50 Rock-Alben, die jeder Country-Fan besitzen sollte
50 Rock-Alben für Country-Fans – von „Sweetheart of the Rodeo“ bis Kings of Leon: LPs fürs Handschuhfach, die jede Jukebox rocken.
Die Liebesbeziehung zwischen Country-Musik und Rockmusik ist schon seit langem ein offenes Geheimnis. Aber jetzt, wo die Texte Einflüsse wie Konzert-T-Shirts aufweisen, ist der Honky-Tonk richtig heavy geworden. Lady Antebellum singt über einen Song von Def Leppard („Damn You Seventeen“).
Kenny Chesney schleicht eine Anspielung auf John Cougar Mellencamp („ American Kids”) und der mit seinem Verzerrerpedal glänzende Outlaw Eric Church schrieb einen ganzen Song über Bruce Springsteen (“Springsteen”) – ganz zu schweigen davon, dass das Genre Rock-Exilanten wie Bon Jovi und Darius Rucker mit offenen Armen empfing.
The Byrds, „Sweetheart of the Rodeo“ (1968)
Das Meisterwerk der Byrds aus dem Jahr 1968 ist ein Meilenstein der Sechziger, der ebenso epochalen Charakter hat wie „Sgt. Pepper’s“ oder „The Velvet Underground & Nico“. Es hat quasi den Gedanken geprägt, dass langhaarige Rocker Country-Musik mit Hingabe, Können und Emotion spielen können. Die Band hatte sich in der Vergangenheit schon ein wenig mit Country beschäftigt.
Aber als sie 1967 den aus Georgia stammenden Gram Parsons in ihre Besetzung aufnahmen, gingen sie aufs Ganze, nahm in Nashville auf und folgte Parsons‘ Idee der „Cosmic American Music“, um einen Sound zu schaffen, der Dylan („You Ain’t Goin‘ Nowhere“, „Nothing Was Delivered”), die Louvin Brothers („The Christian Life”), Woody Guthrie („Pretty Boy Floyd”), George Jones („You’re Still on My Mind”), Merle Haggard („Life In Prison”) und Stax-Soulman William Bell („You Won’t Miss Your Water”) in eine von Honky-Tonk geprägte Musik integrierte, die mit Rock’n’Roll-Drive gespielt wurde.
Sweetheart in die Grand Ole Opry
Die beeindruckendsten Momente sind „Hickory Wind“, Parsons‘ liebevolle Erinnerung an seine Heimat, und „One Hundred Years From Now“, das über Traditionalismus und Ehrfurcht hinausgeht und ihre eigene heraldische Vision von Country-Rock vermittelt. „Würde irgendjemand seine Meinung ändern?“, sangen sie und fragten sich, wie eine Zukunft aussehen würde, in der Amerikas Klassen- und regionale Vorurteile in einer harmonischen Glückseligkeit aufgehen würden.
Als sie diese Vision nach der Veröffentlichung von Sweetheart in die Grand Ole Opry trugen, mussten sie feststellen, wie weit ihre utopischen Ideen von der Realität entfernt waren, als ein herablassendes Publikum sie von der Bühne buhte. J.D.
Tony Joe White, „Black and White“ (1968)
Tony Joe White verwandelte die Sümpfe und Baumwollfelder seiner Umgebung in Louisiana in eine spannende, sofort erkennbare Songwriting-Sprache. Die Charakterbeschreibungen aus dem Bayou in „Polk Salad Annie”, das Platz acht der Billboard Hot 100 erreichte, wirkten fast wissenschaftlich detailliert, ohne dabei an Unterhaltungswert einzubüßen.
Was die rassischen Komplexitäten von „Willie and Laura Mae Jones” angeht – später adaptiert von Dusty Springfield –, vermittelte Whites emotionale Darbietung mehr wichtige Informationen als jeder Text. Zur filmischen Qualität von „Black and White“ trugen auch Whites lockere, ungeschliffene Umgangssprache und seine volle, kräftige Stimme bei, die von seinen charakteristischen spontanen Grunzlauten geprägt war. Auch auf der Mundharmonika war der Mann kein Unbekannter. R.F.
Creedence Clearwater Revival, „Bayou Country” (1969)
John Fogertys Tonfall in „Proud Mary” aus dem zweiten Album der kalifornischen Band war nicht gerade Country – aber er schien eindeutig vom Süden inspiriert zu sein, denn aus „burning” wurde „boynin’” und Fogerty von einem Mann erzählte, der dem Großstadtleben entfloh, um ein einfaches Arbeiterleben am Fluss zu führen.
George Jones nahm dies zur Kenntnis und coverte den Song zusammen mit Johnny Paycheck auf dem 1980 erschienenen Album „Double Trouble”. Der Triumph des Albums bestand jedoch darin, eine bestimmte Art von sumpfiger Delta-Soul mit swingenden Vamps einzufangen, die modernen Roots-Rock möglich machten und zeigten, dass es in Ordnung war, sein Herz nach Mississippi oder Tennessee zu schicken, auch wenn die wahren Vorfahren woanders lagen. Etwas, das sich später Australier Keith Urban und der ehemalige Arizonier Dierks Bentley zu Herzen nahmen. M.M.
The Flying Burrito Brothers, „The Gilded Palace of Sin” (1969)
Der verstorbene Gram Parsons war ein Rockstar, und zwar ein guter, aber was ihn zu einem großartigen Country-Sänger machte, war seine Besessenheit von Schuld und Sünde. Die Flying Burrito Brothers, die sich gründeten, nachdem Parsons und Chris Hillman die Byrds verlassen hatten, zeigten Parsons von seiner verzweifeltsten Seite und kombinierten nervösen Rock mit dem eindringlichsten Country-Singsang seit Hank Williams.
Die Steel-Gitarre von „Sneaky Pete” Kleinow klingt durchweg säuregetränkt, besonders in dem Album-eröffnenden Groupie-Klagelied „Christine’s Tune (Devil in Disguise)”. Aber das Entscheidende ist Parsons Frömmigkeit am Morgen danach in „Sin City”: „On the 31st floor/A gold-plated door/Won’t keep out the Lord’s burning rain.” D.M.
Bob Dylan, „Nashville Skyline” (1969)
Instrumental gesehen war dies Bob Dylans countrylastigstes Album, auf dem eine erstklassige Nashville-Band zu hören ist – die serenadenartige Pedal Steel von Pete Drake, der rollende Donner von Schlagzeuger Kenneth Buttrey und Charlie Daniels, ja, genau dieser Charlie Daniels, am Bass.
Es war auch der unbestreitbare Beweis dafür, dass Dylan klar wie eine Glocke singen konnte, wenn er wollte. Angesichts des historischen Kontexts – der Barden einer Generation, der das schrille politische Songwriting aufgab, um sich mit Johnny Cash in Music City zu vergnügen – war dies auch eines seiner rebellischsten Karriere-Statements (obwohl das twangige Album dennoch Platz drei der Billboard-Albumcharts erreichte). „Lay Lady Lay” war das Herzstück des Albums.
Aber „I Threw it All Away”, „Tonight I’ll Be Staying Here with You” und die Neuauflage von „Girl from the North Country” (mit Cash) bleiben drei seiner ehrfürchtigsten und schönsten Songs. R.F.
The Band, „The Band” (1969)
Dass der beste Song aller Zeiten über den Bürgerkrieg von einer zu vier Fünfteln kanadischen Band stammt (zumindest sang Levon Helm aus Arkansas die Leadstimme), ist eine Blamage für Amerika insgesamt (und insbesondere für die Konföderation). Aber nehmen Sie das dem allmächtigen „The Night They Drove Old Dixie Down“ nicht übel, das den verletzten Stolz des Südens wirkungsvoller zum Ausdruck brachte als jeder Versuch von Toby Keith.
Das zweite Album von The Band war ein Komplettpaket für fröhliche Quasi-Hippie-Americana, reich an tatsächlicher Geschichte und üppiger ländlicher Pornografie, von „Look Out Cleveland“ (na ja, ländlich genug) bis zum unheimlich funkigen „King Harvest (Has Surely Come)“.
Blake Sheltons fröhliche Derbheit oder Tim McGraws „Aw-Shucks“-Hymnen lassen sich bis hierher zurückverfolgen; und es ist immer noch das beste Szenario als Vorlage, wenn jemand wie Dierks Bentley sich an einem reduzierten, rootsigen Stil versucht. R.H.
Johnny Jenkins, „Ton-Ton Macoute!” (1970)
Johnny Jenkins wuchs im ländlichen Georgia auf und war ein hart arbeitender Gitarrist mit einer dröhnenden Stimme, der mit dem jungen Otis Redding in einer Blues-Gruppe namens „The Pinetoppers” spielte. Jenkins‘ raue, feurige Stimme und sein beneidenswertes Gitarrenspiel verliehen seinem Solo-Debütalbum „Ton-Ton Macoute!“ eine Wucht, die ihn zum Star hätte machen können – wenn nicht Slide-Gitarrist Duane Allman und mehrere andere Mitglieder seiner Begleitband die Band verlassen hätten, um die Allman Brothers zu gründen.
In Jenkins‘ fähigen Händen können Bob Dylans „Down Along the Cove“ und Dr. Johns „I Walk on Guilded Splinters“ (später von Beck für „Loser“ gesampelt) selbst die steifsten Beine zum Tanzen bringen. R.F.
Grateful Dead, „American Beauty“ (1970)
Country-Musik im engeren Sinne? Nein. Der Ansatz ist zu funky, die Texte zu nachdenklich und zu obskur. Aber die Grundthemen – 10 Variationen von „Ich bin zu Hause”, „Ich komme nach Hause” und „Herr, welche Schwierigkeiten stehen zwischen mir und meinem Zuhause?” – passen auf jeden Fall. Und der Sound ist so nah wie nie zuvor, lässt die Black-Hole-Erkundungen des Vorjahresalbums „Live/Dead“ hinter sich und setzt auf etwas Akustisches und Reines.
Das Wildeste hier, abgesehen von den Worten, die wie Sonnenschein leuchten, ist der Klang einer Pedal-Steel-Gitarre, die Garcia auf einer Tournee in Denver gekauft hatte. Damit man nicht vergisst, dass Merle Haggard aus Oildale stammt und Buck Owens sich in Bakersfield niedergelassen hat, erinnert die Band daran: Kalifornien ist trotz seiner Küstenlinie ein Agrarstaat, der genauso ländlich sein kann wie Texas. M.P.
Elvis Presley, „Elvis Country (I’m 10,000 Years Old)” (1971)
Elvis nahm während seiner gesamten Karriere Country-Musik auf – von Klassikern bei den Sun-Sessions in den 50er Jahren bis hin zu unverhohlenem Kitsch. Das 1971 erschienene Album „Elvis Country“ ist nicht so berühmt wie sein Comeback-Meilenstein „From Elvis In Memphis“ aus dem Jahr 1968, aber es ist eines seiner konsistentesten, thematisch stringenten Alben, auf dem er seine Stimme in grenzenloser, und eine Reihe von Songs auf, zu denen er eine tiefe Verbindung hatte.
Aufgenommen in den RCA Studios in Nashville mit Größen wie dem Gitarristen James Burton und dem Schlagzeuger Jerry Carrigan, spielt er Honky-Tonk, Bluegrass, Countrypolitan, Western Swing und Sun Records Rock & Roll (eine mitreißende Version von Jerry Lee Lewis‘ „ Whole Lotta Shakin‘ Goin‘ On“, aufgenommen in einem Take, als Elvis und Produzent Felton Jarvis feststellten, dass ihnen Material fehlte).
Seine bewegende Version von Willie Nelsons „Funny How Time Slips Away“, ein Song, den Al Green zwei Jahre später coverte, ist vielleicht der Höhepunkt des Albums, aber er bringt sogar etwas Soul in Anne Murra ein. J.D.
The Rolling Stones, „Sticky Fingers” (1971)
Von Anfang an schwelgten die Rolling Stones in typisch amerikanischen Genres wie Folk und Blues, daher war es nicht völlig überraschend, als sich Steel-Gitarren und ein Hauch von Country in die Alben der Band aus den späten Sechzigern einschlichen. Ihr Meisterwerk „Sticky Fingers” aus dem Jahr 1971 enthält die herzlichste Country-Ballade der Gruppe, das mitreißende „Wild Horses”, sowie ihre komischste und unaufrichtigste – „Dead Flowers“, in dem Mick Jagger seinen besten Südstaatenakzent imitiert, um zu Honky-Tonk-Piano und schlüpfriger Slide-Gitarre über eine zerbrochene Beziehung zu singen.
An anderer Stelle lauert Country im Schatten des epischen Schlussstücks des Albums „Moonlight Mile“ und des tragischen Folksongs „Sister Morphine“. Neben Blues-Songs wie „You Gotta Move“ und Hardrock-Nummern wie „Bitch“ kommen die Country-Momente des Albums umso eindringlicher zur Geltung. „Keith [Richards] war schon immer Country“, sagte Jagger 1968 gegenüber Rolling Stone. „Das war seine Szene.“ K.G.
