1970
Donnergrollen, Kirchenglocken und der teuflische Tritonus als kriechendes Schlepper-Riff: Mit dem Titeltrack ihres Debüts eröffnen Black Sabbath der Welt die Geburt von Heavy und Doom Metal. Ein Album wie ein Hammer-Horror-Film, noch dazu an einem Freitag, den 13., veröffentlicht.
The Fall
This Nation’s Saving Grace
Beggars Banquet, 1985)
Das Album, auf dem The Fall plötzlich Pop wurden. Na ja, fast. Mark E. Smiths singende Ehefrau Brix gibt den Suaden ihres Gatten Struktur, die Band zeigt, dass sie mehr kann als wüten. Und wenn Smith singt, er sei der sanfte Can-Vocalist Damo Suzuki, glaubt man ihm fast.
2Pac
All Eyez On Me
Death Row/Interscope, 1996
Das erste Doppelalbum in der Rap-Geschichte. Labelchef Suge Knight von Death Row wirkt als Executive Producer. Zentrales Werk des US-HipHop der 1990er. Platz 1 in den US-Charts. AllMusic nennt es ein Opus magnum. Gastbeiträge von The Outlawz und Snoop Dogg.
Joni Mitchell
Don Juan’s Reckless Daughter
Asylum, 1977
Jede Facette von Mitchells komplexem Schaffen findet sich auf dieser ambitionierten Platte, die zugleich über das bisherige Werk hinausweist. Das epische „Paprika Plains“ ließ den auf dem Totenbett liegenden Charles Mingus nach ihr rufen.
King Crimson
Larks’ Tongues In Aspic
Island, 1973
Eine römische Dekadenz-Speise, diese Lerchenzungen, aber eine Delikatesse. Guter Titel für ein Album, das mit den ersten beiden Teilen des Titeltracks das Großartigste bietet, was die Band schuf. Abgeklärter, kühler waren sie geworden. Und leichter: „Easy Money“ ist Pop.
Serge Gainsbourg & Brigitte Bardot
Bonnie And Clyde
(Fontana, 1968)
Das Album enthält einige der süffigsten Popsongs der B.-B.-Phase, ist dabei charmanter und eingängiger als das Meisterwerk „Histoire de Melody Nelson“ mit Jane Birkin. Das Video zum Titelsong ist fast so cool wie der gleichnamige Film.
Metallica
Ride The Lightning
Megaforce, 1984
Bei „Fade to Black“ und „For Whom The Bell Tolls“ beginnt die sukzessive Kommerzialisierung. Auf einmal kann James Hetfield richtige Melodien singen, und die Gitarren üben sich in orchestriertem Schönklang. Aber noch überwiegt Gebolze.
Genesis
Selling England By The Pound
Charisma, 1973
Das fünfte Album verbindet das Beste aus allen Genesis-Welten: Folkloristisch-Versponnenes, Prog-Rock-Komplexität, Tony Banks’ Präludien, Peter Gabriels epische Erzählungen, Pathos und Pop-Ambitionen. Mitreißender als „Firth Of Fifth“ wurde es nicht mehr.
Jackson Browne
Running On Empty
Asylum, 1977
Die berühmteste Platte des kalifornischen Sensualisten. Während einer Amerikatournee in Bussen und Hotelzimmern aufgenommen, handelt das Album vom Unterwegssein. Songs wie „The Road“ und „Running On Empty“ beschreiben Monotonie und Alltag.
The Rolling Stones
Some Girls
Rolling Stones, 1978
Nie zuvor und nie danach hat die Band den musikalischen Zeitgeist (hier: zwischen Punk und Disco) so genuin ins eigene Werk übersetzt. Dazu so unterschiedliche Premium-Songs wie „Beast Of Burden“, „Faraway Eyes“ und ihr bestes Soul-Cover, „Just My Imagination“ von den Temptations.
Somewhere in Time
EMI, 1986
Das einzige Metal-Album, bei dem der Einsatz von Gitarren-Synthesizern nicht zur Zahnlosigkeit führte. Dank der erlesenen Kompositionen von Adrian Smith, der sich hier als Songwriter emanzipierte, wurde es nicht in der Szene verschmäht.
Ja, Panik
DMD KIU LIDT
Staatsakt, 2011
Fünf Burgenländer im Berliner Exil. Sie sind Velvet-Underground-Epigonen, die sich gegen das falsche Leben verschwören und Manifeste verfassen. Mit Lösungsvorschlägen wie „Save the planet, kill yourselves“ setzen sie ein Zeichen. „Nevermind“ ist das ewige Denkmal dieser Gruppe.
M.I.A.
Kala
XL/Interscope,
Mit einem MacBook und einem Mikrofon reiste M.I.A. durch Westafrika, die Karibik, Indien und Australien. Sie nahm auf, sampelte und schuf ein originelles Fusion-Album. Ein energetischer Agitprop-Rave, der wie jedes Land der Welt klingt.
Deftones
White Pony
Maverick, 2000
Mit ihrem dritten Album emanzipierten sich die Kalifornier vom Nu-Metal-Stigma und betraten Alternative-Terrain. Einflüsse von Post- und Art-Rock, TripHop und Shoegaze sind erkennbar. Zu Gast sind Maynard James Keenan (Tool) und Scott Weiland (Stone Temple Pilots).
Pink Floyd
The Gates Of Dawn
EMI, 1967
Während Pink Floyd live das Riff von „Interstellar Overdrive“ endlos jammten, dokumentiert dieses konzise Debüt dank Produzent Norman Smith Syd Barretts kurze Blüte. Er war ein sensibler Autor zwischen kindlicher Regression und LSD-Offenbarung: Syd in Wonderland.
PJ Harvey
The City, Stories From The Sea
Island, 2000
Das fünfte Album von PJ Harvey klingt wie ein Neustart. Die Songs leuchten und streben gen Himmel wie die Wolkenkratzer von Manhattan. Ein Besuch in New York City vertrieb die dunklen Geister des ebenfalls berühmten Vorgängers, „Is This Desire?“.
Television
Television
Capitol, 1992
Ein letztes Aufbäumen, nachdem 1978 viel zu früh Schluss war. Die Gitarren-Architektur von Verlaine und Lloyd bleibt auch 14 Jahre nach ihrem Jahrhundertalbum faszinierend unergründlich. Die Songs sind exquisit vertont, klingen verschattet und sind herzerwärmend nostalgisch.
The Gun Club
Fire of Love
Ruby, 1981
Robert Johnson auf Speed, eine brennende Voodoo-Puppe von Hank Williams, ein Höllenblues und ein Highway voller Geister. Das Debüt von The Gun Club ist eine diabolische Verbindung aus Punk und Americana, Jeffrey Lee Pierce der Missing Link zwischen Jim Morrison und Kurt Cobain.
Sun Ra
Lanquidity
Philly Jazz, 1978
Hier biegt der kosmische Jazzreisende Sun Ra doch noch kurz zur Erde ab und nimmt ein paar Signale der beliebten Fusion auf, als wäre er Miles Davis. Doch selbst zwei Gitarren können den Kurs Richtung Saturn nicht ändern: Auch im damals zeitgenössischen Kleid klingt das Arkestra ewig.
Herbie Nichols Trio
Herbie Nichols Trio
Blue Note, 1956
Man fragt sich, warum der New Yorker Jazzpianist und Komponist von „Lady Sings The Blues“ Herbie Nichols so lange unentdeckt blieb. Auf diesen Live-Aufnahmen hörten die meisten erst nach seinem Tod, wie einzigartig er Modern, Dixieland und Karibisches kreuzte.
Gang Of Four
Entertainment!
EMI, 1979
Hegel-Zitate, Feedback und neomarxistischer Funk-Punk aus Leeds. Das Quintett in Oberhemden kreist um die Stakkatogitarre des 2020 verstorbenen Andy Gill. Ihre schroffe Dub-Ästhetik in Songs wie „Ether“ macht sie zu den Onkels von Franz Ferdinand oder The Rapture.
Yoko Ono
Approximately Infinite Universe
Apple, 1973
Begleitet von der Band Elephant’s Memory, die schon auf dem Lennon/Ono-Doppelalbum „Some Time In New York City“ dabei war, nahm Yoko Ono dieses furiose Werk auf, das an Rock’n’Roll, Showtunes und Funk schnuppert, aber doch ein ganz eigenes Tier ist.
Rickie Lee Jones
Pirates
Warner, 1981
Was Jones auf ihrem zweiten Album aus Pop-Harmonik, Jazz-Rhythmen und Broadway-Pathos zaubert, gehört zu den unfasslichsten Fabelleistungen im Songwriting. Die Produktion des Gespanns Lenny Waronker/Russ Titelman verleiht den Stücken einen zeitlos transparenten Sound.
Frank Zappa
Hot Rats
Bizarre/Reprise, 1969
Die heißen Ratten, nachdem die Mothers Of Invention durch eine Zappa-Superband abgelöst worden waren: Beefheart, Guerin, Underwood sowie Harris, den er aus dem Gefängnis holte, um mit seinen Kompagnons den Jazzrock zu erfinden. Miles Davis kam einen Tick zu spät.
Weezer
Weezer
DGC, 1994
Die Rache der Nerds: Das Debüt von Weezer, oft einfach das „Blaue Album“ genannt und von Ric Ocasek produziert, war gleich der Höhepunkt von Rivers Cuomos Schaffen: gnadenlos eingängiger Power-Pop. Besser als „Undone – The Sweater Song“ und „Buddy Holly“ ging es nicht.
Bob Dylan
Time Out Of Mind
Columbia, 1997
Seine Konzertreise war unendlich, aber seine Karriere als Recording Artist schien zu Ende, als Bob Dylan einem klirrend kalten Minnesota-Winter diese unerbittlichen Lieder über das Ende der Zeit abrang. Die er schließlich mit Daniel Lanois geisterhaft inszenierte.
Frank Ocean
Nostalgia, Ultra
Eigenverlag, 2011
Erstes Lebenszeichen des großen R&B-Erneuerers, ein selbst produziertes Mixtape. Melancholisch und fast düster, mit Samples von Coldplay, Radiohead und den Eagles. Letztere schalteten sofort ihre Anwälte ein und ließen „American Wedding“ verbieten.
The Roches
The Roches
Warner, 1979
Eines der faszinierendsten Debütalben aller Zeiten: Die drei Schwestern verweben Barbershop, Folk, Doo Wop und Kunstlied, krönen mit eigensinnigem Harmoniegesang und lassen alles von Robert Fripps Frippertronics verzieren. Ein Lehrstück in Idiosynkrasie und Chuzpe.
Diana Ross
Diana
Motown, 1980
Die Wiedergeburt der großen Soul-Diva als Disco-Queen. Von Chic produziert, wurden die ursprünglich für Aretha Franklin geschriebenen und von ihr abgelehnten Songs „Upside Down“, „My Old Piano“ und „I’m Coming Out“ zu Welthits. „I’m Coming Out“ wurde zudem zur Hymne der LGBT-Bewegung.
The Jam
All Mod Cons
Polydor, 1978
Es war wohl die Frustration nach einer desaströsen US-Tour im Vorprogramm von Blue Öyster Cult, die sich auf dem dritten The-Jam-Album entlud. Die Band spielte härter, und Paul Wellers sozialkritische Kommentare und Beobachtungen der britischen Alltagswelt trafen ins Schwarze.
Sun Ra
Space Is The Place
Blue Thumb, 1973
Die Zukunft der Schwarzen liegt nicht im reformierten Stadtteil, wie es die Black Panthers wollten, sondern an einem radikal neuen Ort: „Space Is The Place“ ist ein musikalisches Big-Band-Manifest des Afrofuturismus mit Blues, Jazz, Chants und freiem Geist.
Nina Hagen Band
Nina Hagen Band
CBS, 1978
Die Wessi-Genese des Ex-Teeniestars aus der DDR. Über London kommt sie zum Pub-Rock, covert „White Punks On Dope“. Mit Stachelhaaren und schriller Stimme fühlt sie sich „unbeschreiblich weiblich“. Lokomotive Kreuzberg wird zur Hausband.
Kiss - Alive II
Alive II
Casablanca, 1977
1975 hatte „Alive!“ die Karriere von Kiss erst richtig angekurbelt. Die zweite Live-LP knüpft an inzwischen absolvierte Studioerfolge wie „Destroyer“ an und präsentiert den selbst proklamierten heißesten Bühnen-Act der Welt erneut für den mit Overdubs aufgehübschten Hausgebrauch.
Prince
Dirty Mind
Warner, 1980
Aus dem Soft-Soul-Musiker wurde ein Crossdresser in Strapsen und High Heels, der über Inzest und Oralverkehr sang, ohne ein Sexist zu sein. Letztmals setzt Prince durchgängig sein Falsett ein – die Gesangsstimme höflich Verlangender. Im Falsett kann man nicht schreien.
Fever Ray
Fever Ray
Mute, 2009
Mit schauriger Langsamkeit lässt Karin Dreijer, damals hauptberuflich noch bei The Knife, Angst und Schrecken einer Nordic-Folk-Welt in kühl zappelnde Beats tröpfeln. Die Stimme der Sängerin klingt manchmal wie auf Helium, was die psychotisch anmutenden Texte noch verstärkt.
Mark Hollis
Mark Hollis
Polydor, 1998
Es schien nur konsequent, dass Mark Hollis nach dem abstrakten, in die Stille hinein gespielten Talk-Talk-Wunder „The Laughing Stock“ verstummte. Doch ein Album schuldete er seiner Plattenfirma noch, und er schenkte uns diese wie ein Holzhaus in der Nacht knarzende Flüstermusik.
The Ramones
Rocket To Russia
Sire, 1977
Das Label wollte den kommerziellen Durchbruch, Johnny Ramone eine bessere Platte machen als die Sex Pistols. So erschufen die Ramones den Pop-Punk und untermauerten ihr Image als ernstzunehmende Scherzkekse. Das letzte Album in Originalbesetzung.
T. Rex
Electric Warrior
Fly, 1971
Marc Bolan lässt den Hippie-Folk hinter sich und erfindet ganz nonchalant Sleaze und Glam-Rock. Fast alles hier ist ein bisschen albern, aber ebendas ist das Befreiende an „Get It On“ und „Hot Love“. Die Psychedelik ist im sterbensschönen „Cosmic Dancer“ noch da.
The Cure
Kiss Me Kiss Me Kiss Me
Fiction, 1987
„I‘ll kiss you from your feet to where your head begins!“, jauchzt Robert Smith zum Motown-Beat. Schon der Arbeitstitel des siebten The Cure-Albums offenbarte Getriebenheit: „1,000,000 Virgins“. Smith bezeichnete das Album als Barcelona: rot, laut, feurig.
Low
Double Negative
Sub Pop, 2018
Ein spätes Hauptwerk der Reduktionisten aus Duluth/Minnesota: Sie lassen so viel weg, dass man am Ende kaum noch weiß, welche Instrumente sie überhaupt spielen. Vielleicht umgibt die Musik von Mimi Parker und Alan Sparhawk daher eine Aura des Transzendentalen.
Gene Clark
No Other
Asylum, 1974
Gene Clark widmete sich in seinen Liedern den letzten Dingen, sein Produzent Thomas Jefferson Kaye wollte in den Pop-Himmel. Ihr ambitioniertes Werk verschlang Unmengen Zeit und Geld, wurde als Studioexzess verhöhnt und Jahrzehnte später rehabilitiert.
John Lee Hooker
It Serves You Right To Suffer
Impulse!, 1966
Auf seinem Album für das Impulse!-Label spielte John Lee Hooker mit einem Jazztrio, was den eigenwilligen, naturgewaltigen Sänger und Gitarristen nicht weiter störte. Im grandiosen Titelsong ließ er sich mit federndem Beat von Panama Francis auf ein Tänzchen ein.
Nico
Chelsea Girl
Verve, 1967
„The Velvet Underground & Nico“ war gerade erschienen, da nahm Nico bereits ihr barockes Folk-Solodebüt auf. Ihr Lover, der völlig unbekannte Songwriter Jackson Browne, schrieb ihr drei Lieder, die Bewunderer John Cale, Lou Reed, Tim Hardin und Bob Dylan steuerten bei.
Pere Ubu
The Modern Dance
Blank, 1978
Geprägt von der sterbenden Industriestadt Cleveland/Ohio, von David Thomas’ vibrierender Fistelstimme und Allen Ravenstines Synthesizer-Störgeräuschen ist dieses bis heute außergewöhnliche Rockalbum so etwas wie die Schnittstelle zwischen Prog und Punk.
Iggy & The Stooges
Raw Power
Columbia, 1973
Iggy Pop schien erledigt, ließ andere machen – Bowie produzierte diese Proto-Punk-Grandezza, und Henry Rollins wagte sich später an eine Neuabmischung. Aber nie sang Iggy besser: „Gimme Danger“, „Death Trip“, heute Klassiker. Iggy sah damals dem Tod ins Auge.
Fun Boy Three
Waiting
Chrysalis, 1983
Geniales Spätwerk im Nachhall des Ska-Revivals. Terry Hall verlässt The Specials mit 23 Jahren: Auf zu neuen Ufern mit Neville Staple und Lynval Golding. Melancholische Popsongs, produziert von David Byrne. Jane Wiedlin von den Go-Go’s schreibt den Hit „Our Lips Are Sealed“.
Peter Brötzmann Octet
Machine Gun
BRÖ, 1968
Im politisch heißen Mai 1968 war Bremen das Zentrum des Jazz. Was der deutsche Saxophonist Peter Brötzmann und seine europäischen Freunde in Eigenregie aufnahmen, war die folgenreichste Abrissbirne für den kontinentalen Free Jazz samt versteckten Streicheleien. Und natürlich: Agitation!
Destiny’s Child
Survivor
Columbia, 2001
Da waren’s nur noch drei, und eine stach doch heraus: Beyoncé Knowles. Sie schrieb und produzierte mit. Das Klischee, dass hier nur Marionetten singen, zerbrach. Die Gruppe bald auch. Was blieb: stählerne Empowerment-Hits wie „Independent Women“ und „Bootylicious“.
Queen
A Day At The Races
EMI, 1976
Ein Jahr nach „A Night At The Opera“ erschien dieses ebenfalls nach einem Marx-Brothers-Film benannte Album. Der Gospel-Pop von „Somebody To Love“ ragte heraus. Unbekannte Perle: „Teo Torriatte (Let Us Cling Together)“, Brian Mays Hommage an die japanischen Fans.
Hot Chip
The Warning
EMI, 2006
Das ist das Meisterstück von zwei Nerds, deren Maschinen noch mal billiger waren als die ihrer Väter. Joe Goddard und Sänger Alexis Taylor haben auf „The Warning“ den Intello-Krach von Aphex Twin noch im Rücken und den Ruhesessel der globalen Raver am Flughafen bereits im Ohr.
Prefab Sprout
Andromeda Heights
Kitchenware, 1997
Nicht mal die etwas stark überzuckerte Produktion kann darüber hinwegtäuschen, welch grandiose, schwerelose und schwer romantische Songs der Poet und Pop-Utopist Paddy McAloon hier hinzauberte. Im Rückblick die letzte große Prefab-Sprout-Platte.
Sufjan Stevens
Illinois
Asthmatic Kitty, 2005
Der Prog-Folk, das zirpende Miniorchester, der Melodienreichtum, die komplexen Arrangements: Stevens’ ungeheure Musikalität war nie konzentrierter als auf „Illinois“. Auch sein größter Moment ist auf der Platte: „John Wayne Gacy, Jr.“, ein erschütterndes Lied über einen Kindermörder.
Joanna Newsom
Divers
Drag City, 2015
Für Liebende ist der Tod nicht abstrakt. Es gibt die Möglichkeit eines Verlusts, den man nicht wird ertragen können. Joanna Newsom, die geniale Folk-Musikerin, Harfenspielerin, Pianistin und Poetin, spricht: „Love is not a symptom of time. Time is just a symptom of love.“
Harry Mudie Meet King Tubby’s
In Dub Conference, Volume One
Moodisc, 1976
Gipfeltreffen der Gechillten: Produzent Mudie und King Tubby, Pionier des Dub. Überraschend treten Streicher auf. Und trotz avantgardistischem Hall und Studiokram herrscht der Wille zur Melodie.
John Coltrane
Giant Steps
Atlantic, 1960
Zwei Wochen nach den Sessions zu „Kind Of Blue“ von Miles Davis ging Coltrane wieder ins Studio – und machte alles anders: Statt einen Akkord auszureizen, jagte er durch krasse Tonartwechsel. Bis heute ist das Titelstück Prüfstein für Jazzer: Nudelst du noch, oder spielst du schon?
New Order
Technique
Factory, 1989
Ende der Achtziger haben sich die unermüdlichen Avantgardisten von New Order in Pioniere des Manchester Rave und der Rave-O-Lution verwandelt. In den glitzernden, euphorischen Songs von „Technique“ erklingt aber auch schon Melancholie angesichts der verschwindenden Jugend.
Led Zeppelin
II
Atlantic, 1969
Man hört dem Album nicht an, dass es aus Studio-Stückwerk entstand. Auch wenn man sich (weiterhin) ungeniert bei Bluesern wie Willie Dixon („Whole Lotta Love“) und Howlin’ Wolf („The Lemon Song“) bedient, gelingt den Briten eine ingeniöse Blaupause des Hardrock-Hedonismus.
Madonna
Ray Of Light
Maverick, 1998
Der zweite Frühling von Madonna – oder war es schon der dritte? Nach „Evita“ vertraute sie ihrer Stimme etwas mehr, sie gab sich spiritueller und spielte mit orientalischen Klängen. Am Ende waren es aber doch einfach herrliche Popsongs – und „Frozen“ ließ alle Herzen schmelzen.
The Flaming Lips
Yoshimi Battles The Pink Robots
Warner, 2002
Die längst überfällige Fusion der Psych-Rocker mit Electro und sanfter HipHop-Rhythmik. Bei Songs wie „Do You Realize??“ reichte ein Fragezeichen allein nicht aus, um sicherzustellen, dass wir alle diesem Trip folgen würden.
Nick Cave And The Bad Seeds
Tender Prey
Mute, 1988
Hier kommen Nick Caves Leidenschaften zusammen: Elvis Presley, Johnny Cash, der Blues. Cash sang später dann tatsächlich „The Mercy Seat“. Er hätte auch „Up Jumped The Devil“, „Deanna“, „Mercy“ und „City Of Refuge“ singen können. Die Bad Seeds entfesseln dazu ein Inferno.
Palais Schaumburg
Palais Schaumburg
Phonogram, 1981
Die Hamburger entwickelten eine avantgardistisch-eckige Tanzmusik mit Texten, die sich stark an Dada orientierten: „Gibst du mir Wasser, rühr ich den Kalk!“, schrie Holger Hiller, während die anderen trommelten und tröteten, als wären sie aus New York.
Purple Mountains
Purple Mountains
Drag City, 2019
Nach dem Megaerfolg von „Too-Rye-Ay“ gab Kevin Rowland den Van Morrison mit sieben feinsten keltischen Souls. Höhepunkt: das 12-Minuten-Opus „This Is What She’s Like“, gewidmet seiner Partnerin, der Geigerin Helen O’Hara.
Dexys Midnight Runners
Don’t Stand Me Down
Mercury, 1985
Bevor er diese Welt verließ, hinterließ Kevin Rowland den Van Morrison mit sieben feinsten keltischen Souls. Höhepunkt: das 12-Minuten-Opus „This Is What She’s Like“, gewidmet seiner Partnerin, der Geigerin Helen O’Hara.
Aaliyah
Aaliyah
Blackground, 2001
Sie war vierzehn, als sie ihre ersten Songs aufnahm, und zweiundzwanzig, als sie bei einem Flugzeugabsturz starb – auf dem Rückweg von einem Videoshoot, der ihr drittes und letztes Album promoten sollte. Auf ihr lebt Aaliyah als eine der großen Stimmen des modernen R’n’B.
Randy Newman
Sail Away
Reprise, 1972
Der Titeltrack ist ein Werbejingle für Sklavenhändler, „God’s Song“ häretischer als Black Metal. Auf seinem dritten Album stößt Newman uns mit Wonne in den Abgrund, der zwischen seinen schwelgerischen Arrangements und der pointierten Weltverzweiflung der Texte gähnt.
Scott Walker
Scott 3
Philips, 1969
Die Emanzipation des Songwriters Scott Walker. Zwar ließ er wieder drei Jacques-Brel-Songs ins Englische übertragen, etwa „Ne me quitte pas“. Aber seine eigenen Songs „It’s Raining Today“, „Copenhagen“, „30 Century Man“ und „Winter Night“ prägten das Bild vom traurigen Existenzialisten.
Randy Newman
Good Old Boys
Reprise, 1974
Ein Sittenbild der Südstaaten aus der Feder eines unzuverlässigen Erzählers. Randy Newman singt aus der Sicht seiner Figuren über Sklaverei, Rassismus, Gewalt in der Familie, Inzest, Politik und Integrationsprobleme. Doch die Musik scheint all das wie ein lindernder Balsam zu überdecken.
Udo Lindenberg
Ball Pompös
Telefunken, 1974
Die Reeperbahn-Saga beginnt ohne Hut im weißen Anzug. Deutsch als Rocksprache ist plötzlich möglich, mit Songs über Typen wie „Jonny Controlletti“ oder Stehgeiger „Rudi Ratlos“. Dazu Action satt in „Honky Tonky Show“. Die Typenrevue des Panikorchesters nimmt Fahrt auf.
The Clash
Sandinista!
CBS, 1980
Der Ruf dieses politico-Punk-Epos ist zweifellos besser gealtert als jener von Nicaraguas Sandinisten. Man verwarf diese Dreifach-LP einst ob ihrer Halbfertigkeit und Überlänge, dabei liegt genau darin ihr roher Charme, von „Hitsville UK“ bis „Something About England“.
Randy Newman
Little Criminals
Warner, 1977
Randy Newman hatte nicht die Absicht, dass seine Satire „Short People“ ein Hit werden würde. Wurde sie aber. Andere Songs befassen sich mit einer Polizeiparade, einem texanischen Mädchen beim Begräbnis ihres Vaters und einem Lustmörder in Düsseldorf.
Nicolette
Now Is Early
Shut Up And Dance, 1992
Im Opener, „No government“, singt Nicolette von dem utopischen Wunsch nach harmonischem Zusammenleben. Die folgenden Songs, produziert von Shut Up And Dance, sind so radikal in ihrer Verbindung von Beats und Gesang wie auf keinem anderen Album Anfang der 90er-Jahre.
Kanye West
Yeezus
Def Jam, 2013
Eine manische, aggressive, radikale Platte. Kanye West sampelt „Strange Fruit“ über einen rauen Trap-Beat, zerschießt seine Lieder mit Industrial-Lärm, rappt von einem „Black Skinhead“ und „New Slaves“, seine Politik ist rabiat und chaotisch. Der Rock’n’Roll des 21. Jahrhunderts.
Hans-A-Plast
Hans-A-Plast
Lava/No Fun, 1979
Die Band um Sängerin Annette Benjamin setzte Hannover auf die Landkarte des Punk. Feministischer und politisch radikaler als die überpräsenten Rheinländer, trafen Hans-A-Plast mit Liedern wie „Es brennt“ oder „Lederhosentyp“ einen Nerv – nicht nur unter Hausbesetzern.
DJ Shadow
Endtroducing.....
Mo’ Wax, 1996
Mit 24 Jahren kollagierte der Kalifornier DJ Shadow das erste Album, das nur aus Samples bestand. Etwas düsterer, instrumentaler Hip-Hop, viel Trip-Hop. In England: Pop. Ein Wegweiser in die Zukunft, gebaut mit kleinem Werkzeug – Sampler, Plattenspieler, digitale Bandmaschine.
Queen
Sheer Heart Attack
EMI, 1974
Thrash Metal, Musical-Grandezza, irrwitzige Fantasy-Exkursionen, verspielte Piano-Miniaturen, herrliche Albernheiten: Diese stilistische Wundertüte bescherte Queen ihren ersten echten kommerziellen Erfolg, nicht zuletzt dank der charmanten Single „Killer Queen“.
Robert Wyatt
Rock Bottom
Virgin, 1974
Nach einem Fenstersturz querschnittsgelähmt, wurde der begnadete Schlagzeuger Robert Wyatt ein beseelter Sänger, der diese ozeanischen Liebeslieder für seine Freundin Alfie Benge (sie heirateten am Erscheinungstag des Albums) mit einer Art-Rock-Supergroup aufnahm.
The Incredible String Band
The Hangman’s Beautiful Daughter
Elektra, 1968
Die Lieder entspringen der britischen Folk-Tradition, aber es gibt auch sägende Sitar-Drones zu hören, Tabla-Rhythmen und Ouds, hymnische Chöre und leiernden Minnesang. Ein vielstimmiger Klang globalisierter Exotik.
The Killers
Sam’s Town
Island, 2006
Amerikanische Träume und was aus ihnen werden kann. Auf dem zweiten Killers-Album verwandelte sich Brandon Flowers kurzzeitig in einen glamourösen Springsteen, und der klassische Rock stand der Las-Vegas-Band sehr gut. Von Flood und Alan Moulder angemessen wuchtig produziert.
ABC
The Lexicon Of Love
Neutron, 1982
Die glamouröseste Band des britischen Pop-Sommers 1982, ein Album überschwänglicher, sinfonisch umfasster funky Lovesongs. In einem schwingt der Goldlamé tragende Sänger seine Liebe wie ein Lasso: „Yippie-aye-yippie-aye-yeah!“ Das pure Glück.
Otis Redding
Otis Blue
Volt, 1965
Mit seinem dritten Album etablierte sich Redding als prägnanteste Stimme des Southern Soul. Mit der Stax-Hausband Booker T. & The M.G.’s und hitzigen Bläsern im Rücken entringt er Songs von Sam Cooke, Jagger/Richards und Motown ein Maximum an Funk, Intensität und Herzensblöße.
LCD Soundsystem
Sound Of Silver
DFA, 2007
Mit Liedern über seine Midlife-Crisis wurde James Murphy zum Hipster-Daddy der Indie-Sleaze-Generation. Die Mischung aus Rock, House, Funk und Mitgröl-Rave stiftete Gemeinschaft, bevor das Internet die Pop-Welt endgültig in Mikronischen atomisierte.
The Streets
Original Pirate Material
Locked On, 2002
Ein Manifest des britischen Hip-Hop. Musikalisch steht Mike Skinners Debüt in der Tradition elektronischer Tanzmusik wie Garage. Textlich und sprachlich entfernt es sich von den Stereotypen des US-Hip-Hop und spielt in der Lebenswelt eines englischen Lads.
Jay-Z
The Blueprint
Def Jam, 2001
Das sechste Album des Rappers erschien an einem Schicksalstag – dem 11. September 2001 – und wurde zu einem Sprungbrett seiner Karriere. Der von Kanye West und Just Blaze fett produzierte Sound wurzelt überwiegend in Soul-Samples, Jay-Z präsentierte sich dazu als charmanter Bad Boy.
Van Halen
Van Halen
Warner, 1978
Auf ihrem Debüt stellten Van Halen gleich alles aus, was sie konnten: In Hardrock-Klassikern wie "Runnin’ With The Devil" sang sich David Lee Roth die Kehle wund, und 1:42 Minuten "Eruption" zeigten, dass das Wort "Gitarrist" für Eddie Van Halen eine krasse Untertreibung ist.
Primal Scream
Screamadelica
Creation, 1991
Eine überwältigende Collage, die den Zeitgeist von 1991 perfekt auf den Punkt bringt – mit allem, was Bobby Gillespie damals lieb und teuer war: House, Gospel, Ambient, Dub, Psychedelic – und immer wieder The Rolling Stones. Man wollte dazu Drogen nehmen und rumtanzen.
Dio
Holy Diver
Warner, 1983
Bei Rainbow und Black Sabbath hat sich Ronnie James Dio die Reputation geholt, um danach schließlich mit seiner eigenen Band aus alten Kombattanten und dem jungen Gitarrengenius Vivian Campbell den Rahm abzuschöpfen. Bereits dieses Debüt ist ein Hardrock-Klassiker.
Broadcast
Tender Buttons
Warp, 2005
2005 waren Broadcast nur noch ein Duo. Dieser Umstand zeigte sich in einem auf das Wesentliche reduzierten Album. Diese Musik aus frühen elektronischen Sounds, Wave-Psychedelica und Sixties-Pop ist manchmal kalt, manchmal zärtlich, immer aber betörend.
The Pogues
Rum Sodomy & The Lash
Stiff, 1985
Nie funktionierte die Pogues-typische Mischung aus Traditionals und Originalen, Trinkliedern und Dramen, Tanz und Schunkel besser als auf ihrem zweiten, von Elvis Costello produzierten Album. „A Pair Of Brown Eyes“ sind Shane MacGowans lichteste fünf Minuten.
Bob Dylan
Bringing It All Back Home
Columbia, 1965
Den aufgeputschten Übergang vom Folk zum Rock werteten viele seiner Fans als kompletten Verrat an der Gegenkultur, zu deren Messias sie Dylan gemacht hatten. Dabei ist die Platte musikalisch und textlich wegweisend für alles, was da noch Großes kommen sollte.
Judas Priest
British Steel
Columbia, 1980
Steeler, Rage, Grinder – der enorme Einfluss eines Albums zeigt sich auch daran, dass Songs zu neuen Bandnamen werden. Schon auf den Alben davor sind Judas Priest eine komplette Metal-Band in Vollleder-Montur, aber auf „British Steel“ entstehen die Hits und Hymnen.
The Gun Club
Miami
Animal, 1982
Country trifft auf Post-Punk, Blondie (Debbie Harry singt Harmonien, Chris Stein produziert) trifft auf Creedence Clearwater Revival (Gun Club covern „Run Through The Jungle“), und Sänger Jeffrey Lee Pierce beschwört die Geister von Jim Morrison und Tim Buckley.
David Bowie
Station To Station
RCA, 1976
Bowie beschrieb seine Kunstfigur Thin White Duke als Barden, der über Romanzen singt, aber nichts fühlt. Später entlarvte er seinen hochklassigen Art-Rock scherzhaft als Junkie-Planlosigkeit. Selten führte ein psychischer Niedergang zu packenden Songs.
Tom Petty And The Heartbreakers
Damn The Torpedoes
Backstreet/MCA, 1979
Die makelloseste Heartbreakers-Platte ist eine Feier des schlanken, nach Aufbruch und Abenteuer gierenden Rock’n’Roll, in den US-Südstaaten verwurzelt, aber ohne Lokalpatriotismus und Erdenschwere. Petty hob mit „Refugee“ ab.
The Get Up Kids
Something To Write Home About
Vagrant, 1999
Das Emo-Album, auf das sich alle einigen konnten: Matt Pryor hatte viel Weezer gehört, und der Punk-Pop seiner Get Up Kids entwickelt eine ähnliche Energie. Lyrisch und durch den drastischen Gesang eher bittersüße Pille als Bubblegum.
The Velvet Underground
The Velvet Underground
MGM, 1969
Das dritte Velvet-Underground-Album hat kein Andy-Warhol-Cover, keine John-Cale-Avantgarde und keine Skandalsongs, es ist einfach das am besten klingende, konsistenteste Album der Band. „Candy Says“! „Pale Blue Eyes“! „After Hours“! Pop ohne Art.
Van Dyke Parks
Song Cycle
Warner, 1967
Maverick oder Genie? Van Dyke Parks war beides. Freilich sperrte sich seine anspruchsvolle Tonkunst gegen gängige Vermarktungsversuch. Orchestraler Avant-Pop mit Ragtime-Allüren? Chamber-Folk zu Showtunes? Es dauerte fünf Jahre, bis sich die Produktionskosten amortisiert hatten.
Johnny Cash
American Recordings
American, 1994
Es ist Produzent Rick Rubins Verdienst, dass Cash in den Neunzigern für die Grunge-Generation zum Sinnbild von Country-Coolness wird. Auf Akustikgitarre und Bassbariton reduziert trägt der Mann in Schwarz fesselnd Liedgut von Cohen, Waits und Danzig vor.
The Stranger
Billy Joel
Columbia, 1977
Seit 1972 hatte Billy Joel in jedem Jahr eine Platte veröffentlicht, aber richtig erfolgreich war keine. Nun holte er den Produzenten Phil Ramone ins Studio – und die Songs bekamen Schliff und Schmiss: „Movin’ Out“, „Vienna“, „Just The Way You Are“ ... Der Piano Man wurde ein Superstar.
Townes Van Zandt
Our Mother The Mountain
Poppy, 1969
Das zweite Album des texanischen Songpoeten stellt einige seiner besten Songs vor – stellvertretend sei an dieser Stelle nur „Kathleen“ genannt –, während „Tecumseh Valley“ eine Neuaufnahme ist, hier geerdet von Cracks wie James Burton und Charlie McCoy.
Casper
XOXO
Selfmade/Four, 2011
Das zweite Album von Benjamin Griffey alias Casper ging gleich auf Platz 1 der deutschen Charts. HipHop war dem Rapper längst zu eng geworden, er wagte jetzt auch Rock, Thees Uhlmann kam nicht zufällig vorbei. Das Beeindruckende blieb aber seine Emphase, das dauernd Dringliche.
You Can’t Hide Your Love Forever
Polydor, 1982
Orange Juice hatten alles, um die größte Indie-Pop-Band der Achtziger zu werden: die Anleihen bei Byrds, Velvet Underground und Al Green, die gewitzten Lyrics, den charismatischen Sänger. Sie lösten sich 1984 auf, die Smiths übernahmen.
Johnny Cash
American III: Solitary Man
American, 2000
Mit Rick Rubin im Regiestuhl und der zurückgenommenen Unterstützung der Heartbreakers adressiert Cash mit Tom Pettys „I Won’t Back Down“ Gesundheitsprobleme und Durchhaltewillen. Neil Diamonds titelstiftender Song, U2s „One“ und Caves „The Mercy Seat“: triumphal.
Van Morrison
Mercury, 1979
Im Vergleich zu anderen ambitionierten Alben von Van Morrison wirkt „Into The Music“ beinahe gefällig. Was freilich daran liegt, dass hier Rhythm & Blues, Soul und gälische Folklore mit großer Vollkommenheit und Natürlichkeit verschmelzen. Die reinste, fließende Musikalität.
Madvillainy
Madvillain
Stones Throw, 2004
Ein enorm einflussreicher Klassiker des experimentellen HipHop. Mit virtuosem Turntablism und herrlich obskuren Samples treibt Madlib die furiosen, sich überschlagenden Reime von MF Doom auf die Spitze. Das Böse ist hier immer und überall – ein aberwitziger Swing for a Crime.
Nick Cave And The Bad Seeds
No More Shall We Part
Mute, 2001
Es gibt vielleicht bessere, abgründigere, experimentierwütigere Cave-Platten. Aber es gibt keine Platte, auf der er als Komponist und Schmerzensmann so umwerfend ist wie auf dieser zum Sterben schönen Balladensammlung aus dem Reich der Schwarzen Romantik.
Alice in Chains
Dirt</>
Columbia, 1992
Der Schlüsselsong „Junkhead“ ist ein wilder Trip aus Drogen- und Suizid-Dystopien. Die kaputte Seite von Grunge. Ihr Cameo-Auftritt mit „Would?“ in Cameron Crowes epochalem Slacker-Film „Singles“ prägte den Mythos von Seattle mit. Sänger Layne Staley starb im April 2002.
The Notorious B.I.G.
Ready To Die
Bad Boy, 1994
Die x-te Neuerfindung eines meisterhaften Wortschmieds und der Queen of Pop. Styler, der seine düsteren Reime so elegant in die Welt schickte wie kaum ein anderer. Auch Sean Combs und DJ Premier sorgten für Flufgigkeit und Tricks mit knochentrockenen Beats dafür, dass „Ready To Die“ zum Meilenstein wurde. Biggies einziges Album zu Lebzeiten.
Madonna
Music
Maverick, 2000
Die x-te Neuerfindung der Queen of Pop. Achtes Studioalbum, diesmal mit rosa Cowboyhut, Country-Atmo und Electro-Beats. Der französische Produzent Mirwais Ahmadzaï sorgt für Fluffigkeit und Tricks beim Sound, auch William Orbit schraubt mit an der Erneuerung des Wilden Westens.
Madonna
True Blue
Sire, 1986
Madonna widmete ihr drittes Album ihrem damaligen Ehemann, Sean Penn. Sie dachte über die Liebe in all ihren Formen nach, öffnete ihre Musik in diverse Richtungen und ließ uns mit Stücken wie „Live To Tell“ glauben, sie könnte in Würde altern. Sie war immerhin schon 28 damals.
Minutemen
Double Nickels On The Dime
SST, 1984
Der Beginn einer neuen Freiheit im US-Hardcore-Punk: Jazz, Funk, sogar Americana prägen die weiterhin rauen Songs des kalifornischen Trios. Nach dem Tod von Sänger/Gitarrist D. Boon 1985 gründen Mike Watt und George Hurley die ebenfalls einflussreichen fIREHOSE.
Joanna Newsom
Ys
Drag City, 2006
Auf ihrem Debüt spielte sie die Harfe in ihre Folk- und Poetry-inspirierten Lieder noch allein, auf den Glauben zu fassen. Ihr Nachfolger lässt sie sich bei fünf epischen Stücken von einem über 30-köpfigen Orchester begleiten. Die Arrangements schrieb Van Dyk Parks. Das „Sgt. Pepper“ der Nullerjahre.
Aldous Harding
Designer
4AD, 2019
Die Schönheit von Aldous Hardings Musik entzieht sich immer dann, wenn man glaubt, sie fassen zu können. Das zeigt sich nirgends so gut wie auf dem dritten Album der Neuseeländerin. Die warmherzigen, kunstvollen Folk-Pop-Songs sind schon jetzt.
Björk
Homogenic
One Little Indian, 1997
Die Nineties kamen zuletzt zurück wie die Untoten. Wer statt „Frozen“-Geigen oder „Mr. Vain“-Uffz mal die Molekularküchenversion des Techno-und-Emo-Jahrzehnts genießen will, sollte zu „Homogenic“ greifen. Ganz Björk, ganz Zeitgeist und ganz betörende Avantgarde. Cause she’s the hunter.
Sleaford Mods
Divide And Exit
Harbinger Sound, 2014
Schon das siebte Album des UK-Duos, aber die meisten kapierten erst jetzt, wie großartig die mies gelaunten Hymnen der Sleaford Mods sind. Die Zeiten waren reif für die Grummler. Ihre Schimpftiraden und allzu realistischen Alltagsbeobachtungen: unwiderstehlich.
Lloyd Cole And The Commotions
Rattlesnakes
Polydor, 1984
Die Geburt eines der besten englischen Songschreiber. Cole gebärdet sich auf diesem Debüt als Bohemien, stets eine Dylan-Platte oder ein Buch von Joan Didion unterm Arm. Die Musik offenbart den jugendlichen Überschwang zwischen Jangle-Pop und Folk-Rock.
Bruce Springsteen
Nebraska
Columbia, 1982
In einem Holzhaus in Colts Neck schrieb Springsteen an Songs, die vom Film noir inspiriert waren. Mit einem Vierspurgerät nahm er Gesang, Akustikgitarre und Mundharmonika auf. Die Arrangements mit der E Street Band misslangen – also veröffentlichte er das Demo des Meisterwerks.
Lana Del Rey
Born To Die
Polydor, 2012
Mit dem Multi-Hit-Album wird Lizzy Grant zur Pop-noir-Heroine der Zehnerjahre. Millionenfache Verkäufe und Debatten über ihr antifeministisches Frauenbild – was sie kämpferisch dementiert. Los Angeles als „Dark Paradise“. Nicht nur ihr Fashion-Style geht um die Welt.
Robyn
Body Talk
Konichiwa, 2010
Das siebte Album der Schwedin erwies sich als „Indestructible“, wie ihre Hitsingle. Robyn gelang es, futuristischen Dance-Pop zu fabrizieren, ohne dabei gefühllos zu klingen. Man konnte auf dem Tanzboden praktisch die Tränen glitzern und die Lebensfreude explodieren sehen.
Bon Iver
For Emma, Forever Ago
Jagjaguwar, 2007
Die Nähe, die Stille, das Falsett: Man war verzückt von der emotionalen Kraft der Lieder, die Justin Vernon in einer Hütte in Wisconsin aufnahm. Heute versteht man, dass er da seinen Nukleus formte, aus dem er danach ein ganzes Genre revolutionierte.
Dead Kennedys
Fresh Fruit for Rotting Vegetables
Alternative Tentacles, 1980
"Kill the Poor", "Let’s Lynch The Landlord", "California Über Alles": Jello Biafra verwandelte seine Wut in Witz, seine Rage in Riffs und machte mit seiner Band eine anarchische Punk-Platte, die Thrash Metal genauso antizipierte wie den Pop-Punk der Neunziger.
Hüsker Dü
Zen Arcade
SST, 1984
die zentrale lärm- orgie von Hüsker Dü: Das berserkerhafte Trio brauchte für seine meist sehr kurzen Krach- Atta- cken ein Doppelalbum. Aber schon auf dieser frühen Platte zeigte sich das Talent für außer- ordentliche Melodien, die Gitarrist Bob Mould und Schlagzeuger Grant Hart schrieben.
Blur
Parklife
Food, 1994
Die Ankunft des Britpop im Mainstream dank bierseligem Titelsong und breiten Fin-de-Siècle-Balladen wie "To The End" und "This Is A Low". Dabei vergisst man heute gern, wie frisch und fremd sich der Electropop von "Girls & Boys" im Kontext der damaligen Charts anhörte.
The Congos
Blood And Fire, 1977
Das Meisterwerk einer der größten jamaikanischen Vocal Groups. Während Cedric Myton (Falsett) und Roydel Johnson (Tenor) über spirituelles Erwachen und kulturellen Stolz singen, hält sich sogar der Produzent Lee Scratch Perry mit Klangeffekten zurück.
The Magnetic Fields
69 Love Songs
Merge, 1999
Die Magnetic Fields werden auf ewig "the band with those 69 love songs" sein. Das ist ungerecht, denn Stephin Merritt ist einer der vielseitigsten Songschreiber seiner Generation. Aber es ist auch folgerichtig, denn nur hier bekommt man derart misanthropische Balladen als Lebenshilfe.
The National
High Violet
4AD, 2010
Aus verzerrten Gitarren, Bläsern und Streichern weben die Dessner-Brüder dichte Stimmungsstücke, die von Matt Berningers romantischem Bariton tief schwarz gefärbt werden. Seine Zurückhaltung ist die Anspannung vor dem Ausbruch. Er schreit: „Your voice is swallowing my soul!“
Isaac Hayes
Hot Buttered Soul
Enterprise, 1969
Soul wird zur epischen Sinfonie. Das Album enthält nur vier Stücke, darunter eine 12-Minuten-Version von "Walk On By" und 19 Minuten "By The Time I Get To Phoenix". Elegisch, schwelgerisch wogt die Musik, samten brummt Hayes
The Smashing Pumpkins
Mellon Collie And The Infinite Sadness
Virgin, 1995
Kurt Cobain war tot, und Billy Corgan führte die Generation X mit einem Doppelalbum auf die Gipfel der Verzweiflung. "Mellon Collie" ist das "The Wall" der Neunziger, ein ambitionierter, postmoderner, tarantinoesker Versuch in Classic Rock.
Lou Reed
Transformer
RCA, 1972
Wer bin ich und wie viele, und wie oft kann man sich neu erfinden? 1971 hat Davie Bowie vom Wert des Wechselns und Wandels gesungen, ein Jahr später singt er im Background, wenn Lou Reed sich dazu bekennt, ein „Transformer“ zu sein. Gemeinsam gehen sie auf der wilden Seite.
X-Ray Spex
Germfree Adolescents
EMI, 1978
Eine der wichtigen frühen Punkbands um die afrobritische Sängerin Poly Styrene und die Saxofonistin Lora Logic, die mit "Oh Bondage Up Yours!" einen gern missverstandenen Jahrzehntsong schufen und sich nach dem ersten Album gleich wieder auflösten.
Fugazi
Repeater
Dischord, 1990
Post-Hardcore, voll in die Fresse. Ein zweites "Waiting Room" hat "Repeater" zwar nicht zu bieten, dafür einen unfassbar dichten Bandsound, der nie in Rockismus abstürzt. Die Texte von Ian MacKaye sind so hellwach, wie man es vom Vater der Straight-Edge-Szene erwarten darf.
Dr. John
Gris-Gris
ATCO, 1968
Der Nightripper nimmt uns auf seinem Debüt als Dr. John mit auf eine psychedelische Reise zu den Wurzeln des R&B. Uralte Voodoo-Rituale, von afrikanischen Sklaven nach New Orleans importiert, stehen im Zentrum. „I Walk On Guilded Splinters“ wurde oft gecovert, doch nie erreicht.
AC/DC
If You Want Blood, You’ve Got It
Atlantic, 1978
Bon Scotts Live-Vermächtnis. Über die Song-Auswahl lässt sich streiten, „Sin City“ und „Dog Eat Dog“ fehlen, „The Jack“ ist entbehrlich. Aber das Konzept AC/DC funktioniert mittlerweile auf jeder Bühne, und die Band weiß das.
Bob Marley & The Wailers
Exodus
Island, 1977
Marleys erstes Album aus dem Londoner Exil vereinte Späthippies und Punks, Stadionrocker und Discotänzer. Perfekt austariert in Protest- und Lovesongs, transzendiert "Exodus" mit dem Titelsong, "Jamming" und anderen großen Songs Pop, R&B und Rock in spiritueller Hitze.
Ideal
Ideal
Virgin, 1980
Der Mauerstadt-Mythos für das Frühstücksradio. „Ich fühl mich gut, ich steh auf Berlin!“, singt die Hagenerin Annette Humpe an der Orgel. Ihr Herrentrio ist noch im Deutschrock verwurzelt, und Songs wie „Blaue Augen“ bauen eine melodische Brücke zur Neuen Deutschen Welle.
Wilco
Sky Blue Sky
Nonesuch, 2007
Als nach Jahren der Depression und Tablettenucht ein paar Sonnenstrahlen in die Welt von Wilco-Mastermind Jeff Tweedy fielen, kam dieser Kristall aus Folk-Pop, Prog-Rock, Country und Soul zum Vorschein. „Sky Blue Sky“ ist auch die Sternstunde von Gitarrist Nels Cline.
The Beatles
Let It Be
Apple, 1970
Es hätte eine andere Platte werden sollen – und nicht ihre letzte. Paul McCartney wollte wieder so aufnehmen, wie sie einige Jahre zuvor begonnen hatten, und schrieb auch schöne Lieder. „Get Back“ oder „Maggie Mae“ haben den nostalgischen Rock‘n’Roll-Charakter, den er beabsichtigte.
Lizzo
Cuz I Love You
Nice Life/Atlantic, 2019
Lizzos Durchbruch als glamourös-humorvoller Soul-Pop-Star fiel eher zufällig mit ihrem dritten Album zusammen, da zeitgleich ihr zwei Jahre alter Track "Truth Hurts" auf TikTok viral ging. Zum Glück, denn sie hatte schon überlegt, die Musik wegen des ausbleibenden Erfolgs aufzugeben.
Bon Iver
22, A Million
Jagjaguwar, 2016
Nach dem Folk-Debüt und dem pastoralen Zweitwerk nun Justin Vernons abstrakte elektronische Dritte. Der Höhepunkt ist wohl das erstaunliche „715 CREEKS“, ein dekonstruierter Solo-Gospel, in dem Vernon seine warme Stimme durch ein Heer an Vocodern und Filtern jagt.
Captain Beefheart & His Magic Band
Safe As Milk
Buddah, 1967
Wenn der weiße Mann den Blues singt, kann er nicht über die Traumata der Black Community singen, das hatte Don Van Vliet intuitiv verstanden. Er sang: „You can’t lose, with the stuff you use/ Abba Zaba go-zoom Babbette baboon.“ Ein Genie.
Belle And Sebastian
If You’re Feeling Sinister
Jeepster, 1996
Nach ihren frühen Singles galten die Schotten als die ästhetisch anspruchsvollste neue Band. "If You’re Feeling Sinister" erfüllte die schönsten Hoffnungen mit filigranem Folk-Pop, idiosynkratischen Harmoniegesängen und einer putzigen Ministranten-Attitüde.
Tom Petty
Full Moon Fever
MCA, 1989
Mit Ende dreißig schuf Tom Petty diese grandiose Kombination aus Heartland-Rock und Power-Pop, indem er die Studiotür für Kollegen von den Traveling Wilburys öffnete. Jeff Lynnes Produktion garantierte einen Hit, und Petty schrieb einige seiner schönsten Songs.
Charles Mingus
Mingus Ah Um
Columbia, 1959
Die Vermählung von Tradition und Sophistication, Komposition und Improvisation, Hard Bop, Blues und Gospel gelang Charles Mingus wohl nie so perfekt wie auf seinem Debüt für Columbia Records. Das Feuer und die Dynamik seines Ensembles machen es zu seinem Meisterwerk.
Nick Drake
Five Leaves Left
Island, 1969
Ein vollendetes Debütalbum. Doch 1969 bemerkte kaum jemand die Qualität dieser poetischen, zwischen Jazz und Pop changierenden, von Pentangles Danny Thompson am Bass angetriebenen und von Robert Kirbys Streichern verzierten dunklen Lieder.
The Smiths
Strangeways, Here We Come
Rough Trade, 1987
Sie wussten es noch nicht, aber "Strangeways" blieb die letzte Platte der Smiths, die sich während der Aufnahmen zerstritten. Marr hatte einige Bläser arrangiert, und er und Morrissey schrieben wie die Götter („Death Of A Disco Dancer“, „Girlfriend In A Coma“).
Kanye West
808s & Heartbreak
Roc-A-Fella, 2008
Nach dem Tod seiner Mutter brauchte Kanye einen neuen Sound. Er komponierte minimalistische Electronica – und sang. Weil er nicht singen kann, sang er durch einen AutoTune-Filter, der, voll aufgedreht, keine Korrektur mehr war, sondern ein neuer Klang. Stilprägend.
Trio
Trio
Mercury, 1981
Karge Gitarrenriffs, simpelste Rhythmen, auf Phrasen reduzierte Texte, vorgetragen in einem Sprechgesang ohne Modulation. Die Reduzierung des Pop auf die wesentlichen Ingredienzen. New-Wave-Minimalismus. Der Welthit „Da Da Da“ war erst in der dritten Auflage auf dem Album.
Black Flag
Damaged
SST, 1981
Die Westküste tritt auf den Punk-Plan. Volle Pulle Hardcore aus L.A. Wütend und aggressiv. Henry Rollins als oberkörperfreier Berserker am Mikro, Powergitarrist Gregg Ginn knallt rein. Ein Grundstein des legendären SST-Labels. Teenager-Fäusteballen mit „Life Of Pain“ und „Rise Above“.
R.E.M.
Lifes Rich Pageant
I.R.S., 1986
Schluss mit dem Verstecken: Im Kern blieben R.E.M. die verzauberte Südstaatenband, doch plötzlich waren Michael Stipes kritische Texte deutlich zu verstehen. Politisch und poetisch, eindringlich und bewegend, dazu herrliche Melodien. „Begin the Begin!“
Nick Drake
Pink Moon
Island, 1972
Schöner kann Introvertiertheit nicht klingen. Mit seiner Stimme und seinem Gitarrenpicking war sich der Songwriter selbst genug (das bisschen Klavier mal ausgenommen). Die unfassbar zarten, zauberhaften Lieder erzählen aber auch, was für eine Katastrophe diese Einsamkeit ist.
The Specials
More Specials
2 Tone, 1980
Musikchef Jerry Dammers wollte eine Fortentwicklung nach dem Neo-Ska-Boom ihres ersten Albums auf 2 Tone: Früher TripHop und filmscoretaugliche Tracks wie „Stereotypes“ oder „International Jet Set“, die durch die Stimme von Terry Hall ihren besonderen Twist bekommen.
Brian Eno
Another Green World
Island, 1975
Ein Album an der Schnittstelle von Art-Rock und (Semi-) Electro-Pop, das David Bowie schwer beeindruckte und Blueprint für „Low“ wurde. Eno holte sich Robert Fripp, John Cale und Phil Collins ins Studio, spielte die meisten Tracks jedoch selbst ein.
Coldplay
A Rush Of Blood To The Head
Parlophone, 2002
Die Singles „In My Place“, „The Scientist“ und „Clocks“ ebneten den Weg für den internationalen Durchbruch der Band, die kurz darauf schon Stadien füllte. Ihr Grammy-dekoriertes zweites Album steht in 13 Millionen Haushalten.
Gil Scott-Heron
Pieces Of A Man
Flying Dutchman, 1971
Jazz, Soul und Funk liefern das Fundament für politisch aufgeladene Texte. „The Revolution Will Not Be Televised“ bleibt als Wegweiser für HipHop der markanteste Track, „Lady Day And John Coltrane“ und „Home Is Where The Hatred Is“ sind weitere Meilensteine.
Kettcar
Du und wieviel von deinen Freunden
Grand Hotel van Cleef, 2002
Das Debüt der Hamburger, kein „befindlichkeitsfixierter Aufstand“, wenngleich schon „hetero und männlich“ – doch Kettcar waren bereits damals viel mehr als Emo-Rock, ihre Lieder erzählten klug von unserem Alltag, ohne klugzuscheißen.
Interpol
Turn On The Bright Lights
Matador, 2002
Die mit quengelnden Gitarren aufgerufene allgemeine Verzweiflung und das Leiden an Ich und Welt legen schnell den Vergleich zu Joy Division nahe. Doch die New Yorker sind keine Minimalisten – sie kleiden ihre Wut in ein hochkomplexes Soundgewand.
Britney Spears
...Baby One More Time
Jive, 1999
Britneys Debüt ist das Bubblegum-Pop-Maximum, unverschämt eingängig, von großer Kunstfertigkeit und Künstlichkeit. Mastermind Max Martin wurde zum zentralen Pop-Architekten der nächsten zwanzig Jahre und Britney zur ewigen, auch tragischen Ikone.
Devo
Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!
Warner, 1978
Electro-Avantgarde aus Akron/Ohio. „Mongoloid“ ("one chromosome too many") würde man heute wohl nicht mehr so schreiben. Passt aber genauso wie "Satisfaction" als Roboter-Dance-Track in die Dada-Ästhetik der Ex-Kunststudenten.
Sufjan Stevens
Carrie & Lowell
Asthmatic Kitty, 2015
Sufjan Stevens kontempliert über den Tod seiner Mutter und verzichtet auf den elektronischen Prog-Folk der vorangegangenen Alben. Mit allerlei Saiteninstrumenten im Zentrum entstehen wundervoll sanfte, tief berührende Lieder über Trauer und spirituellen Trost.
Chico Buarque
Construção
Philips, 1971
Aus dem Exil nach Brasilien zurückgekehrt, nahm Buarque sein dunkelstes Album auf. Für hiesige Ohren mögen hochinfektiöse Stücke wie „Cordão“ nach ewiger Sonne über dem Zuckerhut klingen, doch finden sich in den Texten immer wieder codierte Anklagen gegen Zensur und Staatsterror.
Nick Cave & The Bad Seeds
The Good Son
Mute, 1990
Der wilde Mann nahm diese herrliche Balladenplatte mit Klavier und Shanty-Gesängen auf. „Foi Na Cruz“, „The Ship Song“, „Lucy“ und „The Good Son“ waren doch sehr anders als die früheren Stücke der Bad Seeds. Manche nahmen es Nick Cave übel, aber neue Hörer kamen hinzu.
Bright Eyes
I’m Wide Awake, It’s Morning
Saddle Creek, 2005
„We are nowhere and It’s Now“, sang Conor Oberst aus Omaha/Nebraska, und er war mit seinen fantastischen Indie-Rock-Songs auf einem von mehreren Höhepunkten seines Schaffens. Am Ende („Road To Joy“) kniet sogar Beethoven nieder.
Pavement
Crooked Rain, Crooked Rain
Matador, 1994
Stephen Malkmus, dem Posterboy der „Slacker“-Neunziger-Jugendkultur, war nicht alles egal, auch wenn er sang, als würde er Kaugummi kauen. Ein Meisterwerk über verliebte Sommer („Gold Soundz“), Paarberatung („Cut Your Hair“) und Altersträume (“Range Life“).
Fugees
The Score
Columbia, 1996
Während der Hip-Hop drum herum schon zum Gangsta-Rap regredierte, gelingt dem Trio eine Sternstunde des Genres, ein gültiges, spirituelles, humorvolles Werk, getragen von Reggae-Grooves und samtenem Flow. Der Hit „Ready Or Not“ wird zur Blaupause für den R&B der Nullerjahre.
The Supremes
Where Did Our Love Go
Motown, 1964
Die Supremes waren 1964 erfolgreicher als die Beatles, und „Where Did Our Love Go“ ist ein unsterblicher Soul-Song. Dass das zweite Album der Gruppe um Diana Ross bloß eine Zusammenstellung von Single-A- und -B-Seiten ist, davon drei Nummer-eins-Hits – geschenkt.
Lana Del Rey
Ultraviolence
Polydor, 2014
Nachdem Lana Del Rey für „Born To Die“ viel Häme hatte einstecken müssen, legte sie auf „Ultraviolence“ eine 180-Grad-Wendung hin: Westerngitarren statt HipHop-Beats, psychedelische Layer-Vocals und verzerrte Bässe lassen das Album glühen wie die Luft überm Death Valley.
Thin Lizzy
Jailbreak
Vertigo, 1976
Ihr letzter Versuch, nachdem „Nightlife“ und „Fighting“ kommerziell enttäuscht hatten. Der Druck lockt Thin Lizzy noch einmal aus der Reserve. Brian Robertson und Scott Gorham lassen ihre Gitarren so schön singen, da kann auch die maue Produktion nichts verderben. Phil Lynotts Stimme eh nicht.
Arcade Fire
The Suburbs
Merge, 2010
Nach den Themen Tod und Erlösung auf den beiden Vorgängeralben gehen die Kanadier den wehmütigen Weg zurück in die Jugend. Zu veränderter, berauschend intensiver Klangkulisse geht es dennoch viel um Vergänglichkeit und Verlust, mit furiosen Melodien und trotzigem Pathos.
Aztec Camera
High Land, Hard Rain
Rough Trade, 1983
Roddy Frames Debüt gehört zu den Meisterwerken des Glasgower Postcard-Pop. Er war gerade volljährig und schrieb die besten Songs neben Landsmann Edwyn Collins. „Oblivious“ oder „Walk Out To Winter“ konnte Frame kaum noch übertreffen. Oder irgendwer sonst.
Rihanna
Anti
Westbury Road/Roc Nation, 2016
„Good girl gone bad“, und diesmal glaubte man es ihr: Im zweiten Jahrzehnt ihrer Karriere lieferte der Popstar einen unerwarteten Höhepunkt, ein düster-urbanes Album für die Nacht, eine hypnotische Reise durch die dunkle Stadt, sexy und psychedelisch und von ungeahnter Tiefe.
Lady Gaga
The Fame Monster
Interscope, 2008
Im Sommer 2008 hatten die USA eine neue Queen of Pop. Während die alte – Madonna – nur noch Bonbons („Hard Candy“) verkaufte, veröffentlichte Stefani Germanotta als Lady Gaga ein hitpralles Album, auf dem sie sich als selbstbestimmte Souveränin präsentierte.
Roxy Music
Roxy Music
Island, 1972
Für dieses Debütalbum wurde der Ausdruck "artsy" überhaupt erst erfunden. Glam und Travestie treffen auf Rock’n’Roll und Jazz-Funk, Brian Enos Synthesizer auf Bryan Ferrys Vaudeville-Stimme. Rockmusik trug ordentlich Make-up auf und naschte in Äther getränkte Erdbeeren.
Motörhead
Ace Of Spades
Bronze, 1980
Das Artwork des kommerziell größten Erfolgs der Band inszeniert das damalige Trio als Spaghettiwesternhelden, fotografiert in einer britischen Sandgrube. Nie klang Zocker-Rock-’n’-Roll auf Speed abgebrühter, gewiefter und verführerischer als auf Motörheads viertem Album.
Arthur Russell
World Of Echo
Upside, 1986
Im New Yorker Underground war der Cellist und Komponist Arthur Russell eine feste Größe. Immerhin das minimalistische Electro-Ambient-Art-Pop-Meisterwerk „World Of Echo“ schlug auch außerhalb der Avantgardekreise, in denen er sich bewegte, Wellen (wenn auch viel zu kleine).
Tocotronic
K.O.O.K.
L’Age D’Or, 1999
Das Monumentalalbum der Hamburger: Dirk von Lowtzow sang jetzt wunderbar melancholische Lieder wie „Unter der Schnellstraße“, „Morgen wird wie heute sein“, „Das Geschenk“ und „Let There Be Rock“. Ihr Rock wurde immer epischer, und ein Waldhorn erklingt auch.
Pink Floyd
The Wall
Harvest, 1979
Mit „The Wall“ setzte Roger Waters sein Ego endgültig gegen die Band durch, danach war sie zerstört. Sein Großentwurf über Kindheitstrauma, Kriegshass und die Isolation des Rockstars hat eine immense Kraft, lebt aber – ein letztes Mal – genauso von der Musikalität seiner Bandkollegen.
Tracy Chapman
Tracy Chapman
Elektra, 1988
Das Debüt der amerikanischen Singer-Songwriterin wurde von etlichen Labels abgelehnt, die sich dann angesichts der Hits „Talkin’ Bout A Revolution“ und „Fast Car“ hoffentlich angemessen ärgerten. Starke, schlichte Lieder, von dieser tiefen Stimme so berührend gesungen.
Curtis Mayfield
Super Fly
Curtom, 1972
„Super Fly“ ist der Soundtrack zum Blaxploitation-Film gleichen Namens und gilt als einer der funkiesten Soundtracks aller Zeiten. Curtis Mayfield, der für seine sozialbewussten Texte und seine einprägsamen Melodien bekannt ist, komponierte und sang die Songs für diesen bahnbrechenden Soundtrack. Songs wie „Pusherman“ und „Freddie’s Dead“ sind absolute Klassiker, die den Sound der frühen 1970er-Jahre perfekt einfangen. Dieser Soundtrack ist nicht nur ein wichtiger Teil der Musikgeschichte, sondern auch ein Spiegelbild der sozialen und politischen Probleme seiner Zeit.
Crosby, Stills, Nash & Young
Déjà Vu
Atlantic, 1970
"Déjà Vu" ist ein Hippie-Klassiker und ein bedeutendes Album in der Rockgeschichte. Die Band Crosby, Stills, Nash & Young vereint großartige Talente, darunter David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash und Neil Young. Das Album bietet eine Mischung aus brillanten Songs, darunter das Titelstück "Déjà Vu", das kraftvolle "Almost Cut My Hair", Nashs "Teach Your Children" und das bezaubernde "Our House". Mit Neil Young wurde die Band noch besser und schuf ein Album, das ihren musikalischen Einfluss und ihre Bedeutung festigte.
Cocteau Twins
Heaven Or Las Vegas
4AD, 1990
Monsters of Melancholia seit 1980. Eine der Vorzeigebands des Londoner Labels 4AD, das sich früh auf Avantgarde-Gothic spezialisiert hatte. Zum Restart wird der enigmatische Engelsgesang von Elizabeth Fraser populär, "Iceblink Luck" steigt in die UK-Top-40.
Alanis Morissette
Jagged Little Pill
Maverick, 1995
Mit "Jagged Little Pill" schaffte die kanadische Sängerin Alanis Morissette ihren Durchbruch. Das Album, ihr drittes Studioalbum, wurde zu einem enormen Erfolg. Hits wie "You Oughta Know" und "Ironic" liefen ständig auf MTV und verhalfen ihr zu weltweiter Bekanntheit. Die Songs auf dem Album sind geprägt von Morissettes ehrlichen und kraftvollen Texten, die oft Selbstbewusstsein und Selbstempowerment ausstrahlen. "Jagged Little Pill" ist ein Meilenstein in der Popmusik und bleibt ein bedeutendes Werk in Morissettes Karriere.
Nick Drake
Bryter Layter
Island, 1971
Joe Boyd produzierte Drakes zweites Album mit größerer Besetzung. Es erreichte seinerzeit jedoch kein größeres Publikum. Heute erkennt man die karge Schönheit dieser für Drakes Verhältnisse recht hoffnungsvollen Lieder, allen voran das unendlich romantische „Northern Sky“.
Bob Dylan
The Freewheelin’ Bob Dylan
Columbia, 1963
Auf seinem Debüt klang der Junge, der sich Bob Dylan nannte, noch wie ein Woody-Guthrie-Imitator. Mit Liedern wie „Blowin’ In The Wind“ und „A Hard Rain’s A-Gonna Fall“ offenbarte er sich auf dem zweiten Album bereits als Amerikas größte Stimme.
