„The Bride!“ ist ein Monster-Mash aus Sex, Gewalt, Widerstand
Maggie Gyllenhaals radikale Neuerfindung der Braut des Frankenstein zeigt dem Patriarchat den Stinkefinger – und das mit Musicalnummern.
Er ist eine wiedererweckte Leiche, verdammt, jahrhundertelang in existenziellem Elend durch die Welt zu streifen! Sie ist die Ex-Moll eines kleinkriminellen Gangsters, von den Toten zurückgeholt, um seine Seelengefährtin zu werden! Man könnte sagen, sie sind füreinander geschaffen – sie buchstäblich, im wahrsten Sinne des Wortes. Dass diese junge Frau, die mit dem Patriarchat noch eine Rechnung offen hat, dabei kaum ein Wörtchen mitzureden hatte, ist eine andere Sache. Ihr künftiger Bräutigam und sein Arztfreund haben sie ausgegraben, eine Wissenschaftlerin beauftragt, Tausende von Volt durch sie zu jagen, und erwarten nun einfach, dass sie für alle Ewigkeit Hausfrau spielt?
Fuck that! Hat sie dabei nicht das geringste Mitspracherecht? Das reicht doch wohl, um eine einst tote, jetzt wieder lebende und vor Wut kochende Frau eine Revolution anzuzetteln und die ganze verrottete, sexistische Infrastruktur bis auf die Grundmauern niederzubrennen.
„The Bride!“ – Maggie Gyllenhaals radikale, aus allen Nähten platzende Neuinterpretation von „The Bride of Frankenstein“ – dreht sich in seinem glühenden Kern um das Thema Agency. Wer sie hat, wer sie nicht hat, und wie vieles davon scheinbar entlang chromosomaler Linien verläuft. Es geht auch um die Freuden echter Partnerschaft und darum, zu den eigenen Bedingungen akzeptiert zu werden – oder gar nicht. Und um das Konzept des Outlaw-Paares, darum, wie dieses unsterbliche Klischee der flüchtigen Liebenden Teil des kollektiven Popmythos unserer Nation geworden ist.
Und darum, Mary Wollstonecraft Shelleys Erbe aus dem von Männern dominierten Kanon zurückzuerobern. Und um das grenzenlose Vergnügen, Schauspielerinnen und Schauspielern in 1930er-Jahre-Swells-and-Dames-Kostümen zuzusehen. Und um die Freuden altmodischer Musicalnummern – wer mag keine altmodischen Musicalnummern? Und… und…
In den gut zwei Stunden Laufzeit von „The Bride!“ drängen sich eine Menge Ideen um Platz und Luft, und in diesem Film passieren eine Menge verschiedene Filme gleichzeitig. Es ist, als hätte Gyllenhaal Angst gehabt, nach ihrem beeindruckenden Debüt „The Lost Daughter“ (2021) nie wieder einen Film drehen zu können – und als sie die Chance für ein Folgeprojekt bekam, entschied sie sich, gleich ihre nächsten vier Filme auf einmal zu machen. Angesichts der Tatsache, dass dieser herrlich bescheuerte Mix aus Genrefilmen, Genderpolitik, TCM-Dauerberieselung, Camp, Punk und Rage von Warner Bros. stammt – demselben Studio, das uns kluge und ambitionierte Werke wie „Sinners“, „One Battle After Another“ und „Barbie“ beschert hat und dem wohl bald ein ernsthafter politischer Umbau bevorsteht – kann man es ihr kaum verübeln.
Wir brauchen mehr Borgias wie Warners, die ambitionierte Filmemacher unterstützen. Aber was wir wirklich brauchen, sind mehr ambitionierte Filmemacherinnen wie Gyllenhaal, die bereit ist, bei jedem Zaun in Sichtweite zum vollen Schwung anzusetzen. Sie ist eine Künstlerin, die viel zu sagen hat. Und diese Variation von Shelleys moderner Prometheus-Geschichte gibt ihr die Möglichkeit, es alles laut herauszusagen – wenn auch nicht immer klar.
Jessie Buckley als Shelley und Ida
Wir beginnen mit Shelley selbst, die aus dem Jenseits spricht und beklagt, dass sie noch mehr Geschichten zu erzählen hatte, bevor ihr früher Tod mit 53 sie daran hinderte. Was die Autorin braucht, ist eine neue Chance, ihre Wahrheit zu sprechen – dafür braucht es einen anderen Körper. Shelley wird von Jessie Buckley gespielt, die gleichzeitig als das neue lebende Gefäß fungiert. Unsere Erzählerin gibt der Frau den Namen Ida – wie in „Ich würd‘ lieber nicht“ (ein Anklang an Herman Melvilles „Bartleby, the Scrivener“, erschienen zwei Jahre nach Shelleys Tod im Jahr 1853) und ein wiederkehrendes Motiv in der Marathonfolge laufender Witze des Films. Ida ist die Moll eines Gangsters im Chicago des Jahres 1936. Nachdem sie von Shelley Besitz ergriffen wurde, macht die Dame in einem feinen Restaurant eine Szene – zum Verdruss ihrer Tischbegleiter. Es folgt eine unglückliche Begegnung mit einer Treppe.
Unterdessen sucht in einem Labor auf der anderen Seite der Stadt eine seltsame Gestalt einen Arzt auf. Frankenstein (Christian Bale, in der Rolle, für die er wiedererweckt wurde) hat genug davon, den Globus zu durchstreifen und sein Schicksal als einsamer Mann Gottes zu verfluchen. Jetzt will er sesshaft werden. Nachdem er die Abhandlungen einer gewissen Dr. Euphronius (Annette Bening) studiert hat, hat er sie aufgespürt und möchte, dass sie ihm eine Braut erschafft. Die gute Doktorin zögert, einige ihrer exzentrischen Theorien der „Wiederbelebung“ zu testen, nachdem sie bei einem Experiment eine Tragödie erlebt hat. Es wäre zu traumatisch. „Ich dachte, Sie wären eine verrückte Wissenschaftlerin“, entgegnet Frank. Oh, snap! Euphronius ist dabei.
Schnitt zu: Zap! Crackle! Pow! Ida kehrt aus dem Totenreich zurück und spuckt schwarzen Schleim; der Tintenfleck auf ihrer rechten Wange wird ihr Markenzeichen, ihr permanentes Kainsmal, ihr Nike-Swoosh. Sie ist unsicher, was diese neue Situation angeht, obwohl Shelley aus dem Häuschen ist und immer wieder dazwischengrätscht, wenn Ida und Frank versuchen, ein Gespräch zu führen. Schließlich landen sie in einer Speakeasy, die Gyllenhaal filmt wie einen Nachtclub der Queers und der Toten.
Einige Männer werden auf der Tanzfläche etwas zu handgreiflich mit Ida. Sie folgen ihr und Frank nach draußen. Den Tätern werden die Köpfe eingetreten. Und nun bricht das Duo auf, wobei Ida sich jetzt Penelope nennt – vielleicht weil das der Name von Odysseus‘ Frau war, vielleicht weil „Pretty Penny“ wie ein guter nom de sensation klingt. Sie werden bald zu Volkshelden und Mediensensationen, ein Bonnie and Clyde für die Mall-Goth-Fraktion. Um die Version der Filmszene Shelleys zu zitieren: Here comes the motherfucking bride!
Maximalistisch bis auf die Knochen
„Maximalistisch“ beschreibt „The Bride!“ noch nicht einmal ansatzweise – das, was der Film als Zurückhaltung versteht, ist, dem Titel nur ein Ausrufezeichen statt drei zu geben. Es gibt Gesangs- und Tanznummern, manche davon in den endlosen MGM-artigen Musicals, die Frank besessen verfolgt, andere inszeniert das Pärchen selbst; eine Extravaganza löst sogar einen manischen neuen Tanztaumel aus, der den Charleston wie ein Relikt aus der Vorzeit aussehen lässt. Jake Gyllenhaal taucht als altmodischer Hoofer in Zylinder und Frack auf. Peter Sarsgaard und Penélope Cruz spielen Detektive, die das Duo verfolgen, und fungieren gelegentlich als Sprachrohr für einige der PowerPoint-artigeren Botschaften über gesellschaftliche Doppelmoral.
Der Film selbst ist trunken vor Filmen, wobei er wenig Zuneigung für die Universal-Horrorfilme zu hegen scheint, die ihm als Fundament dienten. Trotzdem ist Platz für fackelschwenkende Mobs und Tommyguns. Anachronismen wohin das Auge reicht. Keine Kitsch-Gelegenheit wird ausgelassen. Dachten Sie, „Puttin‘ on the Ritz“ würde keinen Auftritt und keine Softshoe-Nummer bekommen? Oder dass „Monster Mash“ nicht auf dem Soundtrack wäre? Falsch gedacht auf beiden Konten.
Manches funktioniert, anderes nicht, und wieder anderes fühlt sich wie fruchtbarer Boden an, der besät, aber nie wirklich bestellt wird – eine Volksbewegung, inspiriert von den Eskapaden der Bride, komplett mit Anhängern, die ihr struppiges Haar und den schwarzen Spritzer auf den Lippen kopieren, wird kurz eingeführt, dann vergessen, bis sie als Pointe im Abspann wieder hervorgezogen wird. (Man bekommt immerhin die Schlagzeilen „Girl Rrriot!“ und „Twisted Sisters Rage Against the Machine!“ heraus, was: 10/10.) Und doch schafft der Film selbst inmitten des bescheuerten Lärms und Getöses noch Raum, seinen Stars eine Bühne zu geben.
Bale verwandelte einst mit „American Psycho“ einen „modernen“ Mann in ein Monster; jetzt kehrt er mit Frankensteins Schöpfung den Spieß um – nennen Sie ihn bloß kein Monster, das triggert ihn – und zeigt Melancholie und Sehnsucht unter diesem sensiblen Klotz. Buckley war schon vor „Hamnet“, das ihr Profil schärfte, eine der aufregendsten Schauspielerinnen überhaupt, und hier wird sie ermutigt, schnell und locker zu spielen. In den Szenen, in denen sowohl die Chicagoer Moll als auch die verstorbene britische Schriftstellerin darum kämpfen, wer die Kontrolle über die Bride behalten darf, wechselt sie zwischen Akzenten, manchmal im selben Satz, manchmal in derselben Silbe. Aber selbst wenn sie nur aufgefordert wird, mit Bale Sticheleien, freudige Lächeln und traurige Blicke auszutauschen, ist sie elektrisierend.
Man kann Gyllenhaal nicht vorwerfen, bei „The Bride!“ nicht alles riskiert zu haben, und je länger man den Schauspielerinnen und Schauspielern dabei zusieht, wie sie die zentrale Idee einer Begegnung vernarbter Körper und gleichberechtigter Geister zum Leben erwecken, desto mehr hat man das Gefühl, etwas nicht nur pervers Überdrehtes, sondern Persönliches zu sehen. Aber wir glauben nicht, dass ihr wichtigstes Alter Ego auf der Leinwand die Bride selbst ist, auch wenn sie ein perfektes Gefäß für weibliche Wut ist. Als Benings Doktorin erstmals auftaucht, erinnert ihre Haltung und ihre wellige Frisur an Ernest Thesiger, den Schauspieler, der dieselbe Rolle des verrückten Wissenschaftlers im Original „Bride of Frankenstein“ spielte. Schaut man jedoch genauer hin, ähnelt sie am meisten – Frisur inklusive – Gyllenhaal selbst.
Sowohl die Regisseurin als auch Euphronius sind Frauen, die in einem von Männern dominierten Feld arbeiten und zweifelsohne unterschätzt und für ihren Ehrgeiz abgestraft wurden. Beide finden Wege, ihr Genie schließlich sichtbar zu machen. Beide sind Schöpferinnen. Keine von beiden will warten, bis man ihr die Erlaubnis erteilt, das zu tun, was sie tut. Zum Glück ist eine von ihnen real.
