Wie Ryan Gosling in „Project Hail Mary“ zum Filmstar der Tom-Hanks-Klasse aufsteigt

Phil Lord und Chris Millers „Project Hail Mary“ ist im Kern die Geschichte eines Mannes, der allein im All aufwacht und einen Stein zu seinem Freund machen muss. Es ist auch eines der reinsten Vergnügen im Kino der letzten zehn Jahre – durchdrungen von einem im Jahr 2026 geradezu anachronistischen Optimismus und nahezu unerschütterlicher Leichtigkeit, die das Regie-Duo in einen Stoff gepackt hat, für den Drew Goddard das Drehbuch schrieb (adaptiert nach Andy Weirs Roman – wie schon ein anderes Goddard-Skript: das ebenfalls großartige „The Martian“ von 2015, damals unter der Regie von Ridley Scott). In der Hauptrolle des widerwilligen Nicht-Astronauten Ryland Grace ist Ryan Gosling zu sehen, dessen Leistung ein Meilenstein seiner Karriere ist – der Beweis, dass er zu den wenigen Schauspielern und echten Filmstars gehört, die einen ganzen Blockbuster fast im Alleingang tragen können.

Es ist Lord und Millers erster Film als Regisseure seit der klassischen Fortsetzung „22 Jump Street“ aus dem Jahr 2014 – obwohl sie seitdem als Produzenten, Drehbuchautoren und kreative Köpfe hinter Projekten wie den „Lego“-Filmen, der noch laufenden „Spider-Verse“-Saga und vielem mehr als beschäftigt waren. Berüchtigt sind sie auch als ursprüngliche Regisseure eines anderen großen Weltraumfilms: „Solo: A Star Wars Story“ von 2018, von dem sie Lucasfilm-Präsidentin Kathleen Kennedy zugunsten von Ron Howard abgelöst wurden – angeblich aus Angst vor einem zu leichten, zu improvisatorischen Ton.

Bei Burgern in einem Midtown-Manhattan-Hotelzimmer, wenige Stunden vor der Premiere von „Project Hail Mary“, sprachen Lord und Miller mit dem ROLLING STONE darüber, warum Gosling sie an Warren Beatty erinnert, wie Sandra Hüllers umwerfende Karaoke-Szene innerhalb von 36 Stunden entstand, was sie wirklich aus dem „Solo“-Erlebnis mitgenommen haben, wie es um „Beyond the Spider-Verse“ steht, und wie sie „Star Wars“ wieder lieben lernten.

Ihr wisst, wie man ein Publikum begeistert – und ihr wollt es begeistern. Gibt es Momente, in denen ihr euch zurückhaltet und denkt: Das ist zu gefällig?
Miller: Man kann nicht bei jeder Mahlzeit Eis servieren.

Lord: Das ist eine interessante Frage, weil dieses Wort dem Film ständig folgt – publikumswirksam, Blockbuster, Feelgood. Aber wir denken nie: „Oh, der Witz wird einschlagen.“ Wir spielen kein Spiel mit dem Publikum. Wir versuchen einfach, den Film wirklich gut zu machen.

Miller: Wir wollen das Publikum fesseln. Wenn man ins Kino geht, will man von Anfang bis Ende mitgenommen werden. Wir zeigen unsere Filme immer wieder Freunden, Familie und anderen Filmemachern und beobachten, wo die Aufmerksamkeit nachlässt, wo jemand anfängt, auf dem Stuhl herumzurutschen. Aber wenn wir die Leute haben, wenn sie an den richtigen Stellen lachen und an den richtigen Stellen weinen, dann ist das ein Erfolg.

Publikum fesseln, nicht bedienen

Lord: Und es gibt definitiv Momente, in denen wir sagen: „Das Publikum ist okay damit. Aber wir lieben diese Szene. Und sie bleibt. Sie gehört hierher. Sie ist Teil der Geschichte. Das wissen sie noch nicht, aber morgen werden sie daran denken.“ Wir fühlen uns dem Publikum gegenüber nicht verpflichtet. Wenn der Lacher ausbleibt, sind wir nicht so brutal. Und bei diesem Film haben wir recht behalten. Man hört es nicht, wenn den Leuten der Atem stockt. Das taucht in keiner Auswertung auf. Man bekommt nicht dieselbe Befriedigung wie bei einem Lacher, aber man spürt es, wenn das Publikum gebannt ist – man hört die Stille. Das ist keine Kleinigkeit. Aber wir kommen aus der Komödie, also verbringen wir Zeit damit zu fragen: Hat es gezündet? Das ist wichtig.

James Gunn hat mir kürzlich erzählt, er versuche, seinen Instinkt zu zügeln, immer einen Lacher zu brauchen – was er seine Tendenz nannte, „für das Publikum Stepptanz zu machen.“ Sein Beispiel war die lange Dialogszene zwischen Lois und Clark in „Superman“, vor der er früher Angst gehabt hätte, weil sie zu aufrichtig war und sich nicht selbst mit einem Witz unterlief.
Lord: Das Beste an diesem Film ist die Beziehung zwischen Clark und Lois – und Superman, der einen Korb bekommt. Und wie liebenswürdig Superman dabei war. Ich habe James direkt nach dem Kino eine Nachricht geschickt: „Das ist dein bester Film. Dein aufrichtigster.“

Miller: Wir haben wirklich keine Angst vor Aufrichtigkeit, das dürfte bei diesem Film ziemlich klar sein. Die „Spider-Verse“-Filme – das ist ihr Herzschlag. Da steckt so viel Emotion drin. Man denkt, es geht ums Schwingen und Flitzen durch die Stadt, aber die ikonischsten Szenen sind Gwen und Miles auf einem Dach im Gespräch. Bei „Project Hail Mary“ war das Buch lustig und emotional. Es war aufregend und hat einen auf vielen Ebenen berührt. Das war unser Ziel. Wir glauben immer: Wenn das Publikum verschiedene Gefühle erleben kann, manchmal sogar in derselben Szene, kommen sie heraus und denken: „Ich fühle mich anders als beim Reingehen.“

Lord: Und ich finde, es ist völlig in Ordnung, wenn eine dramatische Szene auch Lacher hat. Das Leben steckt voller Menschen, die Witze machen, um die Spannung zu brechen. Bei Beerdigungen gibt es manchmal die größten Lacher, weil die dramatische Anspannung so groß ist. Wer auch immer spricht, ist perfekt aufgestellt für einen Witz. Wir lechzen geradezu danach.

Goslings körperliche Kontrolle

Miller: Es gibt einen Moment, in dem [Gosling] in den Spiegel schaut und sagt: „Ich halte bei dir inne“ – und das ganze Publikum bricht aus, weil man in diesem Moment so verzweifelt ist. Es ist so ein emotionaler Moment. Und dann versucht er für zwei Sekunden, ein guter Mensch zu sein. Das ist wirklich komisch. Eine Katharsis.

Lord: Und wenn man „2001“ mit einem Publikum sieht – was wir das Glück hatten zu erleben; nie im Cinerama Dome in 70mm, RIP Cinerama Dome – gibt es harte Lacher, und man kann es kaum glauben, weil dieser Film auf einem Sockel steht. Und dann merkt man: Das ist ein Publikumsfilm. Ein Geisterhaus-Film mit harten Lachern und einem Cliffhanger in der Pause. Deshalb versuchen wir keine Snobs zu sein, wenn es darum geht, einen Lacher in eine dramatische Szene einzubauen.

Filmruhm hat verschiedene Stufen, und ich glaube, Gosling hat hier eine neue erreicht. Abgesehen von den Rückblenden musste er das tun, was Tom Hanks in „Cast Away“ getan hat – praktisch den ganzen Film allein die Leinwand tragen, mit nichts als einem Stein. Und er hat diese Herausforderung mehr als gemeistert.
Miller: Man sieht ihn in „Half Nelson“ oder „Drive“ und erkennt sein unglaubliches dramatisches Handwerk. Und dann sieht man ihn in „The Nice Guys“ oder „Crazy, Stupid, Love“ und denkt: Der kann alles. Aber man hat ihn noch nie alles davon im selben Film machen sehen. Wir wussten, dass er diese Bandbreite hat … Wir wussten nur nicht, in welchem Ausmaß er Moves draufhatte, die wir noch nie zuvor gesehen hatten. Einem Menschen zuzuschauen, der vollständige Kontrolle über jeden Aspekt seines Körpers hat – wir haben ihn wochenlang an Drähten hängen lassen und physische Stunts gedreht.

Lord: Er hat mit seinem Körper und seiner Silhouette geschaffen. Das war ähnlich wie die Arbeit mit Channing Tatum, dessen Kreativität in seiner Bewegung liegt.

Miller: Er ist ein Tänzer.

Lord: Das Schöne am Film und sein eigentlicher Wert ist, dass man all diese Qualitäten an einem Ort versammelt sieht. Was Spaß macht, wenn man Ryans Karriere verfolgt: Er erweitert ständig sein Repertoire, wie LeBron James. Jede Saison kommt man aus dem Staunen nicht heraus. Und ihm dann dabei zuzusehen, wie er das alles in einem einzigen Film zusammenführt – das ist aufregend.

Hüllers Karaoke-Überraschung

Miller: Sein Geheimnis ist nicht, dass er das alles einfach so kann, obwohl er es kann. Er ist unglaublich durchdacht, es ist ihm wirklich wichtig, und er steckt viel Kreativität und Überlegung in jede Szene, jeden Moment, jedes Kostüm. Er kommt morgens mit Ideen für die Szene an.

Lord: Wir schwitzen die Details durch – und wir arbeiten gut mit Menschen, die so ticken.

Es war ziemlich bemerkenswert, dass Gosling auf die Karaoke-Idee kam – die Idee, dass Sandra Hüllers Figur singen würde.
Lord: Ja, es war so: Sie ist eine großartige Sängerin. Wir wären verrückt, sie nicht einzusetzen. Also haben wir überlegt: Wie bauen wir eine Szene, die den Film besser macht? Nicht nur als Einlage. Und dann haben wir gemeinsam dieses Ding entwickelt – ach, es ist ihre Art, sich zu offenbaren. Es ist eine Herausforderung, die Ryan ihr stellt.

Miller: Und dann mussten wir Sandra fragen: Würdest du in 36 Stunden einen Karaoke-Song singen? Was man normalerweise nicht mal eben so macht. Normalerweise bekommt man wochenlang Zeit zum Üben, einen Gesangscoach, Zeit, sich mit dem Stück vertraut zu machen. Und sie sagte: „Ich mache es, aber ich darf den Song aussuchen.“ Also hat sie ihn ausgesucht. Die Kreativität von Ryan, der sagte: „Ist es nicht verrückt, dass wir jemanden mit einer Engelsstimme haben, der diese Karaoke-Szene hat, in der es darum geht, dass sie nicht dazugehören kann? Wäre es nicht großartig, wenn sie doch singen würde.“ Und dann die Kreativität von Sandra, diesen Harry-Styles-Song auszuwählen, dessen Lyrics in diesem Moment so treffend waren – und das ohne große Vorbereitung hinzubekommen. Wir haben zuerst die Reaktionen gedreht, damit sie Zeit hatte, sich einzusingen. Aber die anderen Schauspieler wussten nicht, was auf sie zukam.

Lord: Wir haben es ihnen nicht gesagt. Also waren sie wirklich überrascht. Und dann sind wir zurückgegangen und haben die Szene so angepasst, dass Ryans Figur sie zum Singen herausfordert – damit es wie das Annehmen einer Wette wirkt.

Gab es dann einen Lizenz-Sprint, um den Song freizubekommen?
Lord: Den witzigsten überhaupt. Wir waren in einem kleinen englischen Städtchen und Leute telefonierten und fragten: „Wann wacht L.A. auf?“

Miller: Es war unser letzter Tag an diesem Drehort, und wir haben es so lange wie möglich hinausgezögert, um ihr Zeit zum Üben zu geben. Wir dachten: Oh, dieser Song wird nicht einfach freizubekommen sein. Holt einen gemeinfreien Song als Backup. Unser Music Supervisor hat uns so weit gebracht, dass wir zuversichtlich genug waren.

Und jetzt ist das das Herzstück des Films.
Miller: Als sie anfing zu singen, war sofort klar: Das ist etwas Besonderes.

Der Held ohne Rucksack

Es gibt etwas, das James Cameron Leonardo DiCaprio beim Casting von „Titanic“ angeblich gesagt haben soll – Leo wollte der Figur eine Drogensucht oder ein fehlendes Bein geben oder so etwas, und Cameron sagte ihm: „Du musst lernen, die Mitte zu halten, ohne all das Zeug.“ Diese Performance fühlte sich genau so an.
Lord: Wir haben mit Drew [Goddard] viel über Hintergrundgeschichten gesprochen, weil wir uns alle gefragt haben: Müssen wir mehr über diesen Mann wissen? Aber jedes Mal, wenn wir etwas einzubauen versuchten, passte es einfach nicht. Wir haben versucht herauszufinden, welche Beziehung er auf der Erde zurücklässt. Und letztendlich war es nicht das, was das Buch tat, die Erde mit vielen Beziehungen zu füllen, die am Ende aufgelöst werden müssen. Das ist eine Geschichte über jemanden, der auf der Erde einsam ist, im All einen Freund findet und dort bleibt.

Miller: Nicht jemand, der ein reiches Leben auf der Erde hat, ins All geht und dort traurig und einsam wird – wie es in den meisten Weltraumfilmen der Fall ist.

Wollte Ryan eine solche Hintergrundgeschichte eine Weile lang?
Miller: Wir haben versucht, tief in die Figur einzutauchen. Wir hatten viele Gespräche über solche Dinge. Und dann haben wir den Film relativ chronologisch gedreht, mit dem Weltraumteil zuerst. Die erste Dreiwoche war er, der aus dem Koma aufwacht und sich mit Bart und als verrückter Weltraum-Höhlenmensch ins Cockpit vorarbeitet.

Lord: Und das ganze Erdzeug kommt am Ende. Also bestand die Hoffnung, zu wissen: Brauchen wir etwas, woran man sich festhalten kann, um diese Performance anzutreiben? Und als wir ans Ende des Films kamen, war klar: Es war nicht nötig.

Die Figur Rocky ist unglaublich liebenswert, aber theoretisch hätte das sehr schwierig sein können – er ist eigensinnig, nicht ausdrucksstark, kein Yoda. Da gab es viele Hürden.
Miller: Wenn man ihn auf einem Standbild sieht, denkt man: Was ist das? Ein Haufen Steine. Ich sehe den Reiz nicht. Aber es ist die Art, wie er sich bewegt, die Persönlichkeit von [Puppenspieler und Synchronsprecher] James Ortiz, all das macht ihn so anziehend. Ich glaube, das ist ein Teil des Spaßes – er sieht nicht konventionell süß aus, aber er schleicht sich einem ins Herz. Als Zuschauer denkt man: „Was ist das Ding? Ich bin nicht sicher, ob ich es verstehe oder mag.“ Und dann wächst er einem wirklich ans Herz. Das liegt an all der Arbeit, die wir mit Neil Scanlan und dem Creature-Shop-Team in das Design der Puppe gesteckt haben, all die Details. Und dann James und die Rocketeers – so nannten wir das Puppenteam – wie sie entwickelten, wie er sich bewegen würde, und diese spezifischen eigenwilligen Bewegungsquirks. Ergänzt durch Arslan [Elver] und das Framestore-Team, das die Animation übernahm. Am Ende war es ungefähr 50/50 zwischen Puppenspiel und Animation. Und man kann wirklich nicht unterscheiden, was was ist. Es ist so nahtlos. In der Postproduktion waren wir selbst verwirrt: „Ist das Animation oder ist das eine Puppe?“ Manchmal wussten sie es selbst nicht.

Was waren eure frühen Überlegungen zur Herausforderung, dieses scheinbar leblose Ding so liebenswert zu machen, wie er es am Ende wurde?
Lord: Einer der Unbekannten ist Ryan und sein Glaube an den anderen Menschen in der Szene. Der erste Gedanke war: Es muss eine Puppe sein. Es muss so sein, weil wir Ryan einen Szenenpartner brauchen. Man kann die Beziehung nicht vortäuschen. Man kann die Freude nicht simulieren, wenn jemand etwas sagt, das man nicht erwartet. Wir dachten immer: Das wird sein wie ein Film mit einem Kinderschauspieler, der Dinge tut, die einen aus der Bahn werfen und überraschen. Und die beste Version davon ist, dass der Filmstar improvisieren muss. Und jemandem dabei zuzuschauen ist so charmant. Wenn man also sieht, wie Ryan von Rocky begeistert ist, ist das echt. Weil er eine echte Puppe beobachtet, die etwas tut – und wenn das zusammenkommt, ist es magisch.

Filmmagie mit Puppe und Pixel

Miller: Es gibt eine Szene, in der er mit einem Maßband herumspielt und der Puppenspieler es um sich selbst wickelt. Er reagiert wirklich. Man spürt, dass es tatsächlich passiert.

Lord: Das ist Filmmagie. Und das Wunderbare daran, es auf der Leinwand zu sehen, ist: Man hat eine Figur, die zynisch und zermürbt ist, die plötzlich das Staunen eines Kindes erlebt und einen Optimismus, zu dem wir Erwachsene selten Zugang haben. Wir erleben kaum noch echtes Staunen, weil wir zu viel wissen. Aber wenn man ins All fährt und einen außerirdischen Freund trifft, der den Watusi tanzt oder so, bekommt man das zurück.

Ihr habt „Harold and Maude“ als Referenz erwähnt.
Miller: Unwahrscheinliche Freundschaft, sehr komisch – aber über den Tod.

Lord: Ein lustiger Film über den Tod.

Miller: Ein Versuch, über die menschliche Verfassung zu sprechen. Es ist nicht die naheliegendste Verbindung, aber der Film ist für uns in vielem ein Orientierungspunkt.

Wann kam diese Referenz ins Spiel?
Lord: Ziemlich früh. Es ist einer unserer Lieblingsfilme, wir denken immer daran. Aber wir hatten mit dem Buch und dem Drehbuch so viel Substanz, dass wir nicht durch Filmreferenzen navigiert haben. „Paper Moon“ haben wir besprochen, weil Ryan O’Neal den ganzen Film über seiner Tochter gegenüber den Kürzeren zieht. Und wir denken oft – einige unserer Lieblingsfilmstars, wie Tom Cruise, sind nicht beliebt, weil sie immer gewinnen. Sie sind beliebt, weil ihr Rücken immer gegen die Wand gedrückt ist. Sogar in „Rain Man“. In all seinen ikonischen Rollen hat er den Kürzeren. Er steckt in der Klemme. Und eines der Dinge, die ich an Ryan liebe: Er stellt immer den anderen in der Szene über sich. Er ist Warren Beatty oder Robert Redford. Warren Beatty wollte nur Figuren spielen, die den Kürzeren ziehen, obwohl er der attraktivste Mann der Welt war. Und Ryan sagt immer: „Weißt du, wen ich diesmal hervorheben will?“ – die Szene mit Lionel Boyce als Wachmann, in der er ihn in seine Geschichte einlädt und zu seinem Ebenbürtigen macht. Er schaut zu Rocky auf wie zu jemandem, der cooler ist als er, und will ihn beeindrucken. Er spielt die ganze Zeit „lass uns ein Team sein“.

Miller: Es ist das „Ich freue mich wirklich darauf, zusammenzuarbeiten“ – deshalb bewegt es einen. Nicht das „Ich bin jemand, der glaubt, besser zu sein als du.“

Lord: Und wenn er sich darüber beklagt, dass Rocky ein schwieriger Mitbewohner ist, überträgt er Rocky damit all diese Macht. Er drückt seine eigene Hilflosigkeit aus. Und Rocky ist dort gegen seinen Willen und gibt den Ton an.

Der Roman macht einen besseren Job als etwa „Armageddon“ dabei zu erklären, warum ein Nicht-Astronaut im All wäre. Falls Sie mit Ben Afflecks Kommentar dazu vertraut sind –
Miller: Eines der lustigsten Dinge, die ich je gehört habe.

Lord: Ich liebe diesen Film. Und eines der Dinge, die ich am meisten liebe –

Miller: Er ist in diesem Audiokommentar eindeutig betrunken.

Lord: Und haben Sie den Audiokommentar mit den Wissenschaftlern gehört? Es ist einer der seltenen Michael-Bay-Filme, der es in die Criterion Collection geschafft hat. Es gibt sechs Audiospuren. Eine davon ist die Wissenschaftler-Spur, in der sie über all die Dinge reden, von denen sie Michael sagten, dass sie nicht funktionieren würden. Und er sagte: „Haltet die Klappe.“ Und hat sie trotzdem gemacht.

Wissenschaft am Set

Wie sehr hat euch die wissenschaftliche Genauigkeit über das hinaus beschäftigt, was der Roman etabliert?
Lord: Wir waren ziemlich pingelig. Wir haben versucht, den Roman wie ein Sachbuch zu behandeln. Alles darin ist wahr, und wir versuchen, es so genau wie möglich darzustellen. Also hatten wir immer Spezialisten am Set.

Miller: Zum Glück war Andy [Weir] ziemlich oft am Set, und jedes Mal, wenn wir sagten: „Oh, wir brauchen Ryan, der Gleichungen auf dieses Board schreibt – was würden die sein?“ schrieb er die Gleichungen auf. Und dann haben wir Ryan ins Ohr geflüstert, was [Andy] gesagt hatte, damit Ryan die tatsächliche Mathematik basierend auf der Größe und dem Maßstab des Schiffs aus dem Film aufschreiben konnte – der sich von der Größe und dem Maßstab des Schiffs im Buch unterscheidet. Also hat er die ganze Mathematik neu berechnet und alles herausgefunden.

Lord: Wenn es Ungenauigkeiten in seiner Wissenschaft gibt, liegt das am Schnitt. Am Drehtag hat er jede einzelne Sache richtig gemacht.

Gab es Momente, in denen Andys Feedback am Set überraschend oder prägend war?
Miller: Ständig. Einen Film zu drehen ist etwas anderes als ein Buch zu schreiben, in dem man ein ganzes Kapitel darüber haben kann, wie wir das Schiff gewendet haben. Wir standen immer wieder vor der Situation: Wir müssen einen einfacheren Weg finden, von hier nach dort zu kommen. Und sein Ding ist – du hast ein Problem, das gelöst werden muss, er kommt mit fünf verschiedenen Lösungsansätzen. All seine Bücher handeln von Menschen, die Probleme kreativ lösen. Er sagte: „Okay, du könntest das machen, oder das, oder das.“ Und wir sagten: „Die dritte Option ist perfekt, danke.“

Hatte die Wahl, welchen Film ihr als nächstes inszenieren würdet, nach all dieser Zeit ein besonderes Gewicht?
Lord: Wir waren nach den „Spider-Verse“-Sachen und „The Afterparty“ durchaus auf der Suche nach dem nächsten Feature als Regisseure. Aber das hier war eine Überraschung. „Es gibt ein neues Manuskript, lies es heute Nacht. Ryan ist dabei. Bist du rein oder raus?“ Wir haben uns sehr schnell mit Aditya [Sood] besprochen, der unser Unternehmen leitet und Andy als Selfpublishing-Autor entdeckt und „The Martian“ aufgebaut hat. Und wir haben Drew zu „The Martian“ gebracht, also sagte er: „Leute, so fühlt es sich an, wenn ein Film zusammenkommt. Das ist der eine.“ Und als wir es lasen, war es wie: Das hat alles, was ich will. Unmögliche filmische Herausforderungen – die Figur ohne Gesicht. Es gibt eine Million Hindernisse zu überwinden, was uns begeistert. Und es geht um Freundschaft. Um das Universum zu retten, muss man einen Freund finden. Und wir wissen, wie man diese Geschichte erzählt. Oft bewerten wir es so: Ist das etwas, über das ich zwei Jahre lang nachdenken will?

Miller: Sind wir die richtigen, um diese Geschichte zu erzählen?

Lord: Und könnte jemand anderes das besser machen?

Animation trifft Live-Action

Miller: Und hier waren wir wie: Nein – das ist buchstäblich eine Geschichte über Freundschaft, die lustig und emotional ist, mit enormen Einsätzen und großer Dimension, und eine Figur, die jemanden mit einem Animationsgehirn braucht, um sie so zu realisieren, wie sie emotional sein muss. Abgesehen davon, dass das Buch uns einfach – wir waren vernarrt. Es hatte alle Zutaten der Dinge, die uns wichtig sind und die wir gerne tun.

„Animationsgehirn“ ist interessant, weil es nicht nur heißt „wir wissen, wie man Rocky macht.“ Schon in „21 Jump Street“ spürt man es – die Drogenrausch-Szene zum Beispiel, offen gesagt eine der großartigsten Dinge, die je gemacht wurden – da kommt das Animationsgehirn durch.
Miller: Es ist eine visuelle Sprache. Ein Ton. Eine der Lektionen aus den „Spider-Verse“-